centre for fine arts brussels
KONINKLIJK CONCERTGEBOUWORKEST music
OFFICIAL OPENING CONCERT OF THE DUTCH PRESIDENCY OF THE COUNCIL OF THE EUROPEAN UNION
22 JAN. ’16 HERBERT BLOMSTEDT leiding · direction Grote Zaal Henry Le Bœuf Grande Salle Henry Le Bœuf Paleis voor Schone Kunsten Brussel Palais des Beaux-Arts Bruxelles
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exclusive brands Steinway & Sons - Boston - Essex - Doutreligne
Steinway Piano Gallery Belgium Pieter Van Reysschootlaan 2 B-9051 Ghent (Next to exit E40 - Sint-Denijs-Westrem) Pianos Maene Brussels Argonnestraat 37 B-1060 Brussels (Near to the railway station Brussels South) Other Showrooms in Antwerp and Ruiselede (headquarters and workshop)
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„Musik beginnt da, wo die Macht der Worte endet.“ “De muziek begint daar waar de macht van het woord stopt.” « La musique commence là où s’arrête le pouvoir des mots. » Richard Wagner
BOZAR kleurt oranje ∙ BOZAR se met à l’orange, p. 2 Programma ∙ Programme, p. 3 Toelichting, p. 4 Clef d’écoute, p. 7 Biografieën · Biographies, p. 10 The Space between the Notes, p. 15 1
BOZAR KLEURT ORANJE ∙ BOZAR SE MET À L’ORANGE NL BOZAR viert de start van het Nederlandse voorzitterschap van de Raad van de Europese Unie. We hebben de artistieke fine fleur van onze noorderburen te gast. Flink wat van onze activiteiten hangen we op aan het culturele programma van hun voorzitterschap. Het centrale thema ‘Exploring Future Europe - Celebrating Dutch Culture’ legt de nadruk op de verhoudingen tussen kunst en wetenschap, creativiteit en de jonge generatie. De tentoonstelling Theo van Doesburg: een nieuwe kijk op leven, kunst en technologie over een van de sleutelfiguren van de Europese avant-garde zet meteen de toon. In het kader van Imagine Europe - In Search of New Narratives laten we artiesten, architecten, designers en collectieven samen nadenken over de toekomst van Europa. We verwelkomen onder meer Rem Koolhaas, Louwrien Wijers, de studenten van het Sandberg Instituut, het architectenbureau XML en de Internationale Architectuur Biënnale Rotterdam. Met Wish You Were Here biedt de Belgische regisseur Ivo Van Hove een podium aan de Nederlandse artiesten die hem begeesteren. Uiteraard mag ook de muziek niet ontbreken. Het vermaarde Koninklijk Concertgebouworkest is bij ons in residentie, en de jonge en getalenteerde harpspeler Remy van Kesteren is een van onze Rising Stars. Het jaar 2016 belooft in elk geval erg boeiend te worden, zowel in de Nederlandse als in de Europese versie.
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FR BOZAR célèbre l’ouverture de la Présidence néerlandaise du Conseil de l’Union européenne. À cette occasion, nous accueillons la fine fleur artistique néerlandaise et relions nombre de nos activités au programme culturel de cette Présidence. Avec comme thématique « Exploring Future Europe – Celebrating Dutch Culture », celui-ci met l’accent sur les relations entre art et science, créativité et jeune génération. L’exposition Theo van Doesburg. Une nouvelle expression de la vie, de l’art et de la technologie donne le ton en présentant l’œuvre d’une figure essentielle de l’avant-garde européenne. Dans le cadre d’Imagine Europe. In Search of New Narratives, nous invitons des artistes, architectes, designers et collectifs à réfléchir ensemble à l’avenir de l’Europe. Parmi eux, citons entre autres Rem Koolhaas, Louwrien Wijers, les étudiants du Sandberg Institut, le bureau XML et l’Internationale Architectuur Biënnale Rotterdam. Dans Wish You Were Here, le metteur en scène belge Ivo Van Hove offre une tribune aux artistes néerlandais qui l’inspirent. Enfin, la musique n’est pas en reste : l’illustre Concertgebouworkest nous fait l’honneur d’une résidence et le jeune harpiste talentueux Remy van Kesteren nous vient en tant que Rising Star. L’année 2016, version néerlandaise et européenne, s’annonce des plus passionnantes.
