Brussel. Philharmonic. music. Ste phane Dene ve leiding direction piano Grande Salle Henry Le Bœuf. centre for fine arts. brussels

centre for fine arts brussels

Brussels Philharmonic music

28 JAN. ’16 Stéphane Denève leiding · direction Boris Giltburg piano Grote Zaal Henry Le Bœuf Grande Salle Henry Le Bœuf

Paleis voor Schone Kunsten Brussel Palais des Beaux-Arts Bruxelles

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Steinway Piano Gallery Belgium Pieter Van Reysschootlaan 2 B-9051 Ghent (Next to exit E40 - Sint-Denijs-Westrem) Pianos Maene Brussels Argonnestraat 37 B-1060 Brussels (Near to the railway station Brussels South) Other Showrooms in Antwerp and Ruiselede (headquarters and workshop)

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“After silence, that which comes nearest to expressing the inexpressible is music.” “Na de stilte komt muziek het dichtst bij het verwoorden van het onuitsprekelijke.” « Après le silence, ce qui exprime le mieux l’inexprimable est la musique. » Aldous Huxley

Programma · Programme, p. 2 Toelichting, p. 3 Clé d’écoute, p. 6 Biografieën · Biographies, p. 10 The Space between the Notes, p. 15 1

Brussels Philharmonic Stéphane Denève, leiding · direction Boris Giltburg, piano

Lera Auerbach °1973

Icarus, symfonisch gedicht ∙ poème symphonique (2006)

Dmitry Shostakovich 1906-1975

Concerto voor piano en orkest nr. 2, in F · Concerto pour piano et orchestre n° 2,  en fa majeur, op. 102 (1957) —— Allegro —— Andante —— Allegro pauze · pause signeersessie met Boris Giltburg tijdens de pauze · séance de dédicace avec Boris Giltburg pendant la pause

Pyotr Tchaikovsky 1840-1893

Symfonie nr. 4, in f · Symphonie n° 4, en fa mineur, op. 36 (1877) —— Andante sostenuto – Moderato con anima —— Andantino in modo canzona —— Scherzo – Allegro —— Finale: Allegro con fuoco 21:45 fin du concert · einde van het concert

met de steun van · avec le soutien de

Gelieve uit respect voor de artiesten en de muziek de stilte te bewaren. Schakel je gsm of elektronisch uurwerk uit en hoest niet onnodig. Het is verboden te fotograferen, te filmen en opnames te maken. Pour les artistes et la musique, merci de respecter le silence. Veillez à éteindre téléphones portables, montres électroniques et à réprimer les toux. Il est interdit de photographier, filmer et enregistrer.

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toelichting

Lera Auerbach Icarus Het jonge multitalent Lera Auerbach (°1973) is de nieuwe ster aan het Russische firmament en een van de meest uitgevoerde componisten van haar generatie. Ze is niet alleen componiste, maar ook pianiste, dichteres en plastisch kunstenares. Opgeleid als een van de laatste componisten binnen het Sovjetregime, verhuisde ze op 18-jarige leeftijd naar de Verenigde Staten en voltooide ze haar studie compositie in New York bij de Amerikaanse componist Milton Babbit. Brussels Philharmonic verzorgt vanavond de Belgische creatie van haar orkestwerk Icarus (2006), zes jaar na de wereldpremière in Washington. Icarus is geen beschrijving van de Griekse mythe maar een abstracte compositie. Auerbach bedacht de titel pas toen het werk af was. Ze associeerde het pas achteraf met het verhaal van Icarus. In een programmatoelichting verklaarde ze waarom. ‘De mythe van Icarus heeft me altijd geboeid,’ zo schrijft ze,’ als kind leefde ik in de wereld van het Oude Griekenland. Het boek met Griekse mythes was mijn lievelingsboek. De wereld van jaloerse goden en goddelijke mensen was voor mij veel realistischer dan de wereld buiten, vol met rode vlaggen (het rood van de Sovjetvlag symboliseerde het bloed van de helden van de Revolutie) en portretten van de Sovjet-Drieeenheid, Lenin-Marx-Engels en soms ook van Brezjnev die me met zijn borstelige wenkbrauwen aankeek

