Deutsche Radio Philharmonie Kaiserslautern

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music

Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern 26 FEB. ’16 Pietari Inkinen leiding · direction Sabine Meyer klarinet · clarinette Grote Zaal Henry Le Bœuf · Grande Salle Henry Le Bœuf

Paleis voor Schone Kunsten Brussel Palais des Beaux-Arts Bruxelles

“After silence, that which comes nearest to expressing the inexpressible is music.” “Na de stilte komt muziek het dichtst bij het verwoorden van het onuitsprekelijke.” « Après le silence, ce qui exprime le mieux l’inexprimable est la musique. » Aldous Huxley

Programma · Programme, p. 2 Toelichting, p. 3 Clé d’écoute, p. 6 Biografieën · Biographies, p. 10 The Space between the Notes, p. 15 1

Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern Pietari Inkinen, leiding · direction Sabine Meyer, klarinet · clarinette

Tōru Takemitsu 1930-1996

Fantasma/Cantos, voor klarinet en orkest · pour clarinette et orchestre (1991)

Jean Sibelius 1865-1957

Scène met kraanvogels · Scène avec grues, uit · extr. Kuolema, op. 44 (1906)

Wolfgang Amadeus Mozart 1756-1791

Concerto voor klarinet en orkest in A · Concerto pour clarinette et orchestre en la majeur, KV 622 (1791) - Allegro - Adagio - Rondo: Allegro pauze · pause

Ludwig van Beethoven

Symfonie nr. 5 in c · Symphonie n° 5 en ut mineur, op. 67 (1805-1808) - Allegro con brio - Andante con moto - Allegro - Allegro 22:00 Einde van het concert · Fin du concert

Gelieve uit respect voor de artiesten en de muziek de stilte te bewaren. Schakel je gsm of elektronisch uurwerk uit en hoest niet onnodig. Het is verboden te fotograferen, te filmen en opnames te maken. Pour les artistes et la musique, merci de respecter le silence. Veillez à éteindre téléphones portables, montres électroniques et à réprimer les toux. Il est interdit de photographier, filmer et enregistrer.

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toelichting

In het programma van de Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken krijgt de klarinet veel aandacht. Het instrument werd door vader en zoon Denner in Nürnberg ontwikkeld en was vanaf 1710 in gebruik. Pas in 1749 kwam het in het orkest terecht dankzij Rameau’s Zoroastre. Met de vermaarde Duitse klarinettiste Sabine Meyer hebben we een soliste van formaat te gast. De klarinet als solo-instrument werd lang ondergewaardeerd maar veroverde dankzij haar opnieuw het concertpodium. Na de pauze horen we Beethovens Vijfde. De uitzending op Radio London van de eerste vier noten – drie korte en één lange, het morseteken voor de letter ‘V’, symbool voor ‘Victory’ – bij het einde van de Tweede Wereldoorlog in 1945 wijst op de universele status die deze symfonie doorheen de geschiedenis heeft verworven en nog steeds heeft.

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Tōru Takemitsu Fantasma/Cantos, voor klarinet en orkest Tōru Takemitsu (1930-1996) is zonder twijfel de bekendste Japanse componist ooit. Dat dankt hij niet alleen aan zijn symfonische muziek of kamermuziek, maar ook aan zijn composities voor bijna 100 films, zoals Seppuku (1962) en Kurosawa’s Ran (1985). Seppuku luidde het begin in van de vermenging van traditionele Japanse instrumenten met het klassieke westerse orkest. In 1957 brak Takemitsu door met zijn Requiem voor strijkers, ter nagedachtenis van de Japanse componist Hayasaka. Dat Requiem, onder meer door Stravinski meteen als een meesterwerk bestempeld, geldt nog steeds als een van zijn beste werken. Het altvioolconcert. A String around Autumn (1989) vat Takemitsu’s latere stijl treffend samen: meditatief-dromerig, sensueel georkestreerd en doordrongen van natuursymboliek (water, regen, rivieren, bomen, tuinen, landschappen…). Fantasma/Cantos uit 1991 is een eendelig concerto voor klarinet dat Takemitsu schreef in opdracht van de BBC voor het BBC Welsh Symphony Orchestra, dat het werk in première bracht op 14 september 1991. Takemitsu beschreef het concerto als volgt: “De structuur van het werk is beïnvloed door Japanse landschaps-wandeltuinen. Je wandelt langs het pad en blijft hier en daar staan om te mijmeren. Uiteindelijk bevind je je opnieuw op de plaats waar je vertrokken was. Toch is dit niet meer dezelfde startplaats.” Takemitsu’s muziektuin gaat niet over voortgang, maar over de aaneenschakeling van afzonderlijke momenten. Elk moment kan worden gezien als een subtiele

toevlucht voor contemplatie, terwijl het gevoel van circulaire tijd wordt ondersteund door de tred van de wandelaar, belichaamd door de soloklarinet.