KONINKLIJK CONCERTGEBOUWORKEST HERBERT BLOMSTEDT, leiding ∙ direction Officieel openingsconcert van het Nederlands Voorzitterschap van de Raad van de Europese Unie ∙ Concert d’ouverture officiel de la Présidence néerlandaise du Conseil de l’Union européenne 19:00 Lezing-Performance: Dvořák en de New World ∙ Conférence-performance : Dvořák et le Nouveau monde
RICHARD WAGNER 1813-1883
Vorspiel und Liebestod, uit ∙ extr. Tristan und Isolde (1959)
INGVAR LIDHOLM °1921
Poesis (1963)
pauze ∙ pause
ANTONÍN DVOŘÁK 1841-1904
Symfonie nr. 9 in e “uit de Nieuwe Wereld” ∙ Symphonie n° 9 en mi mineur “du Nouveau Monde”, op. 95 (1893) —— Adagio – Allegro molto —— Largo —— Scherzo – Molto vivace —— Allegro con fuoco 21:45 einde van het concert ∙ fin du concert live uitzending · diffusion en direct in het kader van ∙ dans le cadre de
Het Nederlands Voorzitterschap van de Raad van de Europese Unie ∙ La Présidence hollandaise du Conseil de l’Union européenne
Gelieve uit respect voor de artiesten en de muziek de stilte te bewaren. Schakel je gsm of elektronisch uurwerk uit en hoest niet onnodig. Het is verboden te fotograferen, te filmen en opnames te maken. Pour les artistes et la musique, merci de respecter le silence. Veillez à éteindre téléphones portables, montres électroniques et à réprimer les toux. Il est interdit de photographier, filmer et enregistrer.
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toelichting
Vanavond hebben we twee redenen tot vieren: het Nederlandse voorzitterschap van de Raad van de Europese Unie is van start gegaan, en het Koninklijk Concertgebouworkest is dit seizoen voor het eerst te gast. Het programma dat ons Amsterdamse orkest in residentie voor de gelegenheid heeft samengesteld, is even knap als persoonlijk. De Zweedse dirigent Herbert Blomstedt is een grote fan van het oeuvre van Ingvar Lidholm. Vanavond brengt hij met Poesis een indrukwekkend werk van zijn landgenoot, naast twee absolute meesterwerken uit het symfonische repertoire.
RICHARD WAGNER Vorspiel und Liebestod, fragmenten uit Tristan und Isolde Op 10 juni 1865 was het Hoftheater van München het decor voor de wereldpremière van Tristan und Isolde van Richard Wagner. Later groeide het werk uit tot een van de beroemdste opera’s uit de geschiedenis. Onder impuls van zijn eigen romance met Mathilde Wesendonck herwerkte de componist de bekende middeleeuwse legende van Tristan en Isolde tot een intens drama. De opera vertelt in drie bedrijven het verhaal van twee geliefden die van een liefdesdrank hebben gedronken en ten prooi zijn gevallen aan een alles verterende passie.
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Wagner leverde niet alleen een sterk libretto af, maar tekende ook voor een revolutionaire compositie. Het werk is doordrongen van chromatiek* en van dissonante akkoorden, die de grenzen van de tonaliteit* aftasten. Daarmee was zijn werk een voorafspiegeling van de evolutie die de moderne componisten van de volgende eeuw zouden uitwerken. De Ouverture (Vorspiel) van Tristan und Isolde is een perfecte illustratie van hoe de componist zijn vrije geest en kunde ten dienste stelde van de dramaturgie. Wagner verwerkte de chromatiek in een indrukwekkend orkestraal crescendo. Zo verklankte hij de passionele liefde die de twee helden verenigt. Bovendien maakte hij vlot gebruik van het procedé van het leidmotief, waarvan hij de bezieler is. Op die manier legde Wagner in het Vorspiel een reeks muzikale motieven bloot, die verwijzen naar elementen uit het verhaal en doorheen de hele opera opduiken. De eerste maten stellen al meteen twee thema’s voor: de ‘Liefdesverklaring’, gespeeld door de cello’s, en de ‘Hunkering’, gefluisterd door de hobo. Daarna komen de verwijzingen naar de ‘Oogopslag’, de ‘Toverdrank’ (van de dood en tegelijk van de liefde) en de ‘Verlossing door de Dood’. Na het Vorspiel brengt het orkest met de Liebestod een orkestraal arrangement uit de laatste scène van de opera, van Wagner zelf. In dat tafereel zie je hoe Isolde haar overleden geliefde aankijkt. Uiteindelijk zakt ze in elkaar en blaast ook zij haar laatste adem uit. Louter met behulp van de muziek schetst Wagner hier het hele palet aan menselijke emoties: van oplaaiende passie tot de troostende dood.