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van op de muren van gebouwen. Beide werelden vervaagden soms. Ik begreep de wereld buiten beter vanuit het perspectief van de mythes van het Oude Griekenland, waarin het wel eens gebeurde dat een machtig beschermende god al zijn kinderen verslond. Icarus was een van mijn helden (of anti-helden, afhankelijk hoe je het interpreteert), de gevleugelde jongen die het durfde om zeer dicht tegen de zon te vliegen. […] Daedalus waarschuwde Icarus niet te dicht tegen de zon te vliegen maar ook niet te dicht bij de zee. Waarom zou een tiener naar zijn vader luisteren? Uitzinnig door het gevoel van vrijheid, door zijn jeugdige overmoed en door het feit te kunnen vliegen, kwam hij steeds hoger en hoger tot zijn vleugels begonnen te smelten en hij in de oceaan viel. […] Wat de mythe zo pakkend maakt, is Icarus’ ongeduldige hart, zijn wens om het onbereikbare te bereiken, de intensiteit van zijn korte, extatische vlucht en het onvermijdelijke van zijn val. Indien Icarus veilig had gevlogen zou er geen mythe zijn. Zijn tragische dood is mooi. […] Daedalus was briljant, zijn vleugels waren perfect maar hij was ook een blinde vader die zijn zoon niet echt begreep. Hij begreep niet dat de weg naar de vrijheid uiteindelijk zou leiden naar het meest ultieme, de dood, en dat Icarus dit bereikt heeft dankzij zijn compromisloze jeugdige moed. Het verlangen naar vrijheid tot in zijn meest extreme vorm – een kleine cirkel waarin succes een mislukking is en vrijheid dood betekent. Het verlangen om grenzen te doorbreken en een vorm van extase te bereiken die visionair is en je vleugels geeft, is essentieel voor de mens’.

Dmitri Sjostakovitsj Concerto voor piano en orkest nr. 2, in F, op. 102 Terwijl Auerbach een van de laatste componisten is van het Sovjetregime, was Dmitri Sjostakovitsj (1906-1975) de eerste die volledig te situeren is binnen het communisme van de Sovjet-Unie. In tegenstelling tot Auerbach, die naar de Verenigde Staten uitweek, is Sjostakovitsj’ muzikale carrière niet los te denken van de politieke context van het Sovjetregime. Aanvankelijk werd hij op handen gedragen. Hij was nauwelijks twintig jaar, toen hij zijn eerste grote succes behaalde in 1925 met zijn Eerste symfonie, zijn eindwerk aan het Conservatorium van Leningrad. Begin jaren dertig kwam hij definitief op het voorplan en werd hij beschouwd als de meest vooraanstaande persoonlijkheid van de nieuwe Sovjetmuziek. Maar toen liep het mis. In 1936 blokletterde de partijkrant de Pravda “Chaos in de plaats van muziek” en maakte Sjostakovitsj’ opera De Lady Macbeth uit het district Mtsensk genadeloos af. Het is een van de schandelijkste kritieken uit de muziekgeschiedenis. Met deze publieke veroordeling toonde het regime dat zelfs de meest succesvolle componist de muzikale richtlijnen diende te volgen die de Partij en de Componistenbond hadden opgesteld. Sjostakovitsj moest zich verontschuldigen en zijn stijl aanpassen. Met zijn succesvolle Vijfde symfonie ‘rehabiliteerde’ hij zich een jaar later. Sjostakovitsj was het slachtoffer van een terreurregime dat hem psychologisch mishandelde. De Partij hanteerde een machtssysteem van ‘straffen en uitsluiten’ en ‘zalven en 4

re-integreren’. Vele van zijn vrienden haalden het echter niet, werden gedeporteerd, vermoord of vluchtten naar het Westen. Hoewel de dooi werd ingezet na de dood van Stalin in 1953, was Sjostakovitsj te hard door de repressies getroffen om ooit nog zorgeloos te kunnen leven. Hij componeerde zijn Tweede pianoconcerto als een verjaardagscadeau voor zijn 19-jarige zoon Maxim, een pianist. Vader en zoon voerden het werk uit op het toelatingsexamen voor het conservatorium van Moskou op 10 mei 1957, Maxims verjaardag. Het werd een onmiddellijk succes en meteen Sjostakovitsj’ meest populaire werk uit zijn laatste periode. Het is een van de vrolijkste stukken die hij ooit schreef. Volgens zijn biograaf Rabinovitsj toont Sjostakovitsj zich ‘alsof hij zijn eigen jeugd heeft teruggekregen’. In het trage tweede deel, het Andante, klinken enkel de strijkers met de piano: heel pakkend, gevoelig en melancholisch zonder hol of pathetisch te zijn. Geen vuurwerk, enkel een melodie vol verlangen.