Wolfgang Amadeus Mozart

Jean Sibelius

Concerto voor klarinet en orkest in A, KV 622

Scène met kraanvogels, uit Kuolema, op. 44

Het in oktober 1791 gecomponeerde Concerto voor klarinet is de instrumentale zwanenzang van Mozart (1756-1791). Hij schreef het werk voor de klarinetvirtuoos Anton Stadler (1753-1812), met wie hij nauw bevriend was – ze waren beiden vrijmetselaars bij de loge Au palmier. Mozart toonde vooral op het einde van zijn leven interesse voor dit instrument. Dit blijkt uit zijn opera La Clemenza di Tito, uit de laatste symfonieën en uit diverse kamermuziekstukken waaronder het vermaarde Kwintet KV 581. Ook in zijn Concerto KV 622 slaagt Mozart erin om alle kwaliteiten van het instrument te illustreren. Gedurende het hele eerste deel van het concerto wordt het ogenschijnlijk onschuldige muziekmateriaal gekleurd met donkerdere nuances. Het getuigt van Mozarts ongeëvenaarde vermogen om muziek te componeren met een zware emotionele geladenheid achter een fijne sluier van bedachtzaam en fijngevoelig optimisme. Hij wendt alle klankkleuren van het solo-instrument aan en haalt het meest opmerkelijke uit de diverse registers. Het elegante Adagio brengt ons in verrukking door de tegelijk melancholische en serene sfeer. Dit gezang is van een vlekkeloze bevalligheid en eenvoud. Het finale Rondo contrasteert met de vorige

Jean Sibelius (1865-1957) was volop aan het werk aan zijn Vioolconcerto toen de Finse schrijver en dramaturg Arvid Järnefelt hem in 1903 vroeg de toneelmuziek te schrijven voor zijn nieuwe productie Kuolema (De dood). Sibelius kon zijn schoonbroer niet in de kou laten staan en voorzag hem binnen de vooropgestelde termijn van zes korte stukjes muziek voor strijkorkest, die hij tijdens de première van het toneelstuk in Helsinki op 2 december 1903 zelf dirigeerde. Vooral de muziek bij de eerste scène, een wals, viel in goede aarde. Aangestoken door het succes gaf Sibelius quasi onmiddellijk de toelating om dit stuk uit te geven als een zelfstandige compositie: het werd de beroemde Valse triste. Twee jaar later zou hij hetzelfde doen met de derde en de vierde scène, gezamenlijk gepubliceerd als Kurkikohtaus (Scène met kraanvogels, 1906). Om het geheel kleurrijker te maken, voegde hij aan de oorspronkelijke strijkersbezetting een fluit, een klarinet, twee hoorns en pauken toe.

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beweging. We horen een spel van elkaar afwisselende coupletten en refreinen die aanleiding geven tot subtiele dialogen tussen het orkest en de solist, waarin deze laatste zijn virtuositeit tentoon kan spreiden. Het optimistische slot verdrijft voorgoed de vage schaduwen van onrust waarin deze laatste beweging gedompeld was.

Ludwig van Beethoven Symfonie nr. 5 in c, op. 67 Beethoven heeft vier jaar lang aan zijn Vijfde symfonie gewerkt. De eerste schetsen dateren uit 1805. Verschillende keren onderbrak Beethoven het werk aan de Vijfde voor een andere compositie. Zo kreeg hij in de herfst van 1806 van hertog Franz von Oppersdorff de opdracht voor een symfonie. Hij maakte zich in enkele maanden tijd van de opdracht af met zijn lichtere Vierde symfonie, om zich nadien weer op de Vijfde te concentreren. Beethovens Vijfde symfonie is bijzonder persoonlijk: het gaat om de diepste uitdrukking van zijn eigen gevoelens. Daarom ook kende het werk een lange rijpingsperiode. Hij werkte in de jaren 1807-08 gelijktijdig aan de Vijfde en aan de “Pastorale” Zesde. Hij liet die twee symfonieën in première gaan tijdens het Akademieconcert van 22 december 1808 in het Theater an der Wien. Tijdens dat concert werden nog andere recente stukken van de meester voor het eerst aan het publiek voorgesteld. Zelf vertolkte hij zijn Vierde

