Contemporary British Art

h Art s i t i r ry B pora m e t on ní / C ě m u ké brits é n s a Souč

t ish Ar t i r B ary mpor e t n o ění / C m u é sk é brit n s a č Sou

© Galerie hlavního města Prahy, 2012

DOCK L A B THANBURROWS A N O J HEW COLLINGS T T A M AND ER S G G I B APP TIE C S E JAM IC CHRIS CEDR OOMBS Y DAN C COVENTR KEITH RD DYKE HOWA ALLANT TOM G ALL NEIL G GODDARDF STEVE ANE GRAF STEPHAN HAJJAJY HASS US HARVE CONDIE MARC OOD AND HEYWHOUSLEY IS PAUL Y KROKATS HENR LAI PHILIPY LAMB PENN LOCKE N HEW R MARSDE OLIVEN MARTIN JASO MOSLEY RYAN Vé ZAK O ERFECT DAN P RAE FIONAY REIGATE LS BARR EL SAMUE MICHA SUCCO CHRIS TAIT TT NEAL THOMPSE DOLLY TURK GAVINLAS WHITE DOUG

Předmluva Výstava London Twelve je výsledkem kontinuálního úsilí Galerie hlavního města Prahy o prezentaci současného britského umění novému publiku v Praze. Galerie se rozhodla pro její realizaci v návaznosti na dvě předcházející úspěšné přehlídky britského umění Close Echoes a Other Times. Výstava Close Echoes byla svého druhu první a představila v roce 1998 v Praze a poté v rakouském Kremsu vedle umělců české a rakouské scény řadu významných britských autorů: Dinos & Jake Chapman, Abigail Lane, Mat Collishaw, Mona Hatoum, Richard Billingham, Douglas Gordon, Christine Borland. Výstava Other Times se konala v roce 2004 v Domě U Kamenného zvonu a zahrnovala práce Tacity Dean, Petra Doiga, Sam Taylor-Wood, Cornelie Parker a dalších. Všechny tři výstavy pojí téma současného britského umění, ale jedná se o autonomní koncepčně nezávislé a nesrovnatelné projekty. Zajímavé jsou určité posuny v jejich pojetí. Působivost výstavy Close Echoes byla do značné míry určena silnou až šokující vizualitou vystavených děl, především britských umělců – příslušníků generace YBAs (Young British Artists), kteří v devadesátých letech získali vedoucí postavení doma i za hranicemi. Přitom však výstava měla od počátku svého zrodu sice otevřenou, ale jasně vymezenou tematicky polarizovanou koncepci, která byla uvedena v samotném podnázvu výstavy Public Body & Artificial Space (Veřejné tělo + umělý prostor) a snažila se reflektovat dobově aktuální umělecké tendence. Koncepce druhé výstavy Other Times zahrnující pouze britské umělce byla volnější

6/7

a poetičtější s nadčasovým přesahem, spíše než z témat vycházela z určitého pocitu nostalgické touhy po zachycení nezachytitelného. Snažila se postihnout jakousi přetrvávající spodní vrstvu současného britského umění vztahující se ke kritické recepci času, k jeho plynutí a odkazující k nenaplněným snům, deziluzi utopických představ, k napětí mezi fikcí, idylickými ráji a realitou. Koncepce výstavy London Twelve se objektivizujících kritérií záměrně zříká. Její autor Toby Clarke výstavu pojímá jako „snímek“ zachycující tvorbu autorů: „…jejichž díla a ateliéry navštívil během posledního roku…“ Jako by do značné míry otvíral prostor i nahodilosti, Clarke důrazně odmítá pojetí výstavy jako přehlídky elitních umělců reprezentujících současnou londýnskou uměleckou scénu, stejně jako jakékoli „škatulkování“ a třídění umělců či ambici na ucelenost a úplnost. Přitom jeho rozhodnutí pojmout koncept výstavy jako „momentku“ předcházely starší návrhy, od nichž nakonec upustil, kde detailně formuloval tematické okruhy a umělce do nich spadající. Zdá se však, že jeho konečný postoj výstižně rezonuje s charakterem tvorby vystavujících umělců. Řada z vystavených děl reaguje ať už přímo či nepřímo na rychle se proměňující pomíjivou neuchopitelnou „fragmentarizovanou“ podstatu současné reality. Svým obsahem a způsobem, jakým jsou tyto práce vytvářeny, se vztahují k dnešnímu světu „pohyblivých písků“, v němž není možné být si čímkoli jistý. Olga Malá

Foreword The exhibition “London Twelve” is a result of the continuous interest of the City Gallery Prague in presenting contemporary British art to the public in Prague. The City Gallery Prague has decided to hold it as a follow up of the two preceding successful shows of British art: “Close Echoes” and “Other Times”. “Close Echoes” was the first exhibition of its kind, presenting in 1998 in Prague and subsequently in Krems, Austria a number of outstanding British artists such as Dinos & Jake Chapman, Abigail Lane, Mat Collishaw, Mona Hatoum, Richard Billingham, Douglas Gordon and Christine Borland. The exhibition “Other Times” was held in 2004 at the Stone Bell House and featured works by Tacita Dean, Peter Doig, Sam Tailor-Wood, Cornelie Parker and others. All three exhibitions have been interconnected by their theme of contemporary British art, but they are autonomous conceptually independent and unique projects. Worthy of note are certain shifts in their concept. The appeal of “Close Echoes” was to a large extent given by the strong, almost shocking visual quality of the exhibited works by British artists, mostly of the YBA (Young British Artist) generation, who in the 1990s took the lead both at home and abroad. From the beginning this exhibition had an open concept, which, however, was clearly defined and polarized, as stated in its subtitle “Public Body & Artificial Space”, and tried to reflect topical artistic tendencies of the time. The concept of the second exhibition, “Other Times”, which included British artists only, was looser and more poetic; instead of specific themes it explored the nostalgia for capturing the elusive. It tried to cover some sort of the persistent bottom layer of contemporary British art related to the critical reception of time, to its

passage, which referred to unfulfilled dreams, disillusionment of utopian visions, the tension between fiction, idyllic paradises and reality. The concept of “London Twelve” has deliberately renounced any objectivizing criteria. Its author Toby Clarke has conceived this exhibition as a “snapshot”, as he says, “of the work of artists whose shows and studios I have visited over the last year.” As if to a large extent opening a space for randomness, Clarke emphatically rejects the concept of the exhibition as a survey of the top artists representing the contemporary London art scene or any “pigeonholing” and categorization of artists or an ambition to be comprehensive and complete. His decision to conceive this exhibition as a “snapshot” was preceded by earlier proposals, which he eventually dropped, in which he formulated in detail the thematic ranges and artists falling within their framework. It seems, however, that his final position aptly resonates with the character of art of the exhibiting artists. Many of the exhibited works respond either directly or indirectly to the rapidly changing elusive “fragmented” nature of contemporary reality. The content of these works and the way they are created relate to today’s world of “shifting sands”, in which one cannot be sure about anything. Olga Malá

úvod Současná umělecká tvorba v Londýně je nesmírně rozmanitá a nenalezneme v ní žádnou dominantní školu nebo skupinu, která by se dala snadno vymezit. Je plná talentů a neustále se vyvíjí a mutuje. Pokroky v technologii spolu se společenskými a kulturními změnami rozšířily platné umělecké území a otevřely nové možnosti pro průzkum. Zároveň v časem prověřených oblastech zkoumání, jako je pojetí přírody a identity, došlo k novým zvratům a ty jsou nyní pojednány ve vznešených i „podvratných“ souvislostech. Tato výstava si neklade za cíl reprezentovat londýnskou „uměleckou scénu“ jako celek, ani nechce být přehledem jejích elitních autorů. Jde o osobní snímek tvorby umělců, jejichž výstavy a ateliéry jsem navštívil za poslední rok. Výstava London Twelve je zasazena do historických kulis nádherného starobylého Domu U Kamenného zvonu, který vybrané práce zároveň omezuje a inspiruje. Tento jedinečný gotický městský palác, postavený v polovině 13. století, patří k nejpozoruhodnějším stavbám v Praze. Galerie hlavního města Prahy v něm jako v jednom ze svých několika výstavních prostorů pořádá výstavy současného a moderního umění. Výstava London Twelve proti sobě staví jednotlivé generace i etablované a nastupující umělce. Díla jsou prezentována tak, aby esteticky využila jedinečnost a charakter budovy. Nacházejí se v nich nicméně témata a motivy, které je propojují.

Mnoho umělců se zabývá otázkami identity a tím, co znamená být Britem. Londýn jako kulturní „tavicí kotlík“ přitahuje umělce z celého světa, kteří jeho vliv filtrují prizmatem svých předchozích zkušeností. Jiní, v Británii narození a usazení umělci, zkoumají, co znamená být Britem v měnícím se světě. Historicky se opakující uměleckou inspirací je příroda, i když v poslední době její vliv možná není se současným uměním tak silně spojován. Několik umělců se zabývá přírodou v rámci své existence v městském prostředí, kterou prezentují v různém pojetí pomocí asambláže, videa, performance a malby. Konečně mnoho umělců na této výstavě se věnuje tomu, jak nově přistoupit k abstrakci. Jedním z témat je zájem o to, jak barva, světlo a forma v abstraktní malbě působí na diváka, který vstupuje do interakce s dílem prostřednictvím pohybu a vědy vizuálního zpracování. Jiní autoři vytvářejí díla, která mohla vzniknout teprve teď s ohledem na vývoj technologií, zatímco jiná díla odkazují k historii a usilují o nadčasovost nebo slouží jako referenční bod. Snaha o kategorizaci vystavovaných umělců samozřejmě skýtá plno příležitostí ke zkreslenému podání. Řada z nich by mohla mít pocit, že jejich tvorba nebyla v rámci jednotlivých kategorií správně označena. Mandátem této výstavy je pouze představit momentální pohled na uměleckou tvorbu v Londýně, která stejně jako město samotné vzkvétá díky své rozmanitosti. Toby Clarke

8/9

Introduction Current artistic practice in London is entirely diverse with no dominant school or group easily located or pinpointed. Awash with talent, it is constantly evolving and mutating. Advances in technology coupled with societal and cultural change, have expanded valid artistic territory opening new avenues for exploration. Concurrently, timehonoured areas of inquiry such as the treatment of nature and identity are given new twists, explored in both sublime and subversive contexts. This exhibition does not aim to be representative of the London “art scene” as a whole, nor a survey of those at the top of the tree. It is a personal snapshot of the work of artists whose shows and studios I have visited over the last year. “London Twelve” is set in the historical confines of the exquisite ancient Stone Bell House, which both restricts and inspires the works chosen. Dating back to the mid 13th century, this unique Gothic town palace is one of the most exquisite buildings in Prague. The museum hosts exhibitions of contemporary and modern art as one of several sites of the City Gallery Prague. The show juxtaposes generations, as well as established and emerging artists. Works are presented aesthetically in order to take advantage of the unique character and nature of the building. However, there are threads and themes that run through the show.

Many of the artists explore issues of identity and what it is to be British. London, as a cultural melting pot attracts artists from all over the world who filter its influence through the lens of their past experience. Other British born and based artists explore what it means to be such within a changing world. Nature is historically a recurring artistic inspiration, although its influence has perhaps not been as heavily associated with contemporary art in recent times. Several of the artists investigate this theme within the context of their existence in the city environment, offering different twists through assemblage, video, performance and painting. Finally many of the artists in this exhibition are concerned with new ways to address abstraction. One thread is the interest in how colour, light and form in abstract painting create a pact with the viewer, whereby he or she interacts with the work through movement and the science of visual processing. Others create work that could only be made now with advances in technology or refer to history aiming for timelessness or as a referential anchor. Of course trying to categorize the artists in the show is full of opportunity for misrepresentation. Many artists involved would feel their work to be unfairly labeled within such boundaries. In the end the mandate is for a snap shot of London’s artistic practice and as such, like the city itself, thrives on its diversity. Toby Clarke

JONATHAN BALDOCK Jonathan Baldock pod vlivem folklorní tradice a rituálů využívá tradičních metod domácích řemesel, jako je například výšivka, háčkování a keramika, které absurdně slučuje s percepčními triky připomínajícími tradici surrealismu. V Sedící postavě (2010) Baldock odkazuje na sochu Chac Mool vytvořenou starověkou mayskou civilizací. Tyto výrazně zdobené sošky božstev se staly inspirací pro ikonické práce Henryho Moora vytvořené z hladkého bronzu nebo mramoru. Zde jsou však zvolenými materiály aplikace, plsť, výšivka a malba. To nebrání tomu, aby Baldockova postava nepůsobila mocným až majestátním dojmem, který vyvolává evokace drahokamy posetých božstev Jižní Ameriky. V Baldockově díle je historická ikonografie internalizována a použita novým způsobem. Musica (2011) vychází z italské commedia dell’arte. Na tomto velkém závěsném obraze vytvořeném z aplikace plsti na pytlovině Baldock vynalézá nové postavy a surreální hybridy. Dílo je reflexí opulentních renesančních tapiserií a nabízí variace podobné divadelním kulisám nějakého zapomenutého představení. Odráží ducha commedia dell’arte v reakci na politickou krizi 14. století tím, že rozvíjí komerčnější a nezávislejší způsob výrazu; je to nenucené gesto, ale takové, které je prodchnuto pocitem dědictví a ikonografického rodokmenu.

12 / 13

Influenced by the traditions of folklore and ritual Jonathan Baldock utilizes traditional home-craft methods such as embroidery, crochet and ceramics absurdly amalgamated with perceptual tricks reminiscent of the surrealist tradition. In ‘Reclining Figure’ (2010) Baldock references the Chac Mool of ancient Mayan Civilizations. These heavily decorated sculptural deities were inspiration for Henry Moore’s iconic works made of smooth bronze or marble. Here though, appliqué, felt, embroidery, and painting are the materials of choice. This doesn’t prevent Baldock’s figure from having a powerful presence, even a majesty, which relates closely to the jewel-adorned deities of South America. In Baldock’s work, historical iconography is internalized and re-deployed. ‘Musica’ (2011) takes the Italian commedia dell’arte as its point of departure. On this large wall hanging made of appliqué felt on hessian, Baldock invents new characters and surreal hybrids. Reflecting on the opulent tapestries of the Renaissance this work offers up a variation akin to a theatrical backdrop from some forgotten performance. It reflects the spirit of the Commedia dell’arte as a response to the political crisis of the 14th century, by developing a more commercial and independent form of expression; a throwaway gesture, but one that is imbued with a sense of heritage and iconographical lineage.