INGVAR LIDHOLM Poesis De Zweedse componist Ingvar Lidholm staat bekend om zijn koorzangen en orkestrale werken. In de loop van zijn carrière nam zijn muzikale taal verschillende wendingen. Oorspronkelijk hield hij een post-romantische stijl aan. Daarbij liet hij zich inspireren door componisten als Stravinsky, Bartók en Hindemith. Later gooide hij het resoluut over een atonale boeg. Toch blijven zijn werken verbonden met de traditie, zoals blijkt uit de titels en muzikale vormen die Lidholm gebruikt. Net als het leeuwendeel van de composities van Lidholm bestaat Poesis (1963) uit één enkele beweging, die uit verschillende contrasterende secties is opgebouwd. Het atonale werk opent heel behoedzaam. De zachte slaginstrumenten weven samen met de strijkers in het hoge register een golvend geluidstapijt, waaruit een kleurrijke klankenmassa opwelt. Het werk wisselt passages voor orkest af met cadensen in de piano of contrabas. Het stuk eindigt op een noot die langer dan een minuut wordt aangehouden en afwisselend door verschillende instrumenten wordt gespeeld. Vanuit de stilte evolueert de finale noot geleidelijk tot een afsluitende climax. Lidholm schreef deze compositie ter gelegenheid van het jubileum van het Symfonisch Orkest van Stockholm. Voor hem was het werk niet meer dan een onderzoek naar de klankmogelijkheden
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van het orkest. ‘Ik vind het erg vermakelijk’, liet hij optekenen, ‘als mensen mijn muziek op hun eigen manier interpreteren. Waarom zou je hun ook een bepaalde interpretatie moeten opdringen? Ik heb al vaak de vraag gekregen wat de onderliggende betekenis van Poesis is. Welnu, ook ik moet het antwoord schuldig blijven.’
ANTONÍN DVOŘÁK Symfonie nr. 9 in E kleine terts ‘Uit de Nieuwe Wereld’, op. 95 Na het tussenbedrijf keren we terug naar de 19e eeuw. We zeggen en schrijven 1892, het jaar waarin Antonín Dvořák voet op Amerikaanse bodem zette. De Tsjechische componist was er directeur geworden van de National Conservatory of Music of America die een paar jaar eerder in New York was opgericht. Dvořák was diep onder de indruk van de Verenigde Staten en de culture rijkdom die hij er aantrof. In de Amerikaanse folkloristische muziek vond hij een inspiratiebron die vergelijkbaar was met de Boheemse folklore die hij in eigen land zo ophemelde. Het stond dan ook in de sterren geschreven dat hij de traditionele muziekgenres van de zwarte en indiaanse bevolking zou gaan bestuderen. In zijn ogen vormden die genres een terrein dat nog niet was ontgonnen door de Europese muziek. Dvořák verdiepte zich in de lectuur van de traditionele indiaanse legendes, zoals The Song of Hiawatha
van Henry Longfellow. In 1893 besloot hij een symfonisch werk te componeren dat doordrongen was van al die openbaringen. Zo zag zijn Negende symfonie, ‘Uit de Nieuwe Wereld’, het levenslicht. Dvořák nam de folkloristische thema’s niet zomaar over. Hij creëerde veeleer zijn eigen thematische materiaal en voorzag het van ritmes die kenmerkend waren voor het Nieuwe continent (lees: gepunteerd en gesyncopeerd). Daarnaast voegde hij er zijn eigen typische toonaarden* aan toe. Ooit liet hij optekenen: “Ik heb eenvoudigweg mijn eigen thema’s geschreven, en er de bijzonderheden van de muziek van de zwarten en de roodhuiden aan toegevoegd. Die thema’s heb ik dan verder ontwikkeld met behulp van de ritmes, de harmonieën, de contrapunten* en de klankkleuren van het moderne orkest.” Dat alles mondde uit in een groots opgezet werk dat zowel door Amerika als door zijn geliefde Centraal-Europa is bezield. Net zoals van hem werd verwacht, heeft Dvořák de funderingen van een nationale muzikale identiteit mee vormgegeven met de werken die hij componeerde en de activiteiten die hij ontplooide als directeur van het conservatorium (1892-1895). Die ambitie was erg hoog gegrepen, zelfs voor iemand met het talent van Dvořák. Toch slaagde hij er nog in veelbelovende componisten te vormen. Rubin Goldmark, bijvoorbeeld, zou later aan het hoofd staan van de Faculteit Compositie van de pas opgerichte Juilliard School of Music. Goldmark zou er de leermeester worden van George Gershwin en Aaron Copland.