Pjotr Tsjajkovski Symfonie nr. 4, in f , op. 36 Peter Tsjajkovski (1840-1893) behoorde nog tot het tsaristische Rusland waarin het muziekleven sterk werd bepaald door de Russische aristocratie. Na een moeilijke persoonlijke crisis met een zelfmoordpoging en een scheiding, lachte het leven hem opnieuw toe toen de miljonairsweduwe Nadezjda von Meck hem financieel wilde steunen met een jaargeld van 6000 roebel. In de

zomer van 1877 pakte hij de draad van zijn Vierde symfonie weer op. Op haar vraag naar de inhoud van zijn symfonie, lichtte hij – zeer uitzonderlijk – zijn bedoelingen toe. ‘Onze symfonie heeft een boodschap. […] De inleiding is de kiem, het basisconcept van het hele werk. Dit is het lot, de onontkoombare macht die ons streven naar geluk frustreert voordat we ons doel hebben bereikt. […] Het gevoel van totale wanhoop wordt steeds sterker en doordringender. Kan men zich niet beter van de werkelijkheid afkeren en zich overgeven aan dromen? […] In het leven wisselen de grimmige waarheid en vluchtige dromen van geluk elkaar af. […] Dit is zo ongeveer de inhoud van het eerste deel. Het tweede deel gaat over een andere lijdensfase. Nu is het de melancholie die over ons komt wanneer we ’s avonds alleen thuis zitten, […] Allerlei herinneringen aan vroeger wellen bij ons op.[…] In het derde deel worden geen gevoelens vertolkt. Hierin vinden we alleen speelse arabesken, ongrijpbare vormen […] Dan het vierde deel. […] Geluk bestaat, simpel en onbedorven. Wees blij met de anderen. Dat maakt het mogelijk te leven.’ Kristin Van den Buys

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clef d’écoute

Lera Auerbach Icarus La jeune Lera Auerbach (°1973) est la nouvelle étoile de la scène musicale russe et l’une des compositrices les plus jouées de sa génération. Son talent s’exprime en outre sous une multitude de formes, puisqu’elle est également poète et plasticienne. Elle est l’une des dernières compositrices à avoir suivi sa formation sous le régime soviétique, mais s’est installée aux États-Unis à l’âge de 18 ans et a terminé ses études à New York, auprès du compositeur américain Milton Babbit. Le Brussels Philharmonic interprète ce soir la création belge de son œuvre orchestrale Icarus (2006), dont la première mondiale a eu lieu à Washington il y a six ans. Icarus n’est pas une mise en musique du mythe grec d’Icare, mais plutôt une composition abstraite. Lera Auerbach n’a d’ailleurs donné ce titre à son œuvre qu’après l’avoir achevée. Elle a livré quelques réflexions sur sa démarche dans un programme. « Le mythe d’Icare m’a toujours fascinée. Enfant, je vivais dans l’univers de la Grèce antique. Mon livre préféré était un livre de mythologie grecque. Ce monde peuplé de dieux jaloux et d’humains de nature divine me semblait beaucoup plus réel que celui que je voyais de ma fenêtre, un monde rempli de drapeaux rouges (le rouge du drapeau soviétique symbolisait le sang des héros de la Révolution) et de portraits de la «sainte trinité» soviétique : Lénine-Marx-Engels – et parfois de Brejnev, dont le regard surmonté de

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sourcils broussailleux me fixait. À certains moments, ces deux univers se confondaient. Je comprenais mieux le monde réel en l’appréhendant à travers les mythes de la Grèce antique, où il était assez fréquent qu’un dieu protecteur dévore tous ses enfants. Icare, le jeune homme ailé qui osa voler tout près du soleil, était l’un de mes héros préférés (ou anti-héros, selon l’interprétation qu’on donne au mythe) […] Dédale, qui avait fabriqué les ailes, l’avait mis en garde : il ne devait pas s’approcher trop près du soleil ni de la mer. Mais a-t-on jamais vu un adolescent écouter son père ? Enivré par sa liberté toute neuve, l’audace de la jeunesse et la sensation grisante de pouvoir voler, Icare s’élança et monta toujours plus haut, si haut que la cire qui faisait tenir les plumes de ses ailes commença à fondre. Il tomba dans l’océan. […] Ce qui rend le mythe si touchant, c’est l’impatience d’Icare, son envie d’atteindre l’inatteignable, l’intensité de son vol aussi bref qu’extatique et le caractère inéluctable de sa chute. Si Icare avait sagement suivi les conseils de son père, il n’y aurait pas eu de mythe. Sa mort tragique est d’une grande beauté.[…] Dédale était brillant, ses ailes étaient parfaites, mais il était aussi un père aveugle, qui ne comprenait pas vraiment son fils. Il n’avait pas saisi que le chemin vers la liberté menait aussi à la forme de liberté la plus absolue – la mort. Contrairement à Icare, qui portait en lui la folle témérité de la jeunesse. Il incarne le désir de liberté dans son expression la plus extrême – un cercle où la réussite implique l’échec et où la liberté signifie la mort. Ce désir d’aller au-delà des limites et cet envol vers une extase visionnaire sont profondément humains. »