Sedící postava / Reclining Figure 2010 Plsť, příze, tyrkysová barva, pěnovka, dřevo, akryl / Felt, thread, turquoise, foam, wood, acrylic paint 135 × 66 × 167 cm

14 / 15

JONATHAN BALDOCK

Musica 2011 Pytlovina a plsť / Hessian and felt 234 × 280 cm

EMMA BIGGS & MATTHEW COLLINGS Emma Biggs a Matthew Collings jsou umělecká dvojice, která vytváří olejomalby pojednávající o barvě, světle a percepci. Používají němou, prázdnou, složitou formu – sérii trojúhelníků v síti – ne jako nápad sám o sobě nebo jako citaci ze života (jako například tapeta nebo golfové svetry), ale jako nehybnou nádobu pro barvu. Význam je všude – je těžké se mu vyhnout. Navzdory záměrům Emmy Biggs a Matthewa Collingse je zde patrné zobrazení, ale jejich snahou je prozkoumat, jak vypadá svět, když odstraníte dobře známé formy s jejich matoucími narativními rezonancemi a nahradíte je neutrální komplexní strukturou. Je to krajinomalba bez krajiny. (Pokud by to byla skutečně krajina, šlo by spíše o krajinu městskou než venkovskou.) Emma Biggs a Matthew Collings věří, že malba je dnes v krizi – jaký smysl má zastaralá forma ve světě, kde je zobrazení všudypřítomné? Jejich odpověď vychází z pohledu na místo původu malby, kterým jsou dějiny umění, zatímco vedlejším produktem původních symbolických a zobrazovacích záměrů umění je krása. Proto název tohoto díla (stejně jako všech jejich děl z poslední doby) pochází z knihy Genesis, jejíž původní mýty jsou nedílnou součástí křesťanské, židovské i islámské historie a jejíž příběhy utvářely rané západní umělecké zobrazení.

16 / 17

Biggs and Collings are a team of two, making oil paintings that are about colour, light and perception. They use a mute, blank, intricate form – a series of triangles in a grid – not as an idea in itself, or as a quote from life (wallpaper or golfing sweaters for example) but as an inert container for colour. Meaning is everywhere – it’s hard to avoid. Representation looms up in spite of Biggs’ and Collings’ intentions, but they aim to examine what the world looks like if you take away familiar forms with their confusing narrative resonances, and substitute a neutral, complex structure. It’s landscape painting without the landscape. (The kind of landscape it would be, if there were one, would be urban rather than rural.) They believe that painting today is in some kind of crisis – what is the point of an antiquated form in a world where representation is ubiquitous? Their answer comes from looking at painting’s place of origin: the history of art, and a by-product of art’s original symbolic and depictive intentions: beauty. Hence the title of this work (as with all their recent works) comes from the Book of Genesis – whose origin myths are integral to Christian, Jewish and Islamic history, and whose tales inform early Western artistic depiction.

Dcery mužů / Daughters of Men 2012 Olej na plátně / Oil on canvas 152,4 × 152,4 cm

18 / 19

EMMA BIGGS & MATTHEW COLLINGS

MATTHEW BURROWS Malby Matthewa Burrowse zkoumají střet mýtu a modernosti. Z vymývané, seškrábané a setřené barvy se vynořují obrazy rašících biomorfních postav, které prorůstají do jiných forem nebo prostor. Podivné tvary a postavy obývající jeho obrazy hodně připomínají jak anatomickou příručku, tak i zahradní kůlnu na nářadí. Umělcovým cílem je vizuálně zobrazit nevizuální vlastnosti – ne to, jak lidé nebo věci vypadají, ale jací nebo jaké jsou. Spojuje dohromady charakter a příběh v rámci zbytků mýtu, náboženství a životního prostředí a využívá vlastností barvy, aby zpochybňoval nebo se inspiroval příběhem v rámci abstraktní formy.

20 / 21

The paintings of Matthew Burrows explore the clash of myth and modernity. The paint is washed, scraped and rubbed to coax out images of biomorphic figures budding into life, growing out of themselves into other forms or spaces. The strange shapes and figures, which populate his paintings owe as much to the anatomist’s handbook as they do to the gardener’s potting shed. His aim is to bring visual representation to nonvisual qualities – not how people or things look but how they are. He mixes and attaches character and narrative within and derived from the detritus of myth, religion and environment whilst using the qualities of paint to question or inspire narrative within abstract form.

Chuť ráje / A Taste for Paradise 2011 Olej na desce / Oil on board 47 × 40 cm

22 / 23

MATTHEW BURROWS

Zahradní milenci / Garden Lovers 2011 Olej na lněném plátně / Oil on linen 120 × 90 cm

JAMES CAPPER James Capper ve své tvorbě používá strojírenské materiály a techniky průmyslového designu. Inspiroval se průkopnickým vynálezcem zemních strojů Robertem Gilmourem LeTourneau a jako kanonický umělec v procesu umělecké tvorby uplatňuje metodologii mechanických postupů. Capperův repertoár materiálů – ocel, hliník a hydraulika – stejně jako způsoby jejich spojení – svařování, kovoobrábění a řezání plazmou – demonstruje začlenění průmyslových procesů do realizace jeho uměleckých koncepcí. Utilitární impulz, který je základem těchto děl, diktuje, aby byla praktická a funkční. Estetický vzhled těchto objektů je úměrný jejich důmyslnosti a vhodnosti pro daný účel. Tato díla jsou stejně jako nejlepší strojírenské výrobky krásná svou funkčností. Razicí zuby jsou nástroje na řezání, škrábání a tvarování určené pro upevnění na stroje vyrobené umělcem. Tyto zuby jsou koncipované tak, aby se dovedly zakousnout do země a rozervat ji, vpisovat vzory přímo do terénu. S díly jako Přenosná řezačka lze řezat nebo zakreslovat konkrétní předem daný tvar do různých povrchů, v tomto případě otáčením kola vykroužit díru do omítky.

James Capper’s art incorporates the materials of mechanical engineering and the techniques of industrial design. Inspired as much by the pioneering inventor of earthmoving machinery Robert Gilmour LeTourneau as any canonical artist, Capper’s methodology applies mechanical processes to the process of making art. The artist’s repertoire of materials – steel, aluminium and hydraulics – as well as the means of their reconciliation – welding, metalworking and plasma cutting – demonstrates his incorporation of industrial processes into the realization of his artistic concepts. The utilitarian impulse that underlies the works dictates that they are practical, that they work. The aesthetic appeal of these objects is commensurate with their ingenuity and fitness for purpose. These works are, like the best pieces of mechanical engineering, beautiful in their functionality. The ‘Ripper Teeth’ are cutting, scoring and shaping tools designed for attachment to machines built by the artist. The teeth are contrived to carve and tear into the ground, inscribing patterns directly onto the terrain. With works such as ‘Porta Carve’ the machine is conceived to carve or draw with its specific mark making character into a variety of surfaces, gouging out a hole as the wheel rotates, in this instance into plaster.

24 / 25

Přenosná řezačka / Porta Carve 2012 Lakovaná ocel, hydraulika, sádra / Painted steel, hydraulics, plaster 40 × 87 × 35 cm

26 / 27

JAMES CAPPER

Rotační řezačka / Rota Carve 2009 Sádra, ocel, motor a spínač / Plaster, steel, motor and switch 80 × 70 × 40 cm

Razicí zub (originál) / Ripper Tooth (original) 2011 Ocel / Steel 53 × 90 × 20 cm

Razicí zub D (verze A) / Ripper Tooth D (Version A) 2011 Ocel / Steel 56 × 170 × 20 cm

CEDRIC CHRISTIE Cedric Christie tvoří svá díla kombinovanou technikou a zkoumá široký okruh kulturních a uměnovědných referencí. Jako jemný nástroj komunikace často používá humor a ironii. Využívá a manipuluje předměty každodenní potřeby jako kulečníkové koule, lešení a dokonce automobily, z nichž vytváří sochy usilující o kritické zhodnocení moderny, které si zároveň pohrávají s formou a významem. Zajímá se o proměnlivou hranici mezi uměním a objektem a do své tvorby zahrnuje nezřetelné. Socha Horká čokoláda (2012) využitím netradičních materiálů jako ocelový krunýř a anatomie kulečníkových koulí naznačuje navzdory svému hravému názvu znevážení posvátné ideologie modernistického sochařství.

28 / 29

Cedric Christie’s multi-media work explores a broad range of cultural and art historical references, often using humour and irony as subtle vehicles of communication. He incorporates and manipulates everyday objects such as snooker balls, scaffolding, and even cars, to create sculptures aiming at a critical appraisal of Modernism as well as playful explorations of form and meaning. There is a strong interest in the fluid line between art and object, and an embracing of the indistinct. The sculpture Hot Chocolate, 2012, by using unorthodox material such as this steel exoskeleton and snooker ball anatomy, suggests a debasement of the sacrosanct ideology of Modernist sculpture despite its playful title.

Hot Chocolate / Horká čokoláda 2012 Ocel a hnědá fenolová pryskyřice / Steel and brown phenolic resin 52 × 8 × 5 cm

30 / 31

CEDRIC CHRISTIE

DAN COOMBS Pomocí estetiky založené na koláži vyvinul Dan Coombs jazyk, který se pokouší rozostřit imaginární a reálné, aby maloval obrazy, které se snaží být paradoxní, snové a nadnesené. Malby Dana Coombse, zajímajícího se o halucinace a duchovní vize, zachycují lidská setkání plná tajemné, symbolické moci, jejichž interpretace je záměrně ponechána na divákovi. Vznikají komplikovaným procesem koláže, která zasazuje postavy do zcela smyšleného okolí, do krajin alternativních světů nebo interiérů. Postavy, v nichž se autor pokouší zachytit podstatu emocionální situace, zobrazit nějaké myšlenky nebo vyjádřit významy, se vyznačují zvláštní nejednoznačností – lze je vykládat jako emanaci umělcovy duše nebo jako plnohodnotná stvoření. K nabité atmosféře těchto scén přispívá gestická malba a intenzivní barva. Coombs namaloval čtyři obrazy Boha v roce 2011, aby ztvárnil dávnou nejasnost – jestli Bůh existuje, tak jaký je? Byl člověk stvořen k obrazu Božímu, nebo je Bůh zobrazením člověka? Coombs se domnívá, že pokud má mít Bůh podobu člověka, musí mít i svou temnou, zvířecí stránku, a také ženskou stránku. V tomto svém díle zkoumá možnost takového zobrazení. Náboženství vzniká v nepřítomnosti Boha. Dokonce i pro nevěřící je Bible stále největším dílem lidské představivosti. Pro Coombse je Bůh jakousi projekcí vytvořenou lidmi v jeho nepřítomnosti. Toto dílo pojednává o víře a mísí prvky božského vlivu a zpochybňuje, ale zároveň hýčká naše předem dané představy o božství.

32 / 33

Through an aesthetic based on collage, Dan Coombs has developed a language that attempts to blur the imaginary and the real, to make paintings that are attempting to be paradoxical, dreamlike and heightened. Interested in hallucination and the visions of the mind’s eye, Dan Coombs’s paintings depict human encounters charged with a mysterious, symbolic power. Deliberately left open to interpretation from the viewer, they are constructed from a complicated collage process, which unites the figures with entirely invented surroundings, landscape alternative worlds or interior spaces. Attempting to capture the essence of an emotional situation, to represent ideas or embody meanings, his figures have an uncanny ambiguity – they can be interpreted as emanations of the artist’s psyche, or as creatures in their own right. The gestural paint and heightened colour contribute to the charged atmosphere of these scenes. Coombs made four paintings of God in 2011 in order to externalize an old confusion – If God exists, then what is he? Is man made in God’s image or is God made in man’s image? If he is made in man’s image, Coombs proposes, he must have a dark side, an animal side, and also a feminine side. He explores in this painting whether it is possible to represent this? Religion arises in the absence of God. Even for non-believers the Bible is still the greatest work of the imagination produced by human beings. For Coombs, God is a kind of projection created by human beings in his absence. This painting plays with this belief fusing elements of godlike influence questioning but also cosseting our preconceived notions of Godliness.

Bůh 1 / God 1 2011 Olej na plátně / Oil on canvas 180 × 240 cm

34 / 35

DAN COOMBS

KEITH COVENTRY Keith Coventry vytváří obrazy a sochy, které pracují s dědictvím moderny, aby řešil podmínky současného městského života. Jeho výstřední a osobní projekt na vytvoření formy soudobého historického malířství pracuje s obrovským rozsahem referencí. Tyto malby a plastiky staví dějiny umění – Maleviče, Mondriana a Warhola – mezinárodní modernu, minimalismus a pop art – proti obrazům hrdinství a idealismu, zpustlé dekadence a nenormálního chování. Coventry se trvale zajímá o temnou stránku idealismu: úpadek města, sociální selhání, braní drog a odcizení. Mnohé z kunsthistorických odkazů, které používá, jsou definovány utopickými ideály moderny, jejímž cílem bylo předělat svět. Coventry si hraje s těmito názory a ukazuje, že jsou pochybené a dokonce nesprávné, přičemž propast mezi přesvědčením a realitou vytváří v jeho díle řadu znepokojivých spodních proudů. Nejprve začal kolem roku 2000 manipulovat s logem McDonald’s v cyklu Junk. Použité nádobí z fast foodu, které se kupilo kolem jeho ateliéru, se stalo několikanásobnou inspirací; nejprve si všiml, že ikonická žlutá, červená a černá barva, kterou společnost McDonald’s používá jako své logo, zapůsobily na jeho paletu původně inspirovanou konstruktivismem, a za druhé postřehl, že výsledný vzor vzniklý ze zmačkaného loga a naskládaných hromad kartonu je abstrahovaný a nabývá bezprostředně čistě abstraktní podoby. Nakonec celý étos nalezeného předmětu až po malbu velmi dobře zapadl do autorovy hlavní hnací síly jeho tvorby, kterou je moderna, společnost a úpadek. K této myšlence se vrátil asi před rokem a od té doby z ní učinil své hlavní zaměření.