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pianoconcerto. Door zijn toenemende doofheid was dit de allerlaatste keer dat Beethoven als pianist-solist met een eigen concerto voor het publiek kon optreden... Beethoven zelf heeft de Vijfde symfonie nooit een titel meegegeven. Het is zijn vriend en biograaf Anton Schindler die het motto “Zo klopt het noodlot aan de deur” met het hoofdmotief van de eerste beweging verbond, waardoor het werk als “Noodlotsymfonie” de geschiedenis is ingegaan. Het gevolg was dat het tweede thema dan de “troostgedachte” genoemd werd en de hele symfonie een autobiografisch karakter verwierf en in verband werd gebracht met Beethovens doofheid. Inhoudelijk gaat het echter veel meer om de uitdrukking van Beethovens verzet tegen het isolement door zijn doofheid dan om de berusting in het noodlot. Muzikaal concentreert Beethoven zich op een viernotenmotief met slechts twee verschillende toonhoogtes en twee verschillende notenwaarden. Deze extreme ‘motivische concentratie’ is voldoende om als uitgangsmateriaal te dienen voor het volledige eerste deel, waarbij dit ene motief bijzonder veel metamorfoses ondergaat. En ook in de volgende bewegingen zijn er nog duidelijke verwijzingen naar het viernotenmotief, met als gevolg dat Beethoven hier voor het eerst een soort cyclisch principe in de symfonie brengt: door het noodlotsmotief te laten terugkeren brengt hij de vier delen onderling in verband.

clé d’écoute

Le programme concocté par la Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken fait la part belle à la clarinette, cet instrument créé à Nuremberg par la maison Denner, popularisé dès les années 1710 et introduit à l’orchestre en 1749 par Jean-Philippe Rameau (dans Zoroastre). Longtemps sous-estimé dans sa qualité de soliste, l’instrument est finalement parvenu à reconquérir la scène de concert ; une qualité dont Sabine Meyer, clarinettiste de premier plan, se fait le plaisir de vous dévoiler les multiples possibilités. Après la pause, place à la Cinquième de Beethoven. En 1945, les quatre premières notes de la symphonie – trois brèves et une longue, soit le code morse pour la lettre « v », symbole de « victoire » – furent émises sur les ondes de Radio London afin d’annoncer la fin de la Seconde Guerre mondiale : un événement qui confirme le statut universel acquis par cette musique au cours de l’histoire et qu’elle conserve aujourd’hui encore.

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Tōru Takemitsu Fantasma/Cantos, pour clarinette et orchestre Toru Takemitsu (1930-1996) est sans aucun doute le compositeur japonais le plus célèbre. Cette popularité, il la doit non seulement à ses œuvres symphoniques et à sa musique de chambre, mais aussi à la centaine de bandes originales écrites pour des films comme Seppuku (1962) et Ran (1985) de Kurosawa. En écrivant la musique de Sepukku, il fut le premier à combiner instruments traditionnels japonais et orchestre symphonique occidental. En 1957, Takemitsu s’est fait connaître grâce à son Requiem pour cordes, écrit à la mémoire du compositeur japonais Hayasaka. Ce Requiem, dans lequel Stravinski décela un chef-d’œuvre, est perçu, aujourd’hui encore, comme l’une des plus belles pages du compositeur. Le concerto pour alto A String around Autumn de 1989 résume bien le dernier style de Takemitsu : méditatif, rêveur, orchestré avec sensualité et nourri d’une abondance de références symboliques à la nature, telles que l’eau, la pluie, la rivière, les arbres, le jardin, les paysages... L’œuvre qui vous est présentée aujourd’hui, Fantasma/Cantos, est un concerto pour clarinette composé en 1991 par Takemitsu, en réponse à une commande de la BBC. Cette œuvre fut créée le 14 septembre de la même année par le BBC Welsh Symphony Orchestra. Le compositeur décrit le concerto comme suit : « La structure de l’œuvre est influencée par les jardins zen et paysages japonais. On parcourt le chemin, et on se laisse aller à la méditation. Finalement, on se retrouve à l’endroit que l’on avait quitté au

début ; mais cet endroit est désormais un nouveau point de départ. » Dans le jardin musical de Takemitsu, il n’est donc aucunement question de progression, mais plutôt d’une succession de moments particuliers. Chacun d’eux est à percevoir comme un havre dédié à la contemplation, tandis que la sensation du temps cyclique est soutenue par l’allure du promeneur, ici représentée par le solo de clarinette.

