Belgique - Belgïe PP Bureau de dépôt : 1000 Bruxelles 1 1 - 3209 mensuel édition spéciale
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Cinéma Arenberg
éCRAN TOTAL
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Une autre façon de passer l’été
w w w. ar en be rg .b e
20e édition
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“J’avais 20 ans. Je ne laisserai personne dire que c’est le plus bel âge de la vie.” (Jean-Paul Sartre, préface d’Aden Arabie de Paul Nizan) J’avais vingt ans et j’adorais ça. Mais ce genre de phrase pourrait-elle résonner aujourd’hui ? N’est-elle pas l’expression d’une inquiétude et d’une révolte de tous ceux qui découvrent le monde et le souhaiteraient différent ? L’écran Total a 20 ans. Avons-nous tenu nos engagements ? Avons-nous su préserver cette inquiétude, promesse d’un esprit de découverte, d’exigence, de liberté, de fraternité ? La programmation propose “La Maison et le Monde” de Satyajit Ray pour cette édition 2009. J’avais 20 ans et je voyais dans ce titre emblématique un véritable programme. L’écran Total c’est ça : notre maison et le monde. En 70 films d’émotion, de plaisir esthétique et d’ouverture aux autres. Ce n’est pas un hasard si notre chemin croise la Quinzaine des Réalisateurs qui, en plus de quarante ans, a construit une communauté de cinéastes et d’amateurs de cinéma. Hier à Cannes, aujourd’hui à Bruxelles, les amateurs affichent la même humeur ! Au mythe de la “grande famille du cinéma”, je préfère les communautés électives. Arnaud Desplechin nous amène une belle carte blanche, il s’est dépensé sans compter et nous conforte dans cette idée. Qu’il en soit remercié !
éCRAN TOTAL
Thierry Abel, Directeur
“Ik was twintig. Ik zal niet dulden dat iemand zegt dat het de allermooiste leeftijd van het leven is” (Jean-Paul Sartre, voorwoord voor ‘Aden Arabië’ van Paul Nizan). Ik was twintig en ik was er dol op. Maar zou een dergelijke zin vandaag nog kunnen weerklinken ? Is ze niet de uitdrukking van een angst en een revolte van al diegenen die de wereld ontdekken en die willen dat hij er anders uit zou zien ? L’Ecran Total bestaat dit jaar 20 jaar. Hebben wij onze engagementen waargemaakt ? Hebben wij die ongerustheid kunnen beschermen, die synoniem staat voor ontdekkingsdrift, veeleisendheid, vrijheid en broederschap ? Dit jaar staat ‘La Maison et le Monde’ van Satyajit Ray op het programma. Ik was 20 en deze emblematische titel kwam over als een programma op zich. L’Ecran Total is ons huis én de wereld. 70 films, emotie, puur esthetisch genot en openheid naar de anderen toe. Het is geen toeval als onze weg die van la Quinzaine des Réalisateurs kruist. Bovenop hun 40 jaar hebben zij een gemeenschap van cineasten en filmliefhebbers samengebracht. Gisteren in Cannes, vandaag in Brussel, de amateurs afficheren hetzelfde humeur! Boven de mythe van de ‘grote filmfamilie’ verkies ik de verkozen gemeenschappen. Arnaud Desplechin biedt ons een mooie carte blanche aan. Hij keek niet om naar de tijd die hij er in stak en versterkt ons in dat idee. Wij danken hem hiervoor. Thierry Abel, Directeur
la quinzaine des réalisateurs
p. 04
inédits
p. 18
classiques
p. 30
carte blanche à arnaud desplechin
p. 42
20 ans , 20 réalisateurs
p. 52
documentaires
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les enfants d’abord
p. 80
reprises
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prolongations
p. 92
horaires
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séances exceptionnelles
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a-z
p. 107
20e édition
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e n i a z n i u q La es d rs u e t a s i l a ré cannes 2009 01
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Quand l’équipe du Cinéma Arenberg nous a proposé d’organiser une reprise de la sélection de la Quinzaine des Réalisateurs, c’est avec un a priori pour le moins positif que nous les avons reçus. La réputation de cette salle d’art et essai de Bruxelles ne nous était pas étrangère. Notre rencontre ne remit pas en cause cet a priori, bien au contraire. Ce fut comme si nous retrouvions un ami très cher, un frère avec qui les affinités sont tellement évidentes qu’il ne faut pas de long discours pour comprendre que nous sommes sur la même longueur d’onde s : une volonté de défendre le cinéma d’auteur, de proposer aux spectateurs une certaine idée du cinéma qui sorte des sentiers battus. La Quinzaine mène ce combat depuis plus de 40 ans, elle a besoin de relais forts pour que ses idées rencontrent un écho au-delà du Festival de Cannes. C’est pourquoi la Quinzaine des Réalisateurs ne pouvait rêver meilleur compagnon de route que l’équipe du cinéma Arenberg. La Quinzaine est fière de s’associer au Cinéma Arenberg pour cette première édition de la reprise de sa sélection à Bruxelles ! Christophe Leparc, Secrétaire général de la Quinzaine des Réalisateurs
Toen de verantwoordelijken van Cinéma Arenberg ons hun intentie voorlegden om de selectie van de Quinzaine des Réalisateurs in Brussel te hernemen, reageerden we allerminst wantrouwig. De reputatie van deze “art et essai-zaal” was ons immers niet vreemd. Bij onze eerste ontmoeting werd dit positieve a priori alleen maar bevestigd. Het was alsof we een dierbare vriend weerzagen, een broer die we zó goed kenden, dat er geen lang gesprek nodig was om te voelen dat we op dezelfde golflengte zaten. We herkenden het verlangen om de auteursfilm te verdedigen en om de toeschouwers een alternatieve visie op het filmmedium aan te reiken. De Quinzaine levert deze strijd al 40 jaar lang. Ze heeft sterke partners nodig om haar ideeën ook buiten het Festival van Cannes weerklank te laten vinden. Daarom is Cinéma Arenberg voor de Quinzaine des Réalisateurs een gedroomde reisgezel. De Quinzaine is trots op deze samenwerking, die een eerste Brusselse herneming van de selectie mogelijk maakt! Christophe Leparc, Secretaris-generaal van de Quinzaine des Réalisateurs
Quinzaine
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Amreeka
Les beaux gosses
Avec Hiam Abbass, Nisreen Faour, Melkar Muallem, Alia Shawkat États-Unis, Canada, Koweit 2009 - 92’ - VO ST. FR
Avec Vincent Lacoste, Anthony Sonigo, Alice Trémolières, Noémie Lvovsky France 2009 - 90’ - VO FR ST. ANG
Jeudi - 25 juin - 17:00 Dimanche - 28 juin - 19:20
Mardi - 23 juin - 20:30 séance d’ouverture Invités : Riad Sattouf, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
Mouna, divorcée et mère d’un adolescent, est une femme palestinienne enthousiaste et optimiste. Au coeur des territoires occupés, le quotidien est pourtant éprouvant et l’horizon morose. Et puis un jour, quitter cette vie et aller travailler aux Etats-Unis devient possible : étrangère en son pays, Mouna peut bien l’être ailleurs. Elle part alors avec son fils Fadi rejoindre sa soeur installée depuis quinze ans au fin fond de l’Illinois. Après le réconfort des retrouvailles, Mouna et Fadi vont devoir trouver leur place dans cette “Amreeka” tant rêvée. Mais les Etats-Unis, partis en guerre contre le “diable” Saddam, ont une bien étrange conception de l’hospitalité.
Hervé, 14 ans, est un ado moyen débordé par ses pulsions, ingrat physiquement et moyennement malin, qui vit seul avec sa mère. Au collège, il s’en sort à peu près, entouré par ses bons copains. Sortir avec une fille, voilà qui mobilise toute sa pensée. Hélas, dans ce domaine, il accumule râteau sur râteau, sans toutefois se démonter. Un jour, sans très bien comprendre comment, il se retrouve dans la situation de plaire à Aurore, l’une des plus jolies filles de sa classe... Entouré par une galerie de personnages croustillants et pas piqués des hannetons, Hervé tente de grandir dans ce petit monde en perpétuelle mutation, ce monde de l’adolescence ou les émotions apprennent à être dominées.
Cherien Dabis
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Mouna is een optimistische en enthousiaste Palestijnse. Ze is gescheiden en heeft een adolescente zoon. Het dagelijkse leven binnen de bezette gebieden is moeilijk en de toekomst ziet er weinig rooskleurig uit. Op een dag krijgt ze plots de mogelijkheid om dit leven achter zich te laten en te vertrekken naar de Verenigde Staten. Mouna is sowieso een vreemdeling in eigen land; ze kan even goed ergens anders naartoe. Ze vertrekt met haar zoon naar haar zus die zich vijftien jaar eerder in Illinois vestigde. Na het warme weerzien, moeten Mouna en Fadi hun plaats zien te vinden in dit ‘Amreeka’ waar ze zo vaak van gedroomd hebben. Maar de Verenigde Staten, die zich in de strijd tegen ‘duivel Saddam’ hebben gestort, hebben een vrij eigenzinnige opvatting over gastvrijheid…
Riad Sattouf
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Hervé, 14 jaar, is een doorsnee tiener die met zijn alleenstaande moeder leeft. Hij wordt overweldigd door zijn driften, is weinig knap en middelmatig slim. Dankzij zijn goede vrienden, trekt hij ongeveer zijn plan op school. Een meisje vinden, daar besteedt hij al zijn aandacht aan. Helaas strompelt hij van de ene ontgoocheling in de andere, zonder het ooit op te geven. Op een dag, zonder dat hij zelf goed snapt hoe het komt, blijkt hij kans te maken bij Aurore, een van de mooiste meisjes van de klas… Hervé probeert te groeien, omringd door een hele bende kleurrijke personages, in een wereldje vol mutaties, de wereld van de adolescentie waar men leert zijn emoties onder controle te krijgen.
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Court métrage présenté avant “carcasses” :
Carcasses Denis Côté
Avec Jean-Paul Colmor, Étienne Grutman, Célia Léveillée-Marois, Mark Scanlon, Charles-Élie Jacob Canada 2009 - 72’ - VO FR ST. ANG
Jagdfieber
Alessandro Comodin Avec Bernard Thamié, Stéphane Ségala, Les chasseurs de Sauliac sur Célé Belgique 2008 - 22’ - VO FR ST. ANG
Samedi - 27 juin - 19:20 Mardi - 30 juin - 17:00
Invité: Alessandro Comodin
Jagdfieber - La fièvre de la chasse est un état où l’on redevient aussi animal que la bête que l’on cherche. C’est une traque, une quête au fil des saisons et de la vie. -
Jagdfieber – De koorts van het jagen, is een toestand waar men even dierlijk wordt als het dier dat men opzoekt. Het is een klopjacht, een zoektocht door de seizoenen en het leven heen.
Samedi - 27 juin - 19:20 Mardi - 30 juin - 17:00
Jean-Paul Colmor entasse depuis plus de 40 ans des centaines de carcasses d’automobiles sur son terrain. Plus qu’un recycleur et vendeur de pièces de toutes sortes, Colmor propose un lieu impensable, chargé de mémoire. Chaque jour il revisite son terrain, trimballe la ferraille, recense ses pièces et autres joyaux rouillés... Toute aussi étrange est sa petite maison, sorte d’abri où se démarque dans le fouillis cuisine, salle de bain et chambre à coucher. Puis un jour, d’autres arrivent et voudraient bien partager un peu de la solitude et de la marginalité excentrique de Jean-Paul... -
Veertig jaar aan een stuk verzamelde Jean-Paul Colmor honderden autowrakken op zijn terrein. Hij is meer dan een recycleur of een verkoper van losse stukken. Wat hij voorstelt is een ondenkbare plaats, geladen met geheugen. Elke dag bezoekt hij opnieuw zijn terrein, sleept hij met schroot, recenseert hij zijn stukken en andere verroeste juwelen… Zijn kleine huis is al even raar : het is een schuilplaats waar de keuken, badkamer en slaapkamer moeilijk uit de warboel te bespeuren vallen. Op een dag komen er anderen aan die graag een beetje van de eenzaamheid en excentrieke marginaliteit van Jean-Paul willen proeven…
Quinzaine
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Daniel y Ana
Eastern Plays
Avec Dario Yazbek Bernal, Marimar Vega, José Maria Torre Mexique 2009 - 90’ - VO ST. FR
Avec
Mercredi - 24 juin - 17:00 Samedi - 27 juin - 21:30
Vendredi - 26 juin - 21:40 Mercredi - 1 juil - 17:00
Daniel et Ana sont frère et sœur et les meilleurs amis du monde. Tous deux se trouvent à un moment capital de leur vie. Ana est sur le point de se marier. Daniel est un adolescent sociable qui découvre son identité sexuelle. Un jour, ils sont kidnappés et l’harmonie qui règne entre eux est immédiatement rompue. Un événement choquant les oblige à affronter leurs désirs et leurs peurs. Soudain, la vie qu’ils ont menée jusqu’ici devient un souvenir lointain. Rien ne sera plus jamais pareil.
Deux frères qui ne se voient plus se trouvent pris dans un attentat raciste : Georgi, qui vient de rallier un groupe néo-nazi, est l’un des agresseurs, tandis qu’Izo, qui en est le témoin, porte secours à la famille turque attaquée. Georgi, appelé à s’engager davantage dans son parti, commence à s’interroger sur son implication, et Izo se demande si la belle jeune fille turque qu’il a sauvée sera l’occasion pour lui de quitter la triste vie qu’il mène à Sofia... En se retrouvant, les deux frères pourront comprendre ce qu’ils attendent vraiment de la vie.
Michel Franco
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Daniel en Ana zijn broer en zus, en de beste vrienden van de wereld. Ze staan allebei op een keerpunt in hun leven. Ana gaat in het huwelijk treden. Daniel is een sociale tiener die zijn seksuele identiteit aan het aftasten is. Op een dag worden ze gekidnapt. De harmonie die heerste tussen hen wordt onmiddellijk verbroken. Deze choquerende gebeurtenis dwingt hen om hun verlangens en angsten onder ogen te zien. Opeens is het leven zoals het zich tot nu toe voordeed niets meer dan een verre herinnering. Niets wordt nooit meer als voordien.
Quinzaine
Kamen Kalev
Christo Christov, Ovanes Torosian Bulgarie, Suède 2009 - 89’ - VO ST. FR
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Twee broers die nog weinig contact met elkaar onderhouden worden betrokken bij een racistische aanslag : Georgi is net lid geworden van een neonazi groep en is een van de aanvallers. Izo daarentegen is getuige van de feiten en verleent zijn hulp aan de aangevallen Turkse familie. Wanneer Georgi aangesproken wordt om zich nog meer te engageren, begint hij zich vragen te stellen over zijn implicatie. Izo vraagt zich echter af of het mooie Turkse meisje dat hij gered heeft hem de kans kan bieden om het trieste leven dat hij in Sofia leidt achter de rug te laten… Het weerzien van de twee broers zal er voor zorgen dat ze elk beter gaan begrijpen wat ze echt van het leven verlangen.
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La Famille Wolberg
Got Get Some Rosemary
Avec
François Damiens, Valérie Benguigui, Léopoldine Serre, Valentin Vigourt France 2009 - 82’ - VO FR ST. ANG
Avec Ronald Bronstein, Sage Ranaldo, Frey Ranaldo, Eleonore Hendricks États-Unis 2009 - 100’ - VO ST. FR
Mercredi - 24 juin - 14:30 Dimanche - 28 juin - 21:30
Jeudi - 25 juin - 21:30 Mercredi - 1 juil - 14:30
Il est capable de faire un discours étonnant sur la soul américaine à des écoliers éberlués, de se mêler de la vie privée de ses concitoyens, ou encore de faire jurer à sa fille de 18 ans que jamais, au grand jamais, elle ne quittera la maison familiale. C’est Simon Wolberg, maire d’une petite ville de province, amoureux fou de sa femme, père envahissant et fils provocateur ! C’est l’obsession de la famille qui porte cet homme. Qui le pousse à mettre à l’épreuve ces liens, à en vérifier la force et la fragilité...
Après des mois de solitude, de tristesse, de distraction, de liberté, d’éloignement de ses enfants, Lenny, trente-quatre ans, les cheveux grisonnants, vient chercher ses enfants à l’école. Chaque année, il passe deux semaines avec ses fils Sage, neuf ans, et Frey, sept ans. Tout ce petit monde s’entasse comme il le peut dans un studio du centre de New York. Au fond, Lenny hésite entre être leur père ou leur copain, et voudrait que ces deux semaines durent six mois. Pendant ces quinze jours, un voyage dans le nord de l’état de New York, des visiteurs venus d’étranges pays, une mère, une petite amie, des couvertures “magiques”, et l’anarchie la plus totale s’empare de leur vie. Le film est un chant du cygne au pardon et à la responsabilité.
Axelle Ropert
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Hij is bekwaam om een opmerkelijke speech over de Amerikaanse soul music te geven voor een bende stomverbaasde scholieren. Om zich te mengen met het privéleven van zijn medeburgers. Of om zijn achttienjarige dochter te laten zweren dat ze nooit het familiale nest zal verlaten. Het is Simon Wolberg, burgemeester van een provinciestadje, dolverliefd op zijn vrouw, opdringerige vader en provocerende zoon ! Wat deze man bezielt is zijn obsessie voor de familie. Het is zij die hem er toe dwingt om deze band constant onder vuur te brengen, om de sterkte en de broosheid ervan te testen…
Josh & Benny Safdie
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Na maanden van eenzaamheid, verdriet en vrijheid, ver weg van zijn kinderen, komt Lenny - 34 jaar, grijze haren - zijn zoons ophalen aan school. Elk jaar brengt hij twee weken door met Sage (9) en Frey (7). Met zijn drieën bewonen ze een piepkleine studio in hartje New York. Lenny weet niet goed of hij de vriend of de vader van zijn kinderen wil zijn. Wat hij zou willen is dat die twee weken zes maanden zouden duren. Gedurende de tijd die ze samen doorbrengen worden ze geconfronteerd met een reis in het noorden van de staat New York, bezoekers uit bizarre landen, een moeder, een liefje, magische ‘dekens’. Ze leven onder het teken van totale anarchie.‘Got Get Some Rosemary’ is een zwanenzang, een reflectie over vergiffenis en verantwoordelijkheid.
Quinzaine
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Here
Humpday
Avec John Low, Jo Tan, Hemang Yadav, Andy Hillyard Singapour, Canada 2009 - 86’ - VO ST. FR
Avec Mark Duplas, Joshua Leonard, Alycia Delmore États-Unis 2009 - 94’ - VO ST. FR
Jeudi - 25 juin - 19:20 Mardi - 30 juin - 14:30
Mercredi - 24 juin - 19:20 Samedi - 27 juin - 14:30
“Here” suit le parcours de He Zhiyuan, un homme d’âge mûr qui se bat pour donner un sens à ce qu’il vit. Choqué par la mort brutale de sa femme, il perd la parole et est interné à Island Hospital. Alors qu’il tente de s’y adapter, il est sélectionné pour un traitement expérimental qui l’oblige à affronter la vérité dévastatrice qui sous-tend son passé, son présent et son avenir. Pendant ce temps, un cinéaste se rend à Island Hospital pour réaliser un documentaire sur la vie des patients et de l’équipe soignante.
Dix ans plus tôt, Ben et Andrew étaient les rebelles du campus. Aujourd’hui, Ben s’est installé : il a un travail, une femme, un foyer. Andrew a vécu la vie d’un artiste vagabond, parcourant le monde. Après une nuit à faire la fête, ils se lancent un défi mutuel : participer à un concours de films pornos amateurs. Mais quel genre de porno peuvent faire deux types comme eux ? Après avoir picolé et parlé des heures, une idée s’impose - ils feront l’amour ensemble devant la caméra. Ce n’est pas homosexuel; c’est au-delà. Ce n’est pas du porno, c’est un projet artistique. Mais comment vont-ils s’y prendre ? Et surtout, qui va le dire à Anna, la femme de Ben ?
Tzu-Nyen Ho
Lynn Shelton
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‘Here’ volgt het parcours van He Zhiyuan, een rijpere man die strijdt om een zin te geven aan zijn leven. Wanneer zijn vrouw op brutale wijze overlijdt, belandt hij in een schoktoestand. Hij verliest de spraak en wordt geïnterneerd in Island Hospital. Daar probeert hij zich aan te passen, maar hij wordt geselecteerd voor een experimentele behandeling die hem dwingt om de verwoestende aard van zijn verleden, heden en toekomst te trotseren. Gedurende dit proces, wordt er tevens een documentaire gedraaid over het leven van de patiënten en de verplegers.
Quinzaine
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Tien jaar eerder waren Ben en Andrew de rebellen van de campus. Vandaag is Ben geïnstalleerd in het leven : hij heeft een job, een vrouw, een huis. Andrew heeft het leven geleid van een zwervend artiest, hij heeft de hele wereld rondgereisd. Na een nacht feesten en vieren dagen ze elkaar uit : ze gaan deelnemen aan een wedstrijd van amateurs porno. Maar welk soort porno kunnen twee types als zij aan ? Na uren zuipen en praten spreekt het van zelf : ze gaan samen vrijen voor de camera. Het is geen homoseksualiteit, het is veel meer dan dat. Het is geen porno, het is een artistiek project. Maar hoe zullen ze tewerk gaan ? En vooral, wie zal Anna, de vrouw van Ben, op de hoogte brengen?
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J’ai tué ma mère Xavier Dolan
Anne Dorval, Xavier Dolan, Suzanne Clément, François Arnaud Canada 2009 - 100’ - VO FR ST. ANG Avec
Like you know it all Hong Sangsoo (Jal Aljido Motamyunseo) Avec Kim Tae-woo, Ko Hyun-jung, Uhm Ji-won Corée du Sud 2009 - 126’ - VO ST. FR
Jeudi - 25 juin - 14:30 Mardi - 30 juin - 19:20
Mercredi - 24 juin - 21:30 Samedi - 27 juin - 16:50
Hubert Minel n’aime pas sa mère. Du haut de ses seize ans, il la jauge avec mépris, ne voit que ses pulls ringards, sa décoration kitsch et les miettes de pain qui se logent à la commissure de ses lèvres quand elle mange bruyamment. Au-delà de ces irritantes surfaces, il y aussi la manipulation et la culpabilisation, mécanismes chers à sa génitrice. Confus par cette relation amour / haine qui l’obsède chaque jour de plus en plus, Hubert vague dans les arcanes d’une adolescence à la fois marginale et typique - découvertes artistiques, expériences illicites, ouverture à l’amitié, sexe et ostracisme.
Ni riche, ni célèbre, Ku Kyung-nam a la réputation d’être un réalisateur de films d’auteur. Alors qu’il est membre du jury d’un festival d’une petite ville, il tombe nez à nez avec un de ses vieux amis, Bu. Après quelques verres, Ku est entraîné chez Bu où il fait la connaissance de sa femme qui prétend connaître tous ses films. Le lendemain matin, après une nuit de beuveries, Ku retourne à son hotel où l’attend un message de Bu lui demandant de “ne plus jamais l’approcher”. Mais il n’a aucun souvenir des événements de la nuit...
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Ku Kyung-nam is noch rijk, noch beroemd. Hij is gereputeerd om zijn auteursfilms. Gedurende een festival in een kleine stad, waar hij deel uitmaakt van de jury, valt hij op een van zijn oude vrienden. Na enkele glazen wordt hij meegesleurd naar Bu’s huis waar hij kennis maakt met Bu’s vrouw die beweert al zijn films te kennen. De volgende ochtend, na een nacht zuipen, keert Ku terug naar zijn hotel waar hij een bericht vindt van Bu die hem vraagt nooit meer in zijn buurt te komen. Maar Ku houdt geen enkele herinnering over aan de vorige nacht…
Hubert Minel houdt niet van zijn moeder. Hij misprijst haar vanuit de hoogte van zijn zestien jaar. Wat hij ziet zijn enkel en alleen haar kitscherige truien, haar kitscherige decor en de kruimeltjes brood die ze aan haar lippen houdt wanneer ze luidruchtig eet. Behalve deze irriterende oppervlakkigheden, is er nog het schuldgevoel dat zijn moeder bij hem oproept en haar manipulaties. Hubert weet geen weg met deze liefde - haat relatie waardoor hij elk dag wat meer wordt geobsedeerd. Hij dwaalt in een marginale maar typische tienertijd, getekend door artistieke ontdekking, illegale experimenten, vriendschap, seks en ostracisme.
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Quinzaine
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La Merditude des choses Navidad Félix Van Groeningen
Sebastián Lelio
Avec Valentijn Dhaenens, Kenneth Vanbaeden, Koen De Graeve, Wouter Hendrickx Belgique 2009 - 108’ - VO ST. FR ( De helaasheid der dingen )
Avec Manuela Martelli, Alicia Rodríguez, Diego Ruíz Chili, France 2009 - 103’ - VO ST. FR
Vendredi - 26 juin - 19:20 Invité: Félix Van Groeningen Lundi - 29 juin - 14:30
Vendredi - 26 juin - 17:00 Lundi - 29 juin - 19:10
Gunther Strobbe, treize ans, partage le toit de sa grand-mère avec son père et ses trois oncles. Quotidiennement, Gunther baigne dans un climat de beuveries effrénées, de drague éhontée et de glande constante... Tout porte à croire qu’il subira le même sort. à moins qu’il ne parvienne à se “démerder” de là...
Alejandro et Aurora, un jeune couple de lycéens, quittent Santiago pour passer Noël dans la maison de famille d’Aurora. Au pied des Andes, les frustrations d’Alejandro, et les doutes d’Aurora sur son identité sexuelle provoquent des tensions. Les deux adolescents sont au bord de la rupture lorsqu’ils découvrent la présence d’une jeune fille : Alicia, une fragile adolescente de seize ans qui s’est enfuie de chez elle. Réunis autour d’un arbre de Noël improvisé, Alejandro et Aurora sont fascinés par l’énigmatique Alicia qui devient peu à peu l’objet de leur désir. Alors qu’autour d’eux la ville célèbre Noël, ces trois orphelins vont vivre un singulier épisode amoureux et échapper à leur solitude.
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Gunther Strobbe, dertien jaar, woont samen met zijn grootmoeder, zijn vader en zijn drie ooms. Hij wordt dagelijks geconfronteerd met ontzaglijke volumes alcohol, vrouwen versieren en schaamteloos nietsdoen. Alles laat vermoeden dat hem hetzelfde lot te wachten staat. Of kan Gunther toch ontsnappen aan de helaasheid der dingen?
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Alejandro en Aurora, een jong stel scholieren, verlaten Santiago om Kerst te vieren in het familiehuis van Aurora, aan de voet van de Andes. De frustraties van Alejandro en de aarzelingen van Aurora over haar seksuele aard zorgen voor spanningen. De twee tieners staan op het punt hun relatie te verbreken wanneer ze de aanwezigheid vaststellen van een jong meisje: Alicia, een broze zestienjarige, die op de vlucht is. Alejandro en Aurora geraken snel gefascineerd door de enigmatische Alicia die stilaan het mikpunt van hun verlangens wordt. Terwijl heel de stad Kerstmis viert, ervaren onze drie wezen een eigenaardig liefdesavontuur. Ze ontsnappen aan hun eenzaamheid onder een geïmproviseerde Kerstboom.
Quinzaine
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Ne change rien
Oxhide II
Avec
Jeanne Balibar, Rodolphe Burger Portugal, France 2009 - 100’ - VO FR ST. ANG
Avec Liu Zai Ping, Jia Hui Fen, Liu Jia Yin Chine 2009 - 132’ - VO ST. fr
Dimanche - 28 juin - 14:30 Mardi - 30 juin - 21:30
Lundi - 29 juin - 21:20
Ne change rien est né d’une amitié entre l’actrice Jeanne Balibar, l’ingénieur du son Philippe Morel et Pedro Costa.
Une table ; un dîner de bouchées ; une famille de trois personnes. Neuf scènes tournées autour de la table, entre chaque scène, 45 degrés. 132 minutes en temps réel. Voilà le sujet de Oxhide II.
Pedro Costa
Jeanne Balibar, chanteuse, des répétitions aux enregistrements, des concerts rock aux cours de chant lyrique, d’un grenier à Sainte-Marie-aux-Mines à la scène d’un café de Tokyo, de Johnny Guitar à La Périchole d’Offenbach. -
‘Ne change rien’ is ontstaan uit de vriendschap tussen actrice Jeanne Balibar, klankman Philippe Morel en Pedro Costa. Jeanne Balibar, zangeres, tussen repetities en opnamen, tussen rock- optredens en lyrische zang, van een zolder in Sainte-Marie-aux-Mines tot de scène van een kroeg in Tokyo, van Johnny Guitar tot Offenbachs Perichole.
Liu Jia Yin
La réalisatrice et ses parents jouent les trois personnages. Il n’y a pas de quatrième personnage, à part les chats. Een tafel ; een dîner met hapjes ; een familie van 3 personen. Negen scènes gedraaid rond de tafel. 45 graden tussen elke scene. 132 minuten in real time. Dit is het onderwerp van Oxhide II. De regisseur en haar ouders spelen de drie personnages. Er is geen vierde persoon, behalve de poezen.
Quinzaine
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La Pivellina
Le Roi de l’évasion
Avec Patrizia Gerardi, Walter Saabel, Tairo Caroli, Asia Crippa Autriche, Italie 2009 - 100’ - VO ST. FR
Avec Ludovic Berthillot, Hafzia Herzi, Jean Toscan, Pierre Laur France 2009 - 99’ - VO FR ST. ANG
Vendredi - 26 juin - 14:30 Dimanche - 28 juin - 17:00
Mercredi - 1 juil - 21:30 Invités: Alain Guiraudie, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
Abandonnée dans un parc, la petite Asia âgée de deux ans est recueillie par Patti, une artiste de cirque qui vit avec son mari Walter dans une aire de camping à San Basilio, dans la banlieue de Rome. Avec l’aide de Tairo, un adolescent qui vit avec sa grand-mère dans un camping-car voisin, Patti se met à chercher la mère d’Asia, et garde l’enfant chez elle en attendant.
Armand Lacourtade, 43 ans, vendeur de matériel agricole, ne supporte plus sa vie d’homosexuel célibataire.
Tizza Covi, Rainer Frimmel
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De tweejarige Asia wordt achtergelaten in een park en opgevangen door Patti, een circusartieste die samen met haar man Walter in een camping leeft in San Basilio, een buitenwijk van Rome. Met de hulp van Tairo, een tiener die met zijn grootmoeder een ander camping-car bewoont, gaat Patti op zoek naar Asia’s moeder. Ondertussen ontfermt zij zich over het kind.
Quinzaine
Alain Guiraudie
Quand il rencontre Curly, une adolescente qui n’a pas froid aux yeux, il vire de bord. Pourchassés par tous, ils bravent tous les dangers pour vivre cet amour interdit. Ils finissent par créer un drôle de couple. Mais est-ce vraiment de ça dont Armand avait rêvé ? -
Armand Lacourtade, 43 jaar, verkoper van landbouwgerief, kan zijn bestaan niet meer aan : hij is echter homoseksueel en alleen. Wanneer hij Curly ontmoet, een tienermeisje dat voor geen kleintje vervaard is, verandert hij van cap. Ze worden verjaagd door iedereen en moeten tal van gevaren trotseren om hun verboden liefde te kunnen beleven. Ze vormen een eigenaardig stel. Maar is dit nu echt waarvan Armand droomde ?
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La Terre de la Folie Luc Moullet
Yuki & Nina
Nobuhiro Suwa, Hippolyte Girardot Avec Noë Sampy, Arielle Moutel, Tsuyu, Hippolyte Girardot France, Japon 2009 - 93’ - VO FR ST. ANG
France
2009 - 90’ - VO FR ST. ANG
Mercredi - 1 juil - 19:20 Invités: Luc Moullet, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
Originaire des Alpes du Sud, Luc Moullet a constaté que les cas de troubles mentaux étaient particulièrement nombreux dans cette région. Meurtres, corps découpés en morceaux, suicides, immolations, à travers sa famille, ses proches et les différentes “affaires” des cent dernières années, Moullet étudie les causes et les conséquences de ces phénomènes psychiques locaux. “L’arrière-petit-neveu du bisaïeul de ma trisaïeule avait tué un jour à coups de pioche le maire du village, sa femme et le garde-champêtre, coupable d’avoir déplacé sa chèvre de dix mètres. Ca me fournissait un bon point de départ... Il y a eu d’autres manifestations du même ordre dans la famille”. -
Het viel Luc Moullet op dat er bijzonder veel gevallen zijn van mentale stoornissen in de Zuiderse Alpen waarvan hijzelf afkomstig is. Moorden, vermorzelde lichamen, zelfmoorden, mensenoffers : Moullet bestudeert de oorzaak en de consequenties van deze lokale psychische verschijnsels, via zijn eigen familieverhaal en de verschillende ‘cases’ die de laatste honderd jaar geregistreerd werden. ‘De achterkleinneef van mijn betovergrootmoeder heeft ooit de burgemeester van zijn dorp met een houweel vermoord, samen met zijn vrouw en de veldwachter die zich ervan schuldig had gemaakt zijn geit tien meter te verplaatsen. Dit gaf me een goed uitgangspunt… er werden trouwens andere gelijkaardige manifestaties vastgesteld binnen mijn familie’.
Mardi - 23 juin - 21:10 Invités: Hippolyte Girardot, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs) Lundi - 29 juin - 17:00
Yuki, 9 ans, apprend que ses parents se séparent. Le père de Yuki est français, sa mère japonaise. Elle devra suivre sa mère au Japon et tout laisser à Paris, à commencer par sa meilleure amie, Nina. Ensemble, elles inventent des stratagèmes destinés à provoquer la réconciliation des parents. Finalement, la fugue leur semble être la seule issue, et la forêt leur nouvelle destination. -
Yuki, 9 jaar, verneemt dat haar ouders gaan scheiden. Yuki’s vader is een Fransman, haar moeder is een Japanse. Yuki moet mee met haar moeder naar Japan. Ze moet dan ook heel haar Parijse bestaan achter zich laten, inclusief haar beste vriendin Nina. Samen vinden ze allerlei listen uit om Yuki’s ouders terug bij elkaar te brengen. Uiteindelijk zien ze geen andere uitweg meer dan te vluchten. Met het bos als nieuwe bestemming.
Quinzaine
s t i d Iné 02
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Sur la tombe du tout frais décédé, les pleureuses pleurent et les hurleurs hurlent. Comme s’il s’agissait de persuader les autres – et peut-être soi-même – de la réalité de la douleur. Soudain, une alerte retentit : l’Israël de 1991 est en guerre avec le tyran Saddam. Des masques à gaz apparaissent alors sur les visages des endeuillés, qui ressemblent soudain à de gros insectes difformes, presque grotesques, qui continuent à s’étreindre et à se lamenter. Percer les masques, c’est précisément ce que vont tenter et réussir Ronit et Shlomi Elkabetz, la sœur et le frère, en filmant ce huis clos sur une famille amenée, par tradition religieuse, à cohabiter une semaine entière – et c’est long, une semaine ! – dans l’appartement du mort pour se recueillir et lui rendre hommage. Car on ne rigole pas, durant les sept jours : pas de télé, pas de radio. Honte et opprobre sur celle qui, par distraction ou par ignorance, a cuisiné un plat avec viande. Interdiction aux femmes de porter le moindre bijou, la plus petite trace de maquillage. […] Alors, ça monte, ça monte entre tous les personnages, comme le lait sur le feu. Et, quand la tension déborde, les Elkabetz filment, avec autant de violence que de pudeur, un long moment dévastateur, où se déversent rancœurs et chagrins, déceptions et douleurs. La haine est là, certes, mais toute proche de l’amour, en fait. On est moins dans l’abomination de Festen que dans la désolation. Les deux cinéastes ne condamnent personne, mais semblent aboutir au constat de Gorki devant les personnages de Tchekhov : “Messieurs, vous vivez mal !” Trop de rituels et pas assez de foi. Trop d’ego et pas assez de soi. Seul leur intérêt semble, désormais, intéresser ces êtres comme privés d’âme. Et la force du film, c’est, précisément, d’essayer de la leur rendre. Pierre Murat, Télérama
les 7 jours
Ronit et Shlomi Elkabetz Avec
Ronit Elkabetz Sulika Kadosh Hanna Laszlo Moshe Ibgy France-Israël 2008 115’
Met de gasmaskers op naar een begrafenis? Het gebeurt in The Seven Days, een tragikomisch drama gesitueerd in een dorpje in Israël tijdens de eerste Golfoorlog van 1991. Toch is niet de oorlog maar de familiestructuur en het gewicht van de tradities het onderwerp van deze nieuwe film van broer en zus Ronit en Shlomi Elkabetz. In Israël wil de traditie dat bij een sterfgeval de nabestaanden 7 dagen samenkomen (de zogenaamde shiva) om te rouwen in het huis van de overledene. Zo komt het dat de Ohaions, een serafadische familie van zeven broers en twee zussen, zonder dat ze het eigenlijk zelf willen met elkaar ‘opgesloten’ zitten in het huis van hun overleden broer. En al snel winnen oude vetes en opgekropte frustraties het van rouw en verdriet. Dit tableau in widescreen van een familiereünie evolueert subtiel tot een bitter en verstikkend ‘huis clos’ én een doorleefde getuigenis over de plaats van de vrouw in de Israëlische samenleving.