Dimitri Chostakovitch Concerto pour piano n° 2 en fa majeur, opus 102 Si Lera Auerbach est l’une des dernières compositrices formées sous le régime soviétique, Dimitri Chostakovitch (1906-1975) fut le premier à s’inscrire pleinement dans le communisme de l’Union soviétique. Contrairement à elle cependant, qui émigra aux ÉtatsUnis, Chostakovitch mena une carrière musicale indissociable du contexte politique. Il reçut dans un premier temps les plus grands honneurs. Âgé d’à peine vingt ans, il remporta son premier grand succès en 1925 avec sa Première Symphonie, une œuvre présentée comme travail final au conservatoire de Leningrad. Au début des années 1930, il était considéré comme une figure incontournable et la personnalité la plus emblématique de la nouvelle musique soviétique. Ensuite cependant, il tomba en disgrâce. En 1936, la Pravda, le journal du parti, publia un article intitulé « Le chaos remplace la musique ». Cette critique incendiaire – l’une des plus virulentes de l’histoire de la musique – visait l’opéra Lady Macbeth de Mtsensk. À travers cette condamnation publique, le régime se livrait à une démonstration de force et soulignait que même le compositeur le plus encensé devait se conformer aux directives musicales édictées par le Parti et l’Union des compositeurs. Chostakovitch dut présenter des excuses et modifier son style. Un an plus tard, sa Cinquième symphonie fut un succès et marqua sa

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« réhabilitation ». Chostakovitch fut la victime d’un régime de terreur fondé sur la maltraitance psychologique. Pour asseoir son pouvoir, le Parti avait mis en place un système basé sur l’alternance des ‘sanctions-exclusions’ et des ‘retours en grâce-réintégrations’. Nombre de ses amis furent déportés, assassinés ou s’enfuirent à l’Ouest. La pression se relâcha après la mort de Staline en 1953, mais Chostakovitch avait été trop profondément affecté par la dureté des répressions pour pouvoir reprendre une existence insouciante. Il composa son Concerto pour piano n° 2 pour les 19 ans de son fils Maxim, pianiste. Tous deux jouèrent ce morceau lors de l’examen d’admission au conservatoire de Moscou le 10 mai 1957, le jour de l’anniversaire de Maxim. L’œuvre fut d’emblée acclamée et devint la plus populaire de la dernière période de création de Chostakovitch. Ce concerto est aussi l’une des compositions les plus joyeuses qu’il ait écrites. D’après son biographe Rabinovitch, Chostakovitch « semblait avoir retrouvé sa propre jeunesse ». Dans l’Andante, le deuxième mouvement, plus lent, seuls les instruments à cordes répondent au piano : l’ensemble est très émouvant, sensible et mélancolique, mais sans effets faciles ni pathos. Point de flamboyance ici, mais juste une mélodie où résonnent des aspirations passionnées.

Peter Tchaïkovski Symphonie n° 4 en fa mineur, opus 36 Peter Tchaïkovski (1840-1893) appartenait encore à la Russie des tsars, sous laquelle la vie musicale était fortement dictée par l’aristocratie russe. Après une période très éprouvante, marquée par une tentative de suicide et un divorce, la chance lui sourit de nouveau lorsque Nadezjda von Meck, veuve d’un riche baron, devint son mécène et offrit de lui verser une rente annuelle de 6000 roubles. Au cours de l’été 1877, il reprit sa Quatrième symphonie. Lorsque la baronne voulut en savoir plus sur le contenu de cette œuvre, il lui exposa ses intentions – ce qui était tout à fait inhabituel chez lui. « Il y a bien un programme dans notre symphonie.[…] L’introduction est le germe, son idée principale. C’est le fatum, cette force inéluctable qui empêche l’aboutissement de l’élan vers le bonheur […] Ce sentiment sans joie et sans espoir se fait de plus en plus fort et brûlant. Ne vaut-il pas mieux se détourner de la réalité et s’adonner au rêve ? […] Et c’est ainsi que toute la vie humaine est une alternance perpétuelle entre une réalité pénible et des rêves de bonheur fugitifs. […] Voilà approximativement le programme du premier mouvement. Le deuxième mouvement exprime une autre phase de l’angoisse. C’est cet état mélancolique que l’on éprouve le soir, lorsqu’on est seul […] On est assailli par un essaim de souvenirs.[…]