Jean Sibelius Scène avec grues, extr. Kuolema, op. 44 En 1903, alors que Jean Sibelius (18651957) s’applique à la composition de son Concerto pour violon, l’écrivain et dramaturge finlandais Arvid Järnefelt lui commande la musique de sa nouvelle production théâtrale, Kuolema (La mort). Refusant de laisser son beau-frère dans l’embarras, le compositeur lui présente six courtes pièces pour orchestre à cordes dans les délais impartis et se charge lui-même de diriger l’orchestre lors de la première représentation de la pièce, le 2 décembre 1903 à Helsinki. La musique de la première scène, une valse lente, reçoit un accueil particulièrement favorable. Encouragé par ce succès, Jean Sibelius accorde presque immédiatement l’autorisation de publier séparément cette pièce, sous le titre de Valse triste. Deux ans plus tard, il fera de même avec les troisième et quatrième pièces, publiées ensemble sous le nom de Kurkikohtaus (Scène avec grues, 1906). Dans ces pièces, il ajoutera à l’effectif pour cordes de 1903 une flûte, une clarinette, deux cors et des timbales, afin de donner davantage de couleurs à l’ensemble. 7

Wolfgang Amadeus Mozart Concerto pour clarinette et orchestre en la majeur, KV 622 Composé en octobre 1791, le Concerto pour clarinette est le chant du cygne instrumental de Mozart (1756-1791). Ce dernier l’écrit pour le virtuose Anton Stadler (1753-1812) avec lequel il partage une profonde amitié – tous deux sont francs-maçons et frères de loge. Mozart exprimera son intérêt pour la clarinette essentiellement à la fin de sa vie, notamment au travers d’œuvres comme La clémence de Titus, les dernières symphonies et diverses pièces de musique de chambre, dont le fameux Quintette KV 581. Mais c’est dans son Concerto KV 622 que Mozart parviendra le mieux à illustrer l’ensemble des qualités de l’instrument. Tout au long du premier mouvement, un matériau musical apparemment léger est doté de nuances plus sombres. Ceci illustre à la perfection la faculté du compositeur de livrer une musique recelant, sous un voile d’optimisme délicat, une lourde charge émotionnelle. En outre, Mozart exploite les moindres couleurs de l’instrument soliste, explorant tour à tour ses différents registres dans ce qu’ils ont de plus remarquable et de particulier. D’une élégance suprême, l’Adagio émerveille par son côté à la fois mélancolique et serein et par son chant d’une grâce et d’une simplicité infinies. Contrastant avec le mouvement précédent, le Rondo fait entendre un jeu d’alternance couplets-refrain, prétexte à de subtils dialogues entre orchestre et soliste

dans lesquels ce dernier fait valoir toute sa virtuosité. Une conclusion optimiste éloigne définitivement les vagues ombres d’inquiétude assombrissant ce dernier mouvement.

Ludwig van Beethoven Symphonie n° 5 en do mineur, op. 67 Créée à Vienne le 22 décembre 1808, en même temps que la Pastorale, la Cinquième Symphonie de Beethoven surprit tant le public que les interprètes par son langage musical situé à mille lieues du style galant, prôné par l’aristocratie viennoise en ce début de XIXe siècle. Caractérisée par l’extrême simplicité de son matériau thématique, cette œuvre concilie une architecture des plus solides héritée du classicisme ainsi que la force toute neuve et virile typique du romantisme naissant. Sa puissance en bouscula plus d’un, dont Goethe qui redoutait à son écoute « que la maison s’écroule » ou Schumann qui la comparait aux plus effrayants des cataclysmes naturels. Cette force propre à la Cinquième Symphonie s’explique tant par son caractère que par son indéfectible homogénéité. Pas une seule fois le compositeur ne renonce à la cohérence sous prétexte de répondre aux canons de l’architecture classique. L’Allegro con brio initial s’ouvre sur l’énoncé du fameux thème qui, de ses quatre notes, s’en va alimenter l’ensemble du mouvement. On assiste en réalité à la première forme de conception cyclique du discours musical de toute l’histoire de la musique occidentale. « Ainsi le

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destin frappe à la porte », aurait déclaré Beethoven, selon son ami et biographe Anton Schindler. Ceci a poussé d’aucuns à voir en ce motif caractéristique l’évocation du destin. L’alternance du thème initial et du second, plus tendre, permet donc de figurer la lutte de l’humanité contre son destin avec, à terme, le triomphe absolu de ce dernier. Dans l’Andante, la musique, et en elle l’homme qui vient de perdre une bataille, semble vouloir reprendre son souffle. Mais pas pour longtemps : des éléments du premier mouvement refont leur apparition. Le mouvement suivant, Allegro, remplace le scherzo habituel et permet ainsi une plus grande continuité avec le premier mouvement, comme si le deuxième n’avait été qu’une parenthèse. Le finale, également Allegro, brille de toute la palette des couleurs orchestrales. Son thème victorieux rappelle par sa force et sa luminosité celui du grand finale de l’opéra Fidelio, une œuvre contemporaine à cette symphonie. Finalement, le thème du destin réapparaît transcendé : la victoire de l’humanité est désormais totale et définitive.