Inédits
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Le Chant des oiseaux Albert Serra
Avec
Lluis Carbo Lluis Serrat Batlle Lluis Serrat Masanellas Espagne-France 2008
Cela aurait pu s’appeler En attendant Jésus, sauf qu’en l’occurrence c’est Jésus qui les attend, ces étranges Rois mages, pèlerins replets, perdus dans un désert de rocaille blanche et noire, se demandant, entre deux siestes, s’ils ont bien fait de venir, avec ce maudit sable qui se glisse entre leurs doigts de pieds. Deux ans après Honor de Cavalleria et son Quichotte de poche, Albert Serra confirme ici l’étendue de son talent singulier, quelque part entre radicalité moderne, bouffonneries à la Monty Python et majesté lo-fi. Si la méthode est restée à peu près inchangée depuis Honor de Cavalleria (ramener le mythe à son décharnement primaire), l’horizon esthétique est, lui, sensiblement différent : filmé dans un noir et blanc somptueux, Le Chant des oiseaux est plus abstrait, plus dépouillé, moins sensoriel aussi, que son prédécesseur, sans que cet ascétisme ne soit prétexte à une quelconque inertie. Au contraire, Serra y trouve matière à un comique revigorant, qui tient autant du théâtre absurde de Beckett que d’un burlesque slow burn. Le réalisateur s’amuse ainsi, dans les meilleurs passages du film, de l’inadéquation de leurs corps embarrassés, trop gros ou trop vieux, avec un espace où la gravité les rappelle continuellement à son implacable loi… Seul moment de répit, une baignade inaugurale filmée en contre-plongée depuis les profondeurs, instant magique où la pesanteur s’est fait oublier. […] Une sorte de fatalisme heureux contamine ainsi le film et c’est, probablement, ce qui le rend si beau : l’idée que ces trois-là sont sur terre pour autre chose qu’une mission, même divine – une fois accomplie leur offrande à Jésus, ils repartent pour de nouveaux horizons –, qu’au-delà d’un paragraphe biblique ou deux, ils jouissent, héros en cela modernes, d’une liberté inaliénable. Jacky Goldberg, Les Inrockuptibles
98’
Inédits
Binnen het internationale filmfestivalcircuit geldt de Catalaanse regisseur Albert Serra al een tijdje als een uniek en eigenzinnig talent. In het formeel opmerkelijke en in subliem zwart-wit gefotografeerde El cant dels ocells bewerkt deze ‘waanzinnige visionair’ het bijbelse verhaal en de pelgrimstocht van de Drie Koningen of drie wijzen op weg naar de pasgeboren Jezus tot een minimalistisch-absurde proeve van transcendente cinema. Zijn contemplatieve en vooral uit lang aangehouden statische shots opgebouwde mystieke film past dan ook in de traditie van het meer religieus geïnspireerde werk van regisseurs als Dreyer, Rossellini en Pasolini. Veel verhaal, dialoog of narratieve hocus-pocus vind je bijgevolg niet terug in deze compromisloze spirituele odyssee. Het is meer een radicale picturale exploratie in widescreen van figuren in een landschap, in dit geval de woestijnen en het vulkanisch gebergte van de Canarische eilanden.
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L’autre, El Otro, c’est lui. C’est nous, c’est tout le monde. C’est surtout la petite fêlure bien cachée que chacun dissimule de son mieux et qui risque de tout faire péter à n’importe quel moment. El Otro est un délicat et émouvant exercice intime brodé autour d’un homme qui, à 40 ans bien sonnés et alors qu’il aborde un tournant de sa vie, s’évade de lui-même comme un gamin sèche l’école. Juan (Julio Chávez) est un avocat un peu fatigué, qui laisse sa vie s’écouler en pente douce. Il ignore encore, même s’il s’en doute confusément, qu’il se trouve exactement à mi-chemin entre la vie et la mort. Quelque part pile entre l’enfant que porte sa femme et son propre père, vieillard quasi grabataire qui n’attend plus rien d’autre que le soulagement de la mort. Il finit par en prendre violemment conscience à l’occasion d’un voyage pour affaires en province. Il fait la route en autobus, à côté d’un homme de son âge. À l’arrivée, le type est mort, paisiblement, dans son sommeil, et c’est comme si Juan découvrait effaré son propre cadavre affalé dans le siège du bus. Alors il tourne les talons et s’enfuit du cours paresseux de son existence. Il regarde le monde tourner comme si il n’en faisait plus partie, s’invente une nouvelle identité, un nouveau métier. Juan s’offre une parenthèse de vie en même temps qu’un échantillon de sa propre fin. L’Argentin Ariel Rotter a su filmer au plus juste l’intensité magnétique de son acteur Julio Chávez à travers lequel chaque plan restitue l’immense solitude du personnage. […] Mourir vraiment ou élever son futur enfant, prendre soin de son vieux père, et puis se mettre à vieillir tout à fait. En quittant le film, il est en tout cas difficile de ne pas songer à notre tour à cet “Otro” qui sommeille en chacun de nous et qui devrait bien se réveiller un jour ou l’autre. Bruno Icher, Libération
Nueve Cine Argentino. Zo is men de nieuwe golf van recente Argentijnse films inmiddels gaan noemen. Ook het in Berlijn en op het Brugse Cinema Novo-festival bekroonde El otro maakt deel uit van die nieuwe stroming, een met veel cinematografische precisie gefotografeerd portret van een 46-jarige advocaat uit Buenos Aires die met een ernstige identiteitscrisis worstelt wanneer zijn vrouw hem vertelt dat ze zwanger is. Zijn oplossing? Hij neemt de identiteit aan van een dode man en begint aan een nieuw en minder door routine gekleurd leven in een slaperige provinciestad. Het is moeilijk om niet aan Antonioni’s The Passenger te denken bij het kijken naar deze introspectieve existentiële reis naar de ziel van een dwalende en verwarde man. Niettemin: regisseur Ariel Rotter vat plastisch streng en met veel inzichtrijke poëzie de vervreemding, het ongemak en de zwerflust van deze man die zweeft tussen dood en leven.
El Otro
Ariel Rotter Avec
Julio Chavez Osvaldo Bonet Maria Oneto Maria Ucedo Argentine-France-Allemagne 2008 83’
Inédits
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L’Étranger en moi Emily Atef Das Fremde In Mir Avec
Susanne Wolff Johann Von Bülow Maren Kroymann Allemagne 2008
Rebecca est bien dans sa vie. Heureuse dans son couple, sereine dans son travail, épanouie dans sa grossesse... Pourtant quelque chose semble se dérégler. Pendant près de vingt minutes, Emily Atef nous perd sciemment dans une structure narrative troublante, pour nous entraîner plus sûrement dans le sillage de son personnage. Contraints de larguer les amarres, nous sommes alors vite en phase avec cette trentenaire perdue, étonnamment perturbée à la naissance de ce bébé qui détruit tout son équilibre. Ce bébé qu’elle n’arrive pas même à regarder. […] Comme l’exprime à merveille Emily Atef, le sujet est tabou, viscéral. Avant même de formuler son malaise, tout un chacun est anéanti par la pudeur, voire la culpabilité ou la honte de soi. Atef peint avec justesse, profondeur et nuances le désarroi de Rebecca, mais s’intéresse, plus encore, au chemin d’une possible reconstruction. […] Tout en restant d’une totale humilité (elle rejette tout parti pris trop formaliste) pour ne jamais extirper le spectateur de ce voyage intime, Emily Atef produit un cinéma élégant et audacieux. Le parcours de cette jeune femme bouleverse particulièrement parce que, tout tragique et traumatisant soit-il, il reste profondément généreux, positif, humain. Atef ne se complaît pas dans la noirceur, mais ne s’autorise pour autant aucune facilité. Pas de happy-end, d’aucune sorte : son personnage n’effacera pas son traumatisme, pas plus en fuyant le bébé, qu’en l’acceptant. Son premier pas sera d’avoir accepté cet autre étranger en elle : cette part d’elle-même qu’elle n’avait pas imaginée. L’émotion qui se dégage des dernières scènes est d’autant plus vibrante que celles-ci exposent, en la matière, des avancées prudentes, fragiles, presque en devenir. Jean-Christophe Berjon, Semaine de la Critique, Cannes 2008
99’
Inédits
Geef het materiaal van Das Fremde In Mir in handen van een minder getalenteerde cineaste als de Duitse Emily Atef en de kans is groot dat je zo een flauwe en banale probleemfilm-van-de-week krijgt zoals je die vaak terugvindt op vrouwelijke themazenders. Dit met veel juistheid en empathie vertelde drama tackelt een onderwerp dat nog altijd in de sfeer van de sociale taboe zit: de postnatale depressie, angsten, twijfels en hulpeloosheid van een jonge vrouw die pas bevallen is van haar eerste kind. Revelatie Susanne Wolff vertolkt op een sublieme manier een vrouw die wegzakt in een crisis en die overstuur raakt omdat het gevoel van moederliefde bij haar uitblijft. Haar intense vertolking en Atefs nauwgezette en delicate aanpak maken van dit intieme psychodrama een intens emotionele en rijk geschakeerde film die finaal verrassend genoeg een heel lyrische indruk achterlaat.
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La traduction littérale française du titre prête d’emblée à sourire : Montrez un peu d’amour, bande de minables ! Certes ils ont bien besoin d’amour tous ces personnages, et les chemins qu’ils empruntent pour tenter de l’atteindre sont plutôt tortueux et mènent généralement au pire. Mais le film ne saurait se réduire à cette seule quête. Il se savoure, au contraire, couche après couche. Que nous raconte Funukedomo ? Il nous parle d’un trio fait d’amour et de haine entre un frère et deux sœurs. Il dépeint une jeune femme dévorée par l’ambition de devenir comédienne, extravertie et dominatrice, mais qui sera en fin de compte doublée par sa cadette à lunettes. Il dresse un constat impitoyable de la violence faite aux femmes. Il détaille le processus de la création artistique, la nécessaire vampirisation de la vie des proches. […] Le film de Daihachi Yoshida est également bourré de références, notamment à l’art du manga. Témoin la scène d’introduction, à la fois choc et graphique qui donne en quelques plans un ton général et un rythme dont le récit ne se départira plus. Sans oublier non plus les ruptures de ton permanentes par le biais de l’humour. Comique de situation parfois burlesque et extravagance de certains personnages apparaissent ainsi subitement au détour d’une scène. […] Funukedomo, kanashimino ai wo est donc un film attachant car déroutant et doté d’un ton très personnel. Bourré de fausses pistes, il fait partie de ces œuvres qui vous prennent par la main et ne vous lâchent plus, simplement par la façon dont il nous lie petit à petit au devenir de ses personnages, par l’écheveau qu’il détricote tranquillement sous nos yeux. Impossible de deviner où l’on va, il suffit de se laisser porter. N’est-ce pas ce que l’on demande avant tout au cinéma ? Patrice Carré, Semaine de la Critique, Cannes 2008
Funuke show some love, you losers ! Daihachi Yochida Funukedomo, kanashimino ai wo Avec
Eriko Sato Aimi Satsukawa Hiromi Nagasaku Masatochi Nagase Japon 2007 111’
Wie enkele jaren geleden genoten heeft van de bizarre Japanse familiekroniek The Taste of Tea moet in zijn agenda ook de vertoningsuren van Funuke Show Some Love, You Losers ! aanstippen, een al even gekke zwarte komedie over een excentrieke familie én een verrassende hit op het filmfestivalcircuit. Regisseur Yoshida Daihachi loodst je soms op een hilarische manier binnen in het maffe microkosmos en de kleine en de grote problemen van de Wago’s, een vreemde en disfunctionele familie van twee zussen en een broer die na het plotse overlijden van hun ouders opnieuw bij elkaar komen. De plot is grillig en onvoorspelbaar - ook de mangacultuur komt bijvoorbeeld voortdurend fascinerend om de hoek gluren - en dat benadrukt juist de speels onderhoudende en licht surrealistische toon van deze kleurrijke cocktail van sitcomsoap en huis-en-keukendrama die je nog het best kan samenvatten als één van geflipte wanhoop.
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C’est un film quasiment sans dialogue. On y suit trois parcours : un homme kurde et son jeune fils circulant clandestinement ; un cadre solitaire supervisant la délocalisation de son entreprise ; une étudiante qui filme au caméscope les lieux et les êtres qu’elle croise au cours de son périple. Ces trois parcours se déploient parallèlement en divers coins d’Europe, s’ignorent, se répondent à distance, peut-être se croiseront à des intersections fugaces, incertaines. Il y a une ironie sous-jacente et peut-être un peu amère dans le subtil tricot des trajectoires du film : alors que ceux de l’Est vont vers l’Ouest pour y trouver du travail, ceux de l’Ouest vont vers l’Est pour y trouver de la main-d’œuvre bon marché ou pour y chercher une hypothétique rédemption. Il y a peu de dialogues, mais des visages et des regards extrêmement expressifs, un travail de dentellière dans le filmage des lieux qui dit tout de la froideur uniformisante de la globalisation, et un splendide montage mille-feuilles où les glissements sonores décuplent la force des images. Il n’y a pas de manichéisme, mais une ouverture permanente du sens : le cadre supérieur qui délocalise fait peut-être un sale boulot, mais c’est aussi un être humain qui doute, éprouve la solitude, semble prendre conscience de la brutalité de notre époque et de son travail. L’étudiante est bardée de bonnes intentions mais se protège derrière son petit écran, filtre hygiénique qui maintient la misère à distance… (…) Nulle part, terre promise est une sorte de chant du monde mélancolique, une élégie qui contre-balance sa sombre humeur par une forme splendide. Car il s’agit surtout ici d’un voyage cinématographique façon Hou HsiaoHsien ou Jia Zhangke, abstrait et concret, sensoriel et politique, aussi puissant par ce qu’il montre que par ce qu’il cache ou suggère. Serge Kaganski, Les Inrockuptibles
Nulle part, terre promise Emmanuel Finkiel Avec
Elsa Amiel Nicolas Wanczycki Haci Aslan France 2008 95’
De immigratie in en naar Europa: het is een thema dat de Franse regisseur Emmanuel Finkiel heel geëngageerd aansnijdt in het vorig jaar met de Prix Jean Vigo gelauwerde Nulle part, terre promise. Finkiel, een gewezen assistent van Godard en Kieslowski, toont in zijn socio-politieke odyssee de kruisende reis van vier mensen - een Koerdische vluchteling en zijn zoon, een jong kaderlid die de verhuis van zijn fabriek coördineert en een studente die met haar camera daklozen filmt - door het Europa van de open grenzen, terwijl ze al of niet clandestien op zoek zijn naar werk of een betere toekomst. Wat deze actuele en episodisch opgevatte kroniek zo bijzonder en interessant maakt is de afstandelijke maar subtiele reflectieve ironie waarmee Finkiel naar de deterministische structuur van Europa kijkt waarin het verkeer van goederen en kapitaal uiteindelijk makkelijker blijkt dan dat van mensen die gevangen zitten in hun isolement.
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La Petite Fille de la terre noire
Jeon Soo-il
Geomen tangyi sonyeo oi Avec
Yu Yun-Mi Jo Yung-Jin Park Hyung-Woo
Avec une obstination chaque saison plus héroïque, la Corée du Sud continue de maintenir sa petite lumière clignotante sur la mappemonde cinéphile mondiale. Nouvelle illustration convaincante en date avec ce poignant mélo, que l’on pourrait croire filmé au fusain tant la houille et l’anthracite du petit village minier de la province de Kangwon où campe toute l’action, cette fameuse “terre noire”, barbouille en effet tout l’écran. Le film est une sorte d’ange muet au-dessus de l’épaule de la petite Young-lim, 9 ans, qui vit sur ce sol sombre avec son père et son frère (la mère est déjà morte ou partie) et que la caméra ne quittera pratiquement jamais. Lorsque le père de Young-lim perd son boulot pour d’inquiétantes raisons de santé, c’est tout un engrenage de la chute qui s’enclenche. Bientôt, la farfadette devra veiller seule à la bonne tenue du foyer familial et s’occuper comme d’une mère de son frère innocent. Le film semble ne pas s’en cacher : il renoue avec les plus belles traditions du mélodrame hollywoodien, le pur, le dur, le vrai, qu’il déplace et articule dans un nouveau contexte. C’est un arrière-petit-cousin coréen des très grands mélos sans issue de la fin du muet ou de ceux, plus tard, de la Warner à son apogée : l’illusion américaine du happy-end en moins, l’envers terrifiant du miracle économique coréen en plus. Jeon Soo-il met à son affaire toute la retenue requise : sa mise en scène cadre avec une fermeté presque hautaine, ce qui aurait pu facilement dégouliner en émotions confites. L’inoubliable gamine (Yu Yun-mi) donne au film son centre de gravité paradoxal : à la fois bout de chou et bloc de granit, phare protecteur et luciole dans l’abyme, inspirant autant la crainte et l’angoisse qu’une forme inespérée d’optimisme et de confiance. Olivier Séguret, Libération
Corée du Sud 2008 89’
Inédits
Van Deauville en Istanboel tot Venetië en Fribourg: het internationale palmares dat de Zuid-Koreaanse film With a Girl of Black Soil ondertussen opgebouwd heeft, is fraai. We zien dit ultrasobere drama volledig door de ogen van de 9-jarige Yeong-lim, een vindingrijk meisje op wiens frêle schoudertjes heel wat verantwoordelijkheid komt te rusten wanneer haar zieke vader zijn job bij de mijnen verliest, depressief geraakt en zij alleen moet instaan voor haar mentaal gehandicapte broer van elf. Zonder ooit af te glijden naar een goedkope pathos, makkelijke smart of clichématig miserabelisme schildert Jeon Soo-Il een sociaal gevoelig portret van dit taaie meisje dat probeert te overleven in de harde omgeving van een troosteloos en winters provinciaal mijndorpje. De regisseur dompelt je in haar wereld onder met de pure kracht van een humane portrettist die zweert bij het neorealisme.
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Si l’on vous dit que ce film est l’histoire d’un pickpocket. Si l’on précise que son héros, Lesha Shultes, est un solitaire impénétrable et qu’à la fin du film la rencontre d’une femme va influencer de façon déterminante son destin... Vous aurez alors toutes les raisons de penser que le premier long métrage du Russe Bakur Bakuradze pousse un peu loin le démarquage du chef-d’œuvre signé en 1959 par Robert Bresson (Pickpocket) […]. Shultes est pourtant un film remarquable, qui se réapproprie Bresson en lui rendant un juste hommage, bien davantage qu’il ne le plagie. La raison en est très simple, elle tient à deux facteurs essentiels. Le premier est qu’un demi-siècle s’est écoulé entre les deux films, transfigurant le monde au passage, le second est que celui-ci nous vient d’une Russie nouvelle. La conséquence, c’est que Shultes est moins l’itinéraire d’une rédemption individuelle que l’allégorie d’un pays en proie à la désintégration de son identité et à l’oubli de son Histoire. […] Lesha Shultes est de fait, après un accident de voiture, un amnésique dont l’imaginaire de substitution va paradoxalement le conduire à renouer avec le destin tragique de la grande tradition russe. Le choix des deux principaux acteurs, remarquables, ne fait que confirmer ceci, en renouant avec l’épopée du petit peuple : Gela Chitava (Shultes) est chauffeur de son état, et son compagnon de larcins, le jeune Ruslan Grebenkin, vit dans un orphelinat de Moscou. Sous couvert d’une étude de cas pathologique, Shultes nous rappelle avec beaucoup de subtilité que l’occultation de l’Histoire conduit ni plus ni moins qu’à sa répétition, fût-ce sous d’autres formes. La découverte d’un film russe de cette qualité et de cette importance est donc un véritable événement, et Bakur Bakuradze est sans nul doute un nom qu’il faudra retenir. Jacques Mandelbaum, Le Monde
Het is ooit anders geweest maar nieuwe Russische films sijpelen nog maar sporadisch tot bij ons in de bioscoop door. Dat wil niet zeggen dat er in Rusland geen boeiende films meer gemaakt worden. Op Kinotavr - hét nationale filmfestival - won het vorig jaar ook al in Cannes fel opgemerkte Shultes de prijs voor de beste film. Dit debuut van de Georgiër Bakur Bakuradze is een visueel verstild portret van een 25-jarige gewezen atleet, nu zakkenroller met amnesie uit een anonieme buitenwijk van Moskou die een nogal mechanisch en routineus leven leidt. Totdat een contact met een vrouw die hij bestolen heeft, opnieuw bepaalde dingen uit zijn eigen verleden gaat losmaken. De referenties naar Bressons Pickpocket en de metafysische cinema van Kieslowski zijn duidelijk in dit sterk existentieel eigentijds drama. Maar Bakuradzes eigen dwingende en spaarzame stijl leidt tot een krachtige sociale commentaar op de huidige Russische samenleving.
Shultes
Bakur Bakuradze Avec
Gela Chitava Ruslan Grebenkin Lubov Firsova Russie 2008 100’
Inédits
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Soi Cowboy
Thomas Clay Avec
Nicolas Bro Pimwalee Thampanyasan Petch Mekoh Royaume-Uni-Thaïlande 2008 117’
Inédits
Après l’éprouvant The Great Ecstasy of Robert Carmichael, sorte d’Orange mécanique d’une implacable morosité, le réalisateur britannique Thomas Clay s’attaque à l’épineuse question de la prostitution Made in Thailand – “Soi Cowboy” étant le nom du “redline district” de Bangkok, ce repère moite d’Occidentaux qui s’achètent la compagnie de jeunes filles à peine pubères en échange d’une poignée de bahts. Tobias est un “farang” au physique disgracieux qui vit avec une jeune autochtone, Koi, dans un appartement sordide de la mégalopole. Enceinte de lui sans doute par intérêt (la voilà sauvée, pour un temps, d’un avenir incertain), elle avoue le trouver attachant (“He has a good heart”) mais n’aime pas faire l’amour avec lui (“Sometimes he just makes me want to die”). Platitude du sexe non désiré (malgré le Viagra), ennui d’une union calculée, petites scènes d’un quotidien stérile et peu bavard (la scène du réveil, en boucle) : en décrivant ce rapprochement forcé entre deux êtres que tout oppose (la langue, le corps, l’envie), Thomas Clay avoue s’être inspiré du cinéma d’Antonioni… Le film bascule ensuite dans une étrange histoire de mafieux et de tête coupée, “nécessaire, selon le cinéaste, pour avoir prise sur la nature cachée des choses”. Du noir et blanc à la couleur, du portrait sociétal (en surface) à la fable yakuza, Koi et Tobias “cessent alors d’être des personnages, de même que la narration disparaît derrière la fumée d’un canon de revolver”. Comment ce couple si improbable s’est-il rencontré ? Que font ces types qui se livrent des têtes ? Pourquoi se retrouvent-ils ensemble dans ce salon de Pandore qui évoque la “red room” de Twin Peaks ? “Tous se dirigent inexorablement vers le point où un équilibre est atteint”, confie le réalisateur. “L’essence des choses” ? Les hiboux, comme toujours, ne sont pas ce que l’on croit. Grégory Escouflaire
Met het westerngenre heeft deze nieuwe film van de Brit Thomas Clay, de maker van het controversiële The Great Ecstasy of Robert Carmichael, geen uitstaans mee. De titel Soi Cowboy slaat immers op de groezelige rosse buurt van Bangkok, de achtergrond waartegen deze intrigerende en meditatieve variant op de film noir zich afspeelt. In het eerste en meer statisch gefilmde deel wordt er gefocust op de moeilijke relatie tussen een zwaarlijvige Deense filmregisseur en een jonge Thaise vrouw die zwanger is. In het tweede deel volgen we de perikelen van een lokale gangster. De link tussen deze twee verhalen wordt in deze in zowel zwart-wit als kleur opgenomen januskop van een film nooit duidelijk gemaakt. Maar dat maakt dit verhaal over de hedendaagse vervreemding en de moeilijke communicatie – Clay verwerkt niet voor niets een eerbetoon aan Michelangelo Antonioni en David Lynch in zijn drama – er alleen maar een stuk meer enigmatisch door.
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Après Peindre ou faire l’amour, les frères Larrieu continuent à leur manière d’être des obsédés sexuels. À la pornographie plutôt triste, ils préfèrent la chair joyeuse, voire surréaliste. Voici donc Aurore (Sabine Azéma) venue calmer sa nymphomanie chronique dans les Pyrénées. C’est Alexandre (Jean-Pierre Darroussin), son compagnon, qui a eu cette idée. Les deux ne font plus l’amour ensemble, cela ne les empêche nullement de s’entendre comme larrons en foire. Se montrant fort clément, car lui-même nymphomane (sic) dans sa jeunesse, Alexandre sait d’expérience qu’il n’y a rien de meilleur pour se retrouver et se ressourcer qu’une bonne randonnée en montagne. Pour raviver la sexualité à l’intérieur du couple, le film propose un petit détour par une forme de conte quasi enfantin. Joli paradoxe qui rappelle de loin Tintin au Tibet ou Lewis Carroll – pas de yeti ni de lapin ici, mais un gros ours malin qui fait pipi comme un homme. Dans la lignée du poète britannique, les frères Larrieu confrontent leurs personnages à des épreuves bizarres qui les éloignent du but initial pour leur permettre de mieux l’atteindre. Autant dire que l’aventure est zigzagante, sautillante, jalonnée de chausse-trapes et de rebondissements magiques. La légèreté jusque dans l’outrance est la philosophie du film. L’artifice y est le bienvenu, le cabotinage aussi. Comme toujours chez les frères Larrieu, les personnages jouent surtout à s’aimer. Ils essaient toutes sortes de rôles et de combinaisons réinventant le masculin et le féminin. Celle qui clôt l’aventure est réjouissante et consacre de manière tout aussi burlesque que poétique un fantasme vieux comme le monde. Moralité : pour durer, un couple doit se métamorphoser. Difficile de ne pas approuver. Jacques Morice, Télérama
Le Voyage aux Pyrénées Arnaud et Jean-Marie Larrieu Avec
Sabine Azéma Jean-Pierre Darroussin Arly Jover Philippe Katerine France 2008 100’
Stellen dat de Franse filmbroers Arnaud en Jean-Marie Larrieu typische bergfilmers zijn, is overdreven. Maar het van Lourdes afkomstige eigenzinnige filmduo stopt de geografie of de legendes van hun geboorteregio niet weg in hun films. In hun nieuwe komedie Le voyage aux Pyrénées zijn de bergen en het landschap van de Pyreneeën dan ook bijna een personage op zich. Het is de locatie die een beroemd acteurskoppel (Sabine Azéma en Jean-Pierre Darroussin) als bestemming uitgekozen heeft voor een soort kuur. Hun liefdesleven is in een impasse geraakt en en plus : Azéma heeft last van aanvallen van nymfomanie. Het absurde en het onconventionele gaan met andere woorden hand in hand in deze excentrieke ecologische farce vol afwijkende humor, een surrealistische ‘comédie de remariage’ waarin zelfs een opmerkelijke rol is weggelegd voor zingende monniken in adamstenue, mystieke verschijningen en – hoe kan het ook anders – een beer.
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s e u q i s s Cla
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La comédie à l’italienne a rarement été aussi mordante que dans Affreux, sales et méchants, une farce noire qui mêle opéra bouffe et néoréalisme pour conter l’ascension d’un Guépard des bidonvilles. Ici, le fauve racé de Visconti prend les traits tirés du pauvre Giacinto (Nino Manfredi), un vieux renard qui a touché des assurances une indemnité d’un million de lires pour la perte d’un œil brûlé à la chaux vive. Ce magot excite la convoitise de sa femme, ses dix fils et sa belle-famille, qui conjuguent les sept péchés capitaux à l’ombre du Vatican, et préparent une révolution de palais lorsque Giacinto part s’amuser avec une prostituée fellinienne. Tourné dans un agglomérat de taudis, avec un mélange de professionnels et de débutants, cet hymne au réalisme grotesque réunit une distribution étonnante. Entre un unijambiste surnommé Zatopek et une garderie en forme de camp de concentration, Ettore Scola a signé une satire corrosive à mi-chemin entre les intrigues de Dynastie et la folie de Satyricon. Mais ce soap-opera-ci tache tout ce qu’il éclabousse, et salit tout ce qu’il touche. Plus proche de l’Accatone de Pasolini (qui avait projeté, avant sa mort, de tourner une sorte de préface au film) que du paternalisme bienveillant de Vittorio De Sica (Miracle à Milan), Affreux, sales et méchants a de quoi offenser tout le monde. Il fut d’ailleurs attaqué à sa sortie aussi bien par les catholiques – qui n’y retrouvaient pas l’image idéalisée du “bon pauvre” – que par la gauche – aux yeux de qui Scola avait réalisé un film anti-prolétaires… Georges Privet, Voir
Affreux, sales et méchants Ettore Scola
Brutti sporchi e cattivi Avec
Nino Manfredi Francesco Anniballi Maria Bosco Italie 1976 115’
Lang voor Slumdog Millionaire (Danny Boyle, 2008) was er Brutti sporchi e cattivi (1976) een rauwe, maar niet bittere inkijk in het leven van een grote familie aan de zelfkant van de Italiaanse maatschappij. Giacinto (Nino Malfredi) leeft, in een bouwval aan de rand van Rome, met zijn vrouw, een minnares, een dozijn kinderen en andere familieleden…en een grote zak geld. Waar de hele familie op aast. Desgevallend tot de dood erop volgt. Regisseur Ettore Scola is een ‘familie’man: toch al zeker als onderwerp voor zijn films. Met veel humor en mildheid registreert hij de hysterie en lichte waanzin die niet zelden in grote (samenlevende) families heerst. Maar getuigt hij ook van de sociale ellende die vaak met armoede en overbevolking samengaat. En dat is hier niet anders. De verpauperde wijk waar de Mazzatella’s proberen te overleven, ligt in de schaduw van Sint Pieter, één van de heiligste oorden ter wereld.
Classiques
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De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites Paul Newman
Totalement hors système, tourné en famille, De l’influence des rayons gamma accomplit une alchimie miraculeuse. On pense à Wanda de Barbara Loden et à Une femme sous influence de Cassavetes. Comme ces héroïnes, Beatrice est une femme au foyer qui finit par battre la campagne, l’air goguenard, mains sur les hanches et pieds en canard. Elle élève seule ses deux filles, Matilda, 13 ans, et Ruth, 17 ans, dans une vieille bicoque. Ultra-énergique, étourdissant, le jeu de Joanne Woodward est une suite de hurlements, de piques et de colères. Cette femme qui ne tient pas en place mais qui pourtant n’a jamais bougé d’un poil finit comme par tourner à vide. Le huis clos mère-filles, la petite scène de la maison, les tirades de Beatrice laissent attendre une chronique à la Tennessee Williams. Mais le film change de cap. Écrasées par une mère trop voyante, les deux filles passent progressivement au premier plan. C’est vers la petite dernière que le trajet nous conduit : Matilda (Nell “Potts” Newman), enfant sereine et fermée, magnifiquement filmée par son père, seule tête blonde de la maison, aussi mutique que sa mère est loquace. La petite fille rompt le cercle de l’enfermement, elle fait entrer l’univers dans la maison et cultive la vie dans un foyer où de vieux pensionnaires viennent mourir. Avec cette Alice au pays des marguerites, l’imaginaire enfantin recouvre le film de magie et ouvre le drame familial au dehors. Paul Newman accompagne ses marguerites entre trois âges avec un lyrisme retenu. Sa mise en scène très sobre redouble l’émotion, révélant des immensités d’angoisse ou d’espoir là où l’on ne voyait que le cours tranquille d’une famille bancale. Progressivement, un par un, le film éclaire le jardin secret de chacun des personnages, effeuillé tour à tour jusqu’au cœur. Agata Makino, Chronicart
The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds Avec
Joanne Woodward Nell Potts Roberta Wallach États-Unis 1972 100’
Classiques
De grote acteur Paul Newman regisseerde tijdens zijn lange carrière ook een handvol films. De meest interessante is ongetwijfeld The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds (1972), gebaseerd op een bekroond toneelstuk van Paul Zindel. Joanne Woodward, Newman’s vrouw en muze, schittert als de verlopen, cynische moeder van twee dochters die op de rand van de marginaliteit blijft dromen van betere tijden. Dreigt haar oudste dochter dezelfde weg op te gaan, is jongste dochter Matilda (Nell Potts, dochter van Paul en Joanne) degene die mogelijk/hopelijk de cirkel van tegenslag, passiviteit en foute beslissingen doorbreekt. De onmogelijke titel slaat niet alleen op een wetenschappelijk experiment van Matilda, het is ook een metafoor voor het thema van de film: het leven heeft een verschillend effect op ieder individu. En zo komt het dat Matilda, in tegenstelling tot haar moeder, het leven niet haat.
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Deux tueurs à gages débarquent dans une petite ville et y retrouvent leur victime, Swede (Burt Lancaster), qui les attendait dans une pièce sombre et se laisse abattre sans résistance. Le détective d’une compagnie d’assurances découvre l’affaire par hasard et devient obsédé par l’attitude étrange de la victime : il ne comprend pas pourquoi Swede est resté tranquillement assis et a laissé les deux truands l’assassiner. Reprenant l’enquête pour son compte, il rencontre plusieurs individus et découvre que Swede était lié à un gang, et qu’après avoir été trahi par une femme, il était devenu l’ombre de lui-même. Adapté par Anthony Veiller d’une nouvelle d’Hemingway, Les Tueurs représente la quintessence du film noir. Sa structure narrative est tout à fait singulière. Les circonvolutions temporelles de l’histoire s’organisent en une série de flash-back, sur le modèle de Citizen Kane. Cette construction renforce l’impression d’un temps désarticulé tel que Swede le ressent après être tombé dans le piège de la femme fatale classique (Ava Gardner). La corruption générale du monde où pénètre ce jeune boxeur devenu criminel est tout à fait caractéristique du genre. Le film est parcouru par une grande violence alliée à une angoisse existentielle qui interdit tout espoir. Dans ce contexte, il ne peut y avoir ni revanche ni amélioration. La distinction entre le bien et le mal n’a plus aucune pertinence. Le détective s’engage dans l’affaire Swede pour sortir de l’ennuyeuse routine de son travail et s’enfonce alors dans le chaos et la corruption. Certes, il réussira, mais son succès ne change en fait pas grand-chose car il est individuel et non social. Pour Siodmak, le monde noir continue, inchangé. D’après Carl Macek, in Encyclopédie du film noir
Scenarioschrijver Anthony Veiller (met hulp van John Huston) neemt een kortverhaal van Ernest Hemingway als uitgangspunt: twee huurmoordenaars arriveren in een klein stadje om af te rekenen met een op het eerste zicht passief slachtoffer. Maar Veiller gaat verder: via flash backs krijgen we meer inzicht in de psyche van de protagonist. De ‘Swede’ (Burt Lancaster die hier zijn trademark stoïcijns personage introduceert) is een man met niet al teveel geluk en hersenen die zich – kan het ook anders – laat ringeloren door een gevaarlijke dame (Ava Gardner). De toen nog opkomende talenten Lancaster en Gardner – met mooie bijrollen voor ‘slechteriken’ Albert Dekker, Charles McGraw en William Conrad – in combinatie met de fascinerende cinematografie van Woody Bredell en de machtige score van Miklos Rozsa maken dat regisseur Robert Siodmak met The Killers (1946) een absoluut hoogtepunt van de film noir afleverde.
the killers Robert Siodmak Avec
Avec Burt Lancaster Ava Gardner Edmond O’Brien États-Unis 1946 102’
Classiques
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Léon Morin, prêtre Jean-Pierre Melville Avec
Jean-Paul Belmondo Emmanuelle Riva Irène Tunc France-Italie 1961
Léon Morin est, dans la France austère et comme en suspens de l’Occupation, une figure spirituelle d’exception qui fascine Barny (Emmanuelle Riva), jeune femme proche du Parti communiste, mais hantée par un Dieu caché que Morin lui révèle par des réflexions, des lectures, l’ascèse exemplaire de sa vie modeste. À l’opposé de toute bondieuserie, le prêtre, qui a sous sa soutane reprisée la silhouette athlétique d’un JeanPaul Belmondo de vingt-huit ans, exerce de plus sur elle une attraction physique que Melville suggère avec un tact constant. Amant chaste porteur d’un indicible message, Léon Morin passe de la séduction souriante à certaines brusqueries et punitions qui découragent et stimulent en même temps le désir de Barny, et c’est la qualité de cette frustration qui bouleverse durablement sa vie. Face au personnage complètement psychologique de la jeune femme, à l’écoute de chaque accident de sa sensibilité, Morin incarne un certain refus du romanesque, dont il propose cependant certains attraits. Et l’originalité du film tient au fait de montrer ce duel de caractère comme les signes féconds d’une impossible adhésion. Jacques Fieschi, Dictionnaire des personnages du cinéma C’est, parmi les premiers films de Melville, le plus maître de son univers plastique : cette grisaille savante, cette ville de province étroitement contemporaine du Nevers de Resnais, ces zones d’ombre et de lumière (peut-être un peu facilement métaphysiques)… C’est le plus dominé dans son interprétation – jusqu’ici le principal point faible de l’auteur. C’est enfin, et surtout, le plus assuré dans sa démarche, qui soumet l’espace et le temps à un traitement souvent inédit, en tout cas sans réplique : une caméra extrêmement intuitive et déliée, une “continuité” en perpétuel discontinu, qui par son morcellement abrupt se soucie aussi peu de scènes achevées que de typisme bouclé, pour le plus grand bénéfice des personnages et de l’intensité passionnée dont ils débordent. Roger Tailleur, Positif
130’
Classiques
In het Frankrijk van tijdens de Duitse bezetting wil een jonge weduwe met communistische sympathieën een priester van de onzin van religie overtuigen. De priester is echter zo overtuigend dat de jonge vrouw niet enkel valt voor zijn charmes, maar ook voor zijn geloof. De korte inhoud van Léon Morin, prêtre (1961) klinkt misschien een tikje saai, maar nooit als het een onderwerp is dat door de Franse (film noir) regisseur Jean-Pierre Melville wordt behandeld. Hoewel het thema van de film ‘geloof’ is, overtuigt vooral de manier waarop de priester het interpreteert: niet met gepreek van de kansel, maar met naastenliefde, empathie en vergeving. Léon Morin leeft voor de anderen, niet voor zichzelf. Je verwacht niet meteen viriele Jean-Paul Belmondo in de rol van een priester, maar hij houdt zich prima staande tegenover het subtiele acteergeweld van Emanuelle Riva (Hiroshima mon amour).