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Le troisième mouvement n’exprime pas de sentiments définis. Ce sont des arabesques capricieuses, des images insaisissables […] Quatrième mouvement. […] Il existe des joies simples mais fortes. Réjouis-toi de la joie des autres. On peut quand même vivre. » Kristin Van den Buys

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© Sasha Gusov

© Bram Goots

biografieën · biographies

Stéphane Denève leiding · direction NL Studeerde orkestdirectie aan het conservatorium van Parijs. Begon zijn carrière als assistent bij Sir Georg Solti, Seiji Ozawa en Georges Prêtre bij het Orchestre de Paris en de Opéra National de Paris. 1997-2001: vaste dirigent bij de Deutsche Oper am Rhein. Vanaf september 2015 muziekdirecteur van Brussels Philharmonic. Gastdirigent bij gerenommeerde huizen als het Royal Opera House in Londen, de Opéra National de Paris en de Scala van Milaan. Dirigeert ook symfonisch werk. Werkte in die hoedanigheid met orkesten als het Koninklijk Concertgebouworkest, het Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, het London Symphony Orchestra en de Wiener Symphoniker. Speelt een breed repertoire, maar heeft grote affiniteit met Franse muziek en zet zich speciaal in voor 21e-eeuwse muziek. FR A étudié la direction d’orchestre au conservatoire de Paris. Débute sa carrière en tant qu’assistant de Sir Georg Solti, Seiji Ozawa et Georges Prêtre à l’Orchestre de Paris et à l’Opéra National de Paris. 1997-2001 : chef attitré du Deutsche Oper am Rhein. Directeur musical du Brussels Philharmonic depuis septembre 2015. Chef invité auprès d’institutions renommées telles que le Royal Opera House de Londres, l’Opéra National de Paris et la Scala de Milan. Outre l’opéra, dirige aussi des œuvres symphoniques, notamment à la tête de phalanges telles que le Koninklijk Concertgebouworkest, le Symphonieorchester des Bayerischen

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Rundfunks, le London Symphony Orchestra ou encore le Wiener Symphoniker. Interprète un large répertoire, avec une affinité particulière pour la musique française. Accorde une place importante à la musique du XXIe siècle.

Boris Giltburg piano NL Geboren in Moskou in 1984. Groeide op in Tel Aviv, Israël. Kreeg daar zijn eerste pianolessen van zijn moeder, en studeerde vervolgens bij Arie Vardi. Won de Paloma O’Shea Santander International Piano Competition (2002), behaalde de Tweede Prijs op de Rubinstein International Piano Master Competition (2011) en was Eerste Laureaat van de Koningin Elisabethwedstrijd in 2013. Bouwde sindsdien een internationale carrière uit, met optredens in befaamde concertzalen als de Weense Musikverein, het Gewandhaus in Leipzig en het London Southbank Centre. Speelde met orkesten als Seattle Symphony, London Philharmonic en St. Petersburg Philharmonic. Bracht in 2013 het album Romantic Sonatas uit (Orchid Classics, 2013), dat een criticus van The Telegraph als volgt prees: “Zijn virtuositeit staat buiten kijf, maar wat hij ermee doet, maakt het verschil. Giltburg heeft emotionele kracht, maar er is ook een gevoelige ingetogenheid.” In 2015 bracht Naxos Records zijn opname van werken van Schumann uit.

FR Naît à Moscou en 1984. Grandit à Tel Aviv en Israël. Apprend le piano avec sa mère avant d’approfondir la connaissance de l’instrument avec Arie Vardi. Remporte la Paloma O’Shea Santander International Piano Competition en 2002 et le deuxième prix de la Rubinstein International Piano Master Competition en 2011. Premier Lauréat du Concours Reine Élisabeth en 2013. Entame ensuite une carrière internationale, se produisant dans des salles renommées telles que le Musikverein de Vienne, le Gewandhaus de Leipzig et le Southbank Centre de Londres. Côtoie des orchestres tels que le Seattle Symphony, le London Philharmonic et le St.Petersburg Philharmonic. À la sortie de son album Romantic Sonatas (Orchid Classics, 2013), un critique du Telegraph a noté à son sujet : « La virtuosité de Giltburg est des plus impressionnantes, mais c’est la façon dont il l’utilise qui fait la différence. Il est doué d’une grande puissance émotionnelle, mais fait également preuve d’une réserve très sensible. » En 2015, son album dédié à Schumann est paru chez Naxos Records.