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Chromatiek Beweging van de melodie in halve tonen (het kleinste interval van de toonladder in de tonale muziek). Tonaliteit of tonale muziek Muzieksysteem dat vanaf het einde van de renaissance en vooral vanaf de zeventiende eeuw wordt gebruikt in de westerse muziek. Contrapunt Muzikale schrijfwijze waarbij tegelijkertijd meerdere, evenwaardige melodielijnen boven elkaar klinken.
clé d’écoute
Le concert de ce soir est une double célébration. D’une part, nous inaugurons un événement considérable : l’ouverture de la Présidence néerlandaise du Conseil de l’Union européenne. D’autre part, nous accueillons le Koninklijk Concertgebouworkest, notre orchestre en résidence, pour la première fois de la saison. Le programme concocté pour l’occasion par l’orchestre amstellodamois et son chef suédois Herbert Blomstedt se révèle aussi impressionnant que personnel. Fervent défenseur de l’œuvre de son compatriote Ingvar Lidholm, Blomstedt vous en propose aujourd’hui Poesis : une œuvre palpitante, et vous présente deux chefs-d’œuvre du répertoire symphonique.
RICHARD WAGNER Vorspiel und Liebestod, extraits de Tristan und Isolde Le 10 juin 1865, le Hoftheater de Munich accueillit en première mondiale Tristan und Isolde de Richard Wagner, un opéra qui deviendrait par la suite l’un des plus célèbres de l’histoire. Inspiré par sa propre idylle avec Mathilde Wesendonck, le compositeur retravailla la célèbre légende médiévale de Tristan et Isolde pour en créer un drame musical intense. L’histoire de cet opéra en trois actes est celle de deux amants dévorés par une passion mutuelle après avoir consommé un philtre d’amour.
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Outre un livret réussi, Wagner livra une composition riche d’innovation. En nourrissant l’œuvre d’un chromatisme* omniprésent et d’accords dissonants aux limites de la tonalité*, il préfigura les avancées entreprises par les compositeurs modernes au siècle suivant. Le Prélude (Vorspiel) de Tristan und Isolde illustre à merveille la liberté et l’ingéniosité du compositeur mises au service de la dramaturgie. En mêlant le chromatisme à un crescendo orchestral impressionnant, Wagner traduit musicalement, l’amour passionnel qui unit les deux héros. De plus, Wagner y exploite allègrement le procédé du leitmotiv dont il est l’instigateur. Sont ainsi exposés tout au long du Prélude une série de motifs musicaux qui correspondent à des éléments du récit et qui seront exploités au fil de l’opéra. Dès les premières mesures, deux thèmes sont présentés : celui de l’Aveu, confié aux violoncelles, et celui du Désir, murmuré par le hautbois. Viennent ensuite les références au Regard, au Philtre (de mort et d’amour) et à la Délivrance par la mort. À la suite du Prélude, Liebestod vous est proposée : un arrangement orchestral de la dernière scène de l’opéra réalisé par Wagner lui-même. Cet ultime tableau présente Isolde contemplant son amour défunt, puis s’effondrant et expirant à son tour sur son corps. À l’aide de la musique seule, toute la palette des sentiments est ici dépeinte : de l’exacerbation de la passion à l’apaisement par la mort.
INGVAR LIDHOLM Poesis Le compositeur suédois Ingvar Lidholm est réputé pour ses œuvres chorales et orchestrales. Au cours de sa carrière, son langage musical a subi diverses évolutions. Composant d’abord dans un style postromantique et puisant son inspiration auprès de compositeurs comme Stravinsky, Bartók ou Hindemith, il a ensuite pris une direction résolument atonale. Ce qui n’empêche pas ses œuvres de conserver un lien avec la tradition : un attachement que l’on perçoit au travers des titres et formes musicales généralement prônés. Comme la plupart des compositions de Lidholm, Poesis (1963) n’est constituée que d’un seul mouvement, lui-même formé de diverses sections contrastées. Cette œuvre orchestrale atonale s’ouvre sur la pointe des pieds : de légères percussions mêlées aux cordes confinées dans le registre aigu créent un tapis sonore mouvant duquel jaillissent des masses sonores de diverses couleurs. L’œuvre alterne des passages dédiés à l’orchestre et des cadences réalisées par le piano ou la contrebasse. Enfin, le morceau se clôt sur une note tenue durant plus d’une minute et jouée en alternance par les différents instruments ; de l’extrêmement doux, la nuance de cette note évolue progressivement vers le climax final. Pour Lidholm, cette partition livrée à l’occasion du jubilé de l’Orchestre Symphonique de Stockholm n’est rien