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Ce premier long métrage enchanteur de Jacques Demy annonce Les Parapluies de Cherbourg et Les Demoiselles de Rochefort, non seulement parce qu’il pare de féerie une histoire d’amour située dans un port de l’Atlantique, mais aussi par son recours à la musique et à la danse. Sans être encore à l’avant-plan, ces dernières contribuent à la trame et à l’atmosphère, et ce dès la séquence d’ouverture où une mystérieuse Cadillac blanche glisse dans les rues au rythme de Beethoven et du jazz de Michel Legrand. Le film dessine un rondeau sentimental autour de l’énigmatique et séduisante Lola, danseuse de cabaret et mère célibataire qui hésite entre plusieurs prétendants tout en attendant l’homme de sa vie parti au loin. Par-delà l’élégante caméra tourbillonnante de Raoul Coutard (délicieux hommage à Max Ophuls), les mélodies enjouées et les coïncidences improbables, Lola est habité par la conscience du caractère éphémère du bonheur, et de l’improbabilité de l’amour. Sur le plan formel aussi, le film est plus complexe qu’il y paraît, les personnages secondaires pouvant être perçus comme des variations sur le couple central. Et Anouk Aimée est inoubliable. d’après Geoff Andrew, 1001 films Je suis parti de souvenirs personnels de ma vie d’adolescent à Nantes. Je me souviens que Lola était une petite fille de dix ans qui habitait le même immeuble que moi, prenait de l’argent dans le sac de sa mère pour m’emmener à la foire, après la classe. Et ça me plaisait beaucoup de faire quelque chose sur la fidélité à un souvenir, de l’époque où j’étais au collège et où je séchais les cours pour aller au cinéma. Peut-être ce conte appartient-il à la même famille que les œuvres de Prévert ou de Queneau. Non que j’aie voulu les plagier ou adopter leur style, mais je suis sensible à ce recul devant l’existence qu’ils expriment avec gentillesse, une drôlerie où se mêle toujours un peu d’amertume. Je voudrais, enfin, qu’un spectateur qui entre déprimé, maussade, dans le cinéma où l’on projette Lola en ressorte souriant. Jacques Demy (propos recueillis par Jean-Pierre Berthomé)
Wordt niet vaak vergeten dat bij ieder ‘happy ending’ één of twee mensen niet zo gelukkig achterblijven? Het zou kunnen dat regisseur Jacques Demy deze vraag in het achterhoofd had toen hij met Lola (1961) zijn speelfilmdebuut maakte. Demy, wellicht de meest ‘softe’ van de regisseurs uit het Nouvelle Vague tijdperk, heeft een zwak voor poëzie, muziek en charmante personages in zonnige, kleurrijke settings. Ook Lola (Anouk Aimée) is een schatje. Ze werkt in een cabaret, houdt veel van haar zoontje en hoopt dat op een dag de vader van haar kind terugkomt. Ze is ook de vrouw die het leven van Roland Cassard (een personage dat in 1964 opnieuw in Demy’s Les Parapluies de Cherbourg zal opduiken en beide keren wordt vertolkt door Marc Michel) opnieuw zin geeft. Geplaatst in Demy’s geliefde Nantes (waar hij opgroeide) en met een score van Michel Legrand (duidelijk aan het oefenen voor Les Parapluies de Cherbourg).
Lola
Jacques Demy Avec
Anouk Aimée Marc Michel Jacques Harden France-Italie 1961 92’
Classiques
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La Maison et le monde
Satyajit Ray Ghare-Baire Avec
Soumitra Chatterjee Swatileka Chatterjee Victor Banerjee Inde 1984 141’
Classiques
La Maison et le monde se joue en apparence sur deux scènes parallèles : l’amour et la politique. Il y aurait ainsi dans le film deux scénarios : un scénario amoureux (comment un aristocrate jette sa femme dans les bras d’un ex-ami devenu leader politique) et un scénario politico-social (les soubresauts du Bengale au tout début du siècle, lors de la réaction d’un mouvement nationaliste à la politique britannique du “diviser pour régner”). On imagine aisément ce que le film aurait pu être : une histoire d’amour sur fond d’agitation sociale, avec alternance de scènes intimistes et de scènes à grand spectacle. Or, ce qui frappe d’emblée, c’est l’extrême économie avec laquelle sont traitées les scènes sociales, le choix fréquent d’un plan unique là où l’on attendrait une séquence développée. Mais il serait insuffisant de dire que les choix de mise en scène, nettement affirmés, relèvent d’un refus du “cinéma- spectacle”. L’essentiel – et c’est d’abord en cela que le film est admirable – est que La Maison et le monde travaille sur un seul scénario (le scénario amoureux) dont l’autre (le politique) est le double métaphorique et la chambre d’écho. Car le film repose sur un seul paradigme : union/division. De quoi est-il question ? D’un couple uni qui affronte le risque de l’ouverture au monde, et d’un pays uni qu’une puissance de tutelle cherche à diviser. D’un leader politique qui incite les populations à se fermer aux produits étrangers, et qui va être amené à jouer, dans le couple, le rôle du tiers séparateur. La violence politique de Sandip et de ses partisans se traduit essentiellement par la mise au bûcher des produits étrangers (mais lui-même fume des cigarettes anglaises), et la passion va manifestement enflammer le cœur de Bimala, tout comme Nikhil finira par se brûler au feu qu’il aura pour son malheur allumé. C’est assez dire qu’en plaçant tout son film sous le signe du feu, et en travaillant presque constamment la couleur dans des tonalités jaune-orangé, Ray opère de façon superbe le saut du politique au poétique. Alain Philippon, Cahiers du cinéma
Het huis en de wereld, zoals je Ghare-Baire (1984) in het Nederlands zou kunnen vertalen, slaat op het dilemma waarvoor de protagoniste in het verhaal wordt geplaatst. In het India van voor de onafhankelijkheid is Bimala (Swatilekha Chatterjee) gezegend met een rijke, ruimdenkende man. Nikhilesh (Victor Banjeree) moedigt haar aan de vertrouwde beslotenheid van haar huis te verlaten en deel te nemen aan de wereld. Een oude vriend van Nikhilesh betovert haar met zijn opruiende politieke ideeën en verstoort het vertrouwde evenwicht tussen het echtpaar. Dit briljante sociale drama van de Bengalese filmmaker Satyajit Ray focust niet alleen op de persoonlijke en politieke dilemma’s waarmee een rijke Bengaalse vrouw anno 1907 wordt geconfronteerd, het schetst ook een rijk beeld van de complexiteit en de tegenstellingen die een grote natie als India al eeuwenlang eigen is.
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Pourquoi les grands films ne ressemblent-ils jamais à ce qu’on en dit ? Et si la réponse était dans la question (ils sont grands justement parce qu’ils rétrécissent avec les mots) ? Cette semaine sort, pour la première fois en salle, un film célèbre malgré sa relative rareté. Il fut présenté en 1975 à la Quinzaine des réalisateurs dans sa copie 16 mm d’origine, il y a été à nouveau montré en mai dernier, cette fois-ci dans une version restaurée et en 35 mm. Ce film s’intitule Milestones et a été réalisé au début des années 1970 par les Américains Robert Kramer et John Douglas. Milestones (“jalons”, “étapes”), bien que n’ayant jamais été commercialisé, a été beaucoup vu et aimé. Tous ceux qui l’ont vu, dans des festivals ou des ciné-clubs, en gardent un souvenir ému. Et oui, on découvre nous aussi que Milestones est l’un des plus beaux films de l’histoire du cinéma. Seulement, on se rend compte également qu’il ne correspond pas tout à fait à l’image qu’on en avait. À savoir, celle d’un documentaire sur la fin de la tentative communautaire et révolutionnaire du début des années 1970 aux États-Unis. Ce qui est vrai mais qui est déjà du journalisme. Car Milestones est d’abord un film dont le montage et le récit pourraient être qualifiés de joyciens. On y voit essentiellement des portraits de jeunes gens dont on ne sait rien sinon ce qui transparaît et se laisse deviner dans leurs dialogues : l’un sort de prison, l’autre attend un enfant, sa mère prépare un film, un type partage son lit avec un potier barbu aveugle. Les scènes et les personnages alternent, on s’attache à eux comme dans un feuilleton, mais on ne sait rien d’autre que ce qu’on voit. […] Car ce que montre Milestones, ce sont des corps d’hommes et de femmes qui se posent des questions sur leur désir, leurs sentiments, dans un grand corps social qui a pour unique nom “Amérique”. Jean-Baptiste Morain, Les Inrockuptibles
Milestones
Robert Kramer et John Douglas Avec
Mary Chapelle Sharon Krebs erika kramer États-Unis 1975 195’
séance exceptionnelle Jeudi - 16/07 - 20:00 en présence d’Erika Kramer
Avec le soutien de
Meer dan vijftig personages en meerdere verhaallijnen schetsen in Milestones (1975) een beeld hoe ‘links’ in de Verenigde Staten leefde en dacht in de grimmige nasleep van de Vietnamoorlog. Maar regisseur Robert Kramer had niet enkel een politieke of sociale agenda. Milestones lijkt deels documentaire, deels fictie, met pakkende verhalen over opoffering, verraad, verbondenheid, teleurstelling en hoop. Of zoals één criticus het stelde: “Deze film gaat niet enkel over ‘geven om’, hij geeft er ook werkelijk om”. Een korte inhoud geven, is gezien de complexiteit van de verhaallijnen niet evident. En bovendien is de ontdekkingsreis te boeiend om op voorhand de eindbestemming te willen weten. Toch even dit: een hippiegezin op zoek naar de zin van het leven, een blinde pottenbakker, een zwangere vrouw, een zachte radicaal die na jaren de gevangenis verlaat…u zal niet geloven hoezeer ze uw hart verwarmen.
Classiques
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Monsieur Klein
Joseph Losey
Avec
Alain Delon Jeanne Moreau Suzanne Flon France-Italie 1976
Loin d’être persécuté par les nazis, Robert Klein navigue sans scrupules dans les eaux troubles de l’Occupation. Jusqu’au jour où il se découvre un homonyme juif et en fuite. Irrité, puis fasciné et finalement consentant, Klein prendra la place de l’homme traqué qui porte son nom. Si le talent d’Alain Delon s’est souvent égaré, en des bandes médiocres et bruyantes, la vedette sait toujours se rappeler au meilleur souvenir des cinéphiles : car, avec Losey, Delon prend le risque de s’associer à un projet manifestement peu commercial, et celui, bien plus grave, de “pervertir” son image au mépris d’un plan de carrière, puisque M. Klein n’a rien pour plaire aux foules. Ce bourgeois pâle, veule et dur à la fois, cet affairiste atrocement ordinaire, qui se faufile de nuit dans les interstices de la guerre, porte toutes les croix de la mauvaise conscience française, saisie à son heure la plus douloureuse. Delon plonge la tête la première dans ce cloaque gris, il endosse sans retenue la pelure de “Monsieur Dupont, son chapeau feutre et sa gueule de con” (entretien dans Cinématographe, n° 103). Sa performance d’acteur est audacieuse. Rarement une star au faîte de son personnage (Delon a quarante ans en 1976) aura accepté ainsi de se désincarner, de se dépouiller de sa légende, pour se fondre, littéralement, dans le troupeau des rejetés de l’Histoire : la dernière séquence du film, sans doute parmi les plus vraies jamais tournées sur la tragédie de l’Occupation, montre un Delon hagard, fantomatique et pourtant réconcilié avec lui-même, perdu dans la marée des déportés et se retrouvant en elle. Manuel Carcassonne, Dictionnaire des personnages du cinéma
122’
Classiques
In volle oorlogsperiode in bezet Parijs negeert antiquair Robert Klein bewust hoe Joden onder het nazibewind lijden. Doordat rijke Joden genoodzaakt zijn kunststukken voor geen geld te verkopen, draait zijn handel immers als nooit tevoren. Tot hij wordt verward met een andere Robert Klein, joods en gezocht. Meer en meer verstrikt in een web van persoonsverwarring, zet hij alles op alles om zijn ‘dubbelganger’ te vinden. Alain Delon, die Monsieur Klein (1973) coproduceerde, is werkelijk excellent als het titelpersonage van deze kafkaiaanse thriller. Het was één van zijn laatste, grote vertolkingen en niet de eerste keer dat hij een personage speelt dat zowel aantrekt als afstoot. Joseph Losey regisseert op zijn typische afstandelijke wijze met veel gevoel voor sfeer een complex en fascinerend verhaal waarin identiteitscrisis, morele ambivalentie en de implicaties van de Franse reactie op Hitler’s invasie voorop staan.
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Amour et espionnage : d’un genre a priori conventionnel, Hitchcock tire une œuvre ultra-personnelle, rigoureuse, au style sobre et pur, constamment passionnante tant par l’approfondissement des personnages que par la densité et le suspense de l’action proprement dite. Comme dans Rebecca, l’héroïne est une amoureuse qui se sent indigne de celui qu’elle aime. Héros romantiques et frustrés, Alice et Devlin ne vont cesser de se mettre à l’épreuve, prouvant en cela leur manque de confiance en eux-mêmes, dans leur partenaire et dans leur amour. Ce jeu extrêmement cruel pour eux s’insère dans le (double) jeu que mène l’héroïne au milieu des espions. Étant, dans le couple qu’elle forme avec Devlin, la plus exposée et la plus vulnérable, elle est aussi la plus émouvante. Son itinéraire moral se déroule au milieu d’une étonnante galerie de figures patibulaires et inquiétantes avec lesquelles contraste la figure presque touchante du “méchant amoureux” qu’incarne Claude Rains, vivant comme tant de héros hitchcockiens sous la coupe de sa mère. La subtile profondeur des nombreuses scènes à deux, souvent tournées en longs plans-séquences, démontre la variété du style hitchcockien. Dans les rares scènes à multiples personnages, Hitchcock donne libre cours à sa virtuosité, à la fois sur le plan du suspense (scène de la cave) et sur celui de l’élaboration de mouvements d’appareil spectaculaires, comme le célèbre plan à la grue aboutissant à la main d’Ingrid Bergman refermée sur une précieuse clé. Le génie multiforme d’Hitchcock consiste ici à enchâsser, selon une formule qu’il est le seul à avoir poussée aussi loin, une histoire intime et secrète dans une aventure extérieure palpitante qui, loin de la priver de son sens, la rend au contraire plus intense, plus compréhensible à tous les publics – et donc plus universelle. Jacques Lourcelles, Dictionnaire du cinéma
Ben Hecht, die ook onvermeld meeschreef aan het scenario van Duel in the Sun, was één van Hollywood’s grootste en meest productieve scenariochrijvers. Hij pende ook een aantal scripts die door Alfred Hitchcock werden verfilmd. Voor Notorious (1952) kreeg hij een oscarnominatie. Ingrid Bergman, verrassend warmbloedig en onbeheerst, speelt de dochter van een Duitse spion in de States die, om haar geweten te zuiveren, aanvaardt te infiltreren in een groep nazivrienden van haar vader. Maar als ze wordt ontmaskerd, loopt het grondig mis. Zal dashing Carry Grant haar kunnen redden? Al van bij de introductie van zijn twee supersterren houdt meester Hitchcock ons bij de les in een thriller waarin al zijn visuele maar ook emotionele attributen nadrukkelijk aanwezig zijn. Zowel Bergman als Claude Rains (als haar echtgenoot tevens vijand) lopen gebukt onder het juk van een zeer dominante ouder.
notorious
Alfred Hitchcock les enchaînés Avec
Cary Grant Ingrid Bergman Claude Rains États-Unis 1946 101’
Classiques
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Le Petit Fugitif
Ray Ashley, Morris Engel et Ruth Orkin Little Fugitive Avec
Richie Andrusco Richard Brewster Winifred Cushing États-Unis
Tourné en 1953 à Brooklyn, Le Petit Fugitif a été réalisé par un trio issu de la bohème de gauche de Greenwich Village – les photographes Morris Engel et Ruth Orkin, et l’écrivain Raymond Abrashkin. Produit en dehors du système des studios, c’est un film rare qui peut prétendre au titre de chaînon manquant dans l’histoire du cinéma, entre le néoréalisme et la Nouvelle Vague. Croyant avoir accidentellement tué son frère aîné, un garçon de sept ans, Joey, s’enfuit vers Coney Island, sa plage et ses parcs d’attractions. L’essentiel du film montre l’errance de l’enfant entre le sable surpeuplé, les manèges, les stands de hot-dogs et les recoins qui accueillent les amoureux sous la promenade de planches. Engel, Orkin et Ashley manifestent une confiance absolue envers leur jeune interprète et les paysages urbains qu’il traverse. Le Petit Fugitif est une ode à l’enfance telle qu’on la vivait aux premiers temps de la télévision, quand les cow-boys tenaient la place qui est aujourd’hui celle des super-héros mutants. C’est aussi une image détaillée et chaleureuse d’un jour de vacances à Coney Island, avant que Walt Disney ne stérilise les parcs d’attractions. Sous le regard naïf du petit Joey, ce labyrinthe interlope devient un pays des merveilles, tandis que le film adopte le rythme incertain et délicieux d’une promenade au hasard. Ce n’est pas faire injure aux réalisateurs que d’insister sur le fait que deux d’entre eux étaient photographes. Leur savoir-faire se manifeste dans la qualité du cadre et de la lumière. Ajoutons que Morris Engel avait mis au point une caméra portable dont il s’est servi pour le tournage. Cette mobilité, cette facilité à s’immerger dans un univers qui continue sa vie tout en faisant un peu de place à la fiction ont frappé à l’époque : le film obtint le Lion d’argent à Venise et fut salué par André Bazin, François Truffaut et John Cassavetes. Thomas Sotinel, Le Monde
1953 80’
séance exceptionnelle Jeudi - 9/07 - 18:40 Présentation et débat avec Alain Bergala, ancien rédacteur en chef des Cahiers du Cinéma, enseignant en cinéma à Paris 3 et à la Femis
Classiques
Morris Engel, in 1944 cameraman van dienst tijdens de landing in Normandië, maakte samen met echtgenote Ruth Orkin en Ray Ashley deze bijzondere slice of Americana. Het opzet van de film is even eenvoudig als de titel, Little Fugitive (1953). Joey (natuurtalent Richie Andrusco), een jongetje uit Brooklyn, zet het op een lopen omdat hij vreest zijn oudere broer te hebben vermoord. Hij belandt in Coney Island, in de fifties nog in volle glorie, waar hij overleeft op een beetje zakgeld en het geld dat hij ‘verdient’ met de waarborg op lege flesjes. Het had niet veel gescheeld of we hadden dit schitterende staaltje van Amerikaanse cinema verité (volgens François Truffaut was deze film de aanzet tot de Franse nouvelle vague), gemaakt met (vooral) uitstekende amateur-acteurs en een piepklein budget, nooit te zien gekregen. Maar dankzij de verlichte geest van verdeler Joseph Burstyn kan u alsnog genieten van tachtig minuten prachtige nostalgia.
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Sourires d’une nuit d’été est le film qui révéla Bergman à la presse internationale durant le festival de Cannes 1956. Quelques semaines plus tard, le film sortit à Paris avec un grand succès. C’est un vaudeville à la fois sérieux et ironique, où les épisodes les plus dramatiques dégénèrent en péripéties de comédie : ex., la pendaison ratée de Henrik qui déclenche dans sa chute le mécanisme du lit mobile venu de la chambre contiguë sur lequel repose sa bien-aimée. Le film traite de la guerre des sexes de manière à mettre en valeur les différences psychologiques séparant les hommes et les femmes. À l’homme appartiennent l’égoïsme, la lourdeur empesée ou maladroite, une volonté d’affirmer, notamment par la violence, une dignité constamment menacée par le ridicule. À la femme, la légèreté, les calculs conscients et inconscients, la connivence avec la vie et finalement la sagesse. À certains moments privilégiés, ces différences irréconciliables s’anéantissent dans les jeux du plaisir et de l’amour. L’entrelacs des personnages, la qualité littéraire et l’humour des dialogues, la conduite aisée et classique du récit, la variété du ton et des péripéties, le climat d’érotisme et de sensualité lié à la poésie de l’heure et du lieu atteignent ici une plénitude que Bergman ne retrouvera jamais plus. Il faut la goûter une dernière fois avant qu’elle soit gâtée par le pathos, l’intellectualisme et les prétentions métaphysiques de l’auteur. Ce film, qui clôt la première période de Bergman, la plus féconde et la plus riche (seize films en dix ans pour un metteur en scène de trente-sept ans), contient aussi l’un des plus beaux quatuors d’actrices de l’histoire du cinéma : Eva Dahlbeck, Ulla Jacobsson, Harriet Andersson, Margit Carlquist. Jacques Lourcelles, Dictionnaire du cinéma
Sourires d’une nuit d’été
Ingmar Bergman Sommarnattens Leende Avec
Ulla Jacobsson Gunnar Björnstrand Bjorn Bjelvenstam Suède 1955 102’
Ingmar Bergman in een vrolijke bui in Sommarnattens leende (1955), een zedenkomedie die qua opzet en humor doet denken aan zowel William Shakespeare als Woody Allen. Al wordt het zelden luidop lachen, Glimlach van een zomernacht – zoals je de titel zou kunnen vertalen – is erg slim, een tikje stout en heel sexy. In Sommernattens leende ‘doen’ de mannelijke personages het meestal niet met de vrouwen die ze huwden. En dat geeft aanleiding tot een zekere verwarring én de vorming van een aantal nieuwe koppels. Dit vroege werk van Bergman viel erg in de smaak bij zowel critici als publiek. En haalde de selectie van het filmfestival van Cannes zonder dat de regisseur het wist. “Ik zat op het toilet en las in de krant dat een Zweedse film triomfen vierde in Cannes” zei een verbaasde Bergman. “Ik dacht ‘dat is fijn’ en ging op zoek naar de titel. Bleek dat het Sommernattens leende was”.
Classiques
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d u a n r A n i h c e l p s e D
e h c n a l b e t r Ca à
à la question des cinq films de ma vie, je serais bien en peine de répondre. Comment trier parmi les cent films qui me viennent aussitôt à l’esprit ? Qui m’avancerait un peu plus : mes cinq films noirs préférés, mes cinq comédies ou les westerns qui m’accompagnent… Mais là encore, il faudrait ajouter tant de genres : pas un seul film de vampires ? Ce n’est pas sérieux. Pas un film de pirates ? Etc. Alors, j’ai choisi quatre “genres” improbables, des genres à usage personnel, des genres que je me suis inventés au fil des années pour classer mes passions. Et c’est ainsi que nous avons procédé, arbitraires mais méthodiques. Soit quatre genres et deux films par genre. 4x2. 1. Le détail : Million Dollar Baby et Unbreakable D’abord, et en hommage à Daniel Arasse, deux films dont l’énigme se replie sur un détail. Cachés ou bien en vue, ces détails sont la récompense offerte au spectateur patient. Et il me plaît que ces deux films soient – à mon sens – deux films de super-héros, ce genre nouveau, si improbable, dont on sent bien qu’il décrit notre monde, sous les aspects de la fable… Chez Shyamalan, dès les premiers plans du film, cette image à l’envers/ à l’endroit, dont le spectateur ne sait pas bien quoi faire. Il y a là un truc étrange, et nous nous demandons : mais qu’est-ce que Shyamalan veut nous dire ?! Ces poids que David Dun soulève dans sa cave, devant son fils, est-ce un hasard si ce sont des pots de peinture ?! Dans un film qui nous parle des super-héros de papier. Est-ce que je surinterprète ? Mais c’est Shyamalan lui-même qui s’est donné le rôle du dealer dans son
film ! Quelle étrange marchandise est-il en train de nous filer en douce ? Dans Million Dollar Baby, que veulent nous dire ces inserts du tabouret qui va blesser la jeune boxeuse ? Pourquoi Morgan Freeman ne s’est-il pas rendu au match de Las Vegas ? Que contenaient les lettres qu’Eastwood garde dans son placard ?… 2. La politique, c’est l’autobiographie – ou l’histoire d’un siècle Petite Conversation familiale et Le Tombeau d’Alexandre Deux films politiques, au plus haut sens du mot. Et ces deux films ont en commun d’être filmés en vidéo et d’emprunter le chemin autobiographique. Et les deux fois, un miracle romanesque : l’intime se transforme en une épopée. Deux films incontournables, comme La Messa è Finita de Nanni Moretti qui vous est proposé dans une autre sélection. Si Philip Roth était une femme, et si cette femme était cinéaste, eh bien, ça donnerait Petite conversation familiale. Même insolence rageuse, même brutalité saine, même joie sexuelle, scandaleuse, même incorrection politique, même vertige de l’identité. En un seul film, Hélène Lapiower s’est révélée une cinéaste immense. Hélène avait une grande chance sur nous, pauvres réalisateurs techniciens ; c’est qu’elle fut une grande actrice. Alors elle utilise tout son corps pour faire le film. A l’image des plus grands : Charlot, Cassavetes, Jerry Lewis, Moretti. Seul problème qu’elle me racontait un jour en riant : son tournage ponctué par les chimiothérapies. Avec ou sans cheveux ? C’était un problème. Alors, son corps est derrière la caméra. Mais le corps est bien là.
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Dans une cuisine, au fond du cadre, la mère qui prépare la cuisine ; au milieu, assise à la table, la grand-mère qui boude ; et bord-cadre, hors-champ, Hélène, qui tient la caméra. La mère apprend à la grand-mère qu’Hélène est enceinte de celle qui deviendra une délicieuse petite fille. La grand-mère se retourne vers la caméra, faisant semblant de n’être pas très impressionnée par la nouvelle. La mère demande à Hélène de montrer son ventre. Off, Hélène lève son pull, la grand-mère regarde à nouveau juste à côté de la caméra. Et, à peine, sourit. Off, le ventre rond d’Hélène. Ces quatre femmes, dont l’une encore à naître, quatre générations alignées dans une diagonale vertigineuse : c’est – à mon sens – un des plus beaux plans de l’histoire du cinéma. À l’égal de Flaherty et son Nanouk l’esquimau, ou ce que vous voulez… Un ami d’Hélène lui avait proposé de clore le film sur ce plan, qui annonce, surpris, la vie victorieuse sur la maladie. Hélène refusa. Elle préféra finir sur une énigme, une question étrange que lui pose son père… Le père est le seul personnage du film qui soit filmé toujours travaillant. Tailleur, il assemble un manteau ou une veste. Et la métaphore s’éclaire sur cette coda. Le père est-il cette ombre patiente qui assemble les morceaux de tissu, comme sa fille Hélène assembla en un roman ces fragments de vie filmés à plusieurs années de distance sur deux continents ? Ou est-il comme Pénélope, humble et obstiné, qui tisse sans fin un motif secret, pendant qu’Hélène-Ulysse voyage autour du monde ? Cette interversion des rôles entre le père et sa fille, ce dernier mot laissé au père, pourtant en forme de point d’interrogation, est une admirable invention de récit, si subtile, la plus belle fin de film qui soit. Depuis, Hélène est morte, elle nous manque. Voyez, revoyez le film, pour rire de nos vies embrouillées, de nos sexualités maladroites, du mystère burlesque de l’origine. J’aime le Chris Marker à la folie. Est-ce l’histoire d’un cinéaste russe qui s’est trompé avec le stalinisme, ou le portrait d’un cinéaste français qui a rêvé le gauchisme ? Est-ce le récit de la mort du cinéma muet, ou de l’aveuglement du cinéma “moderne”? En tout cas, c’est lyrique et magistral. Et pourtant, ce film est le contraire d’une désillusion. Marker pose à chacun la question : qu’avons-nous donc vécu ? Qu’avez-vous donc vécu ? Quand le film se réveille de son rêve, n’ont survécu que les dinosaures, qu’ils soient de Spielberg ou de Marker. Le roman du XXe siècle ? C’est un film, c’est LE Tombeau d’Alexandre. 3. Films romans. Rushmore et Providence Un genre difficile à expliquer en peu de mots ! Mais qu’est-ce que je désigne par là ? Gauchement, j’avais d’abord proposé : les films-qui-transforment-la-vie-en-roman. C’était confus. J’essayai la-vie-transformée-en-son-roman-par-le-cinéma ? Trop long ! Mon intuition, c’est que le sentiment du roman m’arrive quand tous les romans s’effondrent. Quand les personnages, le récit, le film tout entier plongent dans cette crise. Quand les personnages et les spectateurs se perdent à égalité au milieu du film, et s’essaient à réinventer la vie.
Autant en emporte le vent est romanesque ; nous sommes édifiés, nous sommes devant une épopée. Lola Montès, elle, ne vit pas une épopée. Le tissu de sa vie se défait, au contraire ; et Lola essaie tous les outils romanesques pour en réparer l’accroc. C’est bien plus passionnant. Que nous dit Peggy Sue ? “Si je pouvais réécrire ma vie, que changerais-je ? Rien, je l’écrirais aussi mal que la première fois.” Et cette crise est un merveilleux film de Coppola. Secrètement, chacun de ces films traitera donc de la question : pourquoi aimons-nous donc tant les films ? Nous aurions pu vous proposer tout Ophuls, Peggy Sue Got Married, L’Homme qui aimait les femmes, ou Palombella Rossa. Mais nous ne sommes pas peu fiers de vous proposer Rushmore inédit en Belgique ! Anderson est au cinéma américain ce que Salinger fut à sa littérature : infiniment précieux. Et ce film-ci, son œuvre la plus singulière jusqu’ici. Quant à Providence, c’est décidément le plus beau film de Resnais, le plus vertigineux et le plus simple. Souvent, j’ai regretté que Resnais n’ait pu mener à bien son projet “Harry Dickson” qu’il a poursuivi pendant dix ans. Jusqu’au jour où j’ai compris que ce film, il l’avait atteint. Mais par un chemin détourné. Et c’était Providence. 4. Les comédies de remariage : Cette sacrée vérité et Husbands and Wives C’est mon maître Stanley Cavell, qui a “découvert” ce genre hollywoodien. C’est l’essence même du cinéma : un homme et une femme se disputent, parce qu’ils sont chacun à la “recherche du bonheur”. Divorce et réconciliation, négociations infinies entre l’homme et la femme. Ils s’entendent si mal, mais c’est à deux qu’ils essaient de bricoler une utopie. Dans leur dispute, ce qui se joue, c’est la conquête de la libération de la femme. Donc, le plus beau sujet de cinéma, qui soit. Un film incroyablement moderne de l’âge classique : le Leo McCarey. Et un film sauvage pour l’âge moderne : Husbands and Wives. Deux films admirables, virtuoses, parfaits. Arnaud Desplechin
séances exceptionnelles Samedi - 4/07 - 18:40 Rencontre avec Arnaud Desplechin pour la présentation générale de sa carte blanche, sous forme d’un dialogue avec Jean-François Pluijghers (Focus Vif) Dimanche - 5/07 - 15:00 Rencontre avec Arnaud Desplechin autour de la thématique du détail telle que développée par l’historien de l’art Daniel Arasse
Carte blanche
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Cette sacrée vérité Leo McCarey
the Awful Truth Avec
Cary Grant Irene Dunne Ralph Bellamy États-Unis 1937
Cette sacrée vérité est l’une des plus célèbres comédies américaines d’avant-guerre. Au cours d’un marivaudage destiné à souligner la force du lien conjugal, McCarey se livre à une suite de variations et d’arabesques sur le désir frustré, le dépit amoureux et la jalousie qu’éprouvent encore deux ex-époux pendant les trois mois qui les séparent de la date effective de leur divorce. La plupart des scènes visent à mettre les protagonistes mal à l’aise, cependant que l’autre triomphe avec une satisfaction non dissimulée jusqu’à ce qu’il se retrouve dans la situation d’être brocardé à son tour. Avec une finesse et une élégance sans pareille, McCarey tire parti d’éléments extérieurs à l’action, de situations de vaudeville (mais le film dans son ensemble n’est pas un vaudeville) ou bien encore de ces astuces inventées par l’un des protagonistes pour démonter et déséquilibrer l’autre. Ces éléments, situations et astuces se renouvellent dans chaque séquence tout en évitant l’écueil de la discontinuité, notamment par un emploi savant de plans très longs. Les gags, discrètement burlesques, menés sur un rythme vif mais qui n’a rien d’artificiel, témoignent d’une sobriété, d’une absence d’outrance qui suscitent la jubilation. McCarey cultive chez ses interprètes une justesse et une invention miraculeuse du geste qui doivent beaucoup à l’improvisation. C’est là une méthode de travail où le réalisateur était passé maître depuis sa collaboration avec les grands comiques de la fin du muet et des débuts du parlant. Chaque matin, selon une habitude qui mettait son producteur Harry Cohn en furie, McCarey apportait sur le plateau des feuilles volantes couvertes de petits morceaux de dialogues qu’il remettait aux acteurs, stupéfaits de ne jamais connaître la totalité de leur rôle. Jacques Lourcelles, Dictionnaire du cinéma
92’
séance exceptionnelle Samedi - 4/07 - 18:40 Rencontre avec Arnaud Desplechin pour la présentation générale de sa carte blanche, sous forme d’un dialogue avec Jean-François Pluijghers (Focus Vif)
Carte blanche
Dat een echtscheiding ook leuk kan zijn, bewijst The Awful Truth (1937). Als je over een komisch talent als Cary Grant beschikt, is het pleit uiteraard al half gewonnen. Voeg daarbij een hilarisch scenario en een regisseur, Leo McCarey – die ondermeer met Duck Soup (1933) zijn komische strepen dik verdiende – en je weet dat het genieten wordt! En dan is er ook nog ‘First Lady of Hollywood’ Irene Dunne. Dunne en Grant zijn een echtpaar die om redenen die ze wellicht zelf al lang vergeten zijn, willen scheiden. Nog voor de scheiding definitief is, hebben beiden een ander lief. Maar dan blijkt dat ze elkaar toch liever niet in de armen van een ander zien. De gevolgen zijn bijzonder grappig. Dit is komedie van het allerhoogste niveau: absurd, heerlijk onnozel en met een ritme waardoor 90 minuten, 9 seconden lijkt. En gezegend met twee supersterren die zichzelf niet te ernstig nemen.