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Brussels Philharmonic NL In 1935 opgericht als orkest van de openbare omroep (NIR). Werd in 1998 onafhankelijk als Vlaams Radio Orkest. Omgedoopt tot Brussels Philharmonic, met Michel Tabachnik als artistiek directeur van 2008 tot 2015. Stéphane Denève volgde hem op in die functie vanaf het seizoen 2015-2016. Bouwt met Denève een nieuw platform uit, het Centre for Future Orchestral Repertoire, dat informatie over symfonische composities vanaf 2000 verzamelt. Heeft een voorliefde voor het grote repertoire van de 20e eeuw, hedendaagse en filmmuziek. Verzorgde de opname van de Oscar-winnende muziek voor de film The Artist in 2011. Geeft wereldwijd concerten. Discografie met partners: Vlaamse componisten (Klara), filmmuziek (Filmfestival Gent), enz. Oprichting van het eigen label Brussels Philharmonic Recordings in 2011. Instelling van de Vlaamse Gemeenschap.

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FR Fondé en 1935 comme orchestre du service public (INR). Indépendance en 1998 sous le nom de Vlaams Radio Orkest. Rebaptisé Brussels Philharmonic, avec M. Tabachnik comme directeur artistique de 2008 à 2015. À partir de 2015-16, direction artistique assurée par Stéphane Denève. Avec ce dernier, met en place une plateforme, le Centre for Future Orchestral Repertoire, collectant de l’information relative à la musique symphonique du XXIe siècle. Répertoire de prédilection : les grandes œuvres des XXe et XXIe siècles et la musique de film. Enregistre la bande originale oscarisée du film The Artist en 2011. Concerts de par le monde. Discographie avec partenariats : Klara (compositeurs flamands), le Festival du Film de Gand (musiques de film)… Crée son propre label Brussels Philharmonic Recordings en 2011. Institution de la Communauté flamande.

eerste viool · premier violon Henry Raudales (concertmeester · Konzertmeister) Bart Lemmens (1) Virginie Petit (3) Annelies Broeckhoven Stefan Claeys Daniela Rapan Anton Skakun Philippe Tjampens Stefanie Van Backlé Veerle Van Roosbroeck Gillis Veldeman Eva Bobrowska Elizaveta Rybentseva Charles Wieder tweede viool · second violon Mari Hagiwara (1) Mark Steylaerts (3) Bartlomiej Ciaston Caroline Chardonnet Ion Dura Bruno Linders Eléonore Malaboeuf Karine Martens Sayoko Mundy Francis Vanden Heede Vania Batchvarova Cristina Constantinescu altviool · alto Nathan Braude (1) Griet François (3) Philippe Allard Benjamin Braude Agnieszka Kosakowska Maryna Lepiasevich

Barbara Peynsaert Stephan Uelpenich Patricia Van Reusel cello · violoncelle Karel Steylaerts (1) Kirsten Andersen Jan Baerts Barbara Gerarts Julius Himmler Emmanuel Tondus Elke Wynants Paul Stavridis contrabas · contrebasse Jan Buysschaert (1) Sandor Budai Thomas Fiorini Simon Luce Philippe Stepman Koenraad Hofman fluit · flûte Wouter Van den Eynde (1) Dirk De Caluwé (3) Eric Mertens hobo · hautbois Joost Gils (1) Lode Cartrysse (3) Maarten Wijnen klarinet · clarinette Eddy Vanoosthuyse (1) Anne Boeykens (2) Midori Mori (3) fagot · basson Karsten Przybyl (1) Jonas Coomans (3) Alexander Kuksa

(1) lessenaaraanvoerder · chef de pupitre (2) co-lessenaaraanvoerder · co-chef de pupitre (3) solist · soliste