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d’autre qu’une exploration de l’orchestre et de ses possibilités sonores : « C’est tellement amusant, confie-t-il, lorsque des gens interprètent ma musique à leur manière. Pourquoi devrait-on imposer une certaine compréhension de l’œuvre ? Beaucoup m’ont demandé quel était le sens de Poesis. Moi-même je l’ignore. »
ANTONÍN DVOŘÁK Symphonie n° 9 en mi mineur « du Nouveau Monde », op. 95 Après l’entracte, nous retournons au XIXe siècle et plus précisément en 1892, l’année qui marque l’arrivée d’Antonín Dvořák sur le sol américain. Le compositeur tchèque vient y prendre ses fonctions de directeur du National Conservatory of Music of America de New York, créé quelques années auparavant. La découverte des ÉtatsUnis et de sa richesse culturelle marque profondément Dvořák. Ce dernier trouve dans la musique folklorique américaine une source d’inspiration similaire à celle qu’il a portée aux nues dans son pays. C’est donc tout naturellement qu’il se tourne vers l’étude des musiques traditionnelles noire américaine et indienne, qui constituent à ses yeux un champ encore inexploré par la musique européenne. Dvořák se plonge également dans la lecture de légendes traditionnelles indiennes comme The Song of Hiawatha de Henry Longfellow. En 1893, il décide d’écrire une œuvre symphonique imprégnée
de ces découvertes. Ainsi voit le jour sa Neuvième symphonie dite « du Nouveau Monde ». Plutôt que d’emprunter des thèmes au folklore, Dvořák choisit de créer son propre matériel thématique en y intégrant des rythmes typiques du Nouveau continent (pointés et syncopés). Aussi déclara-t-il : « J’ai tout simplement écrit des thèmes à moi, leur donnant les particularités de la musique des Noirs et des Peaux-Rouges ; et, me servant de ces thèmes comme du sujet, je les ai développés au moyen de toutes les ressources du rythme, de l’harmonie, du contrepoint*, et des couleurs de l’orchestre moderne. » Le résultat est une œuvre d’envergure inspirée tout autant par l’Amérique que par l’Europe centrale chère au compositeur. Conformément à ce que l’on attendait de lui, Dvořák contribua à poser les bases d’une identité musicale nationale, à travers les œuvres qu’il composa et les activités qu’il conduisit durant son mandat au sein du conservatoire (1892-1895). Même si une telle ambition était impossible à honorer pour un seul homme, fût-il aussi doué que Dvořák, il forma cependant des musiciens prometteurs. Rubin Goldmark, par exemple, prendrait plus tard la tête du département de composition de la Juilliard School of Music nouvellement créée et serait notamment le professeur de George Gershwin et d’Aaron Copland.
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Chromatisme Mouvement mélodique par demi-ton (le plus petit intervalle dans la musique tonale). Tonalité ou musique tonale Système propre à la musique savante occidentale. En usage dès la fin de la Renaissance mais institué au XVIIe siècle. Contrepoint Art de l’écriture musicale impliquant la superposition de lignes mélodiques d’égale importance.
Blomstedt Herbert © Martin U.K. Lengemann
biografieën · biographies
Herbert Blomstedt leiding ∙ direction NL Herbert Blomstedt werd als zoon van Zweedse ouders in de Verenigde Staten geboren. Hij studeerde in Stockholm en Uppsala en volgde lessen aan de Juilliard School in New York. In Darmstadt bekwaamde hij zich in de moderne muziek en aan de Schola Cantorum Basiliensis in de oude muziek. Hij studeerde orkestdirectie bij Igor Markevitch in Salzburg en bij Leonard Bernstein in Tanglewood. Blomstedt debuteerde in 1954 bij het Koninklijk Filharmonisch Orkest van Stockholm. Hij was chef-dirigent van verschillende Scandinavische orkesten, werkte met vooraanstaande symfonieorkesten over de hele wereld en leidde concerten tijdens de grote festivals in Edinburgh, Salzburg en Luzern. Onder zijn vele cdopnamen worden die van de volledige symfonieën van Sibelius en Nielsen in het bijzonder geroemd.
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FR Herbert Blomstedt naît aux ÉtatsUnis, de parents suisses. Il étudie d’abord à Stockholm et Upsal avant d’intégrer la Juilliard School de New York. Ensuite il approfondit ses connaissances en musique moderne à Darmstadt et en musique ancienne à la Schola Cantorum Basiliensis. Il se forme à la direction d’orchestre auprès d’Igor Markevitch à Salzbourg et de Leonard Bernstein à Tanglewood. Ses débuts, Blomstedt les réalise à la tête de l’Orchestre philharmonique royal de Stockholm. Il devient ensuite directeur musical d’orchestres scandinaves et dirige des orchestres fameux des quatre coins du monde, entre autres lors de grands festivals à Édimbourg, Salzbourg et Lucerne. Parmi ses nombreux enregistrements discographiques, les intégrales des symphonies de Sibelius et de Nielsen ont été vivement plébiscitées par la critique.