36 / 37

Keith Coventry creates paintings and sculptures which manipulate legacies of Modernism to address conditions of contemporary urban life. His idiosyncratic and personal project to create a form of contemporary history painting encompasses an immense range of reference. These paintings and sculptures pit art history – Malevich, Mondrian and Warhol – International Modernism, Minimalism and Pop Art – against images of heroism and idealism, dissolute decadence and aberrant behaviour. Coventry has an enduring interest in the dark flipside of idealism: urban decay, social failure, drug abuse, and alienation. Many of the art historical references that he deploys are defined by the Utopian ideals of Modernism, the aim of which was to refashion the world. Coventry plays with these beliefs and shows them to be misplaced, even misconceived, the gulf between belief and reality stimulating a series of troubling undercurrents in his work. He first started to manipulate the McDonald’s logo around 2000 in his ‘Junk Series’. The discarded paraphernalia of fast food that was collecting outside his studio stirred several inspirations; firstly he noticed that the iconic yellow, red and black colours the company used for their logo struck his own palette originally inspired by the Constructivists, secondly he noticed the resulting pattern of the crumpled logos and the cropped composition of the cartons were abstracted, forming an immediate pure abstract form. Lastly the whole ethos of found object through to painting fitted extremely well into the artist’s main drive through his work: Modernism, society and decay. He started to revisit the idea a year ago and has since made it his main focus.

Junk 2 2011 Olej na lněném plátně, sklo a dřevo / Oil on linen, glass and wood 177,8 × 147,3 cm

38 / 39

KEITH COVENTRY

HOWARD DYKE Dyke ve své tvorbě spojuje malbu s kolážemi z fotografických snímků a vypůjčuje si ze stylů odvozených z procesuální malby 90. let a výpůjček 80. let až po abstrakci let 50. a hromadění materiálů na způsob Kurta Schwitterse. Jako výchozí bod svého zkoumání Dyke používá emocionálně vypjaté záběry převzaté z tisku a internetu a má tendenci zabývat se jedním tématem opakovaně v mnoha dílech. Konečné zúčtování každého z nich není ilustrací zdrojového materiálu, ale její mnohovrstevnou interpretací. Jeho snahou je, aby barva popisovala obraz emotivně; pracuje rychle, ale pomocí prvků koláže pak mění tempo. Tyto prvky putují ateliérem od obrazu k obrazu a mění cíl, až se nakonec nepříliš pohodlně usadí do svého nového prostředí. Dyke své obrazy neustále přemalovává a vrství v nich vizuální informace, v nichž se vrací k podstatě svých úspěšných prací, které opět předělává. Jizvy z předchozích obrazů jsou zřejmé, zakrvácené, plné modřin, bodnutí a seknutí. Jeho paleta je nesmlouvavá – lesklá, matná, odporná, špinavá, vzorovaná, průmyslová, tvrdá a měkká, šťastná i rozzlobená.

Dyke’s works mix paint with collaged photographic imagery, raiding styles taken from 1990s process painting and eighties appropriation through to 1950s abstraction and Schwitteresque material gathering. He uses charged imagery foraged for in newspapers and the internet as a starting point for his exploration and will tend to investigate a theme over many works. The final reckoning of each one is not an illustration of the source material but a multilayered interpretation of it. He aims to let the paint describe the image emotively; working fast but using collage elements to then change the pace. These elements migrate around the studio from painting to painting, changing destination until they sit uncomfortably in their new surroundings. He will constantly make and remake paintings layering the visual information again and again and revisiting and changing the nature of successful works. The scars from previous paintings are evident, bloodied, bruised, stabbed and cut. The palette is unapologetic – shiny, matt, lurid, soiled, patterned, industrial, hard and soft, happy and angry.

40 / 41

Úsvit s růžovými prsty / Rose Fingered Dawn 2011 Olej, akryl, reflexní páska, PVC a koláž na plátně / Oil, acrylic, reflective tape, PVC & collage on canvas 211 × 171 cm

42 / 43

HOWARD DYKE

NEIL GALL Neil Gall z obyčejných věcí jako plastelína, nit, kartonová lepenka, páska nebo hadry vytváří fantastické objekty a krajiny, z nichž se po jejich vyfotografování stávají malby, koláže a kresby. Autor plně využívá lidského sklonu na každém kroku objevovat tváře a antropomorfní formy. Hyperreálné provedení těchto prací kontrastuje se zdánlivě absurdní a fantastickou směsí objektů a roztříštěných kombinací různých perspektiv. Ostře modelované předměty se svými strukturovanými povrchy mají tendenci házet stíny, což vede k velice přesvědčivé hmatově prostorové iluzi. Tato díla se zdají být krásná a děsivě odpudivá zároveň. Z podivných surrealistických krajin se vynořují tajemné hybridní bytosti, což mimeticky zachycuje banalitu každodenního života.

44 / 45

Using commonplace items such as plasticine, thread, cardboard, tape or rags, Gall creates fantastic objects and landscapes that, once photographed, become paintings, collages, and drawings. The artist takes full advantage of the human propensity to discover faces and anthropomorphic forms at every turn. The hyper-real executions of these works stand in contrast to the seemingly absurd and fantastic mixture of objects and fragmented combinations of multiple perspectives. The starkly modelled objects with their textured surfaces tend to cast shadows resulting in highly convincing tactile spatial illusion. These works seem at once both beautiful and eerily repulsive. Mysterious hybrid creatures emerge from strange, surreal landscapes that mimetically depict the banality of everyday life.

Náměsíčník / The Sleepwalker 2011 Olej na plátně / Oil on canvas 71 × 54,5 cm

46 / 47

NEIL GALL

TOM GALLANT Tom Gallant se ve své tvorbě zajímá o hrubého či nepřítomného muže v naší historické i současné výtvarné kultuře, a to prostřednictvím průmyslových odvětví, která jsou její hnací silou. Používá metodiku, která si osvojuje řemesla i motivy, a zabývá se souvislostmi mezi rekonfigurovanými prvky literárního výzkumu. Jeho dílo, které bylo přirovnáno ke zkoumání sběratelské kultury s ikonografií sahající od etymologické sbírky motýlů po gotická rozetová okna a viktoriánské tapety, používá řadu fyzických vrstev, které divákovi zprostředkovávají úroveň vynaložené práce, řemeslné dovednosti a estetiky, ale zároveň kladou otázku, jaký je vlastní význam této tvorby.

Gallant’s work concerns itself with the abusive or absent male in our historical and contemporary visual culture, through the industries that drive them. Using a methodology, which appropriates crafts as well as motifs, his practice looks at connections between reconfigured elements of literary research. Described as an exploration of collector culture with iconography ranging from etymological collections of moths, to gothic rose windows and Victorian wallpaper, the work uses a series of physical layers that allow the viewer to experience the level of labour, craft and the aesthetic whilst also questioning the work’s underlying meaning.

Složité vystřihovánky z papíru se tradičně používají na odstranění a odhalení v procesu maskování obscénnosti a vytvoření třetího prostoru, kde lze takové dílo vnímat z hlediska toho, co je neviditelné, stejně jako toho, co je viditelné. Hra světla a stínu objektivizuje tradičně dvojrozměrné médium a vytváří erotický závoj, avšak tím dílo nepřestává být pornografické. Soukromé se stává veřejným a vrací se do soukromí pouze prostřednictvím osobní interpretace.

Traditionally, intricate paper-cutting is used as a process to remove and reveal, disguising the obscene and creating a third space where the work can be read for what is invisible as much as what is visible. The play between light and shadow objectifies the traditionally two-dimensional medium, creating an erotic veil whilst still being pornographic. The private is made public and only returns to the private through personal interpretation.

Kdybych byl ostříhán je inspirováno knihou Soudce 16; 16, 17 – okamžikem, kdy Samson přiznává pravdu, čímž odhaluje svou slabou stránku. Gallant se vrací ke svému grafickému vzdělání a nahrazuje dřevěné špalíky, z nichž se skládají parkety, reliéfně tištěnými vlasy z rytin Gustava Dorého ilustrujícími Bibli. Vezmeme-li celou škálu snímků od prostitutky prosící o život svého dítěte, Samsonovy kadeře, v nichž spočívá jeho síla, a Ježíšovy vlasy slepené krví, tato sexuální a náboženská symbolika spojená s abstraktním motivem diváka spojuje s hříchem bez ohledu na jeho víru.

‘If I be Shaven’ is inspired by Judges 16; 16, 17 – the moment when Samson confesses the truth, thereby revealing his weakness. In a return to Gallant’s background in printmaking, the sections of wood that form a parquet floor are replaced by reliefprinted images of hair from Gustav Doré’s engravings for the Bible. Taking the full gamut of imagery from the prostitute begging for her child’s life, Samson’s strength-giving locks, and Jesus’s hair matted with blood, the sexual and religious symbolism associated with the abstract motif connects us to sin, regardless of the viewer’s beliefs.

48 / 49

Kdybych byl ostříhán / If I be Shaven 2012 Reliéfní tisk inkoustem / Relief printing in ink Variabilní rozměry / Dimensions variable

50 / 51

TOM GALLANT

STEVE GODDARD Tvorba Steva Goddarda má kořeny někde v 20. století, ale jeho přístup k portrétování je zároveň velice průkopnický vzhledem k rozmanitému použití materiálů, techniky a textury. Jeho portréty vypadají starobyle či vyzrále, mají jakousi patinu. Jsou ošklivé, krásné a často trochu děsivé. V jeho díle vidíme sloučeninu nebo elementární směs tvorby mnoha jiných umělců, zabarvenou jeho osobní historií a emocionálním vnímáním světa. Steve Goddard bere sestříhané části dějin umění od autorů, jejichž tvorba ho oslovila, a pocit, který má z pohledu na jejich práce, přenáší do svého jedinečného světa, projevujícího se hlavně v realistických rodinných portrétech. Nechce zkoušet císařovy nové šaty, ale kolekci nádherných rób, které rozstříhá a zase sešívá ve tvaru někoho, kdo je pro něj důležitý. Goddard je stejně jako mnoho jiných umělců fascinován lebkami a válkou. Mnoho z jeho děl, jakož i Mein Kampf z roku 2012, odkazuje na jeho dávno zemřelou babičku, která byla stěžejní postavou v jeho životě. Cyklus Babiččiny hlavy připomíná masky smrti, ale tyto masky nejsou morbidní. Jsou jakýmsi velebením její památky a toho, co pro něj udělala, když mu hodiny a hodiny předčítala příběhy a naučila ho malovat. Tyto masky začaly v nedávné době fungovat jako portály, na které může zavěsit další své vzpomínky nebo to, co si vybavuje ze světových dějin, které ho ovlivnily a podnítily jeho představivost.

52 / 53

Goddard’s work seems to be rooted somewhere in the 20 th century, yet at the same time his approach to portraiture is pioneering with its diverse use of material, technique and texture. His portraits seem aged or matured, with a kind of patina. They are ugly, beautiful and often a little scary. We see in his work an amalgamation or elemental blend of the work of many, coloured by Steve’s personal history and emotional take on the world. He is taking spliced sections of art history, taking from the artists whose work he is excited by and applying the feeling he gets from looking at their work to his own unique world, manifested primarily in gritty family portraiture. He does not wish to try on the Emperor’s new clothes but to take a collection of resplendent robes, cutting them up and sewing them together in the shape of someone relevant to him. Like so many artists, death skulls and war fascinated Goddard. So much of his work including ‘Mein Kampf’ 2012 refers to his grandmother, long since gone, a pivotal figure in his life. The Nan Head series reminds one of death masks, but they are not morbid. They are instead encomiums in honour of her and what she did for him, reading stories for hours and teaching him how to paint. They act in recent times as portals for him to hang other memories or recollections of world history, which have affected him and captured his imagination.

Mein Kampf 2012 Kombinovaná technika na desce / Mixed media on board Průměr / Diameter 138 cm

54 / 55

STEVE GODDARD

STEPHANE GRAFF Stephane Graff se zabývá identitou a pamětí jako primárními tématy své tvorby. Jeho cyklus Professore představuje hloubkový archiv věnovaný životu a dílu záhadného vědce. Graffa zaujala zdánlivě přirozená důvěra společnosti ve vědu, a tak vytvořil postavu „Profesora“ jako alter ego, které zpochybňuje vnímání řádu a sociální identity. Výsledné zobrazení stírá rozdíly mezi skutečností a fikcí. Graffovy monochromatické obrazy se podobají fotografiím, představujícím další dualitu, kde fantazii prakticky nelze oddělit od skutečnosti. Profesorova nekonvenční věda se může pohybovat v rozmezí od fantastického po banální, ale vždy je prezentována se stejnou úctou a jeho vtipné experimenty paradoxně působí docela věrohodně. Projekt Professore zahrnuje fotografie, videa, sochy a obrazy. Stephane Graff tvoří své fotografie pomocí alternativních technik, jako jsou negativy na skleněné desce, bromolejotisky a autorův vlastní vynález graffitisk. Všechny jednotlivé prvky do sebe navzájem zapadají. Tato metodologie do jeho díla vnáší pocit nostalgie a experimentování a přibližuje ho k historickým kořenům fotografie, kde unikátní ručně zpracované snímky naopak vykazují znaky malířské kvality.

56 / 57

Stephane Graff deals with identity and memory as primary themes in his work. His series ‘Professore’ is the creation of an in depth archive on the life and work of an enigmatic scientist. Interested by society’s seemingly innate trust in science, Graff constructed the character ‘Professore’ as an alter ego that challenges perceptions of order and social identity. The resulting imagery blurs distinctions between fact and fiction. Graff’s monochrome paintings appear like photographs, presenting an additional duality, where fantasy becomes virtually inseparable from reality. Professore’s unconventional science can range from the fantastic to the banal, but it is always treated with equal reverence and his humorous experiments ironically come across as plausible. The ‘Professore’ project includes photographs, video works, sculptures and paintings. Graff produces his photographs using alternative techniques such as glass plate negatives, bromoil prints and the artist’s own invention, the Graffite print. Each element feeds into the other. This methodology infuses a sense of nostalgia and experimentation into the work, bringing it closer to the historical roots of photography, where unique hand crafted images conversely appear to have subtle painterly qualities.

Ruce času / The Hands of Time 2011 Olej na plátně / Oil on canvas 160 × 200 cm

58 / 59

STEPHANE GRAFF

HASSAN HAJJAJ Britsko-marocký autor Hassan Hajjaj ve své tvorbě s vřelostí a humorem zachycuje jedinečnou atmosféru a pozitivní rytmus ikonografie severoafrické ulice. Reaguje na nové technologie, krajiny v procesu transformace, bující globalizaci a síly kapitalismu a zejména reklamu. Hajjaj pracuje především s fotografií, ale také s „produkty“ včetně nábytku a oděvů, které se staly rekvizitami v jeho inscenaci současného marockého života v Medíně. Hajjaj působí jako filtr a dívá se na svou rodnou zemi očima Londýňana. S hravostí se pokouší znovu definovat výjevy, které prostupovaly jeho dětství, od krabiček od sirek a plechovek s barvou po reklamy na Coca-Colu, přičemž vyznává warholovskou otevřenost vůči komerci jako platnému uměleckému území, ale zaměřuje se na napodobeniny nebo falešné verze všeobecně známých značek. Interakce mezi jeho současnou tvorbou a bohatým uměleckým dědictvím islámu přispívá ke složitosti a hloubce těchto živých a siláctvím prodchnutých prací a zároveň se zapojuje do širší diskuse týkající se islámské kultury. Hajjaj proti sobě staví tradici a předem vytvořené názory své země a rozšiřující se globalizaci a mezinárodně distribuované produkty.