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hoorn · cor Hans van der Zanden (1) Mieke Ailliet (3) Pierre Buizer Margaux Ortman trompet · trompette Ward Hoornaert (1) Rik Ghesquière Luc Sirjacques trombone David Rey (1) Lode Smeets Tim Van Medegael tuba Jean Xhonneux (3) pauken · timpani Gert François (1) slagwerk · percussion Gert D’Haese (3) Tom De Cock (3) Pieter Mellaerts (3) Tom Pipeleers Bart Swimberghe theremin · thérémine Thorwals Jorgensen (3) harp · harpe Eline Groslot (3) Karen Peeters keyboard Catherine Mertens (3) Anastasia Goldberg (3)

the space between the notes Schrijvers over muziek De la musique et des mots

Philippe Claudel Sergei Rachmaninov BOZAR vroeg 10 auteurs een tekst te schrijven over een concert dat dit seizoen in het Paleis voor Schone Kunsten plaatsvindt. De literaire hommages aan hun favoriete componisten en muzikanten zijn elke maand te lezen in de concertprogrammaboekjes. De teksten worden ook gebundeld in de aparte publicatie The Space between the Notes. Philippe Claudel schreef over Sergej Rachmaninov naar aanleiding van een uitvoering van diens werk op 27 januari 2016. BOZAR a demandé à 10 écrivains de rédiger un texte sur un concert organisé durant cette saison au Palais des Beaux-Arts. Au fil de l’année, vous découvrirez dans nos programmes l’hommage que chacun rend à son compositeur et musicien préféré. Ces textes feront également l’objet du recueil The Space between the Notes. Philippe Claudel partage sa passion pour Sergueï Rachmaninov à l’occasion d’un concert consacré au compositeur le 27 janvier 2016.

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Twintig lentes Het was een herfstdag en het zonlicht priemde door de esdoorns die aan weerskanten van een straat in de wijk Outremont stonden. Ik was twintig. Ik was verliefd. De bomen waren bloedrood en sommige lieten in de wind hun gouden blaadjes los die als lichte muntstukken de trottoirs bedekten met een weelderig gatentapijt. Ik glimlachte. Ik was alleen en ik glimlachte. Ik liep te luisteren naar de muziek van een versleten cassettebandje in mijn walkman. Rachmaninov. Sonate nr. 1, opus 28. Soms werd ik verblind door de zon in het blauw van de lucht en kneep ik mijn ogen dicht. Dan zag ik het gezicht van Martha, haar hoge jukbeenderen, haar roze lippen, en kon ik in mijn handpalmen weer de vorm voelen van haar borsten met hun bruine puntjes, en hun warmte. De muziek leek op een waterval, een geruis, een eindeloos neerstorten. Ze dijde uit over het weidse, met hemellichamen bezaaide heelal, het gewemel van sterren in de zomernachten die voor mij de nachten van Martha waren als we op het gazon van het Parc du Mont Royal, in de buurt van de chemin Remembrance, lagen te kijken naar de zwarte hemel die door het glinsterende zaad van de sterren werd bevrucht. Urenlang bleven we in de zoele nacht hand in hand liggen, ervan dromend ons hele leven zo naast elkaar naar de hemel te kijken en de nachten door te brengen op het ritme van de wentelende aarde, onze wederzijdse eden en zachte zoenen. En met de zelfverzekerdheid van mijn twintig lentes liep ik op het trottoir van Outremont, in de vaste overtuiging dat Martha altijd van me zou houden en dat ik altijd van haar zou houden, met mijn lachen, mijn dromen, gedragen door de 16

klaterende akkoorden van Rachmaninov, zijn heftige nuances waarvan ik bijwijlen de weemoed bestempelde als het verdriet van een wispelturig kind. Ik liep naar Martha. Ik liep naar onze grote liefde. De muziek was water, golf, deining en branding, heldere regen op de tuinen van de dageraad. Ze was ook de glimlach van Martha. Ook en vooral. Voor eeuwig gevangen in onze gebundelde jeugd waaruit dood en verval waren verdwenen, op zoek naar andere prooien. Twintig lentes. Luchtkasteel. Verloren land. Nu bestaat de sonate van Rachmaninov alleen nog uit schaduw. Het water is zwart geworden. De blaadjes van de esdoorn verloren hun bloed in roerloze plassen. Ze rotten er en drinken de duisternis op. Aan de einder doemt de lijkstoet op. De botten dansen er en botsen, grijnzen en breken. De doden dansen hun macabere rondedans en nodigen ons uit. Mijn twintig lentes zijn overleden. Martha is al lang voor een ander bij me weggegaan. Ik woon in een ander land. Ik woon in een ander lichaam. Ik heb me ontdaan van mijn dromen, zoals je vuile, versleten kleren weggooit. Het leven drijft me voort naar de andere oever. Het gaat dus nog altijd over water, en over een eiland dat we op een dag raden, rotsig en begroeid met jeneverbessen, cipressen en mirten. We verlangen er naar de verloren hoogtijd van onze kinderjaren en naar de strelende wind van de stilte die wordt geveinsd door noten en akkoorden, maar die ten langen leste altijd, als enige, zegeviert. Vertaling: Katelijne De Vuyst