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biografieën · biographies

Pietari Inkinen leiding ∙ direction NL Geboren in 1980 in Kouvola, Finland. Studeerde viool en orkestleiding aan de Sibelius Academy in Helsinki en aan de Hochschule für Musik in Keulen bij Z. Bron. Thans chef-dirigent van het Prague Symphony Orchestra en de Ludwigsburger Schlossfestspiele. 2013: leidde een opzienbarende productie van Wagners Ring in de Opera Australia. Dirigeerde producties in de Finnish National Opera, De Munt (Le Sacre du Printemps met het dansgezelschap van P. Bausch), de Staatsoper Berlin, de Bayerische Staatsoper... 2015-16: gastdirgent bij o.m. het Tonkünstler Orchester in Wenen, het Russian National Philharmonic Orchestra met V. Repin, de Bamberger Symphoniker... en een nieuwe productie van Tsjajkovski’s Jevgeni Onegin in de Semperoper van Dresden. Uitgebreide discografie. Recentelijk: de integrale symfonieën van Sibelius met het New Zealand Symphony Orchestra (Naxos). FR Né en 1980 à Kouvola, Finlande. Étudie le violon et la direction d’orchestre à l’Académie Sibelius de Helsinki et à la Hochschule für Musik de Cologne avec Z. Bron. Actuellement, chef d’orchestre de l’Orchestre Symphonique de Prague et des Ludwigsburger Schlossfestspiele. 2013 : dirige une production remarquée du Ring de Wagner à l’Opera Australia. Se produit à l’Opéra national de Finlande, à la Monnaie (Le Sacre du Printemps avec la compagnie de danse de P. Bausch), au Berliner Staatsoper, au Bayerische Staatsoper... 2015-16 : chef invité du Tonkünstler Orchester à Vienne, de

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l’Orchestre philharmonique national de Russie avec V. Repin, du Bamberger Symphoniker... et une nouvelle production d’Eugène Onéguine de Tchaïkovski au Semperoper de Dresde. Vaste discographie. Récemment parue : l’intégrale des symphonies de Sibelius avec le New Zealand Symphony Orchestra (Naxos).

Sabine Meyer klarinet ∙ clarinette NL Geboren in 1959 in het Duitse Crailsheim. Studeerde o.m. aan de Hochschule für Musik und Theater Hannover. Begon haar carrière als lid van het Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks en als soliste bij de Berliner Philharmoniker. Leidt sindsdien een wereldwijde solocarrière. Speelde met toporkesten als de Wiener Philharmoniker, het Chicago Symphony Orchestra, het London Philharmonic Orchestra, het NHK Symphony Orchestra Tokyo en de Berliner Philharmoniker. Vertolkte kamermuziek met collega’s als M. Helmchen, D. Hope, het Hagen Quartett... Vurige verdedigster van de hedendaagse muziek: J. Françaix, E. Denisov, T. Hosokawa, A. Reimann, P. Eötvös en vele anderen schreven werk voor haar. Uitgebreide discografie. 2013: Mozart Arias in bewerkingen voor klarinet, met het Kammerorchester Basel (Sony Classical). Onderwijst aan de Hochschule für Musik in Lübeck. FR Née en 1959 à Crailsheim en Allemagne. Études à la Hochschule für Musik und Theater de Hanovre entre

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autres. Commence sa carrière comme membre du Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks et comme soliste auprès du Berliner Philharmoniker. Mène une carrière de soliste dans le monde entier, se produisant avec le Wiener Philharmoniker, le Chicago Symphony Orchestra, le London Philharmonic Orchestra, le NHK Symphony Orchestra Tokyo, le Berliner Philharmoniker,etc. Se produit en musique de chambre avec des collègues tels que M. Helmchen, D. Hope, le Quatuor Hagen... Fervente défenseuse de la musique contemporaine : interprète les œuvres que J. Françaix, E. Denisov, T. Hosokawa, A. Reimann, P. Eötvös et bien d’autres lui ont dédiées. Vaste discographie. 2013 : Mozart Arias comprenant des arrangements pour clarinette, avec l’Orchestre de Chambre de Bâle (Sony Classical). Enseigne à la Hochschule für Musik de Lübeck.

Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern NL Ontstaan in 2007 uit de fusie van het Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken en het SWR Rundfunkorchester Kaiserslautern. Chef-dirigent: Karel Mark Chichon (sinds 2011). Eerste gastdirigent: Stanisław Skrowaczewski. Speelt klassiek-romantisch repertoire, maar ook historisch geïnformeerde vertolkingen van de preklassieke componisten en hedendaagse muziek. Ondernam

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de voorbije jaren concertreizen in Zwitserland, China, Japan en Zuid-Korea. Werkt geregeld samen met solisten als J. Fischer, V. Repin, R. en G. Capuçon, L. Vogt, A. Scholl e.a. Omvangrijke, vaak bekroonde discografie: integrale symfonieen van Brahms, Mendelssohn, Tsjajkovski, Schumann en Gouvy. 2014: cd Meditation met Elīna Garanča (Echo-Klassik Preis 2015); 2015: Eerste symfonie en Rapsodie op. 14 van Dvořák in het kader van de integrale opname van diens symfonische oeuvre o.l.v. K.M. Chichon. FR Fondée en 2007 suite à la fusion du Rundfunk-Sinfonieorchester Saarbrücken et du SWR Rundfunkorchester Kaiserslautern. Chef principal : Karel Mark Chichon (depuis 2011). Premier chef invité : Stanisław Skrowaczewski. Se consacre au répertoire classique et romantique, mais aussi à la la musique contemporaine, et livre des interprétations historiquement documentées de compositeurs préclassiques. Tournées en Suisse, en Chine, au Japon et en Corée du Sud. Accueille régulièrement des solistes réputés : J. Fischer, V. Repin, R. et G. Capuçon, L. Vogt, A. Scholl... Discographie abondante, régulièrement primée : intégrale des symphonies de Brahms, Mendelssohn, Tchaïkovski, Schumann et Gouvy. 2014 : CD Meditation avec Elīna Garanča (EchoKlassik Preis 2015); 2015 : Symphonie n° 1 et Rhapsodie, op. 14 de Dvořák, dans le cadre de l’intégrale de son œuvre symphonique, s.l.d. K.M. Chichon.

eerste viool · premier violon Yuuko Akahoski, Konzertmeister Margarete Adorf Johannes Baumann Jacek Gebka Ewgenia Grandjean Malgorzata Zagozdzon Sebastian Matthes Claudia Moog Thomas Rothaupt Damien Fiedler Suhyun Song Dzafer Dzaferi Alessio Angelo Taranto Laura Jaillet tweede viool · second violon Ulrike Hein-Hesse Lada Bronina Carlos Klimpel Aleksandra Kowalska Ji-Ming Li Karin Murphy Harald Paul Radegund Stoecklin Juliane Weber Helmut Winkel Mihnea Evian Yoon Ji Han altviool · alto Slawomir Wojtysiak Benedikt Schneider Reinhilde Adorf Justyna Sikorska Thomas Weissmann Anatoli Wiedmann Yulia Smirnova Jessica Sommer Yuta Nishiyama Friederike Kastl cello · violoncelle Mario Blaumer Stefan Panzer Claudia Limperg

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Sebastian Schmid Valentin Staemmler Min-Jung Suh-Neubert Giedrius Zukauskas Daeyoun Kim contrabas · contrebasse Martin Dobner Ulrich Schreiner Katja Pendzig Thomas Schreiber Fritz-Ludwig Heieck Holger Philipsen fluit · flûte Britta Jacobs Birgit Engelhardt Susanne Winkler hobo · hautbois Veit Stolzenberger Ulrike Broszinski Jürgen Schmitt klarinet · clarinette Rainer van Recum-Müller Stefan Zillmann Jan Creutz Stefan Schneider fagot · basson Joachim Laukemper Kusnierek, Guilhem Pierre Campenon harp · harpe Sonia Bize slagwerk · percussion Johannes Walter Jochen Ille Michael Gärtner Marcus Walder celesta · célesta Judith van Recum

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the space between the notes De la musique et des mots Schrijvers over muziek

Corinne Hoex Leçons de ténèbres BOZAR vroeg 10 auteurs een tekst te schrijven over een concert dat dit seizoen in het Paleis voor Schone Kunsten plaatsvindt. De literaire hommages aan hun favoriete componisten en muzikanten zijn elke maand te lezen in de concertprogrammaboekjes. De teksten worden ook gebundeld in de aparte publicatie The Space between the Notes. De schrijfster Corinne Hoex deelt dit aangesproken zijn met ons naar aanleiding van de uitvoering van François Couperins Leçons de Ténèbres door het Ricercar Consort op 18 februari 2016. BOZAR a demandé à 10 écrivains de rédiger un texte sur un concert organisé durant cette saison au Palais des Beaux-Arts. Au fil de l’année, vous découvrirez dans nos programmes l’hommage que chacun rend à son compositeur et musicien préféré. Ces textes feront également l’objet du recueil The Space between the Notes. L’écrivaine Corinne Hoex partage sa passion pour le genre à l’occasion de l’interprétation des Leçons de ténèbres de François Couperin par le Ricercar Consort le 18 février 2016.