60 / 61

British/Moroccan artist Hassan Hajjaj’s work captures the unique atmosphere and upbeat rhythm of north African street iconography with warmth and humour. He responds to emerging technologies, transitioning landscapes, rampant globalization, and the forces of capitalism and in particular advertising. Hajjaj works primarily with photography but also with ‘products’ including furniture and clothing, which have become props for his mise-en-scènes of contemporary Moroccan life in the Medina. Acting as a filter, seeing his home country through the eyes of a Londoner, he playfully seeks to redefine the imagery that pervaded his childhood, from match boxes and paint cans to ‘Coca-Cola’ ads, celebrating a Warholian openness to the commercial as valid artistic territory, yet focusing on the knockoff or fake versions of the brands we all know. The interaction between his contemporary artistic practice and the rich artistic heritage of Islam contributes to the complexity and depth of these vivid and bravado infused works, whilst adding to a broader debate concerning Islamic culture. Hajjaj juxtaposes tradition and preconceived notions of his country with the spawn of globalization and internationally marketing products.

Hamidova záda / Hamid’s Back 2000 Digitální barevný tisk / Digital C-type print 136 × 93,5 cm

62 / 63

HASSAN HAJJAJ

MARCUS HARVEY Marcus Harvey vytváří velice propracované figurativní obrazy a sochy. Vyhledává výjevy, které jsou symbolem brutální, leč hrdé „britskosti“. Jeho obrazy jsou často problematické či kontroverzní; k jeho možná nejznámějším dílům patří Myra, která byla vystavena v rámci přelomové výstavy Sensation v roce 1997. Vyvolala bezprecedentní národní a mezinárodní mediální pozornost, protože podoba této neslavně proslulé vražedkyně dětí Myry Hindley byla vytvořena mnohočetnými otisky dětských ručiček. Tento mrazivý obraz vděčí za svůj silný účinek ikonografii fotografických obrazů, které se vtiskly do britské psychiky za léta posedlé mediální reprodukce. Obraz Albus, jeden z nejdůležitějších, které dosud namaloval, používá bílé útesy doverské jako metaforu pro postavení Británie v měnícím se a nejistém světě. Malba se hrdě skví na podkladovém fotografickém moři. Britské útesy působí mocně a dojemně a jsou plné historie, pyšné v neštěstí. Zdá se, že špatné počasí je na spadnutí, chystá se bouře a voda, na které je malba posazena, se dme. Tato mocná pevnost je ohrožena posuny v globální moci a ekonomickými těžkostmi. Není jasné, kam směřuje budoucnost, ale ostrov zatím stále neochvějně stojí. Příliv se může obrátit.

64 / 65

V poslední době začal Marcus Harvey pracovat intenzivně s keramikou, v níž zapracovává motivy a emblémy „britskosti“ do kolážových portrétů historických britských osobností či nepřátel od Nelsona po Margaret Thatcherovou a od Napoleona k Tonymu Blairovi. Pracuje s metaforami a rve se s hlínou, aby z ní vydobyl kýženou formu dosaženou díky opakovanému pálení a jeho rodícím se znalostem techniky glazování a vypalování. Výsledkem je těžká, ale vtipná socha, nesmlouvavá a neomalená, politicky nejednoznačná, dobře uvážená a malířská.

Marcus Harvey makes highly worked figurative paintings and sculptures. He seeks out imagery that is emblematic of a brutish but proud “British-ness”. Often his imagery is problematic or controversial, his most infamous work perhaps being ‘Myra’ which was exhibited as part of the groundbreaking exhibition “Sensation” in 1997. Unprecedented national and international media attention ensued as the painting had been created with a repeated pattern of child’s handprints in the image of the infamous childmurderer Myra Hindley. This chilling painting derived much of its potency from the iconography of photographic images, which had been engrained in the British psyche through years of obsessive media reproduction. The painting ‘Albus’, one of his most important paintings to date, uses the white cliffs of Dover as a metaphor for Britain’s place in a changing, uncertain world. The paint sits proud of an underlying photographic sea. Britain’s cliffs look strong, poignant and full of history, proud in adversity. Bad weather seems imminent, a storm is brewing and the water on which the painting sits is changing. Shifts of global power and economic woes threaten this mighty fortress. It is not clear where the future lies but still the island stands strong. The tide may turn.

Recently, Harvey has started to work extensively with ceramics, forging motifs and emblems of “British-ness” into collaged portraits of historical British figures, or foes, from Nelson to Margaret Thatcher and from Napoleon to Tony Blair. He works the imagery, manhandling the clay in a battle to find its form despite multiple firings and emergent knowledge on behalf of the artist with regards to glazing and firing technique. The result is tough but humorous sculpture, unapologetic and brash, political yet ambiguous, considered and painterly.

Albus 2009 Olej na desce / Oil on panel 221 × 366 cm

66 / 67

MARCUS HARVEY

TONY HEYWOOD & ALISON CONDIE Tony Heywood a Alison Condie svou tvorbu popisují jako „zahradnické umění instalace“. Jejich oblast zájmu se týká především nových způsobů, jak pracovat s krajinou a přírodou a jak je zobrazovat. Skutečnost, že Tony Heywood je vzdělán v zahradnictví a antropologii a Alison Condie v botanice a zoologii, vedla k vytvoření unikátního cyklu uměleckých děl, která je často těžké zařadit. Působení těchto autorů jde napříč mnoha žánry včetně land artu, sochařství, zahradnictví, malířství, videa a performance, a jednotlivá díla ve své konečné realizaci často synteticky spojují prvky ze všech těchto oborů. Takže často je dílo výsledkem multidisciplinárního zkoumání jednotlivých oblastí zájmu. Například přírodní vzorek může být zachycen na filmu, převeden do výkresu v rámci nějakého happeningu, a tento je pak transformován v maketu a následně v monumentální sochu, která se pak může stát rekvizitou ve filmu či může figurovat v nějaké performanci nebo instalaci. Odtud se pak může nějaký prvek dostat do jednoho z jejich Nalévání, v němž je zahradní krajina rozpitvána z hlediska barevného obsahu, a z jeho poměrných prvků vznikne film, v němž jsou tyto prvky nyní představeny jako pomalu ručně lité barvy, napodobující abstraktní barevné valéry svého předmětu – abstraktní videomalbu barvy. Tímto způsobem Tony Heywood a Alison Condie převracejí a přezkoumávají nejtradičnější náměty. V jistém smyslu je toto vrstvení postupů organické a dynamické, podobně jako když na přírodu nahlížíme tak, jako že propaguje sama sebe.

68 / 69

Tito autoři tvoří v různém měřítku od velkoformátových veřejných zakázek pokrývajících mnoho akrů po menší práce určené pro galerie, včetně mikro-krajinek v Petriho miskách. Pozoruhodným rysem mnoha jejich děl je využití materiálu z živých rostlin. I když jde o čistě sochařské dílo, jako například Třpyt, je koncipováno tak, aby se mohlo začlenit do konkrétního přírodního prostředí. V tomto případě byl Třpyt inspirován vodními jednobuněčnými řasami a byl navržen tak, aby plaval na hladině a reagoval na pohyb vody, a tím napodobil mikroorganismy, které paroduje.

Heywood & Condie describe their work as ‘horticultural installation art’. Their area of interest principally concerns new ways of engaging with and representing landscape and nature. The combination of Heywood’s background in horticulture and anthropology and Condie’s in botany and zoology has resulted in the formulation of a unique series of art works, which are often hard to classify. Their practice crosses many genres including land art, sculpture, horticulture, painting, video and performance and individual works can often synthesize elements from all of these disciplines in their final realization. So, often a work will be the result of multidisciplinary investigations into an area of interest. For example, a sample of nature could be captured on film, translated into a drawing within a happening, which is turned into a maquette and then a monumental sculpture, which then may become the prop for a film, performance piece or installation. An element of that may then be turned into one of their ‘Pours’ whereby garden landscapes are dissected in terms of their colour content and a film is made of the proportionate elements now represented by slow, manually poured paint, mimicking the abstract colour values of its subject - abstract video paintings of paint. They are thus subverting and re-examining the most traditional of subject matter. In a sense the layering of their practice is organic and dynamic akin to the way that nature can be seen to propagate itself.

Their works vary in scale from largescale public commissions covering many acres, to smaller, gallery-based work including micro landscapes in petri dishes. A notable feature of much of the work is the inclusion of living plant material. Even when the work is purely sculptural, as in ‘Shimmer’, it has been created to integrate with a specific natural environment. In this instance, ‘Shimmer’ was inspired by aquatic unicellular algae and was designed to float and respond to water movement in order to mimic the microorganisms that it is parodying.

Třpyt / Shimmer 2007 Zdobeno drahokamy / Jewelled Variabilní rozměry / Dimensions variable

70 / 71

TONY HEYWOOD & ALISON CONDIE

PAUL HOUSLEY Paul Housley ukazuje, jak je malba podřízena procesu svého vytváření a své materiální podstatě. Základ jeho tvorby tvoří jeho vrozený zájem o jazyk malby spolu s až příliš lidskou potřebou najít smysl a pochopit svět kolem sebe. V jeho díle se setkáme s pestrou mozaikou postav. Neživé objekty jako porcelánové figurky jsou triviálními tématy, která odlišuje od kýče důstojnost a patos jejich zpracování. Lidské portréty Paula Housleyho jsou stejně mnohoznačné: tváře portrétovaných osob jsou často rozmazané a skryté, čímž nabývají nejasnosti předmětů. Stále se opakující postavou je sám autor, i když se často vyskytuje v podobě jiného umělce. Housleyovy autoportréty jako Picasso, Van Gogh či Velasquez odkazují bez ironie samy na sebe a jsou vtipné, i když z nich zaznívá pokora. Dějiny portrétu se pro něj stávají středobodem zaměřeným na jeho vlastní osobu, jak se usilovně a rozpolceně potýká s váhou těchto postav z dějin umění, na něž aplikuje modernistické zkreslení a expresionistické lomy. Celkově je tento významem zatížený sobecký žánr autoportrétu znevážen skromným měřítkem, a proces malby přes starší dílo, jehož výsledkem jsou vrstvy na vrstvách barev na plátně, svědčí o Housleyho přesvědčení, že destrukce je přirozenou součástí tvůrčího procesu. Paul Housley dělá sochy z hlíny uschlé na vzduchu a z lepenky, čímž dále zdůrazňuje tento bod. Maska na této výstavě byla odlita z jedné takové sochy a je to poprvé, kdy se jeho dílo zachovalo v této podobě.

72 / 73

Paul Housley demonstrates subservience to the process and materiality of painting. His innate interest in the language of paint, coupled with the all too human need to make sense of and to understand the world around him, form the basis of his practice. One encounters a motley cast of characters within his work. Inanimate objects such as china figurines are trivial subjects, steered away from kitsch through a treatment of dignity and pathos. His human portraits are no less ambiguous: their faces frequently smeared and obscured to take on the opacity of objects. A recurring character is the artist himself, though often in the guise of another artist. Housley’s self-portraits as Picasso, Van Gogh or Velasquez are self-referential without being ironic, humorous yet with a sense of humility. The history of portraiture becomes a spotlight on selfhood as he strenuously, ambivalently grapples with the weight of these figures from art history, applying modernist distortions and expressionist fracture. In general, the fraught, egotistical genre of self-portraiture is undercut by a humble scale and the process of working over older work, thereby producing layer after layer of paint on canvas, indicates Housley’s belief that destruction is a natural part of the creative process. He makes sculptures out of air-dry clay and cardboard, which further emphasizes this point. ‘The Mask’ in this show was cast from one such sculpture and was the first time his work was preserved in this fashion.

Pán zkušenosti / Lord of Experience 2011 Bronz / Bronze 20 × 28 × 23 cm

74 / 75

PAUL HOUSLEY

Občan v říši malby (autoportrét jako Picasso II) / Citizen in the Empire of Paint (self portrait as Picasso II) 2012 Olej na plátně / Oil on canvas 60 x 50 cm 

HENRY KROKATSIS Tvorba Henryho Krokatsise zahrnuje sochařství, malbu, kresbu a instalace vytvářené pro určité místo, z nichž většina je založena na nalezených předmětech a dalších odložených materiálech, které jsou rekonfigurovány. Autor začíná od skutku víry v zastaralé nebo zdánlivě odepsané předměty a záměru z nich učinit něco, s čímž se není snadné obeznámit, ale co hodlá znovu oživit a dát tomu nový význam a postavení. Henry Krokatsis si hraje s archaickým zobrazením buržoazní či aristokratické kultury. Parohy, odlité z předmětů nalezených v místních vetešnictvích a na bleších trzích, jsou znovu ručně vyrobené z pevného hliníku. Tyto trofeje byly v minulosti znakem bohatství a privilegovaného postavení. Autorovo zpracování, které jemně tento známý obraz rekonstruuje, toto měnící se postavení vyprázdní a promění v něco jiného, co vytváří nervózní krásu oscilující mezi božskostí a bídou. Na této výstavě najdeme i zrcadlové dílo zvané Usura, kde jako svou paletu použil vyhozená zkosená zrcadla. Těchto zrcadel, běžné součásti anglických domácností od 20. do počátku 60. let minulého století, jsou dnes plná vetešnictví. Autor

ve svém cyklu některá z nich zachránil před zapomněním; rozřezal je, pospojoval a zavěsil na stěnu, aby z nich vytvořil komplexní vymezené plochy, čímž je zdánlivě náhodně přesměroval do oblasti malířství. Divák neví, jestli se má dívat do zrcadla nebo na jeho povrch. Neutrální lhostejnost zrcadel zmizí, jakmile člověk začne porovnávat jemné rozdíly v materiálu jejich povrchu, jako by zkoumal formální kvality malby. Tento zrcadlový cyklus, dříve vystavený v Muzeu Peggy Guggenheim v Benátkách, je nicméně vzácný v tom smyslu, že Krokatsis jej převedl do další transformační fáze, když rekonfiguroval většinu zrcadel do jejich negativních zadních stran a znovu se zaměřil na barvu a pevnou formu při zachování pouze jediné odrazné plochy jako narážky na svou předchozí tvorbu.