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Inévitablement jugée “autobiographique”, cette méditation sério-comique sur l’absurdité de l’infidélité et l’impossibilité de la fidélité amoureuse ne l’est sans doute pas plus que bien d’autres films de Woody Allen. Le cinéaste adopte pourtant ici un ton de confession, de journal intime – les personnages s’adressent périodiquement à un “interviewer-narrateur” invisible qui occupe la place du spectateur – encore accentué par le parti pris formel nouveau chez lui de la caméra portée à la main dans un style de reportage cinéma-vérité : cette improvisation feinte engendre une image instable, brouillonne, reflet du chaos qui domine les sentiments et le comportement des personnages. Le film, un des plus “bergmaniens” d’Allen, est plus proche de l’inspiration pessimiste de Crimes et délits que de celle de Manhattan ou Hannah et ses sœurs. Bien qu’il recycle des chassés-croisés amoureux très familiers, le style tend à casser (ose-t-on dire déconstruire ?) la fiction, et la tension entre une intrigue classique et une forme perturbatrice n’est pas le moindre attrait de cette œuvre qui, la même année qu’Ombres et brouillard (autre expérience sur la forme mais d’un ordre complètement différent) confirme l’étonnante diversité d’inspiration de son auteur. Jean-Pierre Coursodon et Bertrand Tavernier, 50 ans de cinéma américain Face au légendairement efficace couple Mia Farrow-Woody Allen, celui formé par Sydney Pollack et Judy Davis (avec, personnellement, un gros faible pour cette dernière, dont le génie comique explose dans une scène à hurler) tient remarquablement la route, rappelant l’un des indestructibles points forts d’Allen : son instinct du casting et sa redoutable direction d’acteurs. Il faut voir la virtuosité avec laquelle un simple mouvement humain bouleverse la tonalité d’une scène pour prendre la mesure de la tension créatrice, du micro-climat généré par le metteur en scène. Olivier Séguret, Libération
husbands and wives Woody Allen Avec
Woody Allen Mia Farrow Judy Davis Sydney Pollack États-Unis 1992 108’
Relatieproblemen: Woody Allen weet er – ook uit eigen ervaring – alles van. Allen maakte Husbands and Wives (1992) vóór zijn breuk met Mia Farrow wereldwijd voer voor de roddelpers werd. Maar je kan deze film moeilijk anders bekijken als een voorbode van het einde van een huwelijk. Allen speelt een professor, getrouwd met de hoofdredacteur van een kunsttijdschrift (Farrow). Als het koppel hoort dat hun beste vrienden (Judy Davis en Sydney Pollack) gaan scheiden, worden ook de barsten in hun eigen relatie duidelijk. Het is dan dat Farrow profetische vragen stelt aan haar man: Verberg je dingen voor me, voel je je aangetrokken tot andere vrouwen? Voor het overige is dit een doorsnee Allen: een ironische blik op de vreemde soort die mensen zijn (‘levensecht’ gemaakt door de ‘documentaire look’). Al lijkt hij zijn romantische illusies stilaan kwijt te zijn geraakt. De toon wordt stilaan grimmiger.
Carte blanche
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Million Dollar Baby Clint Eastwood
Avec
Hilary Swank Clint Eastwood Morgan Freeman États-Unis 2004
Si Million Dollar Baby relève de la veine mélodramatique du cinéma d’Eastwood, l’extrême simplicité du récit, l’usage parcimonieux de la musique, le peu d’effets, et, plus que tout, le haut degré de vérité que les acteurs atteignent dans leur interprétation, éloignent l’outrance ou l’hystérie que le mot “mélodrame” peut suggérer. […] Le dépouillement de Million Dollar Baby procure aux thèmes du scénario de Paul Haggis, thèmes chers à Eastwood, une profondeur nouvelle. Mais à côté de la réussite formelle, c’est le geste qui importe. Il y a une noblesse de la part d’Eastwood à interpréter luimême ce vieil homme prenant en charge le destin d’une jeune femme, l’exposant au danger, la poussant sur le ring tout en lui répétant de se protéger. À se montrer raide, le visage tendu et le regard perçant, en train de panser les plaies, de remettre et de retirer le tabouret, assistant Maggie puis se résignant à l’aider à mourir. À filmer enfin cet amour hanté par le deuil et dont l’exclusivité abolit les catégories. Un amour physique n’était pas improbable. Dernier dialogue avant la chute, Maggie demande à Frankie : “Et si je gagne ? – Je t’épouse.” Mais tous les secrets disparaîtront dans la nuit. En sa pudeur, Eastwood n’a jamais semblé si nu. Hilary Swank pourrait être comparée à Leonardo DiCaprio, parce qu’il y a chez elle comme chez lui un génie dans l’incarnation de la bravoure et du martyre, ainsi qu’une grandeur dans la jeunesse. Ce qu’elle pourrait avoir de plus masculin, de plus dur – c’est un bulldozer, elle les met toutes KO au premier round – redouble curieusement sa beauté. Qu’en un film aussi lucide Eastwood ait su faire coïncider son exigence avec les attentes du public, rien ne peut davantage nous réjouir. Mia Hansen-Løve, Cahiers du cinéma
132’
séance exceptionnelle Dimanche - 5/07 - 15:00 Rencontre avec Arnaud Desplechin autour de la thématique du détail telle que développée par l’historien de l’art Daniel Arasse
Carte blanche
Hollywoodicoon Eastwood was met het raciale drama Gran Torino de grote afwezige op het Oscargala. Dat was niet zo met het gelauwerde boksmelo Million Dollar Baby. De voornaamste locatie van dit uitgebeende renaissancedrama is de Hit Pit, een boksgym in L.A. waar veteranen van de oude school jong talent opleiden. De verbitterde gymbaas Frankie Dunn (Eastwood) weigert eerst om een jonge vrouw uit een white trash-milieu te coachen. Maar Maggie (Hilary Swank) is een ruwe diamant. Tussen deze twee eenzame zielen groeit langzaam een speciale band, als surrogaat voor Dunns mislukte relatie met zijn eigen dochter. Ultraklassiek en zonder de gelaagdheid van een Mystic River, maar het sobere minimalisme waarmee Eastwood je in dit subtiele verhaal over schuldbesef, verlossing en afscheid finaal emotioneel k.o. slaat maakt indruk. Million Dollar Baby is uiteindelijk meer provocerend - zeker naar conservatieve Amerikaanse normen - dan we denken.
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Ah, la famille ! C’est le filtre à travers lequel, enfant, on appréhende le monde ; et même lorsqu’on a grandi et qu’on s’en est affranchi, elle reste la référence des valeurs et des affections. Sans doute, il y a huit ans, lorsqu’elle a commencé à filmer ses petites conversations familiales armée de sa caméra d’amateur, Hélène Lapiower se doutait-elle peu que ce parcours l’amènerait après des heures de parlotes et des kilomètres de bande vidéo à ce film de 72 minutes, hanté par les trois questions ontologiques (D’où viens-je ? Qui suis-je ? Où vais-je ?), version Lapiower. À sa suite, on découvre une famille juive de tailleurs polonais farouchement engagés dans les luttes ouvrières et qui, après la guerre, s’est refait des racines à Bruxelles, à Paris, à New York. Une histoire ordinaire, une famille pas banale pourtant. Tout au long du film, on est balancé entre les générations et leur conception très différente de leur judaïté et de l’ouverture au monde. Hélène ne prend pas parti. Elle s’attache à suivre tous ces cheminements comme pour tenir ensemble des fils qui s’échappent, partagée entre le respect dû aux anciens et la complicité qui l’attire vers ceux de son âge. Au-delà du message d’amour à sa famille, le film est l’histoire d’une quête : celle d’une jeune femme moderne qui cherche un lien entre sa vie de comédienne parisienne ancrée dans la modernité et la lourde tradition du Yiddishkeit dont elle est, bon gré mal gré, l’héritière. […] Une manière toute subjective et particulière de voir l’humain, sa vie, ses aspirations, ses doutes et ses engagements, une modestie qui vaut peut-être bien des discours. Et puis n’est-il pas vrai qu’on ne parle vraiment bien que de ce qu’on aime ? Marceau Verhaeghe, Cinergie
De Belgische actrice en cineaste Hélène Lapiower (1957-2002) – ze speelde nog mee in Desplechins Comment je me suis disputé – graaft in de erg persoonlijke documentaire Petite conversation familiale naar haar eigen familiale roots: die van een joodse familie van Poolse immigranten die verspreid over België en de VS wonen. Een vraag die haar al sinds lang obsedeerde staat daarbij centraal: in welke mate is de generatie van Lapiower en Lapiower zelf in haar intimiteit geraakt door het gewicht van de geschiedenis? Want het is toch opvallend dat haar generatie de eerste is geweest die openlijk afstand is gaan nemen van hun joods culturele en religieuze erfenis. Lapiower laat in haar eenvoudige, voornamelijk uit talking heads opgebouwde docu vooral de yiddische ouderen aan het woord. Zeer verhelderend, fascinerend en even intiem als een dagboek.
Petite conversation familiale Hélène Lapiower France-Belgique-Allemagne 1999 72’
Carte blanche
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Providence
Alain Resnais Avec
John Gielgud Dirk Bogarde Ellen Burstyn France-Suisse 1977 110’
Quinze ans après Marienbad, Providence nous introduit dans la conscience d’un intellectuel introspectif qui oscille entre le songe et le réveil, le demi-sommeil et l’inconscience d’un état d’ébriété, entre la vie et la mort, entre la prescience d’une agonie et le souvenir, entre la réalité vécue et la fiction qu’il élabore. Clive Langham, en effet, écrivain anglais au carrefour d’Huxley et de Graham Greene, vit retiré dans l’isolement d’un domaine pratiquement abandonné […]. Démiurge, il l’est puisque nous subissons dans l’ordre qu’il lui plaît les divagations de son intellect, parce qu’il écrit devant nous, pour lui plus que pour nous, un roman qui est peut-être une épitaphe, et dans lequel tous ses proches prennent ou échangent les identités qui lui conviennent momentanément. Il distribue les rôles, les retire (“Non, pas lui ! Cela ne peut aller !”), les rectifie (Claude change de vêtements sans raison apparente, Sonya parle soudain avec la voix du narrateur), les commente, les critique, les interprète et les censure (“Molly, sors tout de suite de mon esprit !”). Robert Benayoun, Positif Dans cette ribote de l’imaginaire, on devine ce qui a pu d’abord séduire le Resnais de Marienbad : l’œuvre mobile, le jeu d’une création qui exhibe sans arrogance ses faux pas et ses embardées. Glissements progressifs de l’invention. Cette nuit on improvise. Mais David Mercer, scénariste, et Resnais ont su admirablement y inscrire, par touches subtiles, le bilan d’une vie. La hantise, surtout, de la dégradation et de la mort. Est-ce assez dire le pouvoir de suggestion de cette œuvre ? Tout y devient sortilège. La partition échevelée de Miklos Rózsa. Le magnétisme des images dues à l’opérateur Ricardo Aronovitch. Le miroitant dialogue de Mercer, musicalement modulé par un quintette de voix sous la baguette d’un Resnais-Schubert qui composerait “Le Vieillard et la mort”. Michel Flacon, Le Point
Carte blanche
Gooi een Britse schrijver, David Mercer, en een Franse regisseur, Alain Resnais, samen en je krijgt een even interessante als (op het eerste zicht) verwarrende mix. Providence (1977) is misschien niet de meest toegankelijke film, maar in alle geval een bijzonder waardevolle (Norman Mailer noemde dit ‘de beste film ooit over het creatieve proces’). Sir John Gielgud vertegenwoordigt alles wat Brits is (van stiff upper lip tot Monthy Pythoneske interventies). Hij speelt een stervende schrijver die in zijn slapeloze nachten en koortsige dromen het ergste van zijn familie denkt. Maar is dit nu droom, slecht karakter of werkelijkheid? Het einde van een leven kan rare dingen doen met een mens. Alain Resnais op zijn beurt creëert droomscènes die niet licht vergeten zullen worden: Magritte’s surrealistische schilderijen zijn soms niet veraf. Dirk Bogarde is uitstekend als de gladde, cynische ‘droom’zoon.
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Improbable adolescent de quinze ans, Max Fisher cumule les fonctions au sein de Rushmore, son lycée : président d’une bonne dizaine d’associations sportives ou culturelles, directeur de publication du journal interne, et surtout metteur en scène de ses propres pièces de théâtre. Bref, Max a toutes les qualités du petit génie sur-expansif, sauf que, trop accaparé par ses activités, ses notes sont celle d’un cancre, et il se retrouve du coup sous la menace d’un renvoi. Son cas ne fait que s’aggraver lorsqu’il tombe amoureux de Miss Cross, un jeune professeur qu’il va tenter de séduire par des moyens qui ne sont pas forcément du goût du directeur. Il est passionnant de voir à quel point une œuvre peut réussir à faire imploser en douceur son carcan d’origine (le film de teenagers), le contourner pour mieux le détourner, se nourrir d’éléments traditionnels tout en leur conférant des valeurs inédites. Rushmore donne ainsi l’impression d’être un objet en perpétuel décalage, se faufilant dans des interstices inattendus. Sérénité du cadrage, limpidité du montage, jeu intériorisé des comédiens (Bill Murray fait des prouesses en mécène monolithique), le film impose sa différence en opérant par petites touches presque mélancoliques, filmant des personnages empreints d’un désabusement que l’on croirait inné. L’espace créé par Wes Anderson se révèle peuplé de manques, de tout un monde en creux laissé vacant par les morts : une chambre dans laquelle on continue de dormir, un cimetière où l’on se recueille ; comme des terreaux fondateurs sur lesquels, pourtant, l’on ne s’appesantit jamais. Parce que les vivants sont souvent plus aimables que les disparus (même mythiques), Rushmore s’achève sur une belle scène de danse, non sans avoir recueilli au préalable les signes d’une trajectoire adolescente pour le moins stimulante.
Rushmore
Wes Anderson Avec
Bill Murray Jason Schwartzman Olivia Williams États-Unis 1998 89’
Yann Gonzalez, Chronicart
Wes Anderson en Owen Wilson zorgden eigenhandig voor een heropleving van de eigenzinnige, low budget screwballkomedie met leuke, intelligente scripts bevolkt met de ‘personages met een hoek af’ waar beide heren zo gek op zijn. Wilson treedt ook regelmatig aan als acteur, Anderson houdt het op regisseren. Rushmore (1998) is één deel van de ‘vaderfiguur’ trilogie (later volgen The Royal Tenenbaums, 2001 en The Life Aquatic with Steve Zizou, 2004). In Rushmore is supernerd Max (Jason Schwartzman) erg bevreesd te worden als zijn vader, een eenvoudige kapper. Dus gaat hij op zoek naar een nieuwe vaderfiguur (Bill Murray, een habitué in Andersons films, op zijn best). ‘Zoek iets dat je graag doet en spendeer dan je leven dat te doen’ zegt Max in Rushmore. Anderson & Wilson hebben dat begrepen (allicht, ze hebben het zelf geschreven). En ze doen het goed ook.
Carte blanche
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Le Tombeau d’Alexandre Chris Marker
France-Finlande 1993 120’
Carte blanche
Portrait rétrospectif d’un enfant du siècle, Alexandre Ivanovitch Medvedkine, né en 1900, mort en 1989, cinéaste et communiste. Marker, qui l’avait rencontré sur le tard, lui adresse six lettres qui constituent non un bilan, fût-il provisoire, mais une investigation à la fois sereine (dans le ton) et accidentée (dans les événements et le montage) sur les engouements de ce fils de paysan devenu conducteur esthétique en chef du cinétrain, expérience absolument inédite d’un labo à vapeur sillonnant l’URSS pour y récolter des images du bon peuple collectivisé. Cette aventure itinérante le conduit à filmer des blocs de réel plutôt déprimant par delà l’utopie et surtout la propagande officielle. Marker commente : “Dans les années 1930, la réalité était trop arrangée, mise en scène, édifiante, même Vertov avait cessé de croire à la vie comme elle était, toi tu filmais les débats entre ouvriers, armé bien sûr de ta bonne conscience socialiste mais sans jamais tricher avec l’image.” Les films ainsi amassés dans cette aventure, de kolkhozes mal gérés en mines traînemisère, jugés trop subversifs, passeront à la trappe de la censure mais Marker, lui, les retrouve, les voit et nous les montre. Pour Marker, si Medvedkine travaille évidemment dans le cadre officiel d’un cinéma dévolu à la cause marxiste, il ne fait pas de doute que son adhésion évolue selon une dynamique propre, pleine d’ironie, de trivialité et de tocades hors sujet, tel son goût pour les chevaux tachetés qu’il recase à tout bout de champ ! Dans sa plus belle œuvre, Le Bonheur (1934), son style explose en un fatras fantaisiste avec un antihéros absolu, “le plus paumé, le plus déphasé” qui soit, un moujik endetté jusqu’aux yeux terrorisé par l’autorité. Didier Péron, Libération
Chris Marker, ondanks zijn Engels klinkende naam een volbloed Fransman, is een allround mediaman, designer en wereldreiziger die door niemand minder dan Jean-Paul Sartre werd onderwezen. Vandaar misschien zijn nogal fel ontwikkelde politiek en sociaal geweten. Zijn hoofdbekommernis is altijd ‘de aard van de waarheid’ geweest: hoe die wordt waargenomen, begrepen en – nog belangrijker – hoe waarheid ontstaat. Hij zou bovendien de ‘vader’ van het filmische essay zijn. Le tombeau d’Alexandre (1992) is dan weer een mooi staaltje van filmkritiek. Onderwerp van deze documentaire is de vergeten Russische regisseur Aleksandr Medvedkin, een vriend van Marker en communist in hart en nieren wiens werk (vooral onder Stalin) niet werd geapprecieerd in de USSR. We zien dan ook Russische filmstudenten die nu voor het eerst kennis kunnen maken met Medvedkins werk.
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On avait été surpris par le dénouement du Sixième Sens, son côté barré dans l’épaisseur doublée du mystère, son culot, et une certaine maîtrise à la mise en scène. Mais on pouvait aussi bien trouver le film pipeau, ne reposant intégralement et rétrospectivement que sur sa chute couillue. Avec Incassable, M. Night Shyamalan récidivait dans le même genre fantastico-mystique inclassable, avec le même Bruce Willis encore plus à l’ouest, destiné à devenir une fois de plus de ce qu’il est et qu’il ignore, non plus un mort en sursis mais un super-héros de bande dessinée. Histoire qui aurait sombré corps et biens dans le ridicule, si Shyamalan n’appliquait un antidote efficace à son projet, sous les auspices d’un ralentissement colossal, d’un obstiné degré de langueur perplexe, renforcée par le fait que Willis fait la gueule de bout en bout, résistant en sourdine aux fadaises qui l’attendent. Seul survivant d’une catastrophe ferroviaire, Willis est contacté par un type bizarre qui veut le convaincre qu’il couve sous sa morosité une force herculéenne (jamais blessé) et des dons supranormaux. Joué par Samuel L. Jackson, le type en question souffre d’une maladie des os qui lui vaut de collectionner les fractures depuis l’enfance (toujours en mille morceaux) […]. Le plus étonnant, c’est la grosse envie sécuritaire que cache le film : Willis est agent de sécurité dans un stade, bientôt transformé en ange gardien potentiel de la société américaine, pensez, un type qui aurait stocké dans son patrimoine génétique toute la force accumulée dans les BD lues par tous les petits Américains ! Reste le style de Shyamalan, circonscrit à la faille qu’il entretient entre l’exagération de ses sujets à dormir debout et l’apathie apparente, la mornitude étrange, l’espèce de sérieux antientertainment avec lequel il les assaisonne. Isabelle Potel, Libération
Bruce Willis, Philadelphia en thema’s als telepathie en paranormaal ongemak: je kunt er huiverspecialist M. Night Shyamalan gemakkelijk van verdenken dat hij met Unbreakable de box office-bonanza van zijn The Sixth Sense nog eens snel wou overdoen. Toch is dit geen hertimmerde kopie maar een uitdagende hommage aan de comic strip waarin bewakingsagent Willis, als enige overlevende van een treinongeval, plots even ‘unbreakable’ of onverwoestbaar blijkt te zijn als de superhelden uit strips. Dat legt tenminste de mysterieuze Elijah Price (Samuel Jackson) hem uit, een uitbater van een stripkunstgalerij die hem ook weet te vertellen dat hij nu de telepathische gave heeft om de criminele impulsen van mensen aan te voelen. Shyamalans zelfverzekerde, subtiel lepe regie blijft imponeren in deze donkere fabel vol symbolische kleuren: hij is een begenadigd verteller die voortdurend meesterlijk poker blijft spelen met zijn publiek.
unbreakable M. Night Shyamalan Avec
Bruce Willis Samuel L. Jackson Robin Wright Penn États-Unis 2000 106’
Carte blanche
, s n a 0 2 s r u e t a s i l a é r 20 05
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Damned ! Vingt ans d’Écran Total, déjà ? Qui l’aurait cru ? Certainement pas nous en faisant le pari de programmer en plein “désert estival” une manifestation mêlant le cinéma d’hier et d’aujourd’hui, des inédits négligés par les grands circuits, des reprises marquantes, des classiques célèbres ou méconnus. Et comment mieux marquer cet anniversaire qu’en jetant un coup d’œil dans le rétroviseur, pour faire ressurgir quelques-unes des lignes de force du cinéma de ces deux dernières décennies, sans souci d’une exhaustivité impossible – ou il aurait fallu le triple de films : la découverte du cinéma iranien, l’essor des cinémas d’Asie, le surgissement de nouveaux venus dont les noms inconnus nous sont devenus familiers, dont nous avons attendu les films suivants parce qu’ils inventaient de nouvelles manières de voir le monde et de donner forme à ce regard. Soit vingt metteurs en scène de 29 à 73 ans, trois générations de metteurs en scène qui se sont révélés, se sont épanouis ou ont persévéré ces vingt dernières années. Vingt films pour voyager de la Chine aux États-Unis, de la Russie au ProcheOrient, de la France au Royaume-Uni, de la Finlande à l’Italie. Vingt cinéastes majeurs qui nous ont marqué d’une manière ou d’une autre et ont accompagné la programmation de l’Écran Total depuis ses débuts. Ils sont présents parfois avec un inédit, souvent avec un film jamais projeté dans le cadre de l’ET, mais que nous rêvions de montrer depuis des années. Ils sont toujours en activité. Ils continuent de nous tenir à cœur. Et quand on aime, on a toujours vingt ans.
Twintig jaar, twintig cineasten Damned ! L’écran Total bestaat al twintig jaar. Wie had dat ooit gedacht ? Zeker wij niet toen we beslisten om gedurende de ‘dode zomermaanden’ een filmevenement te programmeren met films van vroeger en nu, onuitgegeven pareltjes, markante hernemingen, beroemde of onbekende klassiekers. Hoe kunnen we deze verjaardag beter vieren dan met een blik in de achteruitkijkspiegel ? En door de nadruk te leggen op enkele tendensen die de laatste twintig jaar vooral gekenmerkt hebben: de ontdekking van de Iraanse film, de bloei van de Aziatische cinema. Of de intrede van enkele nieuwkomers die ons ondertussen zeer vertrouwd zijn en naar wiens nieuwe films we altijd uitgekeken hebben omdat ze een nieuwe manier uitgevonden hebben om naar de wereld te kijken en om vorm te geven aan die blik. Of twintig cineasten van 29 tot 73 jaar oud, drie generaties regisseurs die zich de laatste twintig jaar gereveleerd en ontwikkeld hebben of het ook volgehouden hebben. Twintig films die ons meenemen op reis van China naar de VS, van Rusland naar het MiddenOosten, van Frankrijk naar Engeland, van Finland naar Italië. Twintig prominente cineasten die ons op een of andere manier getekend hebben en terug te vinden zijn in de programmatie sinds de geboorte van L’Ecran Total. Deze zomer zijn ze er opnieuw, soms met een onuitgegeven film, vaak met een film die nog nooit voorgesteld werd in het kader van L’ET maar waar we al jaren van droomden om hem te mogen vertonen. Ze zijn nog steeds actief. Ze liggen ons nog steeds nauw aan het hart. ‘Et quand on aime, on a toujours vingt ans’.
20 / 20
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À la vie, à la mort !
Robert Guédiguian
Avec
Ariane Ascaride Jacques Gamblin Jean-Pierre Daroussin France 1995
Robert Guédiguian est un cinéaste de quartier : une espèce en voie de disparition. Il filme ce qui le “fonde”, comme il dit, le faubourg de L’Estaque au nord de Marseille. Un no man’s land où quelques bicoques résistent à l’assaut des raffineries dressées près d’un bras de mer. Ce n’est pas la banlieue grise ni le décor pittoresque du Sud. Mais des paysages indéfinis : des hypermarchés à la lisière de la ville ; des chemins de traverse poussiéreux, bordés de grillages ; des ruelles désertées. Tous ces lieux, a priori insignifiants, sont ici regardés avec amour : ils en deviennent beaux. Pour les personnages, c’est la même chose. Ils n’ont rien d’extraordinaire, mais ils existent bien au-delà du film, et c’est peut-être ce qui nous plaît d’emblée : on a le sentiment qu’ils ont déjà une histoire et qu’ils n’attendaient que nous pour la raconter. Josépha fait ses strip-teases le soir au Perroquet bleu, le cabaret qu’elle tient avec José. Un métier comme un autre, sauf qu’aujourd’hui elle se sent vieille et fripée. Marie-Sol est employée de maison. Avec son père et son mari, elle loge chez son patron. Jusqu’au jour où ils vont se retrouver sans argent et sans toit. Alors, José et Josépha leur proposent tout naturellement de venir s’installer au Perroquet bleu. Ils seront bientôt rejoints par Jaco, un ami plongé lui aussi dans la débine. Avec humour et tendresse, Robert Guédiguian écoute et fixe les doutes et les lubies des uns et des autres. À la vie, à la mort ! n’est jamais misérabiliste ni même fataliste. C’est un film libertaire, qui résiste en s’accrochant à des rêves issus de l’enfance, à des formes d’utopie ; une tragédie optimiste qui porte bien son titre : il s’agit pour les personnages de lutter, quoi qu’il advienne, en restant fidèles à un idéal de générosité sans lequel leur vie et leur mort n’auraient plus de sens. Jacques Morice, Télérama
105’
20 / 20
A la vie, à la mort (1995) is de film waarmee Robert Guédiguian bij een groot publiek is doorgebroken. De film verzamelt een aantal naïeve, romantische individuen die nog vastzitten aan de politieke utopieën van de jaren ‘60 en ‘70. Het verhaal speelt zich af in een voorstadje van Marseille, niet toevallig de plaats waar Guédiguian – van Armeense afkomst – zelf opgroeide in een arbeidersmilieu. Het regent stenen voor zijn ietwat hulpeloze personages: Patrick is werkloos, zijn vrouw Marie-Sol (Guédigiguian’s vrouw, Ariane Ascaride) heeft een onzekere job en zijn vader, papa Carlosa, is een oude, gehandicapte, meestal dronken anarchist. Ze treffen gelijkgestemde zielen, in dit geval andere mensen met meer tegenslag dan geluk, in café Le Perroquet Blue. Guédiguian beperkt zich niet tot een karaktertekening, maar legt samen met hen het parcours af dat zij, ieder voor zich, moeten ontdekken.
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Sollicité par Juliette Binoche, qui souhaitait vivement travailler avec lui, Michael Haneke a conçu un scénario fondé sur le concept de la migration des peuples appliquée à la France d’aujourd’hui. Après avoir mené de nombreuses enquêtes à Paris et observé le comportement quotidien des individus confrontés à la promiscuité pluriethnique, il a eu recours à une forme de narration discontinue, déjà pratiquée dans 71 fragments d’une chronique du hasard. Code inconnu met donc en scène un petit nombre de personnages : une jeune actrice, son ami, photographe de guerre, le père de ce dernier, agriculteur dont l’autre fils ne veut pas reprendre la ferme familiale, un éducateur musical pour sourds et muets dont le père, africain d’origine, est chauffeur de taxi, une Roumaine qui mendie dans les rues pour envoyer l’argent au pays. Le récit les aborde séparément, en séquences plus ou moins longues entrecoupées de plans noirs de deux secondes chacun. Leurs trajectoires peuvent se croiser sans que jamais une véritable communication s’établisse. Le regard du cinéaste sur la société de consommation n’a pas changé. La froideur de celle-ci entraîne les mêmes attitudes primitives, potentiellement violentes chez ceux pour qui seul le matérialisme compte. Haneke, suivant son habitude, nous prend à témoin de ces faits et gestes de la nouvelle barbarie et attend de nous, sinon une réaction, du moins un début d’interrogation. Ces fragments de vie sont également mis en doute par le réalisateur qui se/nous demande s’ils sont bien représentatifs de l’insaisissable vérité de notre temps. Le regard de Haneke est donc autant esthétique que moral. Son emploi quasi constant du plan-séquence (chorégraphié avec une précision inouïe) en est la preuve puisqu’il est poussé à son point de perfection aussi bien pour nous fasciner (plan esthétique) que pour nous conduire à la déstabilisation (plan moral).
Code inconnu
Michael Haneke Avec
Juliette Binoche Thierry Neuvic Josef Bierbichler France 2000 118’
Michel Cieutat, Positif
Code inconnu (2000) heeft niet het ijselijke geweld van Funny Games (1997), Michael Haneke’s vorige film, of de uppercut van Benny’s Video uit 1992, maar zijn opinie – we leven in een arrogante, donkere maatschappij – is nog niet veranderd. Deze ‘Magnolia à la Française’ mag dan luchtiger lijken, Haneke confronteert personages (uit diverse sociale klassen) die wel met elkaar in contact komen, maar uiteindelijk complete vreemden voor elkaar blijven (vandaar wellicht de titel, de onmacht – of onwil – om een ander wezen te leren kennen). Haneke zei dat hij Parijs als locatie had gekozen omdat ‘het de meest multiculturele stad ter wereld is’. Het is daar dat Jean – op bezoek bij zijn (afwezige) broer – een reeks van gebeurtenissen in gang zet die Haneke toelaten zijn vertrouwde stokpaardjes te berijden: gebrek aan communicatie, onverschilligheid tegenover geweld, alomtegenwoordig racisme en klassenongelijkheid.
20 / 20
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Esther Kahn
Arnaud Desplechin Avec
Summer Phoenix Ian Holm Emmanuelle Devos France-Royaume-Uni 2000 145’
20 / 20
Éblouissant portrait des premiers pas d’une comédienne, Esther Kahn captive d’un bout à l’autre sans que jamais on ne puisse éclaircir complètement la nature de cette fascination. Tandis que les images découvrent la grisaille des bâtiments censés représenter les quartiers pauvres londoniens de la fin du XIXe siècle, la voix d’un narrateur omniscient engage le récit dans le charme d’une biographie romanesque. Mais le rythme temporel du film n’épouse pas celui d’une continuité homogène. Il orchestre plutôt de longues séquences, ponctuées, sans systématisme aucun, par des fondus à l’iris, comme autant d’épisodes arrachés à la vie du personnage principal. De même Arnaud Desplechin filme-t-il sans quasiment recourir au champ-contrechamp, ce leurre d’une causalité mécanique et d’un enchaînement sans faille. Il privilégie la justesse du moment, l’incarnation des personnages et la charge émotionnelle de chaque scène offerte aux spectateurs dans sa transparente opacité. On peut en effet restituer sans peine l’itinéraire raconté par le film. Une enfant différente, vilain petit canard d’une famille de modestes tailleurs juifs, se révèle grâce au théâtre. On suit sa vie, à travers quelques étapes : son enfance passée “à côté de la vie réelle des choses”, sa façon de scruter les autres et de les imiter, puis sa découverte du théâtre, son initiation sexuelle, ses débuts sur les planches, le vertige incomparable du bonheur de jouer. Cette montée en puissance d’une actrice d’exception, ponctuée des blessures physiques qu’elle subit ou qu’elle s’inflige, évoque les étapes d’un rituel initiatique. […] Desplechin filme comme s’il se posait à lui-même les questions qu’il nous suggère. Il y parvient en composant un univers avec une intensité et une richesse de matière humaine, sensible, intellectuelle telles que toute tentative de réponse se perd dans le labyrinthe du mystère Esther Kahn. Jacques Kermabon, 24 images
“Er zijn drie waarheden” zegt Nathan “die hoe een personage reageert, die hoe de acteur zou reageren en de waarheid dat personage en acteur nooit één en dezelfde zijn”. Nathan (de weergaloze Ian Holm) is de mentor van Esther Kahn, een jonge, joodse vrouw die zich in 19e eeuws Londen via theater een weg probeert te vechten uit een grauw, afstompend, armoedig bestaan. Wijze woorden van Nathan, zal Esther (Summer Phoenix, zus van Joaquin en wijlen River Phoenix) ondervinden: het is maar als ze de gevoelens van haar personages leert doorgronden dat ze kan omgaan met de emoties in haar verleden en heden. Esther Kahn (2000) was de eerste Engelstalige film van de Franse regisseur Arnaud Desplechin, naar een roman van Arthur Symons. De film wordt vaak omschreven als een hommage aan François Truffaut omwille van het ‘coming of age’ onderwerp en het gebruik van de Nouvelle Vaguetechnieken waarmee Truffaut pionierde.
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Porté par une voix off wellesienne qui donne le ton de ce récit d’initiation en forme de trou noir – voix à la deuxième personne qui s’adresse au personnage mais a surtout pour effet d’embarquer le spectateur dans la fiction –, Europa est tout entier placé sous le signe du double jeu. Le film de Lars von Trier, s’il est d’abord un brillant jeu formel excitant pour l’esprit, une sorte de Meccano ou de train électrique (conformément à l’image récurrente du film) qu’il s’agit de reconstruire et de démonter avec le cinéaste, contient tout de même un sujet. Ce sujet ou ce matériau, c’est précisément le truquage ou le faux-semblant. L’Allemagne de 1945 est un univers à double fond où tout le monde trompe tout le monde. La manipulation est donc généralisée (y compris celle du récit), des anciens nazis qui se cachent derrière l’organisation des Loups-Garous jusqu’au cynique colonel américain. Avec au centre, une femme (magnifique Barbara Sukowa) qui prend notre héros, qui est aussi notre substitut, dans ses rets. Mais là où le récit se complexifie, c’est que le truquage n’empêche pas les sentiments authentiques de se dévoiler. Bref, le monde d’Europa est un monde aux règles incertaines. Nous voilà donc en pleine confusion. Cette confusion, Lars von Trier l’orchestre avec magnificence. Europa est d’une beauté formelle époustouflante. […] L’humour du film est proche de celui de Kafka. Ces personnages de contrôleur et d’examinateur des chemins de fer semblent tout droit sortis de L’Amérique. Même humour, donc, sur le fil du rasoir, inquiétant et saugrenu, mélange de sérieux et d’étrangeté, imperturbable jusque dans l’horreur. Mais aussi même type de héros en forme d’enveloppe vide, transparent, étranger, impuissant face aux événements. Thierry Jousse, Cahiers du cinéma
Leopold (Jean-Marc Barr), een jonge Amerikaan van Duitse afkomst, voelt zich na afloop van WOII geroepen om in zijn land van herkomst aan de wederopbouw mee te werken. Hij vindt een job bij de spoorwegen en wordt prompt verliefd op Katharina (Barbara Sukowa), de dochter van de baas. Helaas is de baas een gewezen oorlogsmisdadiger en geraakt Leopold, die neutraal wil blijven, fataal verstrikt in de politieke spelletjes van zowel Amerikanen als de invloedrijke familie van zijn lief. Europa (1991), een parabel over het Duitse schuldgevoel, maakt duidelijk dat de Deense regisseur Lars Von Trier net als Aleksandr Sokurov een boontje heeft voor zowel (de visuele kracht van) de stille film als het expressionisme. Via de bezwerende stem van Max Von Sydow krijgt deze hallucinante visuele ervaring – met achtergrondprojecties en harde zwartwitbeelden – een extra hypnotiserend effect.