Vingt ans Il y avait l’automne, et le soleil venait au travers des érables qui bordaient une rue du quartier d’Outremont, à Montréal. J’avais vingt ans. J’étais amoureux. Les arbres étaient rouge sang et quelquesuns, dans le vent, laissaient aller leurs feuilles d’or comme des monnaies légères qui se posaient sur les trottoirs en un tapis somptueux et troué. Je souriais. J’étais seul et je souriais. Je marchais en écoutant la musique d’une cassette usée glissée dans mon baladeur. Rachmaninov. Sonate no 1, opus 28. Parfois le soleil dans le bleu du ciel m’aveuglait et je fermais les yeux. Je voyais alors le visage de Martha, ses pommettes hautes, son petit nez, ses lèvres roses, et je sentais dans ma paume encore la forme de ses seins aux pointes brunes, et leur chaleur. La musique me semblait une cascade, un ruissellement, une chute sans fin. Tout cela prenait l’ampleur constellée de l’univers, le fourmillement d’étoiles des nuits d’été qui étaient pour moi les nuits de Martha quand tous deux couchés dans les pelouses du Parc du Mont Royal, non loin du chemin de Remembrance, nous regardions le ciel noir fécondé de la semence scintillante des étoiles. Nous restions des heures, dans la tiédeur de la nuit, à nous tenir la main, à nous rêver ainsi la vie durant, l’un contre l’autre, regardant le ciel et traversant la nuit au fil du tournoiement de la terre, des baisers doux et des serments que nous échangions. Et je marchais sur le trottoir d’Outremont, avec l’assurance de mes vingt ans, l’assurance que Martha m’aimerait toujours, et que je l’aimerais toujours, avec mes rires, mes rêves, 17

porté par les accords éparpillés de Rachmaninov, ses colorations violentes dont la mélancolie parfois ne me paraissait alors qu’un chagrin d’enfant fugace. Je marchais vers Martha. J’allais vers notre grand amour. La musique était eau, vague, sac et ressac, pluie claire sur les jardins de l’aube. Elle était le sourire de Martha aussi. Aussi et surtout. À jamais saisie dans notre jeunesse confondue d’où le déclin et la mort s’étaient absentés, occupés qu’ils étaient à traquer d’autres proies. Vingt ans. Petit mirage. Pays perdu. Aujourd’hui, la sonate de Rachmaninov n’est plus qu’ombre. L’eau est devenue noire. Les feuilles d’érable ont perdu leur sang dans des mares immobiles. Elles y pourrissent et boivent les ténèbres. C’est le convoi funèbre qui occupe l’horizon. Macabrement les os dansent et s’entrechoquent, ricanent et se fracassent. Les morts dansent en rond et nous invitent. Mes vingt ans sont défunts. Martha depuis longtemps m’a quitté pour un autre. J’ai changé de pays. J’ai changé de corps. Je me suis dépouillé de mes rêves, comme on jette des vêtements sales et trop usés. La vie me pousse vers l’autre rive. Il est donc encore question d’eau, et d’une île que tous nous devinons un jour, rocheuse et peuplée de cyprès, de myrte et de genièvre. Nous y espérons la douceur perdue du haut temps de l’enfance et le vent caressant du silence, celui que feintent notes et accords, mais qui demeure au bout du compte, toujours, et seul vainqueur.

NL Philippe Claudel is scenarioschrijver, filmregisseur en auteur. Literatuurliefhebbers kennen hem als de auteur van succesromans als Grijze zielen en Het verslag van Brodeck. Bij filmliefhebbers is hij bekend als de regisseur van Il y a longtemps que je t’aime en Avant l’hiver, met glansrollen voor Kristin Scott Thomas en Daniel Auteuil.

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FR Considéré comme l’un des meilleurs auteurs contemporains, Philippe Claudel est à la fois enseignant, scénariste et écrivain. Les amateurs de littérature connaissent Philippe Claudel comme auteur de romans à succès tels que Les Âmes grises et Le Rapport de Brodeck. Il est également connu des cinéphiles comme réalisateur d’Il y a longtemps que je t’aime et d’Avant l’hiver avec Kristin Scott Thomas et Daniel Auteuil dans les rôles principaux.

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