76 / 77

Krokatsis’s practice encompasses sculpture, paintings, drawings and site-specific installations, most of which derive from found objects and other discarded material, which is then reconfigured. Krokatsis starts with an act of faith in the obsolete, or seemingly bankrupt, and an intention to turn it into something that cannot be easily familiarized, but which he intends to reignite and infuse with new meaning and status. Krokatsis plays with archaic representations of bourgeois or aristocratic culture. The antlers, cast from sets found in local junk shops and flea markets, have been re-made, by hand, in solid aluminium. These trophies have previously been conveyors of wealth, privilege and status. His process empties and reinvests that fluctuating status with something else, subtly reconstructing this familiar image, generating a nervous beauty, oscillating between the divine and the destitute.

This show also includes a mirror work ‘Usura’ where he employs as his palette, discarded bevelled mirrors. Ubiquitous in ordinary English homes between the 1920s and the early 1960s, now consigned as junk shop fodder. Rescued from obscurity, the mirrors in this series have been cut, joined and wall hung to create a complex delineated surface, diverting them, ostensibly by chance, into the realm of painting. The viewer is torn between looking into the mirror and looking at its surface. The mirror’s neutral indifference disappears as one begins to compare the subtle material differences in their surfaces, much as one examines the formal qualities of a painting. However, this mirror work, previously exhibited at the Peggy Guggenheim museum in Venice, is rare in that Krokatsis has taken it on a further transformative stage, reconfiguring most of the mirrors to their negative back sides taking the focus around again to colour and solid form whilst retaining just one reflective surface as a hint to the preceding body of work.

Jednoduché větvení / Single Palmate 2005 Hliník na dřevěném štítu / Aluminium on wooden shield 32 × 60 × 60 cm

78 / 79

HENRY KROKATSIS

Usura 2011 Zrcadlo a deska / Mirror and board 95 × 95 cm

PHILIP LAI Philip Lai používá celou řadu sochařských postupů složených z analogií a asociací. Jeho v podstatě sochařská tvorba se vždy uplatňuje v kontextu ústředních otázek souvisejících s koncepcí souboru idejí a schopností, s jakou si lze tyto ideje představit a aktualizovat. Jeho dílo se nachází ve striktně hypoteticky prezentovaných formách a jemně manipulovaných prostorech, které by mohly nahradit představu něčeho známého, což by dále mohlo evokovat abstraktní příběh městské zkušenosti, pomíjivosti, prázdnosti, výměny nebo užitečnosti. Avšak z hlediska formy je struktura a materiál autorových děl v ohnisku jeho pozornosti více než zjevné konotace nebo přímé narážky – což v případě díla na této výstavě představuje textilii černého trička nataženou do formy ve tvaru dřevěného podnosu. Uzavřený prostor tohoto díla a použití černého trička však funguje tak, že spojuje tento materiál s všudypřítomnými pojmy kulturních „alternativ“ i s představou utajované činnosti a neviditelnosti: splynutí s okolím jako způsob, jak nebýt vidět.

80 / 81

Philip Lai employs a variety of sculptural approaches composed of analogies and associations. Essentially sculptural, his work is always asserted in the context of central questions to do with the conception of a set of ideas, and the capacity in which these ideas can be imagined and actualized. His work is rigorously situated in notionally represented forms and subtly manipulated spaces that might standin for an idea of something known, and that in turn might suggest an abstracted narrative of urban experience, transience, vacation, exchange or utility. However, the formal concerns of the structure and materials of Lai’s works are the emphasis of his attention, more so than overt connotation or direct reference – which in the case of the work in this exhibition is the fabric of a black T-shirt pasted over a tray-like wooden form. The contained space of the work and use of the black T-shirt, however, does act in a way that connects this materiality with ubiquitous notions of cultural ‘alternatives’, as well as the idea of clandestine activity and invisibility: of blending-in as a way of not being seen.

Bez názvu / Untitled 2003 Tričko, lepicí pasta, dřevo / T-shirt, glue paste, wood 58,5 × 48,5 × 7,5 cm

82 / 83

PHILIP LAI

PENNY LAMB Umění Penny Lamb vychází z často prudké emoční reakce na její pocity o světě; jde o nutkavou potřebu tyto emoce vymítat, a tím očistit samu sebe v procesu vytváření něčeho krásného z něčeho drsného, ošklivého nebo bolestivého. Vášnivá autorka prohlašuje, že má ve své tvorbě jen malou možnost volby. Práce ji vede sama v procesu rituální očisty nebo očistění se. Dílo Propast propastí se ozývá; Žalm 42 je pro tento proces charakteristické a představuje bezprostřední reakci na filmový dokument o dětech, které byly v Nigérii obviněny z čarodějnictví. Kuřecí kosti obřadně svázané k sobě (černou nití – která stejně jako v mnoha zemích v Nigérii představuje pohřební oděv) symbolizují způsob, jakým tito afričtí medicinmani/ šamani čarují – svazováním zlých duchů, „očišťováním“ těchto „posedlých“ dětí. V průběhu života se autorka viděla v choulostivých situacích jako týrané dítě, dvanáctiletá prostitutka, madam, pacientka ústavu pro duševně choré, outsider. Dílo Propast propastí se ozývá; Žalm 42 je pro její tvorbu typické v tom, že v něm konfrontuje svou anorexii a s ní související trauma. Donutila se procházet procesem vaření, zvracení a řemeslné práce tak dlouho, dokud nebyla hotova. V zájmu vytvoření tohoto díla Penny Lamb systematicky uvařila a vykostila přes 7.000 kuřat zakoupených v levném supermarketu, kdy si z každého z nich ponechala jen dvě kosti, které vyhověly jejím estetickým požadavkům. Často volí materiál pocházející z věcí kdysi živých, z kterých obere maso jako odkaz na cyklickou povahu existence.

84 / 85

Lamb’s output stems from an often violent emotional reaction to how she feels about the world; a compulsive need to exorcise emotions purifying herself in the process, creating something beautiful out of something harsh, ugly or painful. Highly obsessive, she claims to have little choice in what she creates. The work guides itself in a process of ritualistic cleansing or purification. ‘Deep calls to Deep; Psalm 42’ is characteristic of this process and is an acute reaction to footage seen of children accused of being witches in Nigeria. The obsessively bound chicken bones (in black thread – as in many countries, representative of Nigerian funeral dress) symbolizes the way in which these African ‘witch doctors’/ shamans cast their spells. Binding the evil spirits, ‘cleansing’ these ‘possessed’ children. Throughout her life she has seen herself in vulnerable positions, as an abused child, a twelve-yearold prostitute, a madam, a mental institution intern, an outsider. ‘Deep calls to Deep; Psalm 42’ is typical of her work in that she is confronting her anorexia and associated trauma, forcing herself to go through a process of cooking, vomiting and crafting until finished. In order to create this piece, Lamb has methodically boiled and deboned over 7,000 chickens purchased from a low-end supermarket in order to claim two bones from each chicken that fitted her desired aesthetic. She often chooses material derived from things once living, stripping them of their flesh as a reference to the cyclical nature of existence.

Propast propastí se ozývá; Žalm 42:7 / Deep calls to Deep; Psalm 42:7 2010 Dřevo, kuřecí a liščí kost, bavlněná nit / Wood, chicken and fox bone, paint, cotton thread 218,4 × 61 cm

86 / 87

PENNY LAMB

HEW LOCKE Hew Locke ve své tvorbě uplatňuje nejrůznější techniky a široce využívá nalezené předměty a koláž. Na jedné straně si vybírá své komponenty nebo paletu podle estetické úrovně, avšak stejný důraz klade na narativní prvky v rámci jednotlivých objektů – jako dětská pistole, voják nebo lev jako symboly a/nebo postavy v jeho dramatu. Locke je fascinován tím, jak různé kultury vynalézají samy sebe a jak si vybírají své národní symboly. Jaké jsou vizuální prostředky používané k vyjádření nebo k pokusu o vytvoření myšlenek státnosti, legitimní moci, národní identity a historické autority? Tento zájem autora vedl k přijetí, zpochybnění a podvracení systémů výtvarného zobrazení a ikonografie těch, kteří jsou u moci, i těch, kteří o ni usilují. Království slepých je instalace nástěnných reliéfů zobrazující majetek imaginárního vládce. Figuríny jsou rekonstrukcí okamžiku jeho vzestupu k moci v bitvě a představují složité votivní předměty. Locke vychází z ikonografie bitev, jako například na tapiserii z Bayeux a obrazu bitvy u San Romana. Tyto postavy jsou rovněž ovlivněny asyrskými reliéfy v Britském muzeu znázorňujícími lov na lva. V jedné části je zobrazen král, jak drží dva silné, ale poražené lvy – toto dílo na tuto pózu odkazuje, ačkoli zde jsou místo lvů mrtví vojáci/oběti. Je možné vycítit sílu postav zároveň s jejich impotencí, rozkladem a perverzí. A to je podstatou autorovy tvorby. Jde v ní v podstatě o moc – kdo ji měl, kdo ji má a kdo po ní touží.

Hew Locke’s work utilizes a wide range of media and makes extensive use of found objects and collage. On one level, he selects his components or palette on an aesthetic level. However, equal importance is attached to the narrative elements within each object – be it a little toy gun, soldier or lion acting as symbols and/ or characters within his drama. Locke is fascinated by how different cultures invent themselves and how they select their symbols of nationhood. What are the visual means used to express, or to attempt to create, ideas of statehood, legitimate power, national identity, and historical authority? This interest has led him to adopt, question and subvert the visual display systems and iconography of those in power and those who aspire to power. ‘The Kingdom of the Blind’ is an installation of wall reliefs showing the possessions of an imaginary ruler. The figures re-enact the moment of his rise to power in battle and act as elaborate votive objects. Locke draws on the iconography of battles such as those illustrated in the Bayeux Tapestry and the Battle of San Romano. The British Museum’s Assyrian Lion Hunt reliefs also inform these figures. In one section, the King is shown holding two powerful but defeated lions – a pose referenced here, the lions though being substituted for dead soldiers/ victims. You can feel the power of the characters, and at the same time their impotence, decay and perversion. And this is the essence of his work. It is essentially about Power – who had it, who has it and who desires it.

88 / 89

Království slepých č. 10 / Kingdom of the Blind #10 2008 Kombinovaná technika / Mixed media 402 × 362 × 47 cm

90 / 91

HEW LOCKE

OLIVER MARSDEN Oliver Marsden se zajímá o to, jak může malovaný obraz změnit svou podobu nebo význam podle interakce diváka, záležitostí času, vnitřní chemie člověka a světelné variability okolního prostředí. Pro něj je malba jako duchovní a fyzická meditační praxe spojena s hledáním pochopení přírody a energie. Marsden vytváří sochařské malby, v nichž se mísí smyslové ocenění přírodního a vědeckého, kde se náhodné či organické setkává s matematickou strukturou. Jsou zdánlivě jednoduché, mají hypnotickou kvalitu a lze na ně pohlížet jako na určitou formu psychedelického minimalismu. Toto dílo z cyklu nazvaného Kymy je inspirováno světlem a vodou ve spojení se zájmem o rezonanci a vibrace hudby, tok energie a vlnový průběh. Od roku 2005 Oliver Marsden vymodeloval celkem sedm Kym. Postup práce a jeho přístup se pokaždé jemně lišil, experimentoval s materiálem, měnil strukturu povrchu a napětí. Nikdy nepoužil matematických modelů – vlnové křivky jsou vytvořeny citem a hmatem. Jeho vlny jsou pracně vyřezané a autor na nich pracuje tak dlouho, dokud povrch nezačne proudit. Zastaví se teprve, když je dosaženo smyslu pro rovnováhu a rytmus.

92 / 93

Oliver Marsden is interested in how a painting can change its form or meaning depending on how one interacts with it, temporal issues, one’s internal chemistry and variance in ambient light levels. For him, painting as a spiritual and physical meditational practice is linked to a search for an understanding of nature and energy. Marsden creates sculptural paintings, which act to fuse a sensual appreciation of the natural and scientific, where the random or organic meets mathematic structure. Deceptively simple, they have a hypnotic quality and can be seen as a form of psychedelic minimalist endeavour. This work from a series which he calls ‘Kymas’, is inspired by light and water, combined with an interest in the resonance and vibrations of music, energy flow and waveforms. Marsden has sculpted seven Kymas since the first in 2005. His process and approach has differed subtly each time, experimenting with his material to change the surface structure and tension. Mathematical models are never used – the waveforms are created by feel and touch. Laboriously carved and refined until the surface begins to flow he stops when a sense of balance and rhythm is achieved.

7. modrá vlna Kyma / 7 Wave Blue Kyma 2012 Akryl na desce / Acrylic on board Průměr / Diameter 180 × 7,5 cm

94 / 95

OLIVER MARSDEN

JASON MARTIN Tvorba Jasona Martina vypovídá o povaze malby a barvy jako takové a na jedné úrovni ji lze považovat za elegantní fúzi abstraktního expresionismu a minimalismu. Jeho smyslné monochromatické, avšak vrstvené malby zkoumají myšlenky týkající se vytvoření hloubky a pohybu na rovném povrchu. Jeho téměř baletní tahy štětcem dávají vzniknout vizuální kakofonii, přizpůsobující se změnám světla a pohybu člověka kolem obrazu. Konečným výsledkem je abstraktní obraz se zkresleným a zdůrazněným prostorovým vztahem a pocitem hloubky. Toto tmavé tondo je jedním z jeho nejsilnějších a nejsložitějších obrazů posledních několika let. Počáteční temnota je v rozporu s promyšleným zacházením se světlem a podmalbou. Autor má za to, že barva není dekorativní, že je spíše nedílnou součástí toho, co dílu dává strukturu a emoce. Tmavost tohoto tonda umožňuje, aby světlo a pohyb zesílily, kroutily se a otáčely jako hudba ve vzduchu. Každý tah působí nenuceně a přirozeně, úžasně sexy a jako vytvořený člověkem, a přesto drsně, živelně a reálně.

96 / 97

Martin’s work talks about the nature of painting and paint itself, and on one level can be seen as an elegant fusion of abstract expressionism and minimalism. Ideas on the creation of depth and movement on a flat surface are explored in these sensuous monochromatic, yet layered paintings. His almost balletic brush strokes give rise to a cacophony of visuals, adjusting to changes in light and one’s movement around the painting. The final result is an abstract image where the spatial relationship and sense of depth is distorted and accentuated. This dark Tondo is one of his strongest and most complex of the last few years. The initial darkness belies a calculated treatment of light and under-painting. He considers colour not to be decorative, rather to be an integral provider of structure and emotion within a work. The darkness of this Tondo allows light and movement to magnify, twisting and turning like music in the air. Each mark feels uncontrived and naturally born, sublimely sexy, and man made and let yet gritty, elemental and real.