Europa
Lars von Trier Avec
Jean-Marc Barr Barbara Sukowa Eddie Constantine Danemark-Suède-France-Allemagne-Suisse 1991 112’
20 / 20
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Le Fils
Luc et Jean-Pierre Dardenne Avec
Olivier Gourmet Morgan Marinne Isabella Soupart Belgique-France 2002 103’
20 / 20
Pourquoi Olivier, formateur en menuiserie, suit-il Francis, jeune homme fraîchement débarqué dans son atelier ? Cette interrogation, si elle trouvera un ancrage moral (l’un a tué, il y a longtemps, le fils de l’autre) n’en restera pas moins en suspens durant la quasitotalité du film des frères Dardenne. […] Assez vite Olivier hésite entre le passeur et le chasseur. Il est à la fois le formateur qui enseigne les gestes du métier, précis, mesuré et celui qui traque sa proie, avec ce que cela suppose de jeu sur la distance et le rapprochement. Le formateur et le chasseur finissent par ne devenir plus qu’un à mesure que l’étau se resserre jusqu’à la séquence du hangar (la plus belle) où sont entreposées différentes essences de bois, et la révélation finale d’Olivier à Francis (“Je suis le père du garçon que tu as tué”). Cette interdépendance est aussi ce qui prolonge l’humanisme des Dardenne. Leur réalisme est fusionnel ; il ne se fonde jamais sur l’exclusion d’un élément au profit d’un autre. Si l’un s’écroule, tout tombe. Jamais ils ne se placent dans une position de juge : la caméra, c’est-à-dire eux, dépend des personnages, elle ne leur préexiste pour ainsi dire pas. Impossible évidemment de ne pas se demander comment tout cela va finir, le suspense physique et moral se densifiant à mesure qu’on approche de la résolution. Une question pourtant se pose : un homme peut pardonner au meurtrier de son fils, mais peut-il accepter de le former et travailler à ses côtés comme le suggère le dernier plan ? […] Alors que caméra et personnages avançaient en parfaite symbiose, cet ultime plan provoque une scission entre ce qui s’apparente à une fiction chrétienne de gauche (celle des Dardenne) et une autre forcément plus retorse d’une irrésolution (celle du personnage). Jean-Sébastien Chauvin, Cahiers du Cinéma
Volgens de broers Dardenne had Le fils, een strak humaan en moreel drama gedraaid tussen Rosetta en L’Enfant in, evengoed Le père kunnen heten, een rechtstreekse verwijzing naar het personage dat door Olivier Gourmet wordt vertolkt. Gourmet – bekroond als beste acteur in Cannes – leidt een atelier voor houtbewerking in een opleidingscentrum voor integratie van jonge delinquenten. Zo komt hij in contact met de 16-jarige Francis. Tussen hen ontstaat een even complexe als ambigue relatie, een spel van aantrekking en afstoting dat heel absorberend en met veel fysieke kracht – de camera zit dicht en nerveus op de huid en de nek van de personages – is verbeeld. Door de latente sfeer van onderhuidse spanning wekken de Dardenne’s voortdurend de indruk dat hun mysterieuze tragedie over wraak en vergiffenis – noem het ook een quasi socio-documentaire studie van een ambacht en een werkplaats – op eender welk moment dramatisch kan ontploffen.
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Pour aller à l’encontre de l’atmosphère de ce début du XXIe siècle, qu’il qualifie de “tordue et cynique”, Mike Leigh valorise ici son héroïne : une fille positive, déterminée à prouver que le bonheur peut être contagieux. Voici donc Poppy, grande bringue enjouée, fringues chatoyantes et blagues au bord des lèvres, cliente des puces et amatrice de trampoline, une cycliste pimpante qui plaisante même quand on lui pique son vélo. L’euphorie distillée dans Be Happy repose sur l’abattage de Sally Hawkins, petit clown exubérant, prompte aux grimaces et prônant l’idéal de mourir en riant. Il faut la voir froncer le nez, hocher la tête, chantonner à tout propos, désamorcer toute polémique et ponctuer deux phrases sur trois de mimiques et d’onomatopées ludiques. Titre explicite (l’original est Happy-Go-Lucky), Be Happy exhorte à la joie de vivre. Considérant que le monde est une scène où il vaut mieux jouer à espérer que pleurer, persuadé que chaque individu détient les clés de son personnage même si son costume est déterminé par son environnement social, Mike Leigh prône la quête de l’émerveillement dans un contexte désenchanté. Masque de politesse, de pudeur, d’optimisme, la loufoquerie de Poppy ne gomme pas son statut de cœur solitaire ni les malheurs qui l’entourent, elle constitue un réconfort. Une leçon de subversion. Be Happy apparaît en quelque sorte comme l’envers de Naked, beau film de Mike Leigh où un déclassé caustique traînait sa dépression mélancolique dans les bas-fonds de Londres. Errant dans une atmosphère nocturne, ce clown métaphysique citant Shakespeare représentait tout ce contre quoi se bat Poppy et ses couleurs vives : l’idéalisme frustré mué en cynisme, l’altruisme dévoyé en agressivité, la sordide conséquence d’un mauvais système d’éducation. Jean-Marie Douin, Le Monde
HappyGo-Lucky Mike Leigh Avec
Sally Hawkins Alexis Zegerman Eddie Marsan Royaume-Uni 2007 118’
Mike Leigh op Prozac? Zo zou je anders Happy-go-lucky nogal simplistisch kunnen samenvatten want bijna alle films tot nu toe van deze Britse proto-realist – zie Naked en Secrets and Lies – waren wrang, cynisch en fatalistisch. Deze keer gooit Leigh het over een totaal andere, want zonnige en optimistische boeg. Het leuke aan deze vrolijke dramedy in felle primaire kleuren is de schitterende vertolking van Sally Hawkins. Ze speelt de 30-jarige Poppy, een onderwijzeres uit Londen die nog altijd vrijgezel is, graag veel plezier maakt en waarvan het geluk zo afstraalt. Een optimistische meid dus met een zonnige natuur en een relaxte kijk op het leven. En daar kan niets of bijna niemand iets aan veranderen. Of is het schijn bedriegt? Leigh blikt alles met veel vinnige schwung in en zijn film verenigt de kwaliteiten van elke uitstekende en aanstekelijke tragikomedie: ultralichtvoetig maar toch verrassend zinvol.
20 / 20
60
Intervention divine Elia Suleiman
Avec
Elia Suleiman Manal Khader Nayef Daher France-Maroc-Allemagne-Palestine 2002 92’
20 / 20
Un père Noël à bout de souffle tente d’échapper aux gamins tueurs qui le poursuivent sous le soleil de Nazareth. L’ouverture donne le ton, celui d’un cinéma nourri d’absurde et de dérision, travaillé par la souffrance et l’humour, gagné progressivement par l’urgence. Le sous-titre du film le signale, il s’agit d’une “chronique d’amour et de douleur”. Chronique de la vie à Nazareth, ordures jetées dans le jardin du voisin, gamin footballeur et jongleur, bouteilles entassées sur une terrasse en prévision de l’arrivée de la police, qui alors se verra copieusement bombardée. Chronique ensuite des amants de Jérusalem, qui se rencontrent sur le parking d’un poste-frontière (elle est de Ramallah et non autorisée à entrer en Israël) et assistent au ballet grotesque des gardes israéliens. Le tout filmé frontalement, longs plans fixes auxquels leur durée donne signification et force, comme à distance, pour tirer d’un monde qui n’en est pas un, où il est impossible de vivre et où l’on vit pourtant, une succession de scènes qui évoquent le cinéma des premiers temps, burlesque et digne, irrésistible et pas rameneur, mais puisent leur existence dans la réalité d’aujourd’hui. Voilà qui, en premier lieu, fait l’originalité du cinéma de Suleiman, dont la maîtrise parfaite de l’expression est seule à même de traduire l’absurdité des situations et le désespoir qu’elle suscite. Ce cinéma-là n’a pas besoin des mots, il donne à voir et tourne la page aussitôt, pour passer à ce qui semble autre chose, mais qui ne constitue en fait qu’une nouvelle variation sur un même thème : personne ne peut vivre comme cela, et pourtant le cinéaste-acteur-personnage et les siens n’ont pas le choix. Ce que la construction du film et l’architecture des plans mettent admirablement en lumière : tout est question d’espace, de territoire, celui dont l’accès est interdit, celui dont on est tenu de se satisfaire et qui peu à peu est à son tour investi par les hélicoptères, les chars, la guerre, les explosions, la mort. Pascal Mérigeau, Le Nouvel Observateur
Yadon ilaheyya (Divine Intervention, 2002) werd in Cannes bekroond met de prijs van de kritiek, maar werd het daaropvolgende jaar uitgesloten van deelname voor de oscar voor beste buitenlandse film. De reden: enkel landen erkend door de Verenigde Naties mogen films insturen. En Palestina is dat niet. De toon is al meteen gezet. Yadon ilaheyya bestaat uit een aantal verhalen, vooral opgebouwd met beelden. Een tweede deel gaat over de regisseur, Elia Suleiman, zijn vader en zijn vriendin. Suleiman wordt wel eens een kruising tussen Jacques Tati en Luis Bunuel genoemd. Tati voor de droge humor (allicht veel minder vrijblijvend bij Suleiman) en de afwezigheid van dialoog, Bunuel voor de politiek en het surreële: Suleiman vlucht in droombeelden (die vaak hilarische situaties voorstellen), voorlopig de enige uitkomst in een uitzichtloze situatie. Het leven van Palestijnen onder Israëlische bezetting gaat door, tot het stopt.
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Parce que la compagnie qui l’emploie depuis quinze ans va être privatisée, parce qu’il est étranger (français à Londres) et qu’il n’a jamais eu de vrai statut, Henri Boulanger est licencié sans préavis. Il veut en finir avec la vie. Ses tentatives de suicide échouant lamentablement, il rassemble ses économies et recrute des professionnels du trépas. Au pub en face de chez lui, pour la première fois, il se met à boire et à fumer. Pour la première fois aussi, il se résout à aborder une femme qui, miracle, lui redonne goût à la vie. Mais les tueurs sont en route. D’après Ciné-club de Caen J’ai tourné J’ai engagé un tueur car à dix ans, le film d’Henri Cass Last Holiday m’a marqué au point d’en garder la même impression aujourd’hui, après avoir vu des milliers de bons et de mauvais films. Je ne pense cependant pas que J’ai engagé un tueur ressemble à son modèle et là n’est d’ailleurs pas son intention. Il s’agit simplement d’un certain état d’esprit. J’ai réalisé le film en Angleterre car les gens y parlent une langue civilisée que je maîtrise moi-même passablement. Le tournage est grandement facilité si le réalisateur comprend au moins une partie des dialogues. Les acteurs ont plus de mal à sauter les répliques qu’ils n’aiment pas ou sont trop paresseux pour dire. Le scénario a été écrit en pensant à Jean-Pierre Léaud et Margi Clarke et ce qui a été formidablement pratique c’est qu’ils ont effectivement joué les rôles en question ! Kenneth Colley, pour sa part, est un si bon acteur qu’il peut jouer, si nécessaire, le vilain petit canard et n’a pas besoin d’analyse de texte à l’avance. La structure cinématographique du film balance entre Dreyer et Melville, sans jamais les atteindre. La vie est dure mais divertissante. Aki Kaurismäki
J’ai engagé un tueur
Aki Kaurismäki I Hired a Contract Killer Avec
Jean-Pierre Léaud Margi Clarke Kenneth Colley États-Unis 1990 79’
Truffaut lieveling Jean-Pierre Léaud in een Engelstalige film van de Finse regisseur Aki Kaurismäki. Niet echt verwonderlijk: Kaurismäki is een bewonderaar van de Nouvelle Vague. Hij is ook – al zeker op filmgebied, en samen met zijn broer Mika – het belangrijkste exportproduct van Finland. Het is ook bekend dat Aki meer van beelden dan woorden houdt. Zijn dialogen beperkt hij gewoonlijk tot het absolute minimum– wat belangrijk genoeg is om gezegd te worden. Combineer dat met een korte film en een extreem droog gevoel voor humor en je hebt een doorsnee-Kaurismäki. In I Hired a Contract Killer (1990) valt Henri (Léaud) na vijftien jaar trouwe dienst zonder werk. Hij raakt zo gedeprimeerd dat hij – omdat hij er niet in slaagt zelfmoord te plegen – een huurmoordenaar contacteert. Henri weet niet wanneer de man de klus zal klaren. Uiteraard ontmoet hij kort nadien de vrouw van zijn dromen en ziet het leven er plots veel minder somber uit…
20 / 20
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Kadosh
Amos Gitai Avec
Yaël Abecassis Yoram Hattab Meital Barda Israël-France 1999 110’
20 / 20
Mariés depuis une dizaine d’années, Meïr et Rivka n’ont pas d’enfants. Le poids des traditions condamne irrémédiablement la femme et pèse sur sa relation avec son mari au point qu’elle acceptera d’être répudiée, alors même qu’un médecin lui a expliqué qu’elle peut enfanter et que des analyses du sperme du mari permettraient un diagnostic. Peut-être à cause de sa pratique documentaire, Amos Gitai a compris que la force d’un film n’est en rien proportionnelle aux effets mis en œuvre. Cette belle discrétion, nourrie d’une grande capacité de regard, d’une tendre sensualité dans les portraits de femmes, lui a sans doute valu d’être oublié du palmarès cannois. Kadosh se déroule au rythme lent et cérémonieux de familles intégristes de Jérusalem. Toute dénonciation, toute caricature sont inutiles, il suffit de montrer et peu à peu, ces rituels religieux, ces comportements parfois comiques laissent apparaître comment ils obscurcissent irrémédiablement la vie. On ne peut s’empêcher de rire en particulier d’une pudeur ridicule lors des moments intimes et aussi des interminables arguties sur l’interprétation des commandements religieux. “Dans le judaïsme, explique Amos Gitai, les commandements englobent les 365 jours de l’année, les 24 heures d’une journée. Ils prévoient toutes les relations et toutes les situations humaines, intimes, sexuelles.” Ainsi, malgré l’amour, la tendresse, la pente que suit ce couple est celle de la soumission aux consignes religieuses et familiales. De son côté, Malka, la sœur de Rivka, aime un homme qui a choisi de vivre en dehors de la communauté. Mais le rabbin veut la marier avec son assistant. Elle choisira la révolte. L’action ne se situe pas au Moyen Âge mais aujourd’hui, au cœur de Mea Shearim, le quartier juif orthodoxe de Jérusalem. Jacques Kermabon, 24 images
Jerusalem op de vooravond van de eenentwintigste eeuw. In de orthodoxe Mea Sharim wijk doen vrouwen het huishouden en zorgen voor man en kinderen zodat mannen de Torah en de Talmud kunnen bestuderen. Rivka is gelukkig getrouwd met Meir, maar zijn vader wil dat Meir zijn vrouw verstoot omdat ze geen kinderen kan krijgen (hoewel dat niet noodzakelijk Rivka’s ‘schuld’ is): een onvruchtbare vrouw is geen vrouw, volgens papa. Haar zus Malka wordt dan weer, dik tegen haar goesting, gekoppeld aan een religieuze fanaticus. Kadosh (1999), van de Israëlische regisseur Amos Gitai, focust vooral op de rol/plicht van de vrouw in de orthodoxe maatschappij. Het mag niet verbazen dat orthodoxe joden vaak heel fel reageren tegen deze film, die ze ‘ongeloofwaardig’ en ‘vooringenomen’ noemen. Gitai kreeg het eerder ook al aan de stok met de Israëlische overheid omdat hij soms standpunten inneemt tegen (de politiek van) Israël.
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Racontant l’histoire vraie d’une femme à laquelle les pouvoirs publics ont enlevé systématiquement ses enfants, Ladybird boucle une trilogie de l’Angleterre post-thatchérienne commencée avec Riff-Raff et Raining Stones. - Ken Loach : Ce qui nous a frappés au départ et nous a convaincus qu’il y avait là le sujet d’un film, c’était la souffrance élémentaire que vivait cette femme. Nous avions comme l’envie de prendre des photos d’elle et de les brandir pour montrer à quel point ce qu’elle subissait était insupportable. - Le film se présente comme une tragédie moderne. Maggie est comme une Antigone d’aujourd’hui. Le poids de la société a remplacé le destin et les dieux. - Ken Loach : C’est pour cela que je voulais m’écarter du documentaire sur un problème social. Elle est l’enfant d’une famille violente, et elle-même a des rapports violents. Et c’est l’image qu’a d’elle l’administration : quelqu’un qui ne pourra jamais échapper à ce cercle vicieux, à ce comportement brutal. Et l’administration participe à son tour de cette violence en lui arrachant ses enfants par la force, l’acte le plus violent qu’on puisse concevoir. - N’avez-vous pas craint que l’accumulation de détails authentiques et de situations extrêmes ne paraisse trop difficile à accepter pour le spectateur ? En art, “le vrai peut quelquefois n’être pas vraisemblable” ! - Ken Loach : Nous étions conscients du danger. Cette citation sur le vrai et le vraisemblable ne s’applique peut-être pas aussi bien au cinéma, qui est plus proche de la vie. Il y a dans la vie une part d’arbitraire qui conduit à accepter les excès. C’est le vieil adage sur “la vie qui est plus étrange que la fiction”. Et ça me plaît. C’est pour cela que je m’inspire de la réalité et que je préfère promener ma caméra dans la rue. Les choses qui arrivent dans la réalité ont un caractère arbitraire et naturel à la fois, qui me plaît davantage qu’une construction soigneusement élaborée. Propos recueillis par Michel Ciment, Positif
Britse socialist in hart en nieren Ken Loach kan als niemand anders het leven aan de zelfkant beschrijven. Met empathie voor de slachtoffers, vaak met snoeiharde kritiek voor de overheid (Loach was géén fan van het ijzeren bewind van Margaret Tatcher, wiens ultraliberale regime geen rekening hield met de sociaal zwakkeren. Wat je ziet in Ladybird, Ladybird (1994) is gebaseerd op feiten. Net als Maggie na een aantal gewelddadige relaties haar leven opnieuw op de rails wil krijgen, raakt ze door een stom ongeluk – waarbij één van haar kinderen verbrand raakt – haar kinderen kwijt aan de overheid. En ook de kinderen die ze krijgt samen met Jorge, die het wel goed met haar meent, worden haar afgenomen. Hartverscheurend drama, door de levensechte aanpak van Loach en vooral door het magistrale inlevingstalent van Chrissy Rock, die met deze film een heel opgemerkt debuut maakte.
Ladybird, Ladybird Ken Loach Avec
Crissy Rock Vladimir Vega Sandie Lavelle Royaume-Uni 1994 102’
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Mala noche Gus Van Sant
Avec
Tim Streeter Doug Cooeyate Ray Monge États-Unis 1985 80’
Découvrir après coup le premier opus d’un réalisateur de l’importance de Gus Van Sant constitue une expérience à la fois exaltante et délicate. Il faudrait pouvoir le regarder comme un film en soi, dans sa fragilité singulière. Mais le fantôme de l’œuvre à venir ne tarde pas à s’interposer, à provoquer des jeux d’écho incessants et multiples. On doit, dès lors, lutter pied à pied pour ne pas réduire sa vision à un simple relevé des prémisses. Dans le cas de Mala noche, l’opération est d’autant plus ardue que le phénomène de reconnaissance est retors et complexe. D’un côté, en effet, tout Gus Van Sant semble déjà là : les lieux, les personnages, les relations qu’ils entretiennent entre eux. Adapté d’un roman autobiographique de Walt Curtis, le film raconte les déboires amoureux d’un dénommé Walt, qui s’éprend follement d’un jeune immigré clandestin, Johnny, venu du Mexique à Portland en compagnie de son ami Pepper. Ce mélange d’artistes et de marginaux, de sexualité et de politique, de paroles tendres et de jeux cruels, on les retrouvera tels quels dans Drugstore Cowboy et My Own Private Idaho. Mais si les thèmes et la sensibilité de Van Sant sont déjà en place, il est plus difficile d’identifier le style du cinéaste. À part les quelques plans sur un ciel nuageux qui constituent la ponctuation habituelle des récits de l’auteur, Mala noche n’évoque que très peu le reste de l’œuvre. Tourné en noir et blanc et en 16 mm, le film mélange une inspiration vaguement cassavetienne et des moments plus fantastiques, directement piqués au Troisième Homme de Carol Reed. La réussite spécifique de ce premier long métrage tient, d’ailleurs, à la cohérence de ton que le metteur en scène arrive à insuffler à ce melting-pot étrange de réalisme et d’expressionnisme, de cinéma direct et de théâtralité baroque. Patrice Blouin, Les Inrockuptibles
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In de rubriek ‘schitterende verwezenlijkingen van Gus Van Sant’, geven we graag apart aandacht aan Mala Noche, de langspeelfilm waarmee Van Sant in 1985 debuteerde. Gemaakt voor geen geld, in korrelig zwart-wit en lang moeilijk terug te vinden in het circuit. Zonde, want het is een miskend meesterwerk. En duidelijk een oefening voor My Own Private Idaho. Gebaseerd op een autobiografische novelle van Walt Curtis (heel overtuigend vertolkt door Tim Streeter) wiens liefde voor een jonge Mexicaan, die nauwelijks Engels spreekt, keer op keer wordt afgewezen. Gus Van Sant demonstreert hier al zijn kenmerkende rauwe straatpoëzie – ondersteund door een mooie score van Creighton Lindsay. Mala Noche, hoewel somber, was ongetwijfeld een verademing voor de homogemeenschap: homoseksualiteit wordt met respect en wars van clichés benaderd. Van Sant weet uiteraard waarover hij spreekt: hij is zelf homoseksueel.
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Don Giulio (Nanni Moretti), curé sur une île paradisiaque, est muté dans une paroisse désertée de la banlieue romaine. L’occasion pour lui de se rapprocher de sa famille et de ses amis de jeunesse, ceux avec lesquels il avait voulu changer le monde. Soudain, la vie de Giulio bascule : son père quitte sa mère, qui veut se suicider, sa sœur veut avorter, ses amis sont déprimés, en prison pour terrorisme, ou animés soudain d’une foi religieuse exagérée. En plus, l’ancien curé de sa paroisse, qui s’est marié et a un enfant, vit en face de l’église... Moretti délaisse son double de cinéma – le Michele Apicella de ses films précédents avec lequel on le confondait trop vite – et prend la soutane. Giulio reste néanmoins un héros morettien : atrabilaire et réactif, il ne supporte pas que les hommes ne soient pas heureux. Il croit aux choses immuables selon lui, comme l’amour universel. Mais comment faire quand les autres ne veulent pas être aimés, n’ont pas besoin de votre amour ou s’en foutent ? Comment aimer ceux qu’on aime, quand ils font tout pour se rendre haïssables ? La messe est finie est peut-être le meilleur film de Moretti, le plus dérangeant, le plus désespéré, le plus violent, le plus simple et le plus intelligent, mais aussi sans doute l’un des plus drôles. Avec toujours cette incroyable capacité à créer des archétypes sociaux et psychologiques qui échappent à tous les clichés. Jean-Baptiste Morain, Les Inrockuptibles
Moretti est dans la lignée de Tati, dont il a d’ailleurs l’élégance froide et le burlesque ému. Si ses films ont un tel écho en Italie, c’est à mon sens parce qu’il reformule pour un public nouveau les vieux paramètres de la comédie à l’italienne. Ce n’est plus l’individu comme variante à l’intérieur du groupe qui est comique (comme chez Monicelli, Risi, etc.), c’est le groupe improbable que constitue le réseau des individus. Serge Daney, Libération
La messa è finita
Nanni Moretti La messe est finie Avec
Nanni Moretti Enrica Maria Modugno Marco Messeri Italie 1985 94’
Zelfs in het Italië van twintig jaar geleden ging het met het geloof – en de bijbehorende moraal – de verkeerde kant op. Althans in de visie van Nanni Moretti, die met La Messa è finita (1985) een zoetzuur drama in onvervalste Morettistijl maakt (met – in de vorm van een voetbalmatch – een klein eerbetoon aan meester Roberto Rossellini). Al blijft de autobiografische toets deze keer afwezig, Moretti speelt gewoontegetrouw zelf de hoofdrol. Zijn Don Giulio is niet meteen de onbaatzuchtige halve heilige die Jean-Paul Belmondo is in Léon Morin, prêtre (Jean-Pierre Melville, 1961). Don Giulio is een korzelige, tikje egocentrische man die – na een afwezigheid – zich realiseert dat zijn kerk leegloopt, zijn vader een maîtresse heeft en zijn zus abortus wil plegen. Daar is hij uiteraard niet blij mee. Don Giulio komt met een harde schok tot het besef dat de wereld vooral om seks en centen draait en dat zijn roeping met uitsterven wordt bedreigd.
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Millenium Mambo
Hou Hsiao-Hsien Avec
Shu Qi Jack Kao Tuan Chun-hao Taiwan-France
Histoire d’une jeunesse désœuvrée vivant entre un appartement capharnaüm et des boîtes de nuit cernées de pénombre et de lasers, Millenium Mambo est aussi et surtout l’histoire toute simple de Vicky, personnage fragile, égaré au tournant du millénaire, vivant au rythme frénétique et insouciant du mambo, et qui pendant la plus grande partie du film semble faire du surplace. Habitée par un paradoxe, entre une frénésie qui confine à la torpeur et une envie de vivre qui pourrait la mener à l’anéantissement, elle est comme un fantôme qui hante le film et, en même temps, elle possède une force vitale et une pureté qui finissent par générer un peu d’espoir. Tout le film est d’ailleurs construit sur une opposition entre les ombres diffuses et des lumières acérées. Le confinement des personnages dans des lieux minuscules surchargés d’objets hétéroclites tranche avec les œuvres antérieures de Hou Hsiao-Hsien, habituellement plus aérées. Autre opposition : le parcours de Vicky oscille entre deux liaisons, l’une chaotique avec un jeune voyou violent et désœuvré, l’autre plus calme, presque filiale, avec un homme plus âgé, qui la fera voyager et peut-être sortir du tunnel. En observateur à la fois minutieux et intuitif, le cinéaste s’abstient de juger cette jeunesse abandonnée sur les rivages du temps, dans un état quasi catatonique. Il préfère s’attacher au devenir de Vicky, presque tendrement, accompagner son incapacité à choisir, à se tracer une voie. Rares sont les films qui réussissent à ordonner de cette façon le foisonnement, le débordement aussi bien que la vacuité. Hou Hsiao-Hsien montre ici combien il est un orfèvre doublé d’un architecte de l’ombre et de la lumière. Philippe Gajan, 24 images
2001 119’
20 / 20
Een jonge vrouw deint in slow motion door een lange, met TL-lampen verlichte gang op een steeds luider klinkende technobeat. Dat zijn de openingsbeelden van Qian xi man po (Millenium Mambo, 2001). Dan volgt via voice-over het verhaal van de vrouw. De stem komt uit de toekomst. In 2010 vertelt Vicky (Shu Qi) over haar leven in 2001, in Tapei. Vicky zit vast in wat een uitzichtloos nachtleven lijkt, met veel drank en drugs en een waardeloos vriendje dat ze niet kan verlaten. Regisseur Hou Hsiao Hsien velt geen oordeel over zijn personage. Hij toont ons Vicky, even hypnotiserend als ongrijpbaar. Hou is geobsedeerd door tijd, door ‘het moment’, zeer geconcentreerd in elk beeld gebracht via somptueuze fotografie (met dank aan cameraman Mark Lee Ping-Bin van In the Mood for Love). Dat levert vaak immens mooie shots op: zoals de indruk van Vicky’s gezicht in een ongerepte sneeuwbank.
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Le portrait psychologique d’une ville à travers le parcours hanté de remords d’un jeune meurtrier. Phare sombre, d’une noire mélancolie, encore rehaussée par la présence sonore des Kindertotenlieder, Pages cachées est, selon la formule reproduite dans le dossier de presse, “basé sur des motifs de la prose russe du XIXe siècle”. Certes, on y reconnaît deux figures singulièrement proches des Raskolnikov et Sonia de Crime et châtiment, mais, étant donné l’indifférence manifeste de l’auteur à la narration traditionnelle, on est peu enclin à chercher dans cette référence une clé d’interprétation. La forme semble même avoir pour but principal de nous en dissuader, car elle instaure avec le spectateur un rapport exclusivement fondé sur la perception – on est tenté de dire “physique” – des images et des sons. C’est, durant une heure et quart, une déambulation lancinante dans un univers délabré que n’aurait pas renié Tarkovski (mais la comparaison, trop souvent répétée, a, paraît-il, fini par excéder Sokourov) ; on y croise des grappes d’êtres humains, épaves hallucinées et murmurantes dont la trajectoire reste à jamais énigmatique, particulièrement lorsque, cadrés dans un plan en contre-plongée dont la longueur ne parvient pas à épuiser le mystère, ils se jettent un à un dans le vide pour disparaître dans le coin inférieur gauche de l’écran, comme aspirés par le hors-champ. On croit d’abord être irrité par l’affirmation un brin hautaine de cet hermétisme expérimental, et l’on est soudain frappé par la puissance envoûtante avec laquelle cet orfèvre obstiné et précis travaille comme autant de matériaux malléables le cadre, l’image (il a recours à l’anamorphose et à la coloration), le son et le rythme. Oliver Kohn, Positif
Pages cachées Alexandre Sokourov Tikhiye stranitsy Avec
Alexandre Tsjerednik Sergueï Barkovski Elisabeta Koroliova Russie 1994 77’
Aleksandr Sokurov creëerde met Tikhiye stranitsy (Whispering Pages, 1994) visuele poëzie gebaseerd op ‘beelden’ uit 19e eeuwse Russische romans. Vervormde beelden, flarden van conversaties, etherische muziek: fragmenten die zo uit een droom (of nachtmerrie) kunnen komen. Sokurov mag dan minder dramatisch zijn als Tarkovsky, visueel staat hij ijzersterk. Een plot – dat had u al verwacht – is nauwelijks voorhanden. Er is een Dostojevski-achtige tragische figuur en een vage heldin, maar de film is vooral een sterk staaltje (camera)techniek. En een ode aan de stille Duitse film. Denk maar aan Metropolis (Fritz Lang, 1927) of Das Kabinett des Doktor Caligari (Robert Wiene, 1920). Maar Whispering Pages – de titel zegt het al – is geen stille film. Het gebruik van geluid is briljant. Er is bijvoorbeeld het alomtegenwoordige geluid van water: druppelend, ruisend, klaterend. Laat u rustig meekabbelen.
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Plaisirs inconnus Jia Zhangke
Ren Xiao Jao Avec
Zhao Tao Zhao Wei Wei Wu Qiong Japon-France-Chine
L’action, ou plutôt l’inaction, de Plaisirs inconnus se situe à Datong, ville industrielle du Nord-Est de la Chine. Où l’on peut voir à tout bout de plan que, dans le reste de l’empire chinois comme dans sa capitale, le massacre urbain bat son plein. Plaisirs inconnus est le documentaire de ce grand bond en avant au bord du gouffre. L’horizon est barré par une centrale nucléaire et les culs-de-sac ont la taille d’une autoroute en construction. Ce ne sont pas seulement les valeurs du paysage qui sont bousillées. Xiao Ji, Bin Bin, Qiao Qiao et Yuan Yuan sont quatre jeunes gens (plus ou moins vingt ans). Travailleurs ou glandeurs, délurés ou timides, un même état les fédère : ils s’emmerdent à mort. En écrabouillant la case départ (d’où viens-tu ?), le bulldozer du miracle chinois a défiguré toute tentative d’identité. Certes, ils peuvent se permettre beaucoup plus qu’on ne croit (picoler, voler, baiser), mais il se trouvera toujours un flic réel ou symbolique (îlotier, maman, mafieux) pour leur faire entrer dans le lard qu’ils ont tort d’exister. Car le simple temps qui passe (“mourir à trente ans”, propose Xiao Ji) est leur pire ennemi. Deux scènes-clés : une firme de spiritueux emploie Qiao Qiao comme danseuse-chanteuse dans un spectacle de promotion. Sur un air de disco jet largué, elle se tortille en costume pittoresque aussi plausible qu’un invendu de Las Vegas. L’action dure juste ce qu’il faut (très longtemps) pour imprimer un terrifiant malaise. Xiao Ji passe sa vie à mobylette. C’est sa liberté. Mais quand la pente est rude par les chemins de traverse, le voilà qui s’embourbe et mettra beaucoup de temps à s’en sortir. Si la longueur du plan ne frôlait pas le pénible, on ne pourrait éprouver ce qu’il endure : la poisse. Gérard Lefort, Libération
2002 113’
20 / 20
Op economisch vlak gaat het snel in China de laatste jaren. Ook de twee jonge protagonisten in Ren xiao yao (Unknown Pleasures, 2002) worden platgewalst door westerse cultuur. In een verlopen industriestadje in het noorden van China vullen Bin Bin (Wei Wei Zhao) en Xiao Ji (Qiong Wu) hun dagen met rondlummelen, roken, luisteren naar Westerse muziek en kijken naar Westerse films. De oude levensstijl hoeven ze duidelijk niet meer, maar de verwestering maakt hen apathisch en nihilistisch. Dat is volgens regisseur Jia Zhang Ke niet toevallig: de nieuwe economie is niet noodzakelijk manna voor de voltallige Chinese bevolking. Jai Zhang Ke heeft duidelijk een sociaal geweten. Zijn film in semi-documentaire stijl, met het popdeuntje waarop de titel van de film is gebaseerd voortdurend op de achtergrond, levert een weinig vrolijk beeld op van een nieuwe, maar verloren generatie.
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Un peu comme si Ozu avait tourné un polar. Mais pas un polar des années 1950. Un polar bien de notre temps : ultra-violent. Mais, en même temps, serein. Tellement serein qu’il en devient impressionnant. Mais Sonatine n’est pas un polar de plus. Ici, les tueries s’organisent comme un jeu et les jeux, à leur tour, deviennent mortels. Mais Takeshi Kitano a raison lorsqu’il dit que la différence entre son film et les autres films de yakuzas, “c’est le poids de chaque balle de revolver. Ailleurs, les personnages tirent et tuent beaucoup trop, ça ne signifie plus rien”. L’intensité du sentiment de la mort qui traverse Sonatine ne fait que rendre, par contraste, la vie encore plus précieuse. Car le plus beau dans ce film qui joue à cache-cache avec la mort, c’est que les morts, eux, ne sont pas des jouets. Ici, la mort d’un homme n’est jamais un spectacle. Ni corrida (pas de ralentis). Ni clip chatoyant (pas de musique tonitruante, pas de montage effréné d’images chocs). Sonatine préfère nous laisser le temps de voir et de comprendre. Toutes les fusillades sont filmées en plans fixes. L’angoisse monte. La mort, on la voit venir. Elle éclate sous nos yeux, sans besoin d’autre violence que la sienne. La mise en scène s’efface. Et l’on est figé, à notre tour, lorsque, longuement, nous sommes face à ces tueurs froidement déterminés, immobiles devant une mort inéluctable. À force d’abstraction, nous voilà confrontés brusquement à nous-mêmes, renvoyés à notre propre fin. Sonatine ressemble à tous ces jeux qu’ont inventés les hommes, depuis des siècles, pour se distraire... en attendant la mort. Comme notre vie, Sonatine est une sorte de parenthèse où, avant d’être tué, on tue le temps. En s’amusant. Comme on peut. Comme on peut s’amuser avec cette idée qu’un jour ou l’autre, tôt ou tard, forcément, nous perdrons tous... la vie. Philippe Piazzo, Télérama
Voordat deadpan-komiek Takeshi ‘Beat’ Kitano internationaal doorbrak met Hana-bi sloeg hij al zijn slag met Sonatine (1993), zijn vierde maar meest rijpe film tot dan toe. Kitano geeft zelf een magistrale vertolking weg als een laconieke, hardgekookte en gedesillusioneerde gangster maar het is zijn originele en ongewone aanpak die indruk maakt in deze vreemde onderkoelde yakuzathriller. In tegenstelling tot de sterk esthetische gangsterfilms van Seijun Suzuki – een pulpy pop art-regisseur uit de jaren 60 – kiest Kitano in dit verhaal over een gangsterleider die van zijn baas de opdracht krijgt om met zijn bende naar het eiland Okinawa te gaan om er een dispuut tussen twee yakuzaclans op te lossen voor een extreem minimalistische en hyperafstandelijke aanpak. Daartegenover staat wel een kurkdroge humor en veel macho wreedheid. En die combinatie leidt tot een van de meest atypische gangsterparodies uit de Japanse filmgeschiedenis.
Sonatine
Takeshi Kitano Sonachine Avec
Takeshi Kitano Aya Kokumai Tetsu Watanabe Masanobu Katsumura Japon 1993 94’
20 / 20
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Ten
Abbas Kiarostami Avec
Mania Akbari Amin Maher Roya Arabshahi Iran-France-États-Unis 2002 94’
20 / 20
Dix. Dix séquences de rencontre entre une femme au volant et ses passagers. Dix superbes moments de cinéma. Pourtant, le dispositif envisagé pour mettre en scène ces morceaux choisis de vie peut sembler déroutant : une mini-caméra fixée sur le tableau de bord qui enregistre les discussions sans l’intervention du cinéaste, du moins en apparence. Car même si Kiarostami parle de “disparition de la mise en scène”, il subsiste son regard de cinéaste précis, passionné, politisé, mais jamais démiurge. L’histoire qu’il nous conte se déroule donc intégralement dans l’habitacle d’une voiture. En ce sens, le cinéma de Kiarostami, et le cinéma iranien en général, nous interroge sur notre propre condition de spectateur, en nous posant la question du regard, qu’il faut sans cesse remettre en question. Avec peu de moyens mais l’essentiel, Kiarostami nous touche donc au plus profond, et atteint l’essence même du cinéma, ce jeu de va-et-vient constant entre le vrai et le faux. Cette relation incestueuse entre réalité et fiction n’est pas nouvelle chez le cinéaste : de Close Up au Goût de la cerise, il n’a eu de cesse de laisser troubles les frontières entre vérité et simulacre, pour mieux repenser le cinéma, le statut des images et le problème de la représentation. Se dessine alors une esthétique de l’incertitude, profondément ancrée dans la culture iranienne et radicalement étrangère aux codes qui régissent nos images occidentales. Selon Kiarostami, “le cinéma a d’abord pour rôle de mettre en scène un mensonge”, mais qui sert à dire une vérité, en montrant à la fois le dispositif (cette caméra fixe) et son résultat. Car derrière ce choix de mise en scène certes radical se cache une histoire (ou dix) riche en émotions, suffisant, par quelques champs-contrechamps, mais servie par des acteurs exceptionnels, à nous surprendre et nous passionner. Grégory Escouflaire
De auto heeft altijd al een speciale plaats ingenomen in de cinema van Abbas Kiarostami, één van de belangrijkste vernieuwers van de Iraanse cinema en van de recente cinema tout court (cfr. zijn pogingen om de complexiteit van de werkelijkheid te vatten). Ook het mobiele “huis clos” Ten speelt zich volledig af in een auto tijdens enkele ritten door Teheran. De minimale documentaire bestaat uit tien scènes die telkens gaan over een naamloze vrouw die de wagen bestuurt en de gesprekken die ze heeft met de verschillende mensen die ze meeneemt: haar zoon die het moeilijk heeft met haar recente scheiding, haar zus, een vriendin met liefdesverdriet, een oudere vrouw en een prostitué. Kiarostami bouwt zo een uitermate onthullend beeld op over de positie en de rol van de vrouw in Iran en het mysterie van de menselijke relaties. Daarbij is zijn werkwijze zo authentiek dat Ten eveneens een subtiele bespiegeling is over het begrip regisseur.