Koninklijk Concertgebouworkest NL Dit seizoen is het Koninklijk Concertgebouworkest in residentie bij BOZAR. Sinds zijn oprichting in 1888 behoort het tot de absolute wereldtop. Thuisbasis is het Amsterdams Concertgebouw, een van de mooiste zalen van de wereld. Het orkest werkt samen met de beste dirigenten, solisten en componisten. Richard Strauss en Gustav Mahler dirigeerden meer dan eens het orkest. Door de jaren heen is de samenwerking met componisten gebleven (Thomas Adès, George Benjamin,…). Wat maakt het orkest uniek? Critici roemen telkens weer de orkestklank, die uit duizenden herkenbaar is met zijn ‘fluwelige’ strijkers en ‘gouden’ kopers. Het orkest telt 120 musici afkomstig uit meer dan twintig landen. Jaarlijks geeft het orkest zo’n 130 concerten en bereikt daarmee 250.000 concertbezoekers. Via samenwerkingen met radio en televisie wordt dat bereik nog eens verveelvoudigd.
FR Cette saison, le Koninklijk Concertgebouworkest est en résidence à BOZAR. Depuis sa création en 1888 au Concertgebouw d’Amsterdam, il figure parmi les orchestres de référence. Tout au long de son histoire, il a collaboré avec les meilleurs chefs d’orchestre, solistes et compositeurs. Des figures telles que Richard Strauss et Gustav Mahler notamment se sont illustrées à sa tête et, aujourd’hui encore, des compositeurs comme Thomas Adès ou George Benjamin y sont associés. Les critiques louent sa sonorité reconnaissable entre mille, que caractérisent des cordes veloutées et des cuivres brillants. L’orchestre réunit quelque 120 musiciens originaires d’une vingtaine de pays. Chaque année, il donne près de 130 concerts et touche pas moins de 250.000 auditeurs ; un rayonnement que viennent élargir ses nombreuses collaborations avec la radio et la télévision.
Chief Conductor Designate Daniele Gatti
Conductor Laureate Bernard Haitink
Conductor Emeritus Riccardo Chailly Mariss Jansons
Honorary Guest Conductor Nikolaus Harnoncourt
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eerste viool · premier violon Vesko Eschkenazy*, concertmeester ∙ Konzertmeister Liviu Prunaru*, concertmeester ∙ Konzertmeister Tjeerd Top Marijn Mijnders Ursula Schoch Marleen Asberg Keiko Iwata-Takahashi Tomoko Kurita Henriëtte Luytjes Borika van den Booren Marc Daniel van Biemen Christian van Eggelen Sylvia Huang Mirte de Kok Junko Naito Benjamin Peled Nienke van Rijn Jelena Ristic Valentina Svyatlovskaya Michael Waterman tweede viool · second violon Henk Rubingh* Caroline Strumphler* Susanne Jaspers Jae-Won Lee Anna de Vey Mestdagh Paul Peter Spiering Herre Halbertsma Marc de Groot Arndt Auhagen Leonie Bot Sanne Hunfeld Mirelys Morgan Verdecia Sjaan Oomen Jane Piper Eke van Spiegel Annebeth Webb Joanna Westers
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altviool · alto Ken Hakii* Michael Gieler Saeko Oguma Frederik Boits Roland Krämer Guus Jeukendrup Jeroen Quint Eva Smit Eric van der Wel Martina Forni Yoko Kanamaru Vilém Kijonka Edith van Moergastel Vincent Peters Jeroen Woudstra cello · violoncelle Gregor Horsch* Tatjana Vassiljeva* Johan van Iersel Fred Edelen Benedikt Enzler Arthur Oomens Chris van Balen Jérôme Fruchart Christian Hacker Maartje-Maria den Herder Honorine Schaeffer Julia Tom contrabas · contrebasse Dominic Seldis* Pierre-Emmanuel de Maistre Jan Wolfs Mariëtta Feltkamp Carol Harte Rob Dirksen Pierre-Emmanuel de Maistre Georgina Poad Nicholas Schwartz Olivier Thiery
fluit · flûte Emily Beynon* Kersten McCall* Julie Moulin Mariya Semotyuk-Schlaffke
trompet · trompette Omar Tomasoni* Hans Alting Jacco Groenendijk Bert Langenkamp
piccolo Vincent Cortvrint
trombone Bart Claessens* Jörgen van Rijen* Nico Schippers
hobo · hautbois Alexei Ogrintchouk* Nicoline Alt Engelse hoorn ∙ cor anglais Miriam Pastor Burgos klarinet · clarinette Calogero Palermo* Olivier Patey* Hein Wiedijk es klarinet · clarinette en mi bémol Arno Piters basklarinet ∙ clarinette basse Davide Lattuada fagot · basson Ronald Karten* Gustavo Núñez* Helma van den Brink Jos de Lange contrafagot ∙ contrebasson Simon Van Holen hoorn · cor Félix Dervaux* Laurens Woudenberg* Peter Steinmann Sharon St. Onge Fons Verspaandonk Jaap van der Vliet Paulien Weierink-Goossen