SEXYLUCKYLAZYLADY 2011 Olej na hliníku / Oil on aluminium Průměr / Diameter 175 cm

98 / 99

JASON MARTIN

RYAN MOSLEY Výrazný výtvarný jazyk Ryana Mosleyho jako by vycházel z nějaké blíže neurčené doby a místa v historii. Scéna, které dává vzniknout, vytváří kulisu, v níž je všechno možné. Postavy se zdají být performativní, karnevalové a kabaretní, nedefinovatelné, avšak absurdně autentické. „K Mosleyho postavám patří honáci dobytka, šarlatáni, opilci a potulní umělci. Nedávno zvěčnil další skupinu ztroskotanců. Ve dvou souvisejících cyklech oválných portrétů – Primitivní předci a Šaman – namaloval tváře lidí z profilu, z nichž několik je zdobeno polynéským tetováním. V 18. a 19. století žila v Polynésii spousta evropských mužů, kteří se po letech odloučení od domova „stali domorodci“, a to buď tím, že se přiženili do kultur, s kterými obchodovali, nebo jen mezi nimi a jejich vlastí byla natolik velká vzdálenost, že se nakonec dopustili nejvyššího hříchu: opustili své „civilizované“ kořeny. Mosleyho muži vypadají jako tvrdí chlapi, s kterými byste se nechtěli dostat do sporu: jako viktoriánští kriminálníci nebo možná jako tvrdošíjní velrybáři, kteří se už příliš dlouho plaví po moři. Jsou to muži, kteří se zapomněli – úmyslně, s plným vědomím a absolutně. Jsou produktem epických setkání, která je dostala mimo čas a prostor. Proto to drsné pozadí a neexistence jakýchkoli znaků, které by je zařazovaly na nějaké místo nebo do nějakých dějin. Z Mosleyho postav se dostali nejblíže k ‚totálnímu úniku‘. “ Anthony Byrt, 2011

Ryan Mosley’s distinctive visual language seems derived from an unspecified time and location in history. The stage he sets creates a backdrop in which anything is possible. The characters seem performative; carnivalesque and cabaret-like, indefinable yet absurdly authentic. “Mosley’s characters are drovers, charlatans, boozers, and travelling performers. And recently, he has memorialized another group of drifters. In two related series of oval portraits – ‘Primitive Ancestry’ and ‘Shaman’ – Mosley paints men in sideprofile, several of whom have faces inscribed with Polynesian tattoos. In the eighteenth and nineteenth centuries, there were plenty of European men who, after years away from home, ‘went native’, either marrying into the cultures they traded with, or just putting enough space between themselves and their homeland to make the ultimate transgression: the abandonment of their ‘civilized’ roots. Mosley’s men look tough, like you wouldn’t want to get on the wrong side of them: Victorian thugs, maybe, or hard-arse whalers who’ve been at sea for too long. They are men who’ve lost themselves – deliberately, contently, and completely. They’re the products of epic encounters that have placed them beyond time – hence the stark backgrounds, and the lack of any signifiers of location or history. They’re the closest any character in Mosley’s paintings has got to total escape.” Anthony Byrt, 2011

100 / 101

Šaman I / Shaman I 2011 Olej na plátně / Oil on canvas 160 × 180 cm

102 / 103

RYAN MOSLEY

ZAK OVÉ Zak Ové se pohybuje mezi sochařstvím, filmem a fotografií. Jeho posláním je vzkřísit a reinterpretovat ztracené kultury za pomoci materiálů nového světa, a tím vzdát hold duchovní i umělecké africké identitě. Tvoří na základě své dokumentace a antropologického zájmu o historii v diaspoře a v Africe, zejména té, kterou zkoumá trinidadský karneval. Jeho dílo představuje emancipaci osobní existence prostřednictvím inkarnace do „druhého já“ a ukazuje nám mocenskou hru, jíž se jedinec osvobozuje ze zkušeností svého vlastního já. Toto je pak přefiltrováno přes jeho vlastní osobní a kulturní výchovu, kdy vyrůstal v Londýně a na Trinidadu s černým trinidadským otcem a bílou irskou matkou. Díla Zaka Ové jsou naprosto fantastická – například Návrat do Núbie představuje núbijskou princeznu cestující časem, mezigalaktickou velvyslankyni krásných mladých černošek, která je uzavřena v celé své nádheře do své osobní vesmírné lodi připomínající maják!

Zak Ové works between sculpture, film and photography. His mission is to reignite and reinterpret lost culture using new-world materials, whilst paying tribute to both spiritual and artistic African identity. The work is born from his documentation of and anthropological interest in diasporic and African history, specifically that which is explored through Trinidadian carnival. His work portrays the emancipation of personal existence through incarnation with an ‘other self’, showing us the power of play to free an individual from the contained experience of the self. This in turn is filtered through his own personal and cultural upbringing, growing up in London and Trinidad with a black Trinidadian father and white Irish mother. Ové’s works are completely fantastical – ‘Nubian Return’ for example is a time travelling Nubian princess, an intergalactic ambassador for beautiful young black women, enclosed in her personal space ship beacon-like in her magnificence!

104 / 105

Návrat do Núbie / Nubian Return 2010 Nalezené předměty, kov, kabely, figurína, pozůstatky letadla / Found objects, metal, cabling, dummy, aircraft detritus 150 × 50,8 × 355,6 cm 106 / 107

ZAK OVÉ

Ostří / Cutting Edge 2010 Kov, nalezené předměty, africká maska / Metal, found objects, African mask 82 × 82 cm

Divoch / Wild Thing 2011 Kov, nalezené předměty, lebka / Metal, found objects, skull 183 × 152,5 × 71 cm

DAN PERFECT Dan Perfect maluje abstraktní obrazy, které by nemohly vzniknout v jiné době. Jeho obrazy začínají jako akvarely, které pak převádí do počítače, kde manipuluje s barvou a texturou tahů štětce v sérii transformací vedoucích k velkoformátovým obrazům, na první pohled plným náhodných stylů a motivů vytvořených namátkově expresionistickým způsobem, které jsou však ve skutečnosti pečlivě namalovaným provedením expresivních doteků štětce, jejichž struktura začala vznikat již dříve v tomto procesu.

Moje malba je plná experimentů a pozměňování; vše je v ní jen částečné: masky, kostýmy, části těla, zvířata, která jsou lidmi, lidé, kteří jsou zvířaty, věci, které jsou rozebrány na kousky a explodují. Kulturní historie má své kořeny v biologii, ale futurologové předpovídají, že brzy budeme schopni naši biologii překonat; za padesát let možná budeme moci sami sebe znovu naprogramovat. Ve svých obrazech přemýšlím o povaze toho, co právě teď znamená být námi v tomto světě a co se z nás může stát.“

„Mé obrazy jsou imaginárními niternými nebo psychologickými krajinami. Jsou jako jeviště nebo dramatické scény z videoher; jejich prostor není nekonečný a řídí se skrytými pravidly a parametry. Vznikají z výkresů, které jsou digitálně manipulované a přetvořené; každý dotek štětce jsem musel velice pozorně a důkladně předělat. Nejedná se o přímé reakce na přírodu, ale jsou to fantazijní prožitky, způsob, jak přivést vnější svět do mého ateliéru. Tyto obrazy jsou celkem dost urbánní a technické a vyznačují se silným smyslem pro science fiction; je to jakési rozkládající se sci-fi, v němž dochází k bouřlivým změnám a biologické entropii.

Dan Perfect, 2012

108 / 109

Dan Perfect makes abstract paintings that could not have been made at any other time. His paintings begin as watercolours which are then transferred onto his computer where he manipulates the colour and texture of the marks in a series of transformations that end up with large scale paintings at first glance populated by random styles and motifs created at random in an expressionist manner but which are, in fact meticulously painted renditions of expressive mark making, the structure of which is instigated earlier in the process. “My paintings are imagined interior or psychological landscapes. They are like stage sets or dramatic scenes from video games; their space doesn’t go on forever, and they have hidden rules and parameters. They arise from drawings, which are manipulated and re-imagined digitally; I have to reinvest every paint mark with intensity and presence. They aren’t direct responses to nature, but are fantasized experiences, a way of bringing the outside world into my studio. They seem quite urban and technological, and there’s a strong sense of science fiction in them; a decayed science fiction where tumultuous change and biological entropy intervene. My paintings are full of experimentation and alteration; everything is partial: masks, costumes, body parts, animals that are human, humans that are animals, things that are taken apart and exploded. Cultural history is rooted in biology but futurologists predict that we may soon be able to transcend our biology; in 50 years you may be able to upload yourself. In my paintings I’m thinking about the nature of what it is to be us in this world right now, and what we might become.” Dan Perfect, 2012

Starpeople 2009 Olej a akryl na lněném plátně / Oil and acrylic on linen 183 × 257 cm

110 / 111

DAN PERFECT

FIONA RAE V obrazech Fiony Rae z poslední doby se vyskytuje písmo, znaky a symboly odvozené ze současného designu a typografie, přičemž autonomie a čitelnost těchto grafických tvarů je narušována abstraktními doteky štětce a spontánními gesty, které spolu vedou dialog o nové syntéze výtvarných jazyků. Malé postavičky a karikatury, jejichž postavení je úmyslně nejednoznačné, slouží ke zdůraznění metafyzických a umělých dimenzí abstraktní malby a současně divákovi umožňují se s nimi empaticky identifikovat, a tím dospět k osobnějšímu pochopení. V díle Nakopni mě do budoucnosti, aby mě šlo reloadovat (2011) jsou andělé, srdce a hvězdy vrženi do pasáží malovaných expresivním tahem štětce s mlhavě vymývanou barvou, ohraničených geometrickými bloky šedého třpytu nebo zachycených v černých kaligrafických kresbách inspirovaných dřevoryty z Dürerovy Apokalypsy a Waltem Disneym. Titul obrazu vypadá jako nějaké zvolání nebo prohlášení, ale stejně jako obraz se vymyká definitivnímu vysvětlení a zdá se být současně temný i okouzlující, úzkostný i nenucený.

Fonts, signs and symbols drawn from contemporary design and typography appear in Fiona Rae’s recent paintings, whilst abstract brush marks and spontaneous gestures worry the autonomy and legibility of these graphic shapes, debating a new synthesis of painterly languages. Small figures or cartoons whose status is left intriguingly ambiguous serve to point up the metaphysical and artificial dimensions of abstract painting, whilst also providing an empathetic point of identification for the viewer that invokes a more personal reading. In ‘Kick me to the future so I can be reloaded’ (2011), angels, hearts and stars are thrust into passages of expressive brushwork and hazy washes, bounded by geometric blocks of grey glitter or caught in black calligraphic drawing inspired by Dürer’s Apocalypse woodcuts and Walt Disney. The title purports to be an exclamation or statement, but like the painting, it eludes definitive explanation and can appear simultaneously dark and charming, anxious and insouciant.

112 / 113

Nakopni mě do budoucnosti, aby mě šlo reloadovat / Kick me to the future so I can be reloaded 2011 Olej, akryl a flitry na plátně / Oil, acrylic and glitter on canvas 152,5 × 127 cm

114 / 115

FIONA RAE

BARRY REIGATE Tento autor se ve své tvorbě zabývá kulturním vyčerpáním a předem marnou snahou o nalezení úniku ze slepé uličky, dané našimi současnými historickými podmínkami, prostřednictvím imaginární svobodné hry.

Barry Reigate’s practice comprises of an engagement with cultural exhaustion and an inevitably doomed attempt to find an escape from the impasse imposed by our present historical conditions through the imagined freedom of play.

Barry Reigate čerpá své původní podněty z přetíženého světa naší spotřební kultury a stejně tak přeplněné krajiny poválečného moderního a současného umění. Oba tyto světy se vyznačují dobře známou recyklací a reformulací obrázků, znaků a symbolů, tvořících zdánlivě nekonečný proud nově opakovaných spotřebních položek, ať už materiální nebo nemateriální povahy.

The work takes its initial cues from both the overloaded world of our consumer culture and the equally crowded landscape of post-war Modern and contemporary art. Both exhibiting the over-familiar recycling and re-formation of images, signs and symbols to create a seemingly endless supply of new iterations of consumable items, whether material or immaterial.

Vyvoláním ducha prvního, temnějšího a kritického vzkvétajícího pop-artu a jeho propojením s taktikou formálního opakování uplatňujícího různé aspekty koncepčního umění a minimalismu Barry Reigate vyvinul jazyk, který s rozvážným klidem předvádí zdegenerovanou a konečnou fázi naší výtvarné kultury.

Invoking the spirit of the first, darker and critical, flourishing of Pop Art and combining that with the tactics of formal repetition employed in various strands of Conceptual and Minimal Art, Reigate has developed a language that, with calculated coolness, manifests the degenerate and terminal stage of our visual culture.

Jádro souboru děl nazvaného Rovnice tvoří série geometrických tvarů, převzatých z řady matematických příkladů, které jsou zasazeny do nového kontextu jako pseudomodernistické ikony. Tyto formy se opakují v různých technikách, v minimálních pracích na papíře, jako řada soch na podstavci a jako malby, které slouží k ozdobě vyprázdněné formy pop-artového expresionismu. Přesunem z akademického kontextu do kontextu kulturního jsou tyto formy odhaleny jako šifry, do nichž se promítají jiné, ne jim nepodobné soubory utopických a ambiciózních předpokladů. A tak si tato díla z formálního i významového hlediska pohrávají s vazbami mezi sociálními a fyzickými strukturami, vzděláváním a prací, kulturou a zábavou.

At the core of the body of work entitled Equation is a series of geometric forms, appropriated from a number of mathematics exams and recontextualized as pseudo-Modernist icons. The forms find themselves iterated through various media, in minimal works on paper, as a number of floor-based sculptures and as paintings that serve to ornament an evacuated form of Pop-art expressionism. By virtue of their translation from an academic to a cultural context, the forms are revealed as ciphers onto which different, but not dissimilar sets of utopian and aspirational assumptions are projected. So it is that the works, in both formal and material terms, playfully tease the links between social and physical structures, education and labour, culture and play.