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Dans un Marseille rêvé, peuplé de gentils garçons nommés Bonheur et Dieu, et où les kakous de la plage n’ont que faire des jeunes filles en maillot de bain, Vénus et Fleur se rencontrent. Emmanuel Mouret continue de bâtir sa petite œuvre post-rohmérienne avec cette fable bavarde et loufoque sur l’amitié de deux jeunes rêveuses en quête d’amour. Ce badinage ensoleillé, porté par la naïveté assumée de son scénario, touche par la simplicité et l’évidence des sentiments qu’il met en jeu. Fleur, introvertie et mal à l’aise, se morfond silencieusement pour un beau randonneur nommé Bonheur tandis que Vénus, grande perche extravagante et sexy, drague ce dernier à coups de culottes traînant négligemment dans la maison. Emmanuel Mouret déploie sa narration simple avec un goût pour le doux-amer et un sens du rythme comique fort plaisant. Son Vénus et Fleur est un authentique conte d’été rendu mémorable par la finesse de ses deux comédiennes, Isabelle Pirès et Veroushka Knoge. Maladroites et touchantes, tour à tour joueuses et tristes, elles aident à porter le film au-delà du simple marivaudage pince-sans-rire pour en faire une œuvre légère et grave, une courte escale dans un beau voyage amoureux. Liam Engle, filmdeculte.com La qualité essentielle de la mise en scène est qu’elle trouve le rythme juste à chaque séquence. Où stopper le plan où l’un des prétendants fait des exercices de yoga, plan qui doit être assez long pour que ça devienne drôle, et assez court pour qu’on n’y insiste pas non plus ? Comment organiser la séquence où Vénus et Fleur essaient d’attirer l’attention des garçons en jouant au ballon sur la plage ? De fait, le cadre composé où le ballon vient mourir entre deux jeunes mâles interloqués produit un effet hilarant. Et coulent de source, tout au long du film, ces petites ellipses de montage, ce ciselage planifié qui nous fait marcher. Éric Derobert, Positif
Na Laissons Lucie faire! (2000) moest de Franse regisseur Emannuel Mouret vier jaar wachten voor hij Vénus et Fleur (2004) kon realiseren. Mouret, die duidelijk een zwak heeft voor Eric Rohmer, Sacha Guitry en Woody Allen, speelt vaak zelf de hoofdrol in zijn films (hij wordt wel eens ‘een kruising tussen Peter Sellers en Jean-Pierre Léaud’ genoemd). Niet in deze bitterzoete en onderhoudende fabel. Daarin schitteren (letterlijk en figuurlijk) Veroushka Knoge en Isabelle Pirès respectievelijk als Venus en Fleur. Venus, van Russische origine en met vurig temperament vindt in de timide Parisienne Fleur een zusterziel. En dan komt de liefde onder de vorm van Bohneur (Julien Imbert) in hun leven. Deze frisse zomerfilm – veelal geïmproviseerd – dankt zijn sprankel aan het enthousiasme van de jonge actrices en de cinematografie van Djibril Glissant.
Vénus et Fleur
Emmanuel Mouret Avec
Isabelle Pirès Veroushka Knoge Julien Imbert France 2004 80’
20 / 20
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Vive l’amour
Tsai Ming-Liang Ai qing wan sui Avec
Yang Kuei-Mei Chen Chao-Jung Lee Kang-Sheng Taïwan 1994 118’
20 / 20
Le plus important, dans le titre, est l’absence du point d’exclamation qui devrait le ponctuer. Le deuxième film de Tsai Ming-Liang n’a rien d’une proclamation hédoniste, sentimentale ou libertaire. Ce serait plutôt le contraire : un terrible constat de solitude, une mise en espace et en durée du vide, dont on cherchera du côté d’Antonioni la plus évidente référence. Vive l’amour est en apparence un ballet glacé, quasi mutique, à trois protagonistes, deux adolescents et une femme dont la jeunesse s’enfuit. Par hasard, l’un puis l’autre des garçons squatte l’un des appartements vides que fait visiter la femme. Le premier se cache du second, qui ignore sa présence. Une brève étreinte entre celui-ci et la femme, sous le regard de l’autre, n’aura pas de suite. À partir d’un dispositif minimal, Tsai Ming-Liang construit une architecture spatiale et temporelle d’une profondeur fascinante. D’abord les lieux, les volumes, tiennent une place centrale et dessinent les rimes entre l’appartement, les autres endroits à vendre de l’agence immobilière, les niches funéraires, la rue qui sert d’échoppe. Elles mettent en place le jeu entre l’intérieur commun aux trois protagonistes et leurs extérieurs différents, et qui pourtant finissent par se ressembler comme trois manifestations de la même impasse de vie. Organisant avec une science consommée les trajectoires des trois protagonistes et leurs points de rencontre, le film dessine un paysage matériel et mental aux terrifiantes perspectives. Celles d’une ville, d’un pays, d’un monde désenchanté de lui-même. La froideur de cette évocation n’est qu’en surface. Sous ces plages lisses et dans ces interstices, on perçoit le désir, omniprésent, qui surgit en éclats si brefs qu’ils semblent sans aucune durée, sans possibilité de s’inscrire dans le temps. Mais qui sont là. “Vive l’amour”, c’est bien ce que dit le film. Mais plutôt comme une plainte, une revendication mélancolique et butée, où perce une sourde ironie. Jean-Michel Frodon, Le Monde
We hebben hier een beetje te maken met een Loft (Erik Van Looy, 2008) situatie. Drie mensen delen samen een flat, alleen weten ze het niet van elkaar. May (Kuei-mei Yang) gebruikt het als liefdesnestje. Dan is er ook nog haar minnaar voor één nacht (Chao-jung Chen) en Hsiao-kang (Kang-sheng Lee), die de sleutel stal om zich in de flat terug te trekken. Ming-liang Tsai maakte met Ai qing wan sui (Vive l’amour) (1994) een ingetogen film over drie eenzame mensen en liefde in een onconventionele vorm (met een referentie naar Michelangelo Antonioni’s L’Avventure, 1960). Ming-liang Tsai houdt net als Aki Kaurismäki niet al teveel van dialoog en de eerste 25 minuten verlopen dan ook in stilte, wat de emotionele verdoving van de personages perfect ondersteunt. Hun isolatie en immobiliteit is in schril contrast met het zoemende Tapei buiten de appartementsmuren.
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Comme souvent chez Hong, il y a deux femmes qui n’en font qu’une. L’une dont un homme tombe amoureux et l’autre qui la remplace quand la première n’est pas ou plus là. Cet homme tente alors de métamorphoser cette deuxième femme pour qu’elle ressemble à la première, d’autant plus idéalisée qu’elle n’est plus là. Cette aventure est vécue avec âme et tripes et tourments par Kim Joong-rae, cinéaste célèbre dans son pays parti au bord de la mer terminer son scénario en compagnie de son assistant et de la petite amie de ce dernier, Moon-sook, jeune chanteuse et compositrice qui admire beaucoup l’œuvre de Kim. Que croyez-vous qu’il advint ? Il tombe amoureux de Moonsook, joue les coqs de basse-cour pour éliminer son rival, séduit la fille et couche avec elle. Elle s’en va. Pour se guérir de son absence, Joong-rae, resté seul, drague une autre fille, Sun-hee, en feignant d’être en train d’effectuer une enquête pour le film, la ramène dans sa chambre. Mais Moon-sook revient, aperçoit les deux amants… […] Le film délivre, par à-coups, de vraies douleurs : l’impossibilité d’agir autrement, d’être un autre, de ne pas tomber en permanence dans les mêmes fautes, de profiter de son statut de créateur, malgré soi. Et le cinéaste coréen de décrire au final ce que souhaite son héros : qu’on ne l’enferme pas dans des clichés, des mots, des qualificatifs trop faciles. Lâche, traître, sans cœur, infidèle, Joong-rae ? Peut-être, mais malgré lui. Et si on lui donnait une autre chance ? Le film se termine par un plan magnifique, plein d’espoir, très simple, qui donne pour cela des frissons dans le dos. Moon-sook, esseulée, veut rentrer à Séoul en voiture après sa mésaventure sentimentale. Elle s’ensable sur la plage. Deux jeunes hommes s’approchent, se proposent pour l’aider. Chose faite, la voilà repartie vers de nouvelles aventures… La vie continue. Jean-Baptiste Morain, Les Inrockuptibles
Woman on the Beach Hong Sang-soo Haebyuneui yeoin Avec
Kim Seung-woo Ko Hyun-joung Song Sun-mi Kim Tae-woo Corée du Sud 2007 127’
Oké, de knipoog in de titel naar Jean Renoirs in 1947 in Hollywood gedraaide noir is er maar voor de rest is het bitterzoete en stijlbewuste A Woman on the Beach van Hong Song-soo, dé Zuid-Koreaanse cineast van de melancholieke romantiek en het onverzadigbare liefdesverlangen, toch vooral een gesublimeerd portret van het onzekere gevoelsleven van een artiest. In dit geval: een filmregisseur uit Seoel die worstelt met het schrijven van een nieuw scenario en die in een verlaten badstad in een gecompliceerde dubbele driehoeksrelatie verwikkeld raakt. Song-soo’s elegante mix tussen melodrama en zedenkomedie ziet er bedrieglijk eenvoudig en vrijblijvend uit. Maar toch raak je moeiteloos ontroerd door de melancholische ondertoon en de ironie waarmee de relaties tussen de mensen en hun onvermogen om echt contact met elkaar te hebben zelfverzekerd geobserveerd worden.
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Le dernier film de Claudio Pazienza est une invitation à rendre hommage à la Cinémathèque royale de Belgique. Et Claudio Pazienza le fait à sa manière si particulière. Son cinéma joue sans cesse des techniques du collage, de la juxtaposition, du puzzle. Il tisse des trames philosophiques à partir d’éléments divers, hétéroclites, ouvrant des voies hasardeuses qu’il semble suivre avec la curiosité d’un enfant émerveillé. Aventureuse, sa démarche nous entraîne de jeux savants en rencontres inattendues là où précisément manquent les pièces de son puzzle, où des béances d’ombres nous attendent avec leurs résolutions improbables. Et là parfois, Claudio Pazienza fait naître des lumières étranges et fulgurantes qui sont pour nous autant d’éblouissements. Avec Archipels nitrate, il mélange extraits de films et documents d’archives, images de sa vie quotidienne […] et photos du travail de conservation et de restauration des films par la Cinémathèque. Matériaux composites qu’il organise suivant des pistes récurrentes : alchimie de la pellicule révélée, déplacement optique du monde vu de la fenêtre d’un train, mouvement de clôture où se dévoile une rencontre, mort et vie des images dans ce qu’elles ont d’animal, de brut, de premier. Et ce qui nous attache à le suivre dans ses pérégrinations existentielles tient dans la façon dont il met en partage la singularité de son regard. Cinéma de la subjectivité même, écriture organique d’une quête personnelle, Archipels nitrate, au-delà de la richesse de son foisonnement, de son désordre voulu, de sa parole poético-philosophique, réussit ce geste si périlleux de nous relier à cette aventure énorme et passionnante qu’est le cinéma devenu, par la singularité d’un film, lieu de questionnement et de bouleversement de nos vies et de notre présent.
Archipels Nitrate
Claudio Pazienza Belgique 2009 64’ +
court métrage : “Premiers mètres” de Pierre-Oscar Lévy France, 1984, 13’
Philippe Simon, Cinergie
séance exceptionnelle Jeudi - 6/08 - 19:10 En présence des réalisateurs Claudio Pazienza et Pierre-Oscar Lévy
Avec le soutien de
Het vernieuwde Koninklijke Belgische Filmmuseum heet voortaan Cinematek. Het moment voor de Brusselse documentaire essayist Claudio Pazienza om op zelfonderzoek uit te gaan – het filmmuseum was voor hem een soort filmschool – en een hommage te draaien aan die mythische plek voor cinefielen en het filmgeheugen aan de Brusselse Ravenstein. Met Matisses uitspraak ‘Je suis ce que j’ai vu’ als leidraad tast hij in het prachtige Archipels Nitrate zijn eigen cinefiel geheugen af. Geen typische bedevaart dus naar een magische plek of de schatten van het filmmuseum. Wel een heel persoonlijke en speels versplinterde collagefilm, samengesteld uit fragmenten van films die hem gemarkeerd hebben, in de vorm van licht filosofisch getinte visuele symfonie over het geheugen, filmconservering en de vergankelijkheid van het nitraatbeeld. Film als een soort huid van de tijd.
Docu
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L’Argent du charbon Wang Bing
France-Chine 2009 52’
Des lourds amas de pierres noires aux billets que l’on range dans sa poche, Wang Bing nous montre ici comment s’opère la transformation du charbon en argent. Sur le siège du passager, dans la cabine d’un camion, sa caméra filme la poussière qui tourbillonne. Ou bien le vent qui plaque les vêtements sur la peau des ouvriers et les empêche d’allumer leurs cigarettes. Ou encore les halos de lumière sur une route nocturne. Toujours à hauteur des hommes qu’il observe, Wang Bing filme au présent, sans distance. [...] Le projet est ici circonscrit à une question unique : comment, au terme de cette circulation, de main en main, d’un matériau qui impose visuellement toute sa matérialité, sa noirceur, sa poussière, aboutit-on finalement à cet élément purement conventionnel qu’est l’argent ? Par l’exemple du commerce du charbon, Wang Bing filme dans sa totalité une négociation, c’est-à-dire les rapports de forces humains qui entrent en jeu dans toute forme de commerce. On sent que la détermination de l’acheteur, le découragement du vendeur, les différents témoins qui font pencher d’un côté ou de l’autre la balance, sont autant d’éléments à prendre en compte dans cette formule chimique improbable qui permet de transformer le charbon en argent. Si l’horizon du film est bien d’atteindre cette transformation finale d’un bien en monnaie, le chemin compte peut-être davantage : la sueur des ouvriers qui cassent la pierre, les longs trajets sur les routes semées de policiers, les longues discussions où tous les revirements sont possibles. Au-delà de l’exemple singulier choisi par Wang Bing, c’est tout le système du commerce entre les hommes qui semble procéder d’une profonde désillusion. L’échange conclu au terme de ce très long trajet est en tous points, absolument dérisoire. Raphaëlle Pireyre et Arnaud Hée, Critikat
Avec le soutien de
Docu
Het zwarte goud. In zijn rush naar een nieuwe kapitalistische economie is en blijft steenkool een belangrijke energiebron voor China. In Coal Money volgt Wang Bing, regisseur van het monumentale en in China nog altijd verboden West of the Tracks, met zijn digitale camera de vrachtwagenchauffeurs die de zware trucs met steenkool van de mijnen in de provincie Shanxi naar de havenstad Tianjin in het noorden van het land transporteren. Bing heeft echter niet alleen aandacht voor hun harde en ongelooflijke werkomstandigheden en heel de sociale achtergrond waartegen dat gebeurt en de uitwassen die dat met zich meebrengt. Ook de rondedans van het geld in het China van het nieuwe liberalisme interesseert hem. Of om een cliché te gebruiken die past bij deze onthutsende en kritische analyse van een socio-politiek en economisch mechanisme: een zwarte nachtmerrie.
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En 1972, alors que la Chine était encore repliée sur elle-même, en proie à la Révolution culturelle, le cinéaste italien Michelangelo Antonioni avait été autorisé à passer cinq semaines dans le pays, pour tourner un documentaire. Le résultat déplut fortement à Mao et surtout à sa femme, Jiang Qing, alors toute-puissante. Une campagne virulente fut lancée contre le cinéaste, accusé des pires crimes antirévolutionnaires et surtout antichinois. […] Ce qui est étonnant avec le recul, ce sont les critiques émises contre Chung Kuo, le documentaire d’Antonioni. On lui reprocha d’avoir choisi de montrer de “vieilles choses” (la Révolution culturelle était en guerre contre les “vieilleries”), d’avoir filmé des enfants heureux de sortir de classe alors qu’il aurait fallu les montrer contents d’étudier, ou encore d’avoir fait un panoramique sur un pont qui pouvait suggérer qu’il était mal construit. Bref, d’avoir privilégié une esthétique d’artiste bourgeois au lieu de l’approche réaliste-socialiste en vigueur à l’époque. Des critiques qui peuvent paraître ridicules avec un recul de 35 ans, mais qui avaient toute la force que pouvait avoir alors Jiang Qing, qui était parvenue à imposer un seul opéra à tout un pays, dans lequel les ballerines portaient des fusils d’assaut ! […] Jiang Qing et sa “Bande des Quatre” avaient utilisé ces critiques contre le cinéaste pour affaiblir le fidèle Premier ministre de Mao, Tchou Enlaï, artisan de la timide ouverture de la Chine qui avait permis à Antonioni de commettre ses “crimes”… Il fallut attendre trois décennies pour que le film soit diffusé officiellement à Pékin, à l’Institut du cinéma. À la plus grande surprise du public chinois d’aujourd’hui, peu habitué à voir ces images d’une Chine embrigadée, qui a cédé la place à un contrôle bien plus subtil. Pierre Haski, Rue89
La Chine
Michelangelo Antonioni Chung Kuo Italie 1972 220’
Avec le soutien de
“Acteurs zijn als koeien: je leidt ze simpelweg door het hek”. Regisseur Michelangelo Antonioni scheen geen hoge pet van acteurs op te hebben. Misschien dat hij daarom in 1972 – tussen Zabriskie Point (1971) en Professione Reporter (1975) een documentaire maakte. Chung Kuo – Cina werd gefilmd in China, op uitnodiging van de Chineese overheid (die ook besliste waar mocht worden gefilmd – al slaagde de regisseur er af en toe toch in zijn eigen zin te doen). Een verblijf van acht weken, is niet lang. Het gaf Antonioni slechts de kans ‘een beeld van China te schetsen”. Toch was dat al voldoende om de Chinese overheid tegen zich in het harnas te jagen. De film werd in China verboden en was ook maar zelden te zien in de rest van de wereld. Een buitenkansje dus, ook omdat China in de jaren zeventig – in volle cuturele revolutie – nog een grote onbekende was.
Docu
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Models
Ulrich Seidl Avec
Viviane Bartsch Tanja Petrovsky Lisa Grossmann Elvyra Geyer Autriche 1999 118’
Docu
Voir un film de Seidl, c’est prendre ce train en marche – même parfois en pleine figure – celui d’un cinéma dur, sans concession, méchamment drôle, et pourtant authentiquement humain, mais fait d’un seul tenant, une seule rame, traversant l’Autriche de part en part en allant au bout de la voie. Là où ça ne fait pas que du bien. Dans Models, l’œil de Seidl, sa caméra, occupe littéralement la place du miroir. Là où les filles ne cessent de se regarder elles-mêmes, dans la logique du narcissisme froid et du jugement sans complaisance qui gouverne ce film, et tous ceux du cinéaste […]. Cette frontalité sans tabou, ce cadre acéré comme une fenêtre de guillotine, cette fixité scrutatrice, cette durée rigoureuse qui va sans cesse au-delà du temps normal du plan, donnent au regard de Seidl une distance où les personnages, à la fois, se montrent comme ce qu’ils sont, sans détour, et se révèlent dans leur misérable humanité, toujours. Seidl n’est pas un sadique, ce qu’il traque n’est pas la souffrance pour la souffrance, mais la meurtrissure qui mène à la vie révélée. Aucun mépris chez le cinéaste, mais un constat : il s’agit de filmer comment l’espèce humaine s’adapte de façon exceptionnelle et démoniaque à ce processus de déréliction vers le pire. Comment l’habitat, les habitudes, l’habillement, le sexe, les corps, les mœurs, se plient avec des trésors d’énergie et d’invention aux dévoiements contemporains d’une normalité endémique. Seidl l’avoue avec franchise : montrer l’état de bonheur ne l’intéresse pas, il n’est pas un “cinéaste de mariage”. Par contre, regarder la norme façonner nos comportements est son sujet. Et c’est cela qui choque, car “il se trouve que la réalité, dans la plupart des cas, est très dérangeante pour le spectateur”. Antoine de Baecque, Comme au Cinéma
Samen met Michael Haneke geldt Ulrich Seidl als een van de meest prominente maar ook meest controversiële Oostenrijkse regisseurs. Die reputatie heeft hij te danken aan even pessimistische als scherp sarcastische docuficties als Hundstage en Import Export, unieke kronieken over het verval van de moderne maatschappij. Models dateert van voor die periode. Het is een ongemeen ontluisterende blik op het leven van drie jonge modellen en de eerder ‘banale’ dingen waarmee ze dagelijks geconfronteerd worden in hun streven naar het perfecte lichaam (van borstimplantaties tot cosmetica). De cameralens mag voor de modellen dan nog een soort spiegel zijn: Seidl legt niet alleen scherp kritisch de harde realiteit van de modelindustrie en een milieu bloot waarin alles draait om geld en glamour, hij ontmaskert ook genadeloos de leugen of de illusie van de schoonheid.
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Un petit bijou. Terence Davies s’était fait connaître, il y a une vingtaine d’années, à travers des chroniques familiales à la fois nostalgiques et âpres, où il se remémorait son enfance et sa jeunesse (Distant Voices, Still Lives). On se souvient de l’image ressemblant aux vieilles photos, et des chansons populaires ou des morceaux de musique qui peuplaient sa bande-son. Il nous livre ici un film encore plus intime : un autoportrait, dont il lit lui-même le commentaire off, sur des plans de sa ville, Liverpool. Quelques images d’aujourd’hui convoquent celles d’hier et d’avant-hier. D’une part, l’austérité de l’après-guerre, les taudis, les visages d’enfants, les immeubles démolis. De l’autre, les films hollywoodiens, un mariage princier commenté avec une acerbe ironie, la guerre de Corée, une nouvelle station balnéaire où les gens en noir et blanc “débarquent en couleur”, l’éclosion des Beatles… L’humour est ravageur, la mélancolie poignante. Tandis que le rock’n’roll bat son plein, l’auteur a la révélation de Liszt, Brahms et Mahler. La quête du paradis perdu s’accompagne de Peggy Lee chantant la mélodie d’un vieux film de Mamoulian (“The Folks Who Live on the Hill” de Kern et Hammerstein). Le parcours personnel du cinéaste se dessine avec un mélange de douleur et de grâce ; la perte de la foi, la découverte de l’homosexualité, le regard sur le monde qui s’affirme et s’affûte : le film parle ici de sa propre genèse. La voix douce, presque murmurée, de Terence Davies rêve sur de banales mais prodigieuses images d’archives, et cite T.S. Eliot pour tirer sa révérence. Un régal ! Yann Tobin, Positif
Of Time and the City Terence Davies Royaume-Uni 2008 77’
Avec le soutien de
Er prijkt slecht één stad op de ‘harde schijf’ van de Britse cineast Terence Davies: Liverpool. In zijn documentaire essay Of Time and the City brengt hij opnieuw een erg persoonlijk portret van zijn geboortestad waar hij als kind uit een arbeidersgezin van tien in de jaren vijftig in opgroeide en dat hij al onvergetelijk evoceerde in fictiefilms als Distant Voices, Still Lives en The Long Day Closes. Davies mengt in deze meeslepende elegische citytrip ‘down memory lane’ prachtig archiefmateriaal met nieuw opgenomen beelden. Het resultaat is een zowel poëtische evocatie als een enthousiaste geestige commentaar – via literatuur (van TS Eliot tot James Joyce) en muziek (van Mahler tot The Hollies) – waarin Davies ook pijnlijke reflecties verwerkt over zijn jeugd, zijn seksualiteit, zijn strijd tegen het katholieke geloof en de veranderingen die de stad van de Merseybeat heeft ondergaan.
Docu
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s t n a f n e s e L d r o b a ’ d
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Un chat marionnette qui joue à animer des objets qu’il dessine, fabrique et coud, avec application : la mise en abyme est sans cesse présente dans Le Petit Chat curieux, qui initialement, fut une commande passée au cinéaste Tsuneo Goda. “À l’origine, Le Petit Chat curieux était un événement visant à présenter la technique du stop-motion ou image par image lors d’une exposition en 2003 au sein du Tokyo Metropolitan Museum”, explique le réalisateur. On voit la marionnette de chat fabriquer ses personnages, dessiner les décors, prendre soigneusement ses images une par une, puis offrir à la projection le résultat de son travail. Si André Bazin parlait de “la petite robe sans couture de la réalité”, Goda prend le parti de faire un cinéma aux coutures apparentes : Komaneko dévoile les coulisses du film en train de se faire, et montre les coutures réelles de personnages faits de bric et de broc, qui enlèvent leurs masques ou prennent vie de façon inattendue. […] Le petit chat s’illustre dans tous les genres, du fantastique lorsqu’il filme un fantôme, au documentaire animalier lorsqu’il parcourt une campagne en deux dimensions, pour y traquer des images de gros chat ou de poussins. Son appareil de prise de vue se fait même caméra de surveillance guettant un monstre effrayant à l’orée du bois. Tantôt nous voyons le résultat de ce qu’a filmé le chat, tantôt nous n’en voyons que le tournage. Ainsi, constitué en différentes histoires indépendantes, le film conserve pourtant une unité de thème très forte. Il faut aller voir Komaneko, parce qu’il est rare de voir des mouvements si bien animés, une lumière du soir si travaillée. Il faut y emmener les enfants que l’on connaît, parce que l’enthousiasme de Tsuneo Goda est absolument communicatif, lui qui prend le cinéma pour un joyeux bricolage. Raphaëlle Pireyre, Critikat
Le Petit Chat curieux Tsuneo Goda Komaneko Japon 2006 60’ à partir de 3 ans
Le film est précédé d’une animation “conte” d’une durée de 10 min. présentée par Roxane Ca’zorzi
In Japan is Komaneko – letterlijk te vertalen als ‘beeldkat’ - even populair als pakweg Wallace & Gromit in Engeland of Kuifje bij ons. Bovendien is deze episodische reeks van kinderboekenauteur en illustrator Tsuneo Goda ook een tikje cinefiel of filmambachtelijk. Het gelijknamige hoofdpersonage is immers een sympathieke bruine kat met witte snoet die passioneel bezeten is door de cinema. Ze droomt er van om haar eigen film in stop motion-animatie in haar zolderkamertje op te nemen met haar eigen 8mm-camera. En dus klutst ze ijverig haar storyboard, decors en favoriete stoffen poppetjes in elkaar. Deze schattige en weerzinwekkend lieve compilatiefilm, opgebouwd uit vijf verschillende afleveringen van samen nauwelijks een uur, is de perfecte abc of introductie voor de allerkleinsten tot de coda ‘hoe maak ik een film.’ Actie! Miauw! Cut!
Enfants
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La Ruée vers l’or
Charles Chaplin
The Gold Rush Avec
Charles Chaplin Mack Swain Tom Murray États-Unis 1926
La Ruée vers l’or illustre au mieux l’idée de Chaplin selon laquelle tragédie et comédie vont de pair. À tous points de vue il s’agit de la production la plus complexe de sa carrière. Pendant deux semaines, l’équipe tourna en extérieurs dans les paysages enneigés de Truckee, dans la Sierra Nevada. Chaplin y avait minutieusement reconstitué le décor où les prospecteurs luttaient farouchement pour franchir la Chilikoot Pass. Six cents figurants, souvent recrutés parmi les vagabonds et les marginaux de Sacramento, y furent acheminés en train et grimpèrent 800 m jusqu’à un col creusé dans la neige de la montagne. Puis l’équipe redescendit à Hollywood pour le tournage principal en studio. Avec du bois, du grillage, de la toile, du sel, de la farine et du plâtre, on fabriqua des montagnes miniatures très convaincantes, ainsi que des maquettes magnifiques pour les effets spéciaux, comme la cabane de mineur que la tempête fait glisser au bord du précipice. À l’écran, il est pratiquement impossible de déceler le passage de la maquette au décor en taille réelle. La Ruée vers l’or abonde en scènes devenues classiques. Les horreurs et les privations endurées par les pionniers du XIXe siècle ont inspiré la séquence où Charlot et Big Jim meurent de faim, bloqués par la neige. Charlot fait cuire son godillot avec des mimiques de gourmet. Aux yeux de son compagnon en proie à des hallucinations, il se transforme en un poulet bon pour le four : triomphe à la fois pour les opérateurs responsables des truquages exclusivement optiques, et pour Chaplin qui assume la morphologie du volatile. Le chercheur d’or solitaire rêvant qu’il invite à dîner à New York la belle entraîneuse donne lieu au un autre sommet chaplinesque : la danse des petits pains. Le gag avait déjà été exploité dans d’autres films, mais Chaplin donne une personnalité inimitable à ces jambes constituées d’une fourchette et d’un pain. David Robinson, 1001 films
72’
Enfants
Een ‘golden oldie’ van Sir Charles Chaplin die bijna één eeuw later nog steeds schittert. Samen met City Lights (1931) wordt The Gold Rush (1925) vaak één van de hoogtepunten uit Chaplins rijke carrière genoemd. Het verhaal is eenvoudig: zwerver Charlie gaat in Alaska op zoek naar goud, wordt verliefd en werkt zich ongelooflijk in nesten. Zou de korte inhoud van menige Chaplinfilm kunnen zijn, maar het blijft onvoorstelbaar hoe Chaplin een eenvoudig gegeven telkens opnieuw origineel en komisch weet in te vullen. The Gold Rush staat stijf van de komische hoogtepunten: ‘oude schoen op het menu’ en dansende broodjes’ zijn ondertussen overbekend, maar blijven even grappig en charmant als altijd. Charlie Chaplin was in die tijd ook nog genereus genoeg om zijn tegenspelers – Mack Swain als Big Jim McKay bijvoorbeeld – de kans te gunnen bijna zo grappig te zijn als de meester. Bijna.
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Imaginez un croisement de tortue et de grenouille avec une démarche de manchot et une coiffure façon serpillière. Vous obtiendrez le héros pas vraiment joli mais terriblement attachant d’Un été avec Coo. Cette créature est un kappa, un esprit de l’eau, qui rejoint, dans le bestiaire du cinéma d’animation japonais, le chat-nounours de Mon voisin Totoro et les ratons laveurs de Pompoko. […] À l’instar des films de Hayao Miyazaki, Un été avec Coo est une fable écologiste qui rappelle que l’humanité s’est coupée de la nature au point d’en devenir son ennemie. Le kappa qui, autrefois, a vécu en harmonie avec les hommes, est devenu pour eux un extraterrestre (la scène où Coo est conduit en vélo par Koichi cite E.T.). Avec une vraie audace dans le cadre d’un film pour enfants (à partir de sept ans), Hara fait de la télévision le symbole de la violence humaine : le harcèlement médiatique, l’obsession de la célébrité sont aussi menaçants pour Coo que le fut le sabre des samouraïs pour ses ancêtres trois siècles plus tôt. Sous ses allures de divertissement kawaï (“mignon”), Un été avec Coo laisse ainsi percer des moments d’angoisse mais jamais au détriment de l’émotion. Difficile de retenir ses larmes – même quand on n’a plus sept ans – lorsque Coo fait ses adieux à la famille qui l’avait recueilli.
Un été avec Coo
Keiichi Hara Kappa no coo to natsu-yasumi Japon
Samuel Douhaire, Télérama
2007 136’ à partir de 7 ans
Hoe futuristisch of fantastisch realistisch een anime ook mag zijn, de Japanse tekenfilm heeft vaak een onderliggende ecologische of milieubewuste boodschap al of niet verbonden aan lokale mythen, folklore of legenden. In het onlangs nog op het Brusselse Animafestival met de publieksprijs voor de beste langspeelfilm bekroonde Summer Days with Coo is dat niet anders. Deze ‘waterfabel’ van Keiichi Hara focust op de magische avonturen en vriendschap van een scholiertje uit Tokio met een kappa, een zeldzame groene watergeest uit de Japanse middeleeuwen die hij in een fossiel gevonden heeft. Het humane en licht idyllische initiatiesprookje dat Hara er in een heel genuanceerde naturalistische tekenstijl uit distilleert, bevat een kritische kijk op de rol van de massamedia en de nooit boodschapperige moraal is er een van meer respect voor mens, dier en natuur.
Enfants
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Poursuivant la voie ouverte en 2004 par son court métrage Les Parallèles, Nicolas Saada inscrit le romanesque au cœur du quotidien : des personnages ordinaires, en butte à une forme de désenchantement voire de résignation, se retrouvent propulsés malgré eux dans une affaire d’espionnage international qui les dépasse. Ni James Bond ni Jason Bourne, Vincent est un jeune rebelle sans cause qui, malgré ses diplômes, se contente de végéter à l’aide de ses magouilles minables de bagagiste indélicat. Jusqu’au larcin de trop qui coûte la vie à son collègue et le contraint à travailler à Londres pour les services secrets français. C’est là, au fil des péripéties, que se révèlent peu à peu son courage, sa détermination et sa capacité à aimer. […] Chargé de séduire Claire pour mieux espionner son mari, homme d’affaires véreux lié à la diplomatie syrienne dans un trafic d’explosifs, Vincent s’éprend réellement de la jeune femme. Ce principe de l’action comme révélateur peut se voir comme une mise en abyme de la démarche du cinéaste, qui, en s’abritant derrière les codes de cinéma de genre, affirme ses talents de conteur et ses ambitions stylistiques. Pour Nicolas Saada, c’est faire œuvre personnelle qu’inscrire son premier long métrage dans un cinéma de genre qu’il a défendu comme critique. Jusqu’à l’utilisation des citations des maîtres (la femme au portrait de Vertigo), le plaisir du spectateur de se retrouver en terrain connu passe par le brouillage des repères. L’attention portée aux seconds rôles ainsi que le choix de délocaliser l’intrigue à Londres contribuent à créer du relief, mais c’est dans le travail sur l’espace et sur la durée que Saada remporte son pari. Celui de réinventer le classicisme d’antan à l’aune d’une mise en scène contemporaine. Comme y étaient parvenus avant lui les meilleurs auteurs du nouvel Hollywood. Philippe Rouyer, Positif
De Franse regisseur Nicolas Saada, ex-criticus van ‘Cahiers du Cinéma’ en lange tijd fictieverantwoordelijke bij ARTE, kent zijn klassiekers. De knipogen in zijn regiedebuut Espion(s) naar Hitchcock en Preminger of samenzweringsthrillers uit de jaren 70 als Three Days of The Condor zijn prominent en toch heeft hij er een sfeervolle internationale spionagethriller van gemaakt mét eigen stempel. Londen is de voornaamste setting van dit melancholische en sensuele detectiveverhaal waarin bagage-inspecteur Guillaume Canet op missie gestuurd wordt om een Britse zakenman te schaduwen die connecties heeft met de Syrische geheime dienst. Saada combineert dat onderzoek met een liefdesverhaal waardoor het accent meer op de romantische beslommeringen ligt in plaats van op de actie. Die combinatie staat nog altijd borg voor een intense en visueel elegante genrefilm over paranoia met een beklemmende sfeer en suspense.