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Lessen van duisternis Ze is vrouwelijk, veelvoudig, verbeten. Groots. Vreselijk. Ze is de keerzijde. De zwarte kant van het licht. De hartstocht ervan. De duizeling. Want ze heerst, en altijd verspreidt ze zich, wint veld, wordt dichter, neemt toe, omhult de wereld. En wij lopen in de duisternis. We moeten er verdwalen. Om te zingen. Verslindend zwart. Onverzadigbaar. Hecht. Compact. Ondoordringbaar. En toch. Zwart roepend op zwart. Doof zwart. Maar dat luistert. Zwart. Wat niet aanwezig is. Maar brandt. Goede Week. De laatste kaars gedoofd. In de donkere kerk gedenkt de adem de vlammen. Goede Week. Op de kandelaar branden vijftien kaarsen. De twaalf apostelen. De drie Maria’s. Ze branden bij het graf. Goede week. De nacht spreekt in de weidse stilte. De wijde stilte van de ogieven. Vijftien kaarsen. Een voor een gedoofd. Op de laatste na, die het licht brandende houdt. Op de laatste na. En toch. Zie het uur is nabij. De laatste die nog even alleen blijft branden. Zie het uur is nabij. In de eenzaamheid van bogen en zuilen de mateloze tijd. Trilling van de tijd die opgeheven wordt. Ecce hora. Zie het uur. De ruimte is nacht. De leegte is nacht. Op de rand van de bergkam. Buiten de wereld. Ecce hora. De laatste ademtocht dooft de kaars. Het wonder is zwart. Eenzaamheid. Eenzaamheid. Lessen van eenzaamheid. Zie het lijden dat ik moet dragen, wie heeft ooit zo geleden? Zie het lijden dat ik moet dragen. Knielend. Alleen in het schip. Door stilte omsingeld. En die stem in je. Zie het lijden. Eenzaam knielend in het schip. Je witte handen die bidden. Een rozenkrans glijdend tussen je lijkbleke vingers. Kraal na kraal wrijvend tegen het hout van de bidstoel. Eenzaam knielend in het schip. Opgaand in de eeuwigheid. Zilveren oren glanzend in het schemerdonker. Zilveren oren die naar de 16

stilte luisteren. Harten gespijkerd op stenen zuilen. Benen en armen aan de gewelven opgehangen. Handen en geslachten tussen de spijlen van het hek geschoven. Ogenparen zonder blik. Wassen monden die nooit zullen praten. Je hebt de vijftien kaarsen van je verlangen ontstoken. Het hijgen van de vlammen ingeademd. Geluisterd naar de adem van je wachten. De gesmolten geur van de tijd is naar je opgestegen. De lange schaduwen hebben zich aan je voeten uitgestrekt. Vluchtende schaduwen. Gebogen. Golvend. Gekweld. Zwarte, meteen vervlogen vormen. Eenzaamheid. Eenzaamheid. Alleen in het schip. Omgeven door leegte. Hij werd ter dood gebracht. Schemering. Eenzaamheid. Alleen in het schip. Uit het zwart ontsproten. Eenzaamheid. Lessen van eenzaamheid. De ruimte is nacht. De leegte is nacht. Hij werd ter dood gebracht. En de vlam trillend in het vluchtige ogenblik. Trillend in de donkere ruimte die leger is dan een graf. De trillende vlam verslonden door de nacht. Niet zijn. Hier niet zijn. Tristis est anima mea. De tijd is die gedoofde vlam. Het gewicht van de nacht tegen je lichaam voelen. De zwaarte van het zwart op je schouders. Leegte. Leegte om je heen. Wanhopig verdiept in de inspanning om te slinken. Voelen hoe je zwakker wordt. Het genot ervaren te verzwakken. Tristis est anima mea. Je naar de aarde te buigen. Je uit te wissen. Op te lossen. Gezicht zonder gezicht in de wind van de nacht. Mijn ziel is bedroefd. Mijn ziel is bedroefd. En die stem in je. Die stem die groter wordt. Tristis est anima mea. Niets om het donker te doorbreken. Behalve je verlangen. Je lied. Je blinde stem tegenover de vergulde lezenaars. Tristis est anima mea. En toch die vreugde. De vreugde daar te zijn. In de sublieme leegte. De roes niet te zijn. Vertaald uit het Frans door Katelijne De Vuyst