116 / 117

Obraz bez názvu (Rovnice 2) / Untitled Painting (Equation 2) 2011 Kombinovaná technika na lněném plátně / Mixed media on linen 210 × 156 cm 118 / 119

BARRY REIGATE

MICHAEL SAMUELS Dílo Michaela Samuelse lze charakterizovat jako formu současného domácího kutilství, které využívá průmyslově vyráběný modernistický nábytek a světlo. Prvky jako skříňky, stoly a příborníky jsou zbaveny své tradiční role, rozřezány a rekonfigurovány do struktur, které již neplní žádný utilitární účel. Vzhledem k tomuto posunu a změně konfigurace je narušen jakýkoli funkční výklad jednotlivých prvků. Přesunováním a rozbitím předmětů každodenní potřeby Samuels zvyšuje napětí mezi funkčním aspektem použitých předmětů a jejich nehmotnou hodnotou. Tím, že svou tvorbu směřuje k abstrakci, autor podporuje představu, že abstrakce je možná pouze ve vztahu k funkci. Michael Samuels znovu potvrzuje autonomii umění a naplňuje svá díla energií a napětím, které čerpá ze současných koncepcí zhroucení, trosek, změny a opětovného použití. V rámci dědictví „kutilství“ v ad hoc duchu je Samuels zběhlý v plnění řady úkolů v rámci omezení, která ukládá sám sobě z hlediska svých materiálů a zdrojů. Je odhodlán spontánně se pustit do díla z jemu dostupných zdrojů a často pracuje bez plánů či jen ze skic a dělá rozhodnutí vedoucí ke strukturám, které jsou abstraktní i dynamické a obsahují performativní energii.

120 / 121

Michael Samuels’s practice can be characterized as a form of contemporary bricolage, which utilizes industrially produced Modernist furniture and light. Elements such as cabinets, tables and sideboards are liberated from their traditional role, cut up and reconfigured into structures that no longer have a utilitarian purpose. Through their displacement and reconfiguration any functional reading of the elements is disrupted. In dislocating and rupturing everyday objects Samuels heightens the tension between the functional aspect of the objects used and their immaterial value. In pushing his work towards abstraction the artist maintains the notion that abstraction is only ever possible in relation to function. The artist reasserts arts autonomy infusing the work with an energy and tension that draws upon contemporary concepts of collapse, ruin, reforming and recycling. Within the legacy of the ‘bricoleur’ and in the spirit of adhocism Samuels is adept at performing numerous tasks within the constraints he imposes upon himself in terms of his materials and resources. He is intent on undertaking work spontaneously with the resources available to him, often working without plans, or from sketches, making decisions that result in structures that are both abstract and dynamic, and which contain a performative energy.

Fraktál 5 / Fraktale 5 2010 Kombinovaná technika / Mixed media 5 × 80 × 60 cm

122 / 123

MICHAEL SAMUELS

CHRIS SUCCO Z hlediska obsahu a koncepce se Chris Succo ve svém díle věnuje širokému spektru uměleckých témat od prostorových zkušeností a formální analýzy barvy a kompozice až po zkoumání současné pop kultury a kultury mládeže. Názvy jeho prací jsou většinou inspirovány moderní literaturou, filmy a hudbou nebo jsou občas přímými citacemi z nich, často maskované jen minimálními změnami originálu. Se všemi sám z cyklu Barvené malby, který začal dělat v roce 2011, se zabývá opakováním a oddělováním pomocí minimálních rozdílů a doteků štětce. Motivy a vzory byly navrženy samotným autorem, vytištěny na bavlnu a pak ručně obarveny. Proces barvení je asociací Succova díla s analogovou fotografií, kdy plátno nahrazuje fotografický papír a barviva vývojku.

124 / 125

Both in terms of content and concept, Succo’s works cover a broad range of artistic topics from spatial experience and a formal analysis of colour and composition to an investigation into contemporary pop and youth culture. The titles of his works are mostly inspired, or at times direct quotes from modern literature, movies and music often disguised through minimal changes to the originals. ‘Alone with Everybody’ from his series of Dye-Paintings which he began in 2011, deals with repetition and separation through minimal differences and marks. The motifs and patterns were created by the artist, printed onto cotton and then hand-dyed. The dyeing process is an association of Succo’s work with analogue photography whereby the canvas replaces the photographic paper and the dye replaces the developer.

Se všemi sám/ Alone with Everybody 2011 Tisk reaktivní barvou, barvivo a šicí nit na bavlně / Reactive dye-print, dye and sewing thread on cotton 141 × 192 cm

126 / 127

CHRIS SUCCO

NEAL TAIT Obrazy Neala Taita přinášejí divákovi znervózňující napětí, vytvořené protikladem něčeho docela dobře známého a neznámého. Opakované zobrazení každodenních předmětů se prolíná s mnohoznačnými embryonálními formami, které spojují nepříjemný prostor mezi fyzickou realitou a podvědomím. Výsledné výjevy se vyskytují ve snovém paralelním světě, který je svým znepokojivým mysticismem blízký surrealistickému malířství. Tait se snaží naplnit obrazy všemožnými napůl pozapomenutými, někdy záměrně nepochopenými odkazy – tím, že jsou zároveň kousavé a zbytečné, se tyto promluvy snaží vytvořit jakousi vnitřní logiku nebo poetiku, která jejich tvůrci umožňuje znovu se nechat okouzlit světem. „Myslím, že poněkud děsivě obýváme surreálno, ...navíc ono je bohužel spíš banální než fantastické.“ Neal Tait, 2012

Neal Tait’s paintings present the viewer with an unnerving tension, created by the juxtaposition of the almost familiar with that of the unknown. Repeated depictions of everyday objects are intertwined with ambiguous, embryonic forms, which join together the uneasy space between physical reality and the subconscious. The resulting imagery is located in a dreamlike parallel world, which shares its unsettling mysticism with Surrealist painting. Tait attempts to imbue the paintings with all kinds of half-remembered, sometimes wilfully misunderstood references – being both pointed and pointless utterances, they seek to establish a kind of inner logic or poetic that for the maker proposes a possible re-enchantment with the world. “I think that somewhat horrifically we inhabit the surreal, … moreover it is unfortunately banal as opposed to fantastical.” Neal Tait, 2012

128 / 129

Bez názvu / Untitled 2010 Olej na plátně / Oil on canvas 122 × 153 cm

130 / 131

NEAL TAIT

DOLLY THOMPSETT Předchozí tvorba Dolly Thompsett vycházela z drsných skutečných událostí, kdy například využila ztroskotání lodi nebo bojové mise k vytvoření dialogu mezi katastrofou a transcendencí. Její novější obrazy jako Hlídání trosek se vyvinuly spontánněji a pokrývají pan-historickou škálu od jeskynních maleb přes gotické zříceniny po videohry, které využívají působivé světelné efekty z posledních válek v Iráku a Afghánistánu. Výsledkem je rozsáhlý přehled našich věčných obsesí a archetypů. Autorka fyzicky vytváří prostorovou nejasnost malbou a podmalbou na pryskyřici, použitím lesku, využíváním nočních efektů a variacemi srozumitelnosti, měřítka a detailů toho, co vidíme, a vrství obrazy způsobem, který by vizuálně neměl dávat žádný smysl, ale vše do sebe zapadá jako zamrzlá krajina ve snu. Hlídání trosek stejně jako většina jejích děl z poslední doby je namalováno na tkaninu s květinovým vzorem, která autorce poskytuje barokní rámec, jehož prvky občas prosvítají v nečekaných podobách.

132 / 133

Její obrazy mají rovněž psychologický rozměr, který pochází ze spojení dvou zdrojů, jež dělí věčnost: jeskynních maleb a kinematografie. Dolly Thompsett uvádí, že ji inspiroval sestup pravěkých šamanů do matoucích hlubin jeskynních prostor, kde jejich hořící pochodně házely stíny na kamenné stěny, čímž vytvářely obrazy, které pak byly zvěčněny. Autorka řekla: „Zajímá mě, jak nastaly tyto tři věci najednou: psychický stav umělce, náhodný původ značky a jakýsi vznikající obraz, který někdo postřehne.“ Poté, co malířství pozbylo svých dřívějších práv na vyprávění příběhů ve prospěch filmu, si začíná nárokovat určité území zde, kde Dolly Thompsett slučuje krátký a dlouhý záběr tím, že její detaily vtahují diváka do širšího obrazu. Je to rovněž její reakce na děsivé náhle ozářené noční scény z fimu Apokalypsa. Společně tyto zdroje poukazují na to, jak vypadá její nedávná tvorba, která podkopává podvědomí umělce i společnosti.

Thompsett’s previous work has taken its starting point from grittily real events, using shipwrecks or combat missions, for example, to set up a dialogue between disaster and transcendence. Her more recent paintings such as Guarding the Ruins develop more spontaneously to run a pan-historical gamut from cave painting to gothic ruins to the video games, which exploit the compelling light effects from recent wars in Iraq and Afghanistan. The result is a sweeping overview of our eternal obsessions and archetypes. Physically, she creates spatial ambiguity by painting on and under resin, by applying glitter, exploiting night effects, and varying the clarity, scale and detail of what we see, layering imagery in a way that should or could make no sense visually but finally fits together like a frozen dreamscape. Guarding the Ruins like much of her recent work is painted onto flowerpatterned fabrics, which provide her with a baroque framework, elements of which occasionally show through as unexpected forms.

The paintings also take on a psychological dimension, which connects to two aeon-spanning sources: cave painting and the moving image. Thompsett cites as inspiration the descent of prehistoric shamans into the disorienting depths of cave systems, where their burning torches would cast shadows from the rocks, which suggested images to be fixed. “I’m interested”, she says, “in how three things came together: the psychological state of the artist, the accidental origin of the mark, and some kind of emerging image being pinned down.” Having yielded its former narrative rights to film, painting reclaims some territory here as Thompsett merges the short and long shot through the way her details draw the viewer into the big picture. She also takes a particular cue from the eerie flare-lit night scenes of Apocalypse Now. Together, these sources point to how her recent work looks to mine the subconscious of the artist and of society.

Hlídání trosek / Guarding the Ruins 2012 Kombinovaná technika na lněném plátně / Mixed media on linen 230 × 166 cm

134 / 135

DOLLY THOMPSETT

GAVIN TURK Gavin Turk byl průkopníkem mnoha forem současného britského sochařství, které jsou dnes považovány za samozřejmost, včetně malovaného bronzu, voskových figur, recyklovaných kunsthistorických ikon a využití odpadu v umění. Jeho tvorba je nekonvenční a nekompromisní. V roce 1991 mu Royal College of Art odmítla udělit titul kvůli tomu, že jeho závěrečná práce Jeskyně sestávala z vybíleného ateliérového prostoru obsahujícího pouze modrou pamětní plaketu připomínající jeho přítomnost: „Gavin Turk zde působil v letech 1989–1991“. Gavin Turk neustále zkoumá, co znamená být umělcem, a mnoho jeho prací se zabývá otázkami autorství, původnosti a originality. Vytvořil vlastní verzi děl Yvese Kleina, Piera Manzoniho, Marcela Broodthaerse, Reného Magritta a Andyho Warhola v pracích, které na jedné straně maskují toho „pravého“ umělce a na straně druhé odhalují jeho obzor vlivu. Gavin Turk se zabývá „mýtem“ umělce a „autorstvím“ díla a jeho zapojení do této modernistické, avantgardní diskuse sahá až k ready-made artefaktům Marcela Duchampa. Pop hlava a Dvojpop v červené postulují umělce jako zpěváka skupiny Sex Pistols Sida Viciouse v póze Elvise Presleyho od Andyho Warhola, který zobrazil tuto hvězdu s vyčesanými vlasy jako kovboje tasícího zbraň – původní král popu v pojetí původního „krále“ pop-artu. Pop hlava je poctou oběma; v ní Gavin Turk zaujímá stejnou rebelskou pózu s pokřiveným horním rtem ne jako král popu, ale jako temný princ punku. Zatímco Elvis představoval dezinfikovanou ikonu hudebního průmyslu, kterou Andy Warhol předělal ve vzpurníka, Sid byl přirozený outsider, který se poněkud náhodně ocitl v srdci pop kultury.

136 / 137

Oba předčasně a nešťastně zemřeli, nasáti a vyplivnuti stejným systémem, umocněným jejich silným sklonem k sebezničení. Jistě, na konci obou těchto nešťastníků nebylo nic atraktivního nebo zářivého nebo chytrého. Ale pokud je Pop hlava komentářem o podstatě celebrit a sebedestrukci vrozené tomuto hvězdnému systému, který má rád své mučedníky mladé a pošramocené – který nemálo přitakává mučednictví očekávanému od umělců, pokud chtějí doufat, že se někdy dočkají toho, že uvidí své jméno v záři reflektorů –, je to rovněž jízlivý výpad proti proměně kultury ve zboží, v níž jsou rebelové a hrdinové, umělci a umělecká díla a ikony zredukováni na výrobky, jejichž hodnota je dána libovolnou náhodností trhu.

Gavin Turk has pioneered many forms of contemporary British sculpture now taken for granted, including the painted bronze, the waxwork, the recycled art-historical icon and the use of rubbish in art. His work is maverick and uncompromising. In 1991, the Royal College of Art refused him a degree on the basis that his finals show, ‘Cave’, consisted of a whitewashed studio space containing only a blue heritage plaque commemorating his presence ‘Gavin Turk worked here 1989-91’. Turk continually investigates what it means to be an artist and many of his works deal with issues of authorship, authenticity and originality. He has made his own version of works by Yves Klein, Piero Manzoni, Marcel Broodthaers, René Magritte and Andy Warhol in works that both disguise the ‘real’ artist as well as reveal his horizon of influence. Concerned with the ‘myth’ of the artist and the ‘authorship’ of a work, Turk’s engagement with this modernist, avant-garde debate stretches back to the ready-mades of Marcel Duchamp.

‘Pop Head’ and ‘Double Pop Red’ posit the artist as Sid Vicious in the pose of Andy Warhol’s Elvis Presley, which imagined the be-quiffed star as a gun slinging cowboy – the original king of Pop as celebrated by the original “king” of Pop Art. An homage to both, ‘Pop Head’ finds Turk adopting the same rebel snarl with the curled upper lip, not as the King of Pop but the dark Prince of punk. While Elvis was a sanitized icon of the music industry given a rebellious makeover by Warhol, Sid was a natural outsider who found himself somewhat accidentally at the heart of pop culture. Both came to untimely and sticky ends, sucked up and spat out by the same system, with a heavy dose of self-destruction thrown in for good measure. Certainly, there was nothing glossy or shiny or bright about the respective ends of these two nemeses. But if ‘Pop Head’ is a comment on the nature of celebrity and the inbuilt selfdestruction of the star system, which likes its martyrs young and damaged – with not a small nod at the martyrdom expected of artists should they ever hope to see their name up in lights, it is also a wry take on the commodification of culture, in which rebels and heroes, artists, art works and icons are reduced to products whose value is determined by the arbitrary randomness of the market.