Espions(s)
Nicolas Saada Avec
Guillaume Canet Géraldine Pailhas Stephen Rea Hippolyte Girardot France-Royaume-Uni 2008 99’
Reprises
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La Fille du RER
André Téchiné Avec
Émilie Dequenne Catherine Deneuve Michel Blanc Mathieu Demy France
On se souvient de ce fait divers surréaliste qui transperça la torpeur d’un été national : une jeune femme assurait avoir été victime d’une agression antisémite d’une violence inouïe dans un RER, c’est-à-dire à la vue de tous. La machine s’emballa, comme on dit, et sans même se préoccuper de la véracité des faits, chacun entonna son couplet horrifié, avant que soit établi qu’il ne s’agissait que d’un mensonge. […] De ce fait divers incroyable, André Téchiné a tiré un film. Tiré, c’est bien le mot : Téchiné ne traite pas de cette histoire comme le ferait un documentaire ou un film-dossier, il la pose au milieu du métrage, comme une coupure entre les deux parties du film : 1. Les circonstances, 2. Les conséquences. Posé ainsi, comme un levier, un point de bascule, “l’affaire du RER D” prend un statut étrange. Durant 50 minutes, Téchiné raconte l’histoire presque banale d’une fille parmi d’autres et en parallèle l’histoire d’une famille juive, menée par un homme (Blanc) qui fut autrefois le prétendant de la mère de la fille du RER (Deneuve). Une fois sifflée la mi-temps (le mensonge et sa préparation), et noués les deux fils narratifs (les retrouvailles entre Deneuve et Blanc), Téchiné ne déplie pas “l’affaire” mais la maintient dans une sorte d’état gazeux, comme un mauvais rêve. […] Manière de dire quelque chose sur l’ici et maintenant en enjambant le fait divers, par nature spectaculaire et signe avant tout de lui-même, pour capter un fluide, mettre ensemble ce qui est séparé, aller au bout de son propos en n’ayant l’air que de butiner ici et là. Ainsi le film exprime une certaine globalité, en même temps qu’il est pointu sur un sujet précis. En cela, par ces moyens détournés, Téchiné a réussi aussi l’exercice pratique de film politique que cette affaire promettait. Jean-Philippe Tessé, Chronicart
2009 102’
Reprises
Een faits divers uit 2004 dat in Frankrijk voor nog al wat opschudding zorgde ligt aan de basis van La fille du RER, de nieuwe uitstekende kroniek van André Téchiné opgevat als een soort onderzoek of in vraagstelling van de huidige Franse maatschappij. Waar draaide het voorval om? Een jonge vrouw beweerde dat ze het slachtoffer was geweest van antisemitisch geweld door een groep jonge allochtonen. Later bleek evenwel dat ze het verhaal compleet verzonnen had. Je zou je aan een klassiek portret van een mediageile mythomane (een buitengewone Emilie Duquenne) kunnen verwachten, maar dat interesseert Téchiné niet. Zijn fictieve en gesublimeerde bewerking wil ons juist doen laten nadenken over de rol van de media, de politieke recuperatie, het burgerlijke angstklimaat, het racisme en de malaise bij een nieuwe generatie van jongeren die het moeilijk heeft om zich te integreren.
87
Quand Bruno Dumont, président (2008) du jury de la Caméra d’or, a décerné le prix à Hunger, il a salué la “naissance d’un grand cinéaste”. Grande figure de l’art contemporain, McQueen, pour son premier long métrage, revient sur l’une des pages les plus sombres de l’histoire d’Angleterre : la détention de membres de l’IRA dans la prison de Maze en 1981. Cet épisode de triste mémoire est connu comme le “Blanket and No-Wash Protest” : les prisonniers vivaient nus, enroulés dans des couvertures, refusant de porter l’uniforme de la prison. Ils refusaient également de se laver. Là est le plus intéressant du film qui fait du corps, selon McQueen, “un champ de bataille politique”, l’ultime instrument de la contestation. Hunger est construit en trois parties distinctes. La première décrit les conditions d’incarcération. Le cinéaste voulait donner l’impression qu’on entre dans cet espace comme on s’oriente à tâtons dans une pièce obscure. La découverte de la cellule aux murs repeints de merde est aussi éprouvante qu’éloquente. On y suit le destin de Bobby Sands, leader dont la force morale ne laisse pas d’impressionner. Le film est coupé par un long plan-séquence où les dialogues (brillants) abondent, mettant face à face Bobby Sands et le père Dominic Moran. La dernière partie relate la grève de la faim de Sands, à laquelle il succombe devant nos yeux cernés de douleur. Au bout de la faim, chaque geste devient définitif, épuré par la souffrance. Si l’on peut avoir quelques réserves sur sa fascination doloriste, il n’en demeure pas moins que Hunger nous laisse seuls, aux prises avec notre propre faim de vivre. Évitant tout manichéisme démagogique, McQueen ne filme que le péril d’un corps humain : le péril de l’humanité même. Frank Garbarz, Positif
Videokunstenaars die teruggrijpen naar het medium film: het gebeurt nog veel te weinig. In het ongelooflijk beknellende Hunger – vorig jaar in Cannes goed voor de Caméra d’Or – focust de Britse beeldende kunstenaar Steve Mc Queen ongemeen grimmig op de hongerstaking onder de leiding van Bobby Sands van IRA-leden in 1981 in de Maze-gevangenis in Belfast. Leg deze verbluffende en soms brutaal schokkende studie over politiek verzet, leven en dood achter de tralies langs eender welk gevangenisdrama en het valt op hoe origineel dit door een buitengewone bravourevertolking van Michael Fassbender gedragen martelaarsportret wel is. Mc Queen observeert alles in een klinisch afstandelijke stijl maar door de poëtische toon en de sluipende kracht waarmee hij zijn verhaal vertelt, wordt het mentale en fysieke aftakelingsproces van Sand een verschrikkelijk enge en intens aangrijpende filmervaring.
Hunger
Steve McQueen Avec
Michael Fassbender Liam Cunningham Stuart Graham Royaume-Uni 2008 96’
Reprises
88
Milk
Gus Van Sant
Avec
Sean Penn Emile Hirsch Josh Brolin James Franco États-Unis 2008 126’
Reprises
Aujourd’hui, Milk est un film de retour et de reconquête : retour à Hollywood, reconquête du public… Mais ce retour à la visibilité va de pair avec un autre come-back : celui du Parti démocrate à la tête de l’Amérique. Milk est sorti en salle aux États-Unis le 26 novembre 2008, soit trois semaines après l’élection de Barack Obama. Dans sa combativité, son idéalisme tenace, sa ferveur à penser la possibilité d’une réforme profonde de tous les conservatismes fomentés par la peur, le film est le contemporain de l’espoir qui s’est levé aux États-Unis durant les présidentielles 2008 (pendant lesquelles Milk a été tourné). Et l’adhésion que le film suscite participe d’un contexte global de reprise de confiance de l’Amérique démocrate et progressiste. Plus encore qu’un film politique, Milk est donc une œuvre d’intervention, prenant toute sa signification dans le contexte particulier de l’Amérique où elle voit le jour. Il y a là une dimension clairement hagiographique, qui pose la figure de Milk d’abord en héraut puis en martyr de la communauté homosexuelle aux prémices de sa propre prise en charge militante. Mais la beauté du film tient aussi dans l’esquisse de directions contraires, plus souterraines, à ce mouvement général. En cela, le film partage avec les œuvres les plus publiques, les plus hollywoodiennes de l’auteur une certaine ambiguïté, quelque chose d’indécidable dans le regard qui va presque toujours dans le sens inverse du scénario, y creuse des zones d’ombre et d’incertitude. Parce qu’avec ce film, le cinéaste se réinvente encore une fois, investit un terrain (le drame social et politique) qui lui était étranger, Milk est une nouvelle étape passionnante dans le parcours toujours surprenant de Gus Van Sant. Jean-Marc Lalanne, Les Inrockuptibles
Met Milk, een ingetogen biopic over het leven van de homorechtenactivist en politicus Harvey Milk, komt Gus Van Sant voor het eerst uitgesproken politiek uit de hoek. Deze biografie over de eerste openlijk homoseksuele wethouder van de VS die samen met burgemeester George Moscone in 1978 in San Francisco doodgeschoten werd, past echter ook mooi in zijn recente reeks films – van Elephant en Last Days tot Paranoid Park – over de identiteitspolitiek van jongeren. Heel de sterke ensemblecast acteert op een hoog niveau, maar het is Sean Penn die charmeert met zijn enorme glimlach en verfijnde lichaamstaal. Van Sant is bovendien slim genoeg om dit portret over martelaar Milk open te trekken tot een vibrerende milieuschets over de homobeweging in de jaren 70. Die werd toen vijandig onthaald door de blanke middenklasse. Gezien de recente reacties in de VS op het politieke homobeleid is Milk daardoor ook nog altijd verschrikkelijk actueel.
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Anéanti par une rupture amoureuse, éteint par l’affection inquiète de ses parents, Leonard se voit promis à deux avenirs contraires : épouser la femme que sa famille lui désigne, ou séduire la voisine dont il est passionnément épris. Dans ce ballet heurté, les corps sont toujours à la recherche d’une solitude qu’au fond ils maudissent, car, n’étant que l’effet d’un monde qui presse physiquement et mentalement aux frontières de l’intériorité, cet isolement n’est qu’abandon. La grande force de James Gray tient ici dans la manière dont sa mise en scène rend palpable la résignation à laquelle l’individu est conduit comme à sa seule demeure, cet appel à être ce qu’on ne veut pas être, mais qui est la seule forme de soi. Dès lors, un film d’amour est, dans ce cadre, tout sauf une aberration. Si le rapport aux autres n’est possible qu’adossé à une solitude chérie malgré soi, c’est bien dans les liens amoureux que cette contradiction entre attraction et repli apparaît le plus nettement. Les films qui traitent avec une telle rigueur de l’hésitation amoureuse, de l’emballement et de l’impuissance affectifs sont rares : ni torsion scénaristique vers une harmonie préétablie des sentiments, ni complaisance dans le spectacle du malheur, ni complicité avec la poésie filandreuse de la romance. Two Lovers est l’histoire d’un amour, filmée comme un drame existentiel et une crise identitaire au sein des coordonnées humaines les plus ordinaires, un récit dont la fluidité reprend les méandres douloureux de la déception, et dont la mise en scène parvient à ménager, par un remarquable sens de la tension et de la distance mélancolique, l’irruption du plus grand lyrisme à l’intérieur même de l’immédiat. Franck Kausch, Positif
Two Lovers James Gray Avec
Joaquin Phoenix Gwyneth Paltrow Vinessa Shaw Isabella Rossellini États-Unis 2008 110’
Fans van Joaquin Phoenix kunnen dit driehoeksdrama maar beter koesteren want als de Amerikaanse acteur zijn belofte houdt, is Two Lovers zijn laatste film (Phoenix wil zich gaan toeleggen op een zangcarrière). Ook zonder dat nieuws blijft deze eerste uitstap in het romantische genre van de in donkere misdaadkronieken gespecialiseerde James Gray (Little Odessa, The Yards en We Own The Night) een heel genuanceerde en sierlijk in beeld gebrachte liefdesfilm annex introspectief familiesaga. Phoenix is hartstikke aangrijpend als Leonard, een getroebleerde jongeman uit een grijs Brooklyn die verliefd is op zijn nieuw buurmeisje (Gwyneth Paltrow) maar die door zijn moeder (Isabella Rossellini) in de armen van een lief joods meisje (Vanessa Shaw) wordt geduwd. Gray toont veel ingetogen affiniteit voor het romantische genre maar het is vooral te danken aan de voortreffelijke vertolkingen dat je meegesleept wordt door deze liefdesmalaise.
Reprises
Nous tenons à remercier tout particulièrement L.T.I (et son transporteur Jean-Marie !) pour sa très longue fidélité et son soutien inconditionnel à nos activités.
91
La ville merveilleuse du titre est située près du bord de mer, dans le sud de la Thaïlande. “Merveilleuse”, c’est exactement cela, et aussi tout le contraire. De prime abord, une brise légère, un soleil tamisé, un calme radieux qui disent la douceur de vivre et invitent à une sieste permanente. Plus secrètement, un lieu traumatisé par le passage du tsunami de 2004, un monde d’orphelins, de veufs, d’esseulés. Au travers des cocotiers de Takua Pa, on assiste à la rencontre d’une jeune hôtelière et d’un architecte non moins jeune, tout juste arrivé de Bangkok pour superviser la reconstruction d’un hôtel sur la plage. La première moitié de Wonderful Town est d’autant plus émouvante qu’elle semble rendre tendrement hommage au meilleur du cinéma asiatique de ces dix dernières années. Au programme de ce “medley” : des effluves du Tsai Ming-Liang d’antan, des réminiscences languides de Wong Kar-Wai et, bien sûr, des échos de la révélation thaïlandaise Apichatpong Weerasethakul (Blissfully Yours), chantre de la sensualité mélancolique au grand air. […] Ce trait subtilement romanesque est le reflet d’une remarquable unité harmonique, maintenue d’un bout à l’autre du film. En effet, le mouvement du récit ne consiste pas à dépasser classiquement une apparence de quiétude pour dévoiler un enfer. […] Ainsi le virage au noir du scénario qui, ailleurs, pourrait relever du forcing, est-il négocié avec la même calme évidence que le reste. Les catastrophes, qu’elles soient naturelles ou humaines, sèment de nouveaux germes de barbarie. L’Histoire est aussi injuste dans ses pics d’intensité que dans leurs suites en sourdine... Aussi suave soitelle, cette chronique post-apocalyptique ne comporte aucun angélisme. Aucun défaitisme non plus... Un jour ou l’autre, la “wonderful town” sera à nouveau merveilleuse, sans antiphrase ni arrière-pensée. Louis Guichard, Télérama
Het Takua Pu-district aan de toeristische zuidkust van Thailand behoort tot de regio’s die in december 2004 getroffen werden door de tsunami. Net in dit desolate rampgebied situeert de Bangkokse cineast Aditya Assarat zijn meermaals bekroonde debuut Wonderful Town: een mooi liefdesdrama dat betovert dankzij de serene sfeer van droefheid. De op digitale video opgenomen film volgt de eerste aarzelende contacten en de ontluikende liefdesrelatie tussen een architect en een hoteleigenares in een verlaten kuststadje met spookachtige ruïnes dat moeizaam uit zijn trauma ontwaakt. Onverhoeds wordt er ook een Tsai Ming-Liangachtige observatie over jeugdig geweld geïntroduceerd, waardoor er een vreemd ongemak binnensijpelt in deze harmonieuze elegie over liefde, eenzaamheid en dood vol elegant gecomponeerde beelden in een verzacht kleurenpalet. Of het filmische equivalent van een verstilde popsong, bedekt met een delicate waas van treurigheid.
Wonderful Town
Aditya Assarat Avec
Anchalee Saisoontorn Supphasit Kansen Thaïlande 2007 92’
Reprises
Pr
s n o i t a g n o l o 09
93
C’est un film simple, une tranche de vie modeste, une histoire banale, l’évocation d’émotions cachées. Claire Denis dépeint le moment où les deux vieux complices d’un couple vont devoir se séparer. Lionel est conducteur de RER. Il a son propre destin sur les rails. Le soir, quand il rentre du boulot, (sa fille) Joséphine lui amène ses chaussons. Il file prendre une douche, puis la rejoint à la cuisine où elle a préparé le dîner. […] Claire Denis a un secret : elle sait filmer avec une troublante évidence, une effusion fluide, ces instants furtifs où tout vacille, ces danses qui irradient de solitude, ces mains tendues dans le vide, ces corps qui incarnent un désir, un mal, une musique ou une transgression. Filmer sans transcendance ni compassion, au-delà du moindre dialogue, juste comme ça, poétiquement, par le rapport plastique qu’elle entretient avec l’image, avec l’étrangeté, avec la contemplation, avec une forme d’innocence presque documentaire. Ce type de narration qui fuit l’exotisme a quelque chose à voir avec le cinéma asiatique qu’elle admire – le Coréen Hong Sang-soo, par exemple, ou le Taïwanais Hou Hsiao-Hsien, et surtout le Japonais Yasujiro Ozu. […] Cet hommage à Ozu se conjugue autant sur des détails que sur le scénario. En dépit d’une virée en bagnole à Lübeck, en Allemagne, pour se rendre sur la tombe de la mère défunte et rendre visite à une tante interprétée par Ingrid Caven, le film rappelle l’omniprésence des trains et le goût des scènes de repas. D’ailleurs, Claire Denis – symptôme des cinéastes authentiques – sait donner un fort impact dramatique à un objet inanimé, en l’occurrence un autocuiseur à riz. Et le souvenir des enivrés du Goût du saké attablés au comptoir de leur bar favori accompagne la scène de l’enivrement symbolique aux 35 rhums, à l’annonce d’un mariage. L’apprentissage de la solitude est à entamer cul sec. Jean-Luc Douin, Le Monde
Trouble Every Day, Beau Travail, Vendredi Soir, Nénette et Boni: als geen ander weet Claire Denis, een Franse cineaste met Afrikaanse ‘roots’, op een heel tactiele en sensuele manier haar acteurs te filmen, terwijl ze ook een apart oog heeft voor de nooit uitgesproken droefheid van haar personages. De cinema van Ozu en Denis’ visie op de relatie tussen haar Braziliaanse grootvader en moeder lagen aan de basis van 35 Rhums, een introspectieve en visueel impressionistisch opgebouwde schets van de relatie tussen een weduwnaar en zijn volwassen dochter uit de Caribische gemeenschap van de Parijse banlieu die langzaam tot het besef komen dat ieder beter zijn eigen leven apart gaat leiden. Hun relatie wordt door Denis poëtisch-intimistisch en met veel aandacht voor kleine, sfeerversterkende details in beeld gebracht. De weemoedige score is opnieuw van Stuart A. Staples, de frontzanger van Tindersticks.
35 Rhums Claire Denis Avec
Alex Descas Mati Diop Grégoire Colin Nicola Dogué France-Allemagne 2008 100’
Prolongé
94
Afterschool Antonio Campos Avec
Ezra Miller Emory Cohen Jeremy Allen White États-Unis 2008 105’
Prolongé
Robert est un petit jeune de bonne famille dans un collège chic. Bien lavé, bien peigné, bien élevé. Son sport favori consiste à surfer. Sur Internet ou au hasard de n’importe quel YouTube, défilent à égalité de consistance dramatique : un bébé qui se mange un coin de table, un chat qui joue du piano, la pendaison de Saddam Hussein, un gamin qui se ramasse en vélo, du massacre non identifié, deux filles qui se tabassent, la main d’un homme qui mime (ou pas ?) une strangulation sur une jeune fille. Le torrent habituel, qui transforme tout en boue d’insignifiance. Cet effet Second Life contamine non seulement la vie de Robert, mais le film lui-même, qui brasse plusieurs régimes d’images : vidéo, webcam, haute définition, bas de gamme, sur petit format d’ordinateur ou sur grand écran de cinéma. […] On voit l’idée, pas du tout théorique car incarnée : tout écran fait écran, toute caméra est une caméra de surveillance. Dans le rôle du retour au réel, la mort de deux écolières, sœurs jumelles ayant forcé la dose d’un cocktail de narcotiques. Par hasard, Robert a filmé la scène. En hésitant à intervenir, tant le bras de fer est en suspense entre le live et la vie. C’est le retour du “vu à la télé” comme certificat d’authenticité, mais étendu ici à la bien nommée “Toile mondiale”. Tel un lointain descendant du photographe de Blow-Up, Robert se demande s’il a bien vu ce qu’il a regardé et, si tant est qu’un mystère soit caché dans sa captation de la mort, saura-t-il jamais le retrouver ? […] Et le film se refermera comme il s’est ouvert, par une énigme. Dans les inframondes du tout-image, quelque chose, incessamment, nous surveille. C’est la morale frigorifique de ce film de glace. Big Brother plus que jamais nous regarde. Mais Big Brother, c’est nous, ou Robert, petit frère malade. Gérard Lefort, Libération
De in prachtige widescreenbeelden opgenomen Amerikaanse indie Afterschool speelt zich grotendeels af binnen de geïsoleerde omgeving van een elitekostschool in New England. Maar dit hypnotiserende debuut van de New Yorker Antonio Campos – een fan van het werk van Bruno Dumont en Michael Haneke - is meer dan een milieuschets of een subtiel geobserveerd portret van de emotionele leefwereld van adolescenten. Het is ook een indringende reflectie over de impact van nieuwe digitale media als video en het internet op de YouTube-generatie. De als een tienertragedie verpakte sociale kritiek volgt in een reeks formeel heel beheerste scènes een nogal introverte 16-jarige student die toevallig de dood door overdosis van twee studenten op video vastlegt. Om vervolgens met veel verontrustende precisie en lichte provocatie te focussen op het contrast tussen het rouwproces op school en Roberts eigen futiele zoektocht naar troost.
LE FESTIVAL /
HET FESTIVAL /
DU 01 JUILLET / AU 28 AOÛT /
VAN 01 JULI / TOT 28 AUGUSTUS /
ÉGLISE DES MINIMES & CONSERVATOIRE /
MINIEMENKERK & CONSERVATORIUM /
12:15’ À/
VINGT-TROISIÈME ÉDITION /
DRIEËNTWINTIGSTE EDITIE /
ÉTÉ /
ZOMER /
2009
CONCERT QUOTIDIEN /
OM /
INFORMATIONS :
INFORMATIE :
02/512 30 79 www.midis-minimes.be DAGELIJKS CONCERT /
op.3 PRéSENTE / STELT VOOR:
L’APPRENTI UN FILM DE SAMUEL COLLARDEY
PRIX DE LA SEMAINE INTERNATIONALE DE LA CRITIQUE
17/6 (Arenberg + ecrAn ToTAl)
(5/8 ecrAn ToTAl)
SepTember/re (Arenberg)
www.av.cfwb.be
Le Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel longs métrages de fiction, d’animation, les documentaires :
soutient les
Amer
Hélène Cat tet & Bruno
For zani / Anonymes Film
L’ar t du couple
Jan Bucquoy / Transatlantic Prod
Panique au village
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Stéphane Aubier & Vincent Pata
Rapt !
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Lucas Belv au
Les Barons
La chanteuse de Tango s José-Luis Penafuer te / Man’s Film
n masculine La Dominatiokm oon Patric Jean / Bl ac
Get Born
associés
usiness sserelle Katangaicbhel / Les Films de la Pa Thierr y M
Philippe Van
Leeu w / Ar té
Philippe Blasband / Climax Film
Tom Geens / Les cinéastes asso
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mis Prod
Sans rancune
Sens interditsHemione Production / Sumeya Kochten sk i Konian oduction Simon ld / Versus pr Micha
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Un ange à la mer Frédér ic Dumont / Dra
gons Films Produc tion
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Vampires
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Mr. Nobody
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Yves Hanchar / To do Today productions
Stijn Coninx / Le
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Jaco Va
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Sœur Sourire
Les larmes d’argent
Menteur
uctions
Olivier Van Malderghem / Saga film
Les chemins de la mémoire
Maternelle
n et Loup
Bernard Bellefroid / Artémis Prod
Rondo
Diego Mar tinez Vignatti / Tarantula
Mourad Boucif / Les Film
x / Entre Chie
La régate
Nabil Ben Yadir / Entre Chien et Loup
Nicole Palo / Cinéastes
r / La Parti Production
Vincent Lannoo
uc tion mebod y Prod
Oscar et la dame rose
/ Left Field Ventu
res
sable et L o up Vents dBeorgers / Entre Chien Nathalie
E. E. Schmitt / Oscar Films
Le vertige des possibles
Vivianne Perelmuter / Iota Production
Centre du Cinéma et de l’Audiovisuel - 44 blvd Léopold II - B-1080 Bruxelles T +32 (0)2 413 22 19
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Deuxième film du jeune Américain d’origine iranienne Ramin Bahrani, Chop Shop assoit, après Man Push Cart, une signature, une envie d’en découdre avec le réel, une sorte de réalisme sain, à l’énergie. Dans une sorte de cimetière géant pour voitures, situé dans le Queens, où se vendent et se revendent les pièces détachées de voitures volées, le film suit les tribulations d’un gosse latino de douze ans, petit dur orphelin prêt à tout pour s’en sortir : il bosse, il s’agite, doté d’une espèce d’éthique qui le grandit à chaque image. Le lieu, c’est tout : le film tire son titre d’une expression d’argot, “chop shop”, désignant ce trafic/commerce des voitures, volées, désossées, revendues en petits morceaux. En pièces détachées. C’est un paysage décomposé qui sert de cadre au film. En assignant au lieu la fonction structurante du film, Bahrani prend le risque d’en broyer la lisibilité pour en faire une farine de métaphores. Mais il déjoue fermement tous les attendus gras d’une telle assimilation. Au lieu de ça, le cinéaste parvient à travailler autre chose que le report sur la morphologie du lieu et du réel des contours du portrait. Il s’attache bien davantage à un rythme, une vitesse, un système de narration en forme de questions-réponses. Alejandro examine tout comme si sa condition, les problèmes qu’il rencontre, le poussaient sans cesse en avant. En fait il ne se pose pas de questions, faute de temps, il n’a que des réponses, que des projets à court terme, lui qui n’a qu’un but à moyen terme (acquérir un camion pour faire un snack ambulant). En suivant son entreprise pas à pas, dans l’urgence d’un quotidien toujours recommencé, le film tient la cadence avec une remarquable fermeté, en même temps qu’il démontre une loyauté sans faille, sans fard envers son petit héros. Jean-Philippe Tessé, Chronicart
‘Als Luis Buñuel Los Olvidados vandaag in Amerika zou gaan maken, dan zou hij naar Willet’s Point trekken’, aldus de Iraans-Amerikaanse filmmaker Ramin Bahrani (Man Push Cart) over Chop Shop. Er gaat een enorme authenticiteit uit van deze in neorealistische geest gedraaid schets van een 12-jarige straatwijze Latino-wees die overleeft door allerlei klusjes op te knappen in een garage in ‘Iron Triangle’, een chaotische, multi-etnische en industrieel verwaarloosde wijk in het New Yorkse Queens. Het is in die ruwe wereld van dumphandel dat de jonge Alejandro en zijn 16-jarige zus proberen te overleven en hun eigen droom gaan najagen. Een prangende, nooit sentimentele kijk dus op het leven aan de zelfkant in de Amerikaanse grootstad die de ruwe kracht heeft van een sociologische documentaire en vorig jaar opdook in heel wat toptienlijstjes van Amerikaanse critici.
Chop Shop
Ramin Bahrani Avec
Alejandro Polanco Isamar Gonzales Rob Sowulski Carlos Zapata États-Unis 2006 84’
Prolongé
99
Se réunir en famille tous les ans pour commémorer la mort d’un fils, inviter ce jour-là le responsable – bien involontaire – de cette mort : voilà le nouveau supplice non pas chinois mais japonais que Hirokazu Kore-Eda a conçu, après l’abandon à eux-mêmes des enfants de Nobody Knows. […] Mais le supplice de l’invité est, au fond, partagé par tous, survivants émouvants qui marchent encore (“still walking”), dans les ruines d’un bonheur familial lointain, d’un âge d’or sans doute fantasmé. Les retrouvailles (avec les frère et sœur du noyé, leurs conjoints et leurs enfants) ressemblent à une tentative désespérée de partager un moment présent et joyeux, dans un lieu qui n’évoque que le passé et la perte. Le cabinet médical du père, retraité, ne sert plus que de tanière au vieil homme, passablement aigri et cassant. Le fils cadet, quadragénaire au chômage (mais le cachant), découvre une barre à laquelle s’agripper dans la baignoire : signe accablant de l’affaiblissement de ses parents. Plus rien n’est comme avant, ni personne. Entre la pénombre de la maison traditionnelle et le jardin écrasé de chaleur, entre le cimetière et le bord de mer, se dévide la litanie universelle des vieilles petites histoires, des ressentiments, des mensonges, des hontes jamais guéries. C’est pourtant un film tendre que réussit Kore-Eda. Évoquant plus d’une fois Ozu. (…) Il n’y a pas de façon heureuse de reconstituer une ligue dissoute, a fortiori après une tragédie. Mais il y a de la vie qui résiste tant bien que mal, une transmission qui s’opère bon gré mal gré entre les générations, une répétition de mots et de gestes qui semblent autant d’hommages inconscients aux anciens. Écrite par l’auteur après la mort de sa mère, voilà une déclaration d’amour paradoxale à la famille... Qui arrive trop tard, évidemment. Sauf pour nous. Louis Guichard, Télérama
Still Walking
Hirokazu Kore-Eda Aruitemo, Aruitemo Avec
Hiroshi Abe Yui Natsukawa Kirin Kiki Yoshio Harada Japon 2008 115’
Maborosi, After Life, Nobody Knows : er hangt altijd een soort rouwgewaad over de films van de Japanse cineast Hirokazu Kore-Eda en in Still Walking is dat niet anders. Het met veel subtiele fijngevoeligheid geobserveerde drama neemt ons mee op bezoek bij de Yokoyama’s op het moment dat ze bijeenkomen in het ouderlijke huis aan de kust voor het jaarlijkse diner ter herinnering van hun overleden zoon. Maar behalve het weerbarstige karakter van de vader, heeft iedereen zijn gevoelens van spijt, schuld en ontgoocheling die nooit uitgesproken zijn maar die de sfeer van de familiereünie beïnvloeden. Kore-Eda vertrok van zijn eigen gelijknamige roman die hij schreef na de dood van zijn ouders. Het resultaat is een heel serene en diepzinnige kroniek over het stille verdriet van een gebroken gezin, een soort stilleven van de menselijke natuur in de stijl en traditie van zijn leermeester Yasujiro Ozu.
Prolongé
100
Tarifs
8,00 €
prix plein*
6,60 €
prix réduit*
60,00 €
abonnement écran Total* valable pour 10 séances au choix passage obligatoire par la caisse pour retirer les places
* Le pourboire (0,40 €) est compris dans le prix du ticket
www.arenberg.be Cinéma Arenberg
éCRAN TOTAL
Galerie de la Reine, 26 1000 Bruxelles
Programmation : INES DELVAUX, BERNARD NOËL ET EMMANUEL GASPART
Renseignements et Horaires : 02 512 80 63 www.arenberg.be édité par Cinédit asbl éditeur resp. : Thierry Abel, 28 Galerie de la Reine 1000 Bruxelles
[email protected]
Coordination : INES DELVAUX
Rédaction et Compilation (textes Fr) : Grégory Escouflaire, Thierry Horguelin Rédaction (textes Nl ) : Martine Vancutsem (classiques, cycles), Luc Joris (inédits, documentaires, reprises, prolongations).
© Photos : La Cinémathèque Royale de Belgique Graphisme : Nathalie Pollet (Pam&Jenny) Un grand merci à Jean-Charles Tatum pour sa précieuse collaboration
avec le soutien de : L’échevinat de la culture de la ville de bruxelles, L’échevinat du tourisme de la ville de bruxelles la commission communautaire française de la région bruxelloise, la communauté française de belgique, europa cinémas une initiative du programme média des communautés européennes.