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tenortrombone ∙ trombone ténor Martin Schippers bastrombone ∙ trombone basse Raymond Munnecom Martin Schippers tuba Perry Hoogendijk* pauken ∙ timbales Marinus Komst* Nick Woud* slagwerk · percussion Mark Braafhart Bence Major Herman Rieken harp · harpe Petra van der Heide* Gerda Ockers piano Jeroen Bal* (solist in ∙ soliste dans Poesis)
* solist ∙ soliste
the space between the notes Schrijvers over muziek De la musique et des mots
Philippe Claudel Sergei Rachmaninov BOZAR vroeg 10 auteurs een tekst te schrijven over een concert dat dit seizoen in het Paleis voor Schone Kunsten plaatsvindt. De literaire hommages aan hun favoriete componisten en muzikanten zijn elke maand te lezen in de concertprogrammaboekjes. De teksten worden ook gebundeld in de aparte publicatie The Space between the Notes. Philippe Claudel schreef over Sergej Rachmaninov naar aanleiding van een uitvoering van diens werk op 27 januari 2016. BOZAR a demandé à 10 écrivains de rédiger un texte sur un concert organisé durant cette saison au Palais des Beaux-Arts. Au fil de l’année, vous découvrirez dans nos programmes l’hommage que chacun rend à son compositeur et musicien préféré. Ces textes feront également l’objet du recueil The Space between the Notes. Philippe Claudel partage sa passion pour Sergueï Rachmaninov à l’occasion d’un concert consacré au compositeur le 27 janvier 2016.
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Twintig lentes Het was een herfstdag en het zonlicht priemde door de esdoorns die aan weerskanten van een straat in de wijk Outremont stonden. Ik was twintig. Ik was verliefd. De bomen waren bloedrood en sommige lieten in de wind hun gouden blaadjes los die als lichte muntstukken de trottoirs bedekten met een weelderig gatentapijt. Ik glimlachte. Ik was alleen en ik glimlachte. Ik liep te luisteren naar de muziek van een versleten cassettebandje in mijn walkman. Rachmaninov. Sonate nr. 1, opus 28. Soms werd ik verblind door de zon in het blauw van de lucht en kneep ik mijn ogen dicht. Dan zag ik het gezicht van Martha, haar hoge jukbeenderen, haar roze lippen, en kon ik in mijn handpalmen weer de vorm voelen van haar borsten met hun bruine puntjes, en hun warmte. De muziek leek op een waterval, een geruis, een eindeloos neerstorten. Ze dijde uit over het weidse, met hemellichamen bezaaide heelal, het gewemel van sterren in de zomernachten die voor mij de nachten van Martha waren als we op het gazon van het Parc du Mont Royal, in de buurt van de chemin Remembrance, lagen te kijken naar de zwarte hemel die door het glinsterende zaad van de sterren werd bevrucht. Urenlang bleven we in de zoele nacht hand in hand liggen, ervan dromend ons hele leven zo naast elkaar naar de hemel te kijken en de nachten door te brengen op het ritme van de wentelende aarde, onze wederzijdse eden en zachte zoenen. En met de zelfverzekerdheid van mijn twintig lentes liep ik op het trottoir van Outremont, in de vaste overtuiging dat Martha altijd van me zou houden en dat ik altijd van haar zou houden, met mijn lachen, mijn dromen, gedragen door de 16
klaterende akkoorden van Rachmaninov, zijn heftige nuances waarvan ik bijwijlen de weemoed bestempelde als het verdriet van een wispelturig kind. Ik liep naar Martha. Ik liep naar onze grote liefde. De muziek was water, golf, deining en branding, heldere regen op de tuinen van de dageraad. Ze was ook de glimlach van Martha. Ook en vooral. Voor eeuwig gevangen in onze gebundelde jeugd waaruit dood en verval waren verdwenen, op zoek naar andere prooien. Twintig lentes. Luchtkasteel. Verloren land. Nu bestaat de sonate van Rachmaninov alleen nog uit schaduw. Het water is zwart geworden. De blaadjes van de esdoorn verloren hun bloed in roerloze plassen. Ze rotten er en drinken de duisternis op. Aan de einder doemt de lijkstoet op. De botten dansen er en botsen, grijnzen en breken. De doden dansen hun macabere rondedans en nodigen ons uit. Mijn twintig lentes zijn overleden. Martha is al lang voor een ander bij me weggegaan. Ik woon in een ander land. Ik woon in een ander lichaam. Ik heb me ontdaan van mijn dromen, zoals je vuile, versleten kleren weggooit. Het leven drijft me voort naar de andere oever. Het gaat dus nog altijd over water, en over een eiland dat we op een dag raden, rotsig en begroeid met jeneverbessen, cipressen en mirten. We verlangen er naar de verloren hoogtijd van onze kinderjaren en naar de strelende wind van de stilte die wordt geveinsd door noten en akkoorden, maar die ten langen leste altijd, als enige, zegeviert. Vertaling: Katelijne De Vuyst