Pop hlava / Pop Head 2011 Akryl na plátně, sítotisk / Acrylic paint on canvas, silkscreen 60 × 45 cm

138 / 139

GAVIN TURK

Dvojpop v červené / Double Pop Red 2012 Akryl na plátně, sítotisk / Acrylic paint on canvas, silkscreen 225 × 135 cm

DOUGLAS WHITE Douglas White opětovně okouzluje celý svět jako moderní šaman, když se hrabe v odpadcích společnosti, které jako chorý transformuje do podivných monumentálních plastik. Ve své tvorbě je fascinován možnostmi, které skýtají odložené a opomíjené materiály, a vyjadřuje svou spřízněnost s nalezenými předměty, a to přírodními i uměle vyrobenými. Jeho poslední práce byly inspirovány cestou do východní Afriky v roce 2001, během které White narazil na pozůstatky slona. Zůstaly z něj jen rozházené kosti a masivní splasklá kůže, podobná spadlému stanu. Tento výjev se autorovi vryl do paměti a později jej oživil svými experimenty a manipulací s hlínou. Jako vždy, materiál je pro dílo určující, a v tomto případě představuje tu nejelementárnější složku celé sochy. Tím, že je tento výjev zbaven bezprostřední souvislosti s rozpadem, přestává být groteskní a stává se podivně abstraktním a vytváří zajímavou hru s pojmem figurace v rámci tohoto díla.

Like a contemporary shaman, Douglas White re-enchants the world, scavenging the detritus of society and compulsively transforming it into strange, monumental sculptures. His work is driven by a fascination with the possibilities of discarded and overlooked materials and articulates an affinity with found objects, both natural and man-made. His most recent work was inspired by a trip to East Africa in 2001, during which, White came across the remains of an elephant. All that remained were a scattered arrangement of bones and its massive deflated skin, like a collapsed tent. The image stayed with the artist and was brought to life through White’s experimentation and manipulation with clay. As ever, the material leads the works and in this case one of sculpture’s most elemental. Removed from the immediate context of decay the image is disconnected from the grotesque and becomes strangely abstract, creating an interesting play on the notion of figuration within the work.

140 / 141

Písně tlustokožců II / Songs of the Pachyderms II 2011 Hlína a ocelové tabulky / Clay and steel tables 80 × 120 cm

142 / 143

DOUGLAS WHITE

Jonathan Baldock NAROZEN / BORN 1980 Pembury, United Kingdom STUDIA / STUDIES 2007 Skowhegan School of Painting and Sculpture Residency, Maine, USA 2003–2005 Royal College of Art, Kensington, London (MA Painting), UK 2000–2003 Winchester School of Arts, Winchester (BA Fine Art Painting), UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 AMoYA (Artbanka Museum of Young Art), Prague, CZ 2011 Musica, Annarumma Gallery, Naples, Italy Pierrot, PeregrineProgram, Chicago, USA 2010 The Fool’s Flipside, Cell Projects, London, UK 2008 Ennui, Backlit Studios, Nottingham, UK H.E, The Fine Art Society, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Condensation, Danielle Arnaud Contemporary, London, UK Apocalypstik, The Nunnery, London, UK Pile, Chapter Gallery, Cardiff (Wales), UK Polemically Small, (curated by Edward Lucie-Smith), Torrance Art Museum, California, USA Jonathan Baldock / Karla Black / Morag Keil / Jonathan Monk, MALLORCA Landings, Mallorca, Spain British Art Now, Art Gallery of South Australia, Adelaide (Australia) *catalogue 2010 Props, Events & Encounters; Theatricality in Contemporary Sculpture, The Hub, Athens, Greece *catalogue. Hierarchies of Allegiance, The Royal Standard, Liverpool, UK Pile (curated by Craig Fischer), Surface Gallery, Nottingham, UK SV10 (Selected by Jennifer Higgie and Rebecca Warren), Studio Voltaire, London, UK Negotiable Values, 501 Arts Space, Chongqing, China NEWSPEAK; British Art Now, Saatchi Gallery, London, UK *catalogue 2009 Memories and Encounters, Viafarini, Milan, Italy NEWSPEAK; British Art Now, Hermitage Museum, St Petersburg, Russia *catalogue O / A Stiff New Speak: Bandeau (curated by Nicholas Byrne and Gareth Bell Jones), Tricycle Arts Centre, Kilburn, London, UK Straylight Cavern, Cell Project Space, London, UK Group Show TC Open, Turner Contemporary, Margate, UK Stranger Things are Happening, (curated by Jude Bennett), Aspex Gallery, Portsmouth, UK 2008 Straylight Cavern, Cooper Gallery, Duncan & Jordanstone School of Art, Dundee, Scotland, UK From Panic to Power (curated by Brian Bress), Angstrom Gallery, Los Angeles, USA The Brotherhood of Subterreanea, (organized by Ben Judd), Kunstbunker, Nuremberg, Germany Wassail, Cell Project Space, London, UK 2007 Lady Holic, Rod Barton Invites, London, UK Group, W.S. Bartletts, London, UK Frou Frou Foxes in Midsummer Fires, Colony Gallery, Birmingham, UK 2006 First, Last and Always, Axis Arts Centre Dublin, Ireland Through The Large Glass, Three Colts Gallery London, UK World Cup, 39, London, UK Baroque My World, Transition Gallery, London, UK

Milk Before Tea, Tara Bryan Gallery, London, UK Hollow Salon, Hollow Contemporary, London, UK 2005 All At Once, Together, At the Same Time; Colony Gallery, Birmingham, UK Anthea Hamilton, Adam Latham, Jonathan Baldock, I-cabin; London, UK Invasion’s Of Piquancy, Kenny Schacter ROVE, London, UK SV05 (selected by Enrico David and Catherine Wood), Studio Voltaire, London, UK Painting MA show; RCA, Kensington Gore, London, UK Redundancy, Aspex Gallery, Portsmouth, Hants, UK Shabu Frabu, 007 Hollybush Gardens, London, UK GRANTY, OCENĚNÍ, REZIDENCE / GRANTS, AWARDS, RESIDENCY 2011 A.I.R KinoKino, Sandnes, Norway Arts Council England Grant, Sichuan Fine Art Institute, Chongqing, China 2010 ACME Firestation Residency, London, UK 2009 Scottish Sculpture Workshop (SSW) Summer Residency, Aberdeenshire, Scotland, UK ViaFarini, Milan, Italy (nominated by Runa Islam) 2008 Braziers International Workshop Residency, Oxford, UK

MATTHEW BURROWS NAROZEN / BORN 1971 Wirral, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1993–1995 Royal College of Art, MA Painting, UK 1990–1993 University of Central England, BA (Hons) Fine Art, First Class, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Portal Alexia Goethe Gallery, Solo Projects, Basel, Switzerland 2009 Cultic Twister Alexia Goethe Gallery, London, UK 2006 Up-Down Eagle Gallery/ Emma Hill Fine Art, London, UK 2004 Narcissus and Echo Royal Overseas League, London, UK 2003 Anyone Here? Midlands Art Centre, Birmingham, UK Flattering Overtures Eagle Gallery/ Emma Hill Fine Art, London, UK 2000 A Divine Comedy Gloucester Cathedral, touring to Gloucester, UK City Art Gallery, Huddersfield City Art Gallery, UK 1994 Midlands Art Centre, Birmingham, UK Mertz Contemporary Art, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Are Pictures Always Paintings? Alexia Goethe Gallery, with Nick Hornby & Robert Fry, London, UK 2010 Layers John Moores Contemporary painting prize winners, Seongnam Arts Centre, Korea Make Vanitas Your Own, Alexia Goethe Gallery, London, UK Foolish Romantics Quay Arts Centre, Isle of Wight, UK 2009 Black Dog Yellow House Trolley Gallery (curated by Rachel Howard), London, UK Daily Miracles Josh Lilley Gallery, with Carla Busuttil & Ryan Mosley, London, UK Art Athena Marc de Puechredon Gallery, Athens, Greece ARCO Alexia Goethe Gallery, Madrid, Spain 2007 Faith Primo Alonso Gallery, London, touring to Dean Clough Gallery, Halifax, UK Hygge Standpoint Gallery, London, UK Art Futures Bloomberg Space, London, UK 2006 John Moores 24 Walker Art Gallery, Liverpool, UK

2005 Folklore APT Gallery, with Ansel Krut & Steve Swindells, London, UK 2004 Presence St Pauls Cathedral including Tracey Emin & Bill Viola, London, UK 2002 Artists-in-Residence Retrospective Gloucester Cathedral, UK 2001 Royal Overseas League Scholarship Exhibition 2000 Undercurrents Eagle Gallery / Emma Hill Fine Art, London, UK 1996 Artists of Fame and Promise, Beaux Arts, London, UK 1995 Mona Bismarck Foundation, selected by Mathilde Ferrer, Paris, France Paton Gallery, with Emma Talbot, London, UK 1994 Lannon Gallery, with Mark Wright, New York, USA OCENĚNÍ, REZIDENCE / AWARDS, RESIDENCY 2006 John Moores 24, Prize Winner 2001 Hunting Art Prize, Second Prize Winner 2000-2001 Artist’s Residency, National Gallery, London, UK 2000 Royal Overseas League Travel Scholarship 1999–2000 Artist in Residence, Gloucester Cathedral 1996–1997 Summers Studio Award, USA 1994 Richard Ford Travel Award, Royal Academy, London, UK 1993–1995 Basil Alkazzi Scholarship, RCA, London, UK Miss Emma Phipps Award for Painting, University of Central England, UK

EMMA BIGGS and MATTHEW COLLINGS NAROZENI / BORN Emma Biggs  1956, Hastings, United Kingdom Matthew Collings  1955, London, United Kingdom STUDIA / STUDIES Emma Biggs 1976–1980 Leeds University, UK Matthew Collings 1990–1992 Goldsmith’s College, London, UK 1974–1978 Byam Shaw Art School, London, UK Emma Biggs studied Fine Art at Leeds University, UK, 1976–1980. She has worked as a mosaic artist for over 25 years, setting up Mosaic Workshop in 1987, a craft-based mosaic company. Her practice has an aesthetic sensibility whose aims and ideals connect to those of William Morris and the Bauhaus, and is informed by her study of historical mosaics. The mosaic tradition she works out of begins in Babylon, encompasses Roman and Byzantine art, and is renewed with early modernism. She is currently writing a book on this history and has written many others. She has worked in cathedrals and mosques, in the UK and abroad. She is Senior Tutor in mosaic at West Dean College. Mosaic work Emma Biggs has made mosaic work for The Sultan of Oman, Westminster Cathedral, The Potteries Museum, Terence Conran, Frank Bruno and members of the Spice Girls. Her public work can be seen in Canary Wharf, Stoke-on-Trent, Sheffield, Epsom, Milton Keynes, Gosport, Liverpool and London. Matthew Collings studied painting at the Byam Shaw Art School, UK, 1974–1978, and Goldsmith’s College, UK, 1990–1992. On graduating he began writing reviews for the UK based magazine Artscribe. In the 1980s and 90s, after taking over the editorship of Artscribe, and turning it into a successful international publication, he was the art critic on BBC2’s The Late Show. He left the programme in 1995. Since then he has written many books on art,

including Blimey! From Bohemia to Britpop: The London Artworld from Francis Bacon to Damien Hirst and This Is Modern Art. He also wrote and presented for Channel 4 a number of highly successful and acclaimed TV series. These include This Is Modern Art, which won several awards including a BAFTA. For many years he presented Channel 4’s live annual coverage of the Turner Prize. His recent programmes What Is Beauty? and Renaissance Revolution were made for the BBC. He has taken part in many exhibitions. He began collaborating with Emma Biggs (as Biggs & Collings) in 2001.

The Peckham Pavilion, 53rd Venice Biennale, Italy Jerwood Sculpture Prize, Jerwood Space, London, UK 2008 Bold Tendencies 2

SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 The Whole Earth, Vigo Gallery, London, UK 2011 Mudlark, Charlie Dutton Gallery, London, UK Pattern Industry, FAS Contemporary, UK 2009 Five Sisters, York St Mary’s, York City Art Gallery, York, UK 2008 English Primitive, May FAS Contemporary, London, UK 2006 Click Clack, FAS Contemporary, London, UK 2004 Will You Obey The Rules, Adam Street Gallery, London, UK 2004 Neomodernism, Cross St Gallery, London, UK

NAROZEN / BORN 1962 London, United Kingdom

SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ The Royal Academy Summer Exhibition, UK Ha Ha What Does This Represent?, Standpoint Gallery, (curated by Katrina Blannin and Francesca Simon), London, UK 2011 Friendship of the Peoples, Simon Oldfield Gallery, London, UK Ghosts of Gone Birds, The Rochelle School, Shoreditch, London, UK 2010 Peer Arts and Crafts Fayre, Peer, Hoxton, UK The Royal Academy Summer Exhibition, UK Modern Love, Simon Oldfield Gallery, London, UK 2005 Nine Rooms, Scholars House, London, UK Bunking Off, Art Space, Shoreditch, London, UK Colour My World, Riflemaker, London, UK 2003 Group Shows Are A Waste Of Time, Hoxton Distillery, London, UK Round Table, MOT, UK

JAMES CAPPER NAROZEN / BORN 1987 London, United Kingdom SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Fleet, Hannah Barry Gallery, UK Ripper Teeth in Action, Modern Art Oxford, Oxford, UK 2010 The Long Way Round, Hannah Barry Gallery, London, UK 2008 James Capper, Wieden & Kennedy, London, UK Drawings for Machines, Hannah Barry Gallery, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Fabricators, Hannah Barry Gallery, London, UK 2011 Bold Tendencies 5, London, UK 2010 Let There Be Sculpture!, New Art Centre Roche Court, Wiltshire, UK 2009 The Oil Fields (with Rob Sherwood), Hannah Barry Gallery, London, UK Time Flies, Hannah Barry Gallery, London, UK Royal Academy Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London, UK Bold Tendencies 3, London, UK 146 / 147

OCENĚNÍ / AWARDS 2009 Jack Goldhill Prize for Sculpture at the Royal Academy Summer Exhibition Jerwood Sculpture Prize (shortlisted) 

CEDRIC CHRISTIE

SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2010 How Plato Became Plato, Koraalberg Gallery, Antwerp, Belgium 2009 Love Me or Fuck Me But Don’t Do Both, Flowers East