Leçons de ténèbres Elles sont féminines, plurielles, envahissantes. Somptueuses. Terribles. Elles sont l’autre côté. La face noire de la lumière. Sa passion. Son vertige. Car elles règnent, et toujours se répandent, toujours gagnent, s’épaississent, s’accroissent, couvrent le monde. Et nous allons dans les ténèbres. Nous devons y être perdus. Pour chanter. Noir dévorant. Insatiable. Dense. Serré. Impénétrable. Et pourtant. Noir appelant le noir. Noir sourd. Et qui écoute. Noir. Ce qui n’est pas là. Et qui brûle. Semaine sainte. Dernier cierge éteint. Dans l’église obscure, le souffle se souvient des flammes. Semaine sainte. Sur le chandelier, quinze cierges brûlent. Les douze apôtres. Les trois Marie. Brûlant près du tombeau. Semaine sainte. La nuit parle dans le vaste silence. L’ample silence d’ogives. Quinze cierges. Un à un éteints. Sauf le dernier qui garde la lumière. Sauf le dernier. Et pourtant. Voici l’heure qui approche. Le dernier un instant encore brûlant seul. Voici l’heure qui approche. Dans la solitude des arcs et des colonnes la nuit sans mesure. Frémissement du temps qui s’abolit. Ecce hora. Voici l’heure. L’espace est nuit. Le vide est nuit. Au bord de la crête. Hors du monde. Ecce hora. Le dernier souffle éteint le dernier cierge. Le miracle est noir. Solitudes. Solitudes. Leçons de solitudes. Voyez s’il est une souffrance semblable à la mienne. Voyez s’il est une souffrance. Agenouillé. Seul dans la nef. Encerclé de silence. Et cette voix en toi. Une souffrance. Agenouillé seul dans la nef. Tes mains blanches qui prient. Chapelet serpentant entre tes doigts livides. Grain à grain se frottant 17

au bois du prie-dieu. Agenouillé seul dans la nef. Absorbé par l’éternité. Oreilles d’argent luisant dans la pénombre. Oreilles d’argent qui écoutent le silence. Cœurs cloués sur les piliers de pierre. Jambes et bras pendus aux voûtes. Mains et sexes glissés dans les barreaux de la clôture. Paires d’yeux sans regard. Bouches de cire qui ne parleront pas. Tu as allumé les quinze cierges de ton désir. Respiré le halètement des flammes. Écouté le souffle de ton attente. Est monté vers toi le parfum fondu du temps. Se sont étendues à tes pieds les ombres longues. Ombres fuyantes. Gauchies. Onduleuses. Suppliciées. Formes noires aussitôt dissoutes. Solitudes. Solitudes. Seul dans la nef. Cerné de vide. Il a été livré à la mort. Crépuscules. Solitudes. Seul dans la nef. Issu du noir. Solitudes. Leçons de solitudes. L’espace est nuit. Le vide est nuit. Il a été livré à la mort. Et vacillant cette flamme dans l’instant dérisoire. Vacillant dans l’espace obscur plus vide qu’une tombe. Vacillant cette flamme avalée par la nuit. N’être pas. N’être pas ici. Tristis est anima mea. Le temps est cette flamme éteinte. Sentir contre toi la masse de la nuit. Le poids du noir à tes épaules. Vide. Vide autour de toi. Tendu désespérément dans l’œuvre de décroître. T’affaiblir. Volupté de t’affaiblir. Tristis est anima mea. Te courber vers la terre. T’effacer. Te dissoudre. Visage sans visage dans le vent de la nuit. Mon âme est triste. Mon âme est triste. Et cette voix en toi. Cette voix qui grandit. Tristis est anima mea. Rien pour percer l’obscurité. Sinon ton désir. Ton chant. Ta voix aveugle face aux lutrins dorés. Tristis est anima mea. Et cette joie pourtant. Joie d’être là. Dans le vide sublime. Ivresse de ne pas être.

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Corinne Hoex (1946) schreef een vijftiental dichtbundels. Ze publiceerde ook zes romans. In 2012 verscheen bij Éditions Tétras Lyre L’Autre Côté de l’ombre, een sobere, verontrustende tekst, geïllustreerd met houtskooltekeningen van Alexandre Hollan. In dezelfde geest voelt ze zich ontzettend aangesproken door de Leçons de Ténèbres, een muziekgenre dat tegelijk bloemrijk en gestreng is, een bezingen van afwezigheid en verlatenheid, van wat er gebeurt als er geen waakvlam, geen Waker meer is, een gezang van een sombere zinnelijkheid dat pijn en verdriet omvormt tot kunst.

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Corinne Hoex (Uccle, 1946) est l’auteure d’une quinzaine de livres de poésie. Elle a aussi publié six romans. Elle a publié en 2012 aux Éditions Tétras Lyre L’Autre Côté de l’ombre, un texte dépouillé, crépusculaire, accompagné de fusains d’Alexandre Hollan. C’est dans ce même esprit qu’elle se passionne pour les Leçons de ténèbres, ce genre musical orné et austère, ce chant qui dit l’absence, l’abandon, ce qui se passe quand il n’y a plus de veilleuse, plus de Veilleur, ce chant à la volupté sombre où la douleur et l’angoisse sont transmuées en art.

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