Vingt ans Il y avait l’automne, et le soleil venait au travers des érables qui bordaient une rue du quartier d’Outremont, à Montréal. J’avais vingt ans. J’étais amoureux. Les arbres étaient rouge sang et quelquesuns, dans le vent, laissaient aller leurs feuilles d’or comme des monnaies légères qui se posaient sur les trottoirs en un tapis somptueux et troué. Je souriais. J’étais seul et je souriais. Je marchais en écoutant la musique d’une cassette usée glissée dans mon baladeur. Rachmaninov. Sonate no 1, opus 28. Parfois le soleil dans le bleu du ciel m’aveuglait et je fermais les yeux. Je voyais alors le visage de Martha, ses pommettes hautes, son petit nez, ses lèvres roses, et je sentais dans ma paume encore la forme de ses seins aux pointes brunes, et leur chaleur. La musique me semblait une cascade, un ruissellement, une chute sans fin. Tout cela prenait l’ampleur constellée de l’univers, le fourmillement d’étoiles des nuits d’été qui étaient pour moi les nuits de Martha quand tous deux couchés dans les pelouses du Parc du Mont Royal, non loin du chemin de Remembrance, nous regardions le ciel noir fécondé de la semence scintillante des étoiles. Nous restions des heures, dans la tiédeur de la nuit, à nous tenir la main, à nous rêver ainsi la vie durant, l’un contre l’autre, regardant le ciel et traversant la nuit au fil du tournoiement de la terre, des baisers doux et des serments que nous échangions. Et je marchais sur le trottoir d’Outremont, avec l’assurance de mes vingt ans, l’assurance que Martha m’aimerait toujours, et que je l’aimerais toujours, avec mes rires, mes rêves, 17
porté par les accords éparpillés de Rachmaninov, ses colorations violentes dont la mélancolie parfois ne me paraissait alors qu’un chagrin d’enfant fugace. Je marchais vers Martha. J’allais vers notre grand amour. La musique était eau, vague, sac et ressac, pluie claire sur les jardins de l’aube. Elle était le sourire de Martha aussi. Aussi et surtout. À jamais saisie dans notre jeunesse confondue d’où le déclin et la mort s’étaient absentés, occupés qu’ils étaient à traquer d’autres proies. Vingt ans. Petit mirage. Pays perdu. Aujourd’hui, la sonate de Rachmaninov n’est plus qu’ombre. L’eau est devenue noire. Les feuilles d’érable ont perdu leur sang dans des mares immobiles. Elles y pourrissent et boivent les ténèbres. C’est le convoi funèbre qui occupe l’horizon. Macabrement les os dansent et s’entrechoquent, ricanent et se fracassent. Les morts dansent en rond et nous invitent. Mes vingt ans sont défunts. Martha depuis longtemps m’a quitté pour un autre. J’ai changé de pays. J’ai changé de corps. Je me suis dépouillé de mes rêves, comme on jette des vêtements sales et trop usés. La vie me pousse vers l’autre rive. Il est donc encore question d’eau, et d’une île que tous nous devinons un jour, rocheuse et peuplée de cyprès, de myrte et de genièvre. Nous y espérons la douceur perdue du haut temps de l’enfance et le vent caressant du silence, celui que feintent notes et accords, mais qui demeure au bout du compte, toujours, et seul vainqueur.
NL Philippe Claudel is scenarioschrijver, filmregisseur en auteur. Literatuurliefhebbers kennen hem als de auteur van succesromans als Grijze zielen en Het verslag van Brodeck. Bij filmliefhebbers is hij bekend als de regisseur van Il y a longtemps que je t’aime en Avant l’hiver, met glansrollen voor Kristin Scott Thomas en Daniel Auteuil.
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FR Considéré comme l’un des meilleurs auteurs contemporains, Philippe Claudel est à la fois enseignant, scénariste et écrivain. Les amateurs de littérature connaissent Philippe Claudel comme auteur de romans à succès tels que Les Âmes grises et Le Rapport de Brodeck. Il est également connu des cinéphiles comme réalisateur d’Il y a longtemps que je t’aime et d’Avant l’hiver avec Kristin Scott Thomas et Daniel Auteuil dans les rôles principaux.
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