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Horaires Reprise de la Quinzaine des réalisateurs (cannes 2009) 23/06 mardi
20:30 Les beaux gosses
21:10 Yuki & Nina
Invités: Riad Sattouf, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
Invités: Hippolyte Girardot, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
17:00 Daniel y Ana
19:20 Humpday
21:30 Like you Know it All
17:00 Amreeka
19:20 Here
21:30 Go Get Some Rosemary
17:00 Navidad
19:20 La merditude des choses
21:40 Eastern Plays
24/06 mercredi 14:30 La Famille Wolberg
25/06 jeudi 14:30 J’ai tué ma mère
26/06 vendredi 14:30 La Pivellina
Invité: Félix Van Groeningen
27/06 samedi 14:30 Humpday
16:50 Like you Know it All
21:30 Daniel y Ana
Invité: Alessandro Comodin
28/06 dimanche 14:30 Ne change rien
19:20 Carcasses + Jagdfieber
17:00 La Pivellina
19:20 Amreeka
21:30 La Famille Wolberg
17:00 Yuki & Nina
19:10 Navidad
21:20 Oxhide II
17:00 Carcasses + Jagdfieber
19:20 J’ai tué ma mère
21:30 Ne change rien
17:00 Eastern Plays
19:20 La terre de la folie
29/06 lundi 14:30 La merditude des choses
30/06 mardi 14:30 Here
1/07 mercredi 14:30 Go Get Some Rosemary
21:30 Le roi de l’évasion
Invités: Luc Moullet, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
Invités: Alain Guiraudie, Olivier Père et Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
16:30 Still walking
19:10 After school
21:40 Chop chop
16:10 Nulle part, terre promise 16:40 Sourires d’une nuit d’été
18:40 La Maison et le monde 19:10 Notorious
21:30 Vive l’amour 21:40 Still walking
16:10 35 rhums 16:40 After school
18:40 Nulle part, terre promise 19:10 Chop chop
21:10 La Maison et le monde 21:40 Le Voyage aux Pyrénées
16:30 Nulle part, terre promise 16:40 Still walking
18:40 Cette sacrée vérité 19:10 Sourires d’une nuit d’été
21:30 35 rhums 21:40 Chop chop
18:40 Vive l’amour 19:10 After school
21:10 Wonderful Town 21:40 Notorious
16:10 La Maison et le monde 16:40 Notorious
19:00 35 rhums 19:10 Le Voyage aux Pyrénées
21:10 Million Dollar Baby 21:40 Sourires d’une nuit d’été
16:10 Cette sacrée vérité 16:40 Chop chop
18:40 Wonderful Town 19:10 Still walking
21:10 35 rhums 21:40 After school
1/07 Mercredi 14:40 La Ruée vers l’or
2/07 Jeudi 13:40 35 rhums 14:10 After school
3/07 Vendredi 13:40 Vive l’amour 14:10 Still walking
4/07 Samedi 13:40 La Maison et le monde 14:10 Notorious
5/07 Dimanche 15:00 Million Dollar Baby 14:10 Sourires d’une nuit d’été 16:40 Le Voyage aux Pyrénées
6/07 Lundi 13:40 Cette sacrée vérité 14:10 Chop chop
7/07 Mardi 13:40 Nulle part, terre promise 14:10 Le Voyage aux Pyrénées
102
8/07 Mercredi 13:40 35 rhums 14:30 La Ruée vers l’or
16:10 Million Dollar Baby 16:40 Le Voyage aux Pyrénées
19:00 Cette sacrée vérité 19:10 After school
21:10 A la vie, à la mort 21:40 Notorious
16:10 Nulle part, terre promise 16:40 Sourires d’une nuit d’été
18:40 Le Petit fugitif 19:10 La Petite fille de la terre noire
21:30 35 rhums 21:40 Two Lovers
16:30 Le Petit fugitif 16:40 A la vie, à la mort
18:40 Nulle part, terre promise 19:10 Two Lovers
21:10 Cette sacrée vérité 21:40 Le Voyage aux Pyrénées
16:10 Vive l’amour 16:40 Notorious
18:40 Million Dollar Baby 19:10 A la vie, à la mort
21:30 Wonderful Town 21:40 Two Lovers
16:10 Cette sacrée vérité 16:40 La Petite fille de la terre noire
18:40 35 rhums 19:10 Sourires d’une nuit d’été
21:10 La Maison et le monde 21:40 After school
16:10 La Maison et le monde 16:40 Two Lovers
19:00 Vive l’amour 19:10 La Petite fille de la terre noire
21:30 Nulle part, terre promise 21:40 Sourires d’une nuit d’été
16:10 35 rhums 16:40 A la vie, à la mort
18:40 La Maison et le monde 19:10 Le Voyage aux Pyrénées
21:30 Cette sacrée vérité 21:40 After school
16:10 Wonderful Town 16:40 Unbreakable
18:40 De l’influence des rayons … 19:10 Two Lovers
21:10 Le Petit fugitif 21:40 Le Voyage aux Pyrénées
16:10 Milk 16:40 Notorious
20:00 Milestones 19:10 Unbreakable 21:40 La Petite fille de la terre noire
16:10 Happy-go-lucky 16:40 Sourires d’une nuit d’été
18:40 Wonderful Town 19:10 Of Time and the City
21:10 L’Etranger en moi 21:40 Unbreakable
16:10 Le Petit fugitif 16:40 Two Lovers
18:40 Milk 19:10 A la vie, à la mort
21:10 Happy-go-lucky 21:40 Of Time and the City
18:40 L’Etranger en moi 19:10 La Petite fille de la terre noire
21:10 De l’influence des rayons … 21:40 A la vie, à la mort
16:10 De l’influence des rayons… 16:40 Unbreakable
18:40 Le Petit fugitif 19:10 Le Voyage aux Pyrénées
21:10 Milk 21:40 Sourires d’une nuit d’été
16:10 L’Etranger en moi 16:40 A la vie, à la mort
18:40 Happy-go-lucky 19:10 Notorious
21:10 Wonderful Town 21:40 Two Lovers
16:10 Le Petit fugitif 16:40 Plaisirs inconnus
18:40 De l’influence des rayons… 19:10 Vénus et Fleur
21:10 Happy-go-lucky 21:40 La Messa è finita
16:10 Milk 16:40 La Messa è finita
20:00 Milestones 19:10 Plaisirs inconnus 21:40 Le Chant des oiseaux
9/07 Jeudi 13:40 Vive l’amour 14:10 After school
10/07 Vendredi 13:40 La Maison et le monde 14:10 La Petite fille de la terre noire
11/07 Samedi 13:40 35 rhums 14:10 After school
12/07 Dimanche 13:40 Nulle part, terre promise 14:10 Le Voyage aux Pyrénées
13/07 Lundi 13:40 Cette sacrée vérité 14:10 Notorious
14/07 Mardi 13:40 Wonderful Town 14:10 Sourires d’une nuit d’été
15/07 Mercredi 13:40 Milk 14:30 La Ruée vers l’or
16/07 Jeudi 13:40 Happy-go-lucky 14:10 A la vie, à la mort
17/07 Vendredi 13:40 De l’influence des rayons… 14:10 Le Voyage aux Pyrénées
18/07 Samedi 13:40 L’Etranger en moi 14:10 La Petite fille de la terre noire
19/07 Dimanche 14:40 Milestones 14:10 Notorious 16:40 Le Voyage aux Pyrénées
20/07 Lundi 13:40 Wonderful Town 14:10 Two Lovers
21/07 Mardi 13:40 Le Petit fugitif 14:10 La Petite fille de la terre noire
22/07 Mercredi 13:40 L’Etranger en moi 14:10 Un été avec Coo
23/07 Jeudi 13:40 Happy-go-lucky 14:10 Of Time and the City
24/07 Vendredi 14:40 Milestones 14:10 La Messa è finita 16:40 Intervention divine
18:40 Le Petit fugitif 19:10 Ten
21:10 De l’influence des rayons… 21:40 Vénus et Fleur
103
25/07 Samedi 13:40 Husbands and Wives 14:10 Plaisirs inconnus
16:10 Happy-go-lucky 16:40 Of Time and the City
18:40 Milk 19:10 La Messa è finita
21:10 L’Etranger en moi 21:40 Intervention divine
16:10 De l’influence des rayons… 16:40 La Messa è finita
18:40 Le Petit fugitif 19:10 Le Chant des oiseaux
21:10 Husbands and Wives 21:40 Ten
16:10 L’Etranger en moi 16:40 Vénus et Fleur
18:40 Happy-go-lucky 19:10 Intervention divine
21:10 Le Petit fugitif 21:40 Of Time and the City
16:10 Husbands and Wives 16:40 Ten
18:40 L’Etranger en moi 19:10 Of Time and the City
21:10 Milk 21:40 Plaisirs inconnus
16:10 De l’influence des rayons… 16:40 Intervention divine
20:00 Milestones 19:10 La Messa è finita 21:40 Ten
26/07 Dimanche 13:40 Milk 14:10 Vénus et Fleur
27/07 Lundi 13:40 Husbands and Wives 14:10 Ten
28/07 Mardi 13:40 De l’influence des rayons… 14:10 Le Chant des oiseaux
29/07 Mercredi 13:40 Les 7 jours 14:10 Un été avec Coo
30/07 Jeudi 13:40 De l’influence des rayons gamma 16:10 Sonatine 14:10 Vénus et Fleur 16:40 Le Chant des oiseaux
18:40 Léon Morin, prêtre 19:10 Petite conversation familiale
21:30 Husbands and Wives 21:40 Models
18:40 Europa 19:10 Le Tombeau d’Alexandre
21:10 De l’influence des rayons… 21:40 La Messa è finita
18:40 De l’influence des rayons… 19:10 Le Chant des oiseaux
21:10 Hunger 21:40 Intervention divine
16:30 Husbands and Wives 16:40 La Messa è finita
18:40 Les 7 jours 19:10 Vénus et Fleur
21:10 Sonatine 21:40 Plaisirs inconnus
16:10 Léon Morin, prêtre 16:40 Le Tombeau d’Alexandre
19:00 Hunger 19:10 Models
21:10 Les 7 jours 21:40 Petite conversation familiale
16:10 Hunger 16:40 Plaisirs inconnus
18:40 Husbands and Wives 19:10 La Messa è finita
21:10 Léon Morin, prêtre 21:40 Le Chant des oiseaux
16:30 Europa 16:40 J’ai engagé un tueur
20:00 Milestones 19:10 Shultes
21:30 Le Tombeau d’Alexandre
18:40 Les 7 jours 19:10 Archipels nitrate
21:30 Lola 21:40 J’ai engagé un tueur
16:10 Léon Morin, prêtre 16:40 Code inconnu
19:00 Lola 19:10 The Killers
21:10 Hunger 21:40 Soi Cowboy
16:10 Hunger 16:40 Le Tombeau d’Alexandre
18:40 Europa 19:10 Soi Cowboy
21:10 Léon Morin, prêtre 21:40 The Killers
16:10 Les 7 jours 16:40 The Killers
18:40 Hunger 19:10 Code inconnu
21:10 Sonatine 21:40 Shultes
16:10 Sonatine 16:40 Archipels nitrate
18:40 Léon Morin, prêtre 19:10 J’ai engagé un tueur
21:30 Les 7 jours 21:40 Code inconnu
31/07 Vendredi 13:40 Hunger 14:10 Petite conversation familiale
16:10 Les 7 jours 16:40 Models
1/08 Samedi 14:40 Milestones 14:10 Models 16:40 Petite conversation familiale
2/08 Dimanche 13:40 Léon Morin, prêtre 14:10 Ten
3/08 Lundi 13:40 Husbands and Wives 14:10 La Messa è finita
4/08 Mardi 13:40 Europa 14:10 Intervention divine
5/08 Mercredi 13:40 Léon Morin, prêtre 14:10 Un été avec Coo
6/08 Jeudi 14:40 Milestones 14:10 The Killers 16:40 Soi Cowboy
7/08 Vendredi 13:40 Les 7 jours 14:10 Shultes
8/08 Samedi 13:40 Sonatine 14:10 Archipels nitrate
9/08 Dimanche 13:40 Lola 14:10 J’ai engagé un tueur
10/08 Lundi 13:40 Europa 14:10 Le Tombeau d’Alexandre
104
11/08 Mardi 13:40 Hunger 14:10 Soi Cowboy
16:10 Lola 16:40 Shultes
18:40 Sonatine 19:10 Le Tombeau d’Alexandre
21:10 Europa 21:40 Archipels nitrate
16:10 Providence 16:40 La Fille du RER
18:40 Esther Kahn 19:10 Shultes
21:30 Lola 21:40 J’ai engagé un tueur
16:10 Woman on the Beach 16:40 Kadosh
18:40 Ladybird, ladybird 19:10 The Killers
21:10 Millennium Mambo 21:40 Soi Cowboy
18:40 Le Fils 19:10 La Fille du RER
21:10 Woman on the Beach 21:40 Code inconnu
16:10 Esther Kahn 16:40 J’ai engagé un tueur
19:00 Pages cachées 19:10 Kadosh
21:10 Ladybird, ladybird 21:40 The Killers
16:10 Lola 16:40 Code inconnu
20:00 La Chine 19:10 J’ai engagé un tueur
21:40 La Fille du RER
16:10 Woman on the Beach 16:40 Soi Cowboy
18:40 Providence 19:10 Code inconnu
21:10 Le Fils 21:40 Kadosh
16:10 Ladybird, ladybird 16:40 The Killers
18:40 Lola 19:10 Soi Cowboy
21:10 Providence 21:40 Shultes
16:10 Millennium Mambo 16:40 Shultes
18:40 Pages cachées 19:10 Monsieur Klein
21:10 Esther Kahn 21:40 The Killers
16:10 Providence 16:40 Kadosh
18:40 Woman on the Beach 19:10 Affreux, sales et méchants
21:10 Millennium Mambo 21:40 La Fille du RER
16:10 Esther Kahn 16:40 Affreux, sales et méchants
19:00 Le Fils 19:10 Funuke show some love…
21:10 Providence 21:40 Shultes
16:10 Ladybird, ladybird 16:40 The Killers
18:40 Millennium Mambo 19:10 Kadosh
21:10 Le Fils 21:40 Affreux, sales et méchants
16:10 Pages cachées 16:40 Monsieur Klein
18:40 Providence 19:10 Shultes
21:10 Ladybird, ladybird 21:40 Funuke show some love, you losers
16:30 Le Fils 16:40 La Fille du RER
18:40 Ladybird, ladybird 19:10 The Killers
21:10 Woman on the Beach 21:20 Monsieur Klein
16:10 Woman on the Beach 16:40 Funuke show some love…
18:40 Esther Kahn 19:10 La Fille du RER
21:30 Pages cachées 21:40 Affreux, sales et méchants
16:10 Monsieur Klein
18:40 Funuke show some love…
21:10 El otro
16:10 Mala noche
18:40 The Killers
21:10 Funuke show some love, you losers
16:10 Espion(s)
18:40 Rushmore
21:30 Affreux, sales et méchants
12/08 Mercredi 13:40 Ladybird, ladybird 14:10 Un été avec Coo
13/08 Jeudi 13:40 Lola 14:10 J’ai engagé un tueur
14/08 Vendredi 14:20 La Chine 14:10 Kadosh 16:40 Shultes
15/08 Samedi 13:40 Providence 14:10 Soi Cowboy
16/08 Dimanche 13:40 Woman on the Beach 14:10 Shultes
17/08 Lundi 13:40 Pages cachées 14:10 The Killers
18/08 Mardi 13:40 Millennium Mambo 14:10 La Fille du RER
19/08 Mercredi 13:40 Providence 14:30 Le Petit chat curieux
20/08 Jeudi 13:40 Ladybird, ladybird 14:10 The Killers
21/08 Vendredi 13:40 Pages cachées 14:10 La Fille du RER
22/08 Samedi 13:40 Woman on the Beach 14:10 Shultes
23/08 Dimanche 13:40 Millennium Mambo 14:30 Le Petit chat curieux
24/08 Lundi 13:40 Esther Kahn 14:10 Funuke show some love…
25/08 Mardi 13:40 Le Fils 14:10 Monsieur Klein
26/08 Mercredi 13:40 Affreux, sales et méchants
27/08 Jeudi 13:40 Espion(s)
28/08 Vendredi 13:40 Mala noche
105
29/08 Samedi 13:40 The Killers
16:10 Affreux, sales et méchants
18:40 El otro
21:10 Monsieur Klein
16:10 Funuke show some love…
18:40 Mala noche
21:10 Espion(s)
16:10 Rushmore
18:40 Affreux, sales et méchants
21:10 Mala noche
16:10 El otro
18:40 Espion(s)
21:10 Rushmore
16:10 Monsieur Klein
18:40 Mala noche
21:10 Espion(s)
16:10 Funuke show some love…
18:40 El otro
21:10 Monsieur Klein
16:10 L’ Argent du charbon
18:40 Espion(s)
21:10 Funuke show some love, you losers
16:10 Rushmore
18:40 L’ Argent du charbon
21:10 El otro
16:10 Mala noche
18:40 Monsieur Klein
21:10 Rushmore
16:10 El otro
18:40 Funuke show some love…
21:10 L’ Argent du charbon
16:10 Espion(s)
18:40 Rushmore
21:10 Mala noche
30/08 Dimanche 13:40 Rushmore
31/08 Lundi 13:40 El otro
1/09 Mardi 13:40 Funuke show some love…
2/09 Mercredi 13:40 L’ Argent du charbon
3/09 Jeudi 13:40 Rushmore
4/09 Vendredi 13:40 Monsieur Klein
5/09 Samedi 13:40 Espion(s)
6/09 Dimanche 13:40 El otro
7/09 Lundi 13:40 Mala noche
8/09 Mardi 13:40 Funuke show some love…
Séances exceptionnelles 23/06 mardi 20:30
4/07 samedi 18:40
Les beaux gosses Séance inaugurale de la Quinzaine des réalisateurs et des 20 ans d’écran Total. En présence du réalisateur Riad Sattouf, de Olivier Père et de Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
Cette sacrée vérité En présence d’Arnaud Desplechin pour la présentation générale de sa carte blanche, sous forme d’un dialogue avec Jean-François Pluijghers (Focus Vif)
23/06 mardi 21:10
Million Dollar Baby Rencontre avec Arnaud Desplechin autour de la thématique du détail telle que développée par l’historien de l’art Daniel Arasse
Yuki & Nina En présence du réalisateur Hippolyte Girardot, de Olivier Père et de Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
26/06 vendredi 19:20
5/07 dimanche 15:00
9/07 jeudi 18:40
La merditude des choses En présence du réalisateur Félix Van Groeningen
Le Petit fugitif Présentation et débat avec Alain Bergala, ancien rédacteur en chef des Cahiers du Cinéma, enseignant en cinéma à Paris 3 et à la Femis
27/06 samedi 19:20
16/07 jeudi 20:00
Jagdfieber En présence du réalisateur Alessandro Comodin
Milestones En présence d’Erika Kramer (interprète dans le film)
1/07 mercredi 19:20
6/08 jeudi 19:10
La terre de la folie En présence du réalisateur Luc Moullet, de Olivier Père et de Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
Archipels Nitrate + court métrage Premiers mètres En présence des réalisateurs Claudio Pazienza et Pierre-Oscar Lévy
1/07 mercredi 21:30 Le roi de l’évasion En présence du réalisateur Alain Guiraudie, de Olivier Père et de Christophe Leparc (Quinzaine des réalisateurs)
EXKi, la différence ! Vous vous souciez de votre santé, vous en avez assez du “fast food” et du banal sandwich ? Vous recherchez quelque chose de différent ? EXKi est le spécialiste de la restauration rapide de qualité. Sa devise : “Natural, fresh & ready”. EXKi : echt anders ! U denkt aan uw gezondheid, u wilt geen “fastfood” en traditionele broodjes meer. U wilt iets anders. Wel, u hebt volkomen gelijk ! EXKi is een kwalitatief hoogstaand snel-restaurant. Ons motto luidt : “natural, fresh & ready”.
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107
A…Z 35 rhums
After school
p.93
Claire Denis 1h40 VO FR ST. NL
Jeudi Vendredi Samedi Lundi Mardi Mercredi Jeudi Samedi Dimanche Mardi
2/ 07 3 / 07 4 / 07 6 / 07 7 / 07 8 / 07 9 / 07 11 / 07 12 / 07 14 / 07
Les 7 jours
p.19
13:40 16:10 21:30 19:00 21:10 13:40 21:30 13:40 18:40 16:10
Ronit et Shlomi Elk abetz 1h55 VO ST. FR
Mercredi Vendredi Dimanche Lundi Jeudi Vendredi Dimanche Lundi
29 / 07 31 / 07 2 / 08 3 / 08 6 / 08 7 / 08 9 / 08 10 / 08
à la vie, à la mort
13:40 16:10 18:40 21:10 18:40 13:40 16:10 21:30 p.54
8 / 07 10 / 07 11 / 07 14 / 07 16 / 07 18 / 07 19 / 07 21 / 07
Affreux, sales et méchants 20 / 08 21 / 08 22 / 08 25 / 08 26 / 08 28 / 08 29 / 08 31 / 08
1 / 07 2 / 07 3 / 07 5 / 07 7 / 07 8 / 07 9 / 07 11 / 07 12 / 07 14 / 07
Archipels nitrate
19:10 14:10 16:40 19:10 21:40 19:10 14:10 14:10 21:40 21:40 p.75
Claudio Pazienza 1h04 VO FR
Jeudi Samedi Lundi Mardi
6 / 08 8 / 08 10 / 08 11 / 08
19:10 14:10 16:40 21:40
L’Argent du charbon
p.76
Wang Bing 0h52 VO ST. FR
Mercredi Vendredi Samedi Lundi
2 / 09 4 / 09 5 / 09 7 / 09
21:10 16:40 19:10 16:40 14:10 19:10 21:40 16:40
Samedi Lundi Mardi Mercredi Vendredi Dimanche Lundi Mardi
13:40 16:10 18:40 21:10 p.44
4 / 07 6 / 07 7 / 07 8 / 07 10 / 07 12 / 07 13 / 07 14 / 07
Le Chant des oiseaux
18:40 13:40 16:10 19:00 21:10 16:10 13:40 21:30 p.20
Albert Serra 1h38 VO ST. FR
p.31
19:10 16:40 21:40 21:40 13:40 21:30 16:10 18:40
Jeudi Dimanche Mardi Jeudi Samedi Mardi
23 / 07 26 / 07 28 / 07 30 / 07 1 / 08 4 / 08
Espion(s)
p.77
Nicolas Sa ada 1h39 VO FR
Vendredi Dimanche
Jeudi Vendredi Dimanche Mardi Mercredi Vendredi Samedi Mardi
14 / 08 16 / 08
Chop chop
14:20 20:00
p.97
Ramin Bahrani 1h24 VO ST. BIL
Mercredi Vendredi Samedi Lundi Mardi
1 / 07 3 / 07 4 / 07 6 / 07 7 / 07
21:40 19:10 21:40 14:10 16:40
p.55
Michael Haneke 1h58 VO ST. BIL
Vendredi Dimanche Lundi Vendredi Dimanche Lundi
7 / 08 9 / 08 10 / 08 14 / 08 16 / 08 17 / 08
De l’influence des rayons gamma
16:40 19:10 21:40 21:40 16:40 19:10
p.32
Paul Newman 1h40 VO ST. FR
Mercredi Vendredi Dimanche Lundi Mercredi Vendredi Dimanche Mardi Mercredi Jeudi Vendredi Samedi
El otro
15 / 07 17 / 07 19 / 07 20 / 07 22 / 07 24 / 07 26 / 07 28 / 07 29 / 07 30 / 07 31 / 07 1 / 08
18:40 13:40 21:10 16:10 18:40 21:10 16:10 13:40 16:10 13:40 21:10 18:40
p.21
Ariel Rotter 1h23 VO ST. FR
21:40 19:10 14:10 16:40 19:10 21:40
p.85
Michelangelo Antonioni 3h40 VO ST. FR
Code inconnu
Leo McCarey 1h32 VO ST. FR
Ettore Scola 1h55 VO ST. FR
Jeudi Vendredi Samedi Mardi Mercredi Vendredi Samedi Lundi
Mercredi Jeudi Vendredi Dimanche Mardi Mercredi Jeudi Samedi Dimanche Mardi
Cette sacrée vérité
Robert Guédiguian 1h45 VO FR
Mercredi Vendredi Samedi Mardi Jeudi Samedi Dimanche Mardi
La Chine
p.94
Antonio Campos 1h45 VO ST. BIL
Mercredi Samedi Lundi Mardi Jeudi Samedi Dimanche Lundi
26 / 08 29 / 08 31 / 08 1 / 09 3 / 09 5 / 09 6 / 09 7 / 09
21:10 18:40 13:40 16:10 18:40 21:10 13:40 16:10
Esther Kahn
27 / 08 28 / 08 30 / 08 1 / 09 2 / 09 4 / 09 5 / 09 8 / 09
13:40 16:10 21:10 18:40 21:10 18:40 13:40 16:10
p.56
Arnaud Desplechin 2h25 VO ST. FR
Mercredi Samedi Mercredi Vendredi Lundi Mardi
12 / 08 15 / 08 19 / 08 21 / 08 24 / 08 25 / 08
L’Etranger en moi
18:40 16:10 21:10 16:10 13:40 18:40
p.22
Emily Atef 1h39 VO ST. FR
Vendredi Samedi Dimanche Mardi Mercredi Samedi Lundi Mardi
Europa
17 / 07 18 / 07 19 / 07 21 / 07 22 / 07 25 / 07 27 / 07 28 / 07
21:10 13:40 18:40 16:10 13:40 21:10 16:10 18:40
p.57
Lars von Trier 1h52 VO ST. BIL
Vendredi Mardi Mercredi Samedi Lundi Mardi
31 / 07 4 / 08 5 / 08 8 / 08 10 / 08 11 / 08
La Fille du RER
18:40 13:40 16:30 18:40 13:40 21:10
p.86
André Téchiné 1h42 VO FR ST. NL
Mercredi Vendredi Dimanche Mardi Jeudi Vendredi Lundi Mardi
12 / 08 14 / 08 16 / 08 18 / 08 20 / 08 21 / 08 24 / 08 25 / 08
16:40 19:10 21:40 14:10 21:40 14:10 16:40 19:10
108
Le Fils
Husbands and Wives
p.58
luc & jean-pierre Dardenne 1h43 VO FR ST. NL
Woody Allen 1h48 VO ST. BIL
Vendredi Lundi Vendredi Samedi Lundi Mardi
Samedi Dimanche Lundi Mardi Jeudi Dimanche Lundi Mardi
14 / 08 17 / 08 21 / 08 22 / 08 24 / 08 25 / 08
18:40 21:10 19:00 21:10 16:30 13:40
Funuke show some love, you losers p.23
Intervention divine
Yoshida Daihachi 1h51 VO ST. BIL
Vendredi Dimanche Lundi Mardi Mercredi Jeudi Dimanche Mardi Jeudi Vendredi Lundi Mardi
21 / 08 23 / 08 24 / 08 25 / 08 26 / 08 27 / 08 30 / 08 1 / 09 3 / 09 4 / 09 7 / 09 8 / 09
Happy-go-lucky
19:10 21:40 14:10 16:40 18:40 21:10 16:10 13:40 16:10 21:10 18:40 13:40
p.59
Mike Leigh 1h58 VO ST. BIL
Jeudi Vendredi Samedi Mardi Mercredi Jeudi Samedi Lundi
Hunger
16 / 07 17 / 07 18 / 07 21 / 07 22 / 07 23 / 07 25 / 07 27 / 07
13:40 16:10 21:10 18:40 21:10 13:40 16:10 18:40
p.87
Steve McQueen 1h36 VO ST. BIL
Vendredi Samedi Lundi Mardi Vendredi Samedi Dimanche Mardi
25 / 07 26 / 07 27 / 07 28 / 07 30 / 07 2 / 08 3 / 08 4 / 08
31 / 07 1 / 08 3 / 08 4 / 08 7 / 08 8 / 08 9 / 08 11 / 08
13:40 21:10 19:00 16:10 21:10 16:10 18:40 13:40
p.45
13:40 21:10 13:40 16:10 21:30 16:30 13:40 18:40 p.60
Elia Sulieman 1h32 VO ST. BIL
Vendredi Samedi Lundi Mercredi Samedi Mardi
24 / 07 25 / 07 27 / 07 29 / 07 1 / 08 4 / 08
J’ai engagé un tueur
16:40 21:40 19:10 16:40 21:40 14:10 p.61
Aki K aurismaki 1h19 VO ST. FR
Mercredi Jeudi Dimanche Lundi Mercredi Jeudi Samedi Dimanche
Kadosh
5 / 08 6 / 08 9 / 08 10 / 08 12 / 08 13 / 08 15 / 08 16 / 08
16:40 21:40 14:10 19:10 21:40 14:10 16:40 19:10
p.62
Amos Gitaï 1h50 VO ST. FR
Jeudi Vendredi Samedi Lundi Jeudi Samedi
13 / 08 14 / 08 15 / 08 17 / 08 20 / 08 22 / 08
16:40 14:10 19:10 21:40 16:40 19:10
The Killers
La Maison et le monde
p.33
Robert Siodmak 1h42 VO ST. BIL / COPIE NEUVE
Satyajit Ray 2h21 VO ST. FR
Jeudi Vendredi Samedi Dimanche Jeudi Samedi Lundi Mardi Mercredi Jeudi Samedi Lundi Jeudi Samedi
Jeudi Vendredi Samedi Lundi Vendredi Dimanche Lundi Mardi
2 / 07 3 / 07 4 / 07 6 / 07 10 / 07 12 / 07 13 / 07 14 / 07
Mala noche
p.64
6 / 08 7 / 08 8 / 08 9 / 08 13 / 08 15 / 08 17 / 08 18 / 08 19 / 08 20 / 08 22 / 08 24 / 08 27 / 08 29 / 08
Ladybird, ladybird
14:10 19:10 21:40 16:40 19:10 21:40 14:10 16:40 21:40 14:10 16:40 19:10 18:40 13:40 p.63
Ken Loach 1h42 VO ST. BIL
Mercredi Jeudi Samedi Mardi Jeudi Samedi Dimanche Lundi
12 / 08 13 / 08 15 / 08 18 / 08 20 / 08 22 / 08 23 / 08 24 / 08
Léon Morin, prêtre
13:40 18:40 21:10 16:10 13:40 16:10 21:10 18:40 p.34
Jean-Pierre Melville 2h10 VO FR
Jeudi Dimanche Lundi Mardi Mercredi Vendredi Samedi Lundi
Lola
30 / 07 2 / 08 3 / 08 4 / 08 5 / 08 7 / 08 8 / 08 10 / 08
18:40 13:40 16:10 21:10 13:40 16:10 21:10 18:40
p.35
Jacques Demy 1h32 VO FR ST. NL
Jeudi Vendredi Dimanche Mardi Mercredi Jeudi Dimanche Mardi
6 / 08 7 / 08 9 / 08 11 / 08 12 / 08 13 / 08 16 / 08 18 / 08
21:30 19:00 13:40 16:10 21:30 13:40 16:10 18:40
p.36
18:40 21:10 13:40 16:10 13:40 21:10 16:10 18:40
Gus Van Sant 1h20 VO ST. BIL
Jeudi Vendredi Dimanche Lundi Mercredi Dimanche Lundi Mardi
27 / 08 28 / 08 30 / 08 31 / 08 2 / 09 6 / 09 7 / 09 8 / 09
La Messa è finita
16:10 13:40 18:40 21:10 18:40 16:10 13:40 21:10
p.65
Nanni Moretti 1h34 VO ST. FR
Mercredi Jeudi Vendredi Samedi Dimanche Mercredi Vendredi Dimanche Lundi Mardi
22 / 07 23 / 07 24 / 07 25 / 07 26 / 07 29 / 07 31 / 07 2 / 08 3 / 08 4 / 08
Milestones
p.37
21:40 16:40 14:10 19:10 16:40 19:10 21:40 16:40 14:10 19:10
Robert Kramer & john douglas 3h15 VO ST. BIL / COPIE NEUVE
Jeudi Dimanche Jeudi Vendredi Mercredi Samedi Mercredi Jeudi
16 / 07 19 / 07 23 / 07 24 / 07 29 / 07 1 / 08 5 / 08 6 / 08
20:00 14:40 20:00 14:40 20:00 14:40 20:00 14:40
109
Milk
Notorious
p.88
Gus Van Sant 2h06 VO ST. BIL
Mercredi Jeudi Samedi Lundi Jeudi Samedi Dimanche Mardi
15 / 07 16 / 07 18 / 07 20 / 07 23 / 07 25 / 07 26 / 07 28 / 07
Millennium Mambo
13:40 16:10 18:40 21:10 16:10 18:40 13:40 21:10 p.66
Hou Hsiao-Hsien 1h59 VO ST. FR
Jeudi Mardi Mercredi Jeudi Samedi Dimanche
13 / 08 18 / 08 19 / 08 20 / 08 22 / 08 23 / 08
Million Dollar Baby
21:10 13:40 16:10 21:10 18:40 13:40 p.46
Clint Eastwood 2h12 VO ST. BIL
Dimanche Lundi Mercredi Samedi
Models
5 / 07 6 / 07 8 / 07 11 / 07
15:00 21:10 16:10 18:40
p.78
Ulrich Seidl 1h58 VO ST. FR
Jeudi Vendredi Samedi Lundi
30 / 07 31 / 07 1 / 08 3 / 08
Monsieur Klein
21:40 16:40 14:10 19:10
p.38
19 / 08 23 / 08 24 / 08 25 / 08 26 / 08 29 / 08 2 / 09 3 / 09 4 / 09 6 / 09
Jeudi Samedi Dimanche Lundi Mercredi Samedi Lundi Jeudi Dimanche Mardi
2 / 07 4 / 07 5 / 07 6 / 07 8 / 07 11 / 07 13 / 07 16 / 07 19 / 07 21 / 07
19:10 14:10 21:40 16:40 21:40 16:40 14:10 16:40 14:10 19:10
Nulle part, terre promise
p.25
Emmanuel Finkiel 1h35 VO ST. FR
Jeudi Vendredi Samedi Mardi Jeudi Vendredi Dimanche Lundi
2 / 07 3 / 07 4 / 07 7 / 07 9 / 07 10 / 07 12 / 07 13 / 07
Of Time and the City
16:10 18:40 16:30 13:40 16:10 18:40 13:40 21:30 p.79
Terence Davies 1h17 VO ST. FR
Vendredi Samedi Jeudi Samedi Lundi Mardi
17 / 07 18 / 07 23 / 07 25 / 07 27 / 07 28 / 07
Pages cachées
19:10 21:40 14:10 16:40 21:40 19:10
19:10 16:40 21:20 14:10 16:10 21:10 16:10 21:10 13:40 18:40
Samedi Lundi Mercredi Vendredi Dimanche Mardi
15 / 08 17 / 08 19 / 08 21 / 08 23 / 08 25 / 08
Le Petit chat curieux
19:00 13:40 18:40 13:40 16:10 21:30 p.81
19 / 08 23 / 08
14:30 14:30
p.48
Alain Resnais 1h50 VO ST. FR
Jeudi Vendredi Mercredi Samedi Lundi Mardi Mercredi Vendredi Dimanche Lundi
Mercredi Samedi Lundi Mardi Mercredi Jeudi Vendredi Dimanche
9 / 07 10 / 07 15 / 07 18 / 07 20 / 07 21 / 07 22 / 07 24 / 07 26 / 07 27 / 07
18:40 16:30 21:10 16:10 18:40 13:40 16:10 18:40 18:40 21:10
Petite conversation familiale p.47 30 / 07 31 / 07 1 / 08 3 / 08
La Petite fille de la terre noire
19:10 14:10 16:40 21:40
p.26
Jeon Soon-Il 1h29 VO ST. FR
Jeudi Vendredi Dimanche Lundi Jeudi Samedi Dimanche Mardi
9 / 07 10 / 07 12 / 07 13 / 07 16 / 07 18 / 07 19 / 07 21 / 07
Mercredi Jeudi Samedi Mardi Dimanche Mardi
22 / 07 23 / 07 25 / 07 28 / 07 2 / 08 4 / 08
La Ruée vers l’or Mercredi Mercredi Mercredi
Hélène Lapiower 1h12 VO FR
Jeudi Vendredi Samedi Lundi
12 / 08 15 / 08 17 / 08 18 / 08 19 / 08 20 / 08 21 / 08 23 / 08
16:10 13:40 18:40 21:10 13:40 16:10 21:10 18:40
p.82
Charles Chaplin 1h12 VO ST. BIL
19:10 14:10 16:40 19:10 21:40 14:10 19:10 14:10 p.68
Jia Zhang-Ke 1h53 VO ST. BIL
Tsuneo Goda 1h00 muet, musical
Mercredi Dimanche
Providence
p.40
R. Ashley, M. Engel, R. Orkin 1h20 VO ST. FR
Plaisirs inconnus
p.67
Alex ander Sokourov 1h17 VO ST. BIL
Joseph Losey 2h02 VO FR
Mercredi Dimanche Lundi Mardi Mercredi Samedi Mercredi Jeudi Vendredi Dimanche
Le Petit fugitif
p.39
Alfred Hitchcock 1h41 VO ST. FR
16:40 19:10 14:10 21:40 21:40 16:40
1 / 07 8 / 07 15 / 07
Rushmore
14:40 14:30 14:30
p.49
Wes Anderson 1h29 VO ST. FR
Vendredi Dimanche Lundi Mardi Jeudi Samedi Dimanche Mardi
Shultes
28 / 08 30 / 08 31 / 08 1 / 09 3 / 09 5 / 09 6 / 09 8 / 09
18:40 13:40 16:10 21:10 13:40 16:10 21:10 18:40
p.27
Bakur Bakuradze 1h40 VO ST. BIL
Mercredi Vendredi Dimanche Mardi Mercredi Vendredi Dimanche Mardi Mercredi Vendredi Samedi Dimanche
5 / 08 7 / 08 9 / 08 11 / 08 12 / 08 14 / 08 16 / 08 18 / 08 19 / 08 21 / 08 22 / 08 23 / 08
19:10 14:10 21:40 16:40 19:10 16:40 14:10 21:40 16:40 21:40 14:10 19:10
110
Soi Cowboy
Le Tombeau d’Alexandre
p.28
Thomas Clay 1h57 VO ST. BIL
Jeudi Vendredi Samedi Mardi Jeudi Samedi Lundi Mardi
Sonatine
6 / 08 7 / 08 8 / 08 11 / 08 13 / 08 15 / 08 17 / 08 18 / 08
16:40 21:40 19:10 14:10 21:40 14:10 16:40 19:10
p.69
30 / 07 2 / 08 8 / 08 9 / 08 10 / 08 11 / 08
16:10 21:10 13:40 21:10 16:10 18:40
Sourires d’une nuit d’été
p.41
Ingmar Bergman 1h42 VO ST. BIL
Jeudi Samedi Dimanche Lundi Jeudi Dimanche Lundi Mardi Vendredi Lundi
2 / 07 4 / 07 5 / 07 6 / 07 9 / 07 12 / 07 13 / 07 14 / 07 17 / 07 20 / 07
Still walking
Ten
16:40 19:10 14:10 21:40 16:40 19:10 21:40 14:10 16:40 21:40
p.99
1 / 07 2 / 07 3 / 07 4 / 07 7 / 07
19:10 16:40 21:30 16:40 14:10 19:10
p.70
24 / 07 26 / 07 27 / 07 28 / 07 29 / 07 2 / 08
Jeudi Vendredi Samedi Lundi Mercredi Samedi Lundi Mardi
Mercredi Mercredi Mercredi Mercredi
21:40 19:10 21:40 16:40 19:10 16:40 14:10 21:40
p.83
22 / 07 29 / 07 5 / 08 12 / 08
Unbreakable
19:10 21:40 14:10 16:40 21:40 14:10
16:40 19:10 21:40 16:40
p.71
22 / 07 24 / 07 26 / 07 27 / 07 30 / 07 2 / 08
3 / 07 5 / 07 6 / 07 7 / 07 8 / 07 10 / 07 12 / 07 14 / 07 15 / 07 17 / 07 19 / 07 20 / 07
Jeudi Vendredi Dimanche Lundi Jeudi Samedi Lundi Mardi
p.51
15 / 07 16 / 07 17 / 07 20 / 07
Vendredi Dimanche Lundi Mardi Mercredi Vendredi Dimanche Mardi Mercredi Vendredi Dimanche Lundi
Hong Sang Soo 2h07 VO ST. FR
Woman on the Beach 13 / 08 14 / 08 16 / 08 17 / 08 20 / 08 22 / 08 24 / 08 25 / 08
Wonderful Town
Emmanuel Mouret 1h20 VO FR
Mercredi Vendredi Dimanche Lundi Jeudi Dimanche
2 / 07 3 / 07 5 / 07 9 / 07 11 / 07 13 / 07
14:10 14:10 14:10 14:10
M. Night Shyamalan 1h46 VO ST. BIL
Mercredi Jeudi Vendredi Lundi
Jeudi Vendredi Dimanche Jeudi Samedi Lundi
21:30 13:40 18:40 13:40 16:10 19:00 p.29
Arnaud et Jean-Marie Larrieu 1h40 VO FR
9 / 07 10 / 07 11 / 07 13 / 07 15 / 07 18 / 07 20 / 07 21 / 07
Un été avec Coo
p.72
Le Voyage aux Pyrénées
p.89
Vénus et Fleur 16:30 21:40 14:10 16:40 19:10
Abbas Kiarostami 1h34 VO ST. BIL
Vendredi Dimanche Lundi Mardi Mercredi Dimanche
Two Lovers
31 / 07 3 / 08 5 / 08 8 / 08 10 / 08 11 / 08
Keiichi Hara 2h16 VF
Hirok azu Kore-Eda 1h55 VO ST. BIL
Mercredi Jeudi Vendredi Samedi Mardi
Vendredi Lundi Mercredi Samedi Lundi Mardi
Vive l’amour
Tsai Ming-Liang 1h58 VO ST. FR
James Gray 1h50 VO ST. BIL
Takeshi Kitano 1h34 VO ST. FR
Jeudi Dimanche Samedi Dimanche Lundi Mardi
p.50
Chris Marker 2h00 VO ST. FR
21:40 16:40 19:10 14:10 16:40 21:40 14:10 19:10 21:40 14:10 16:40 19:10 p.73
16:10 21:10 13:40 16:10 18:40 13:40 21:10 16:10
p.91
Aditya Assarat 1h32 VO ST. BIL
19:10 21:40 14:10 16:40 14:10 19:10
Dimanche Mardi Samedi Mardi Mercredi Vendredi Lundi Mardi
5 / 07 7 / 07 11 / 07 14 / 07 15 / 07 17 / 07 20 / 07 21 / 07
21:10 18:40 21:30 13:40 16:10 18:40 13:40 21:10
26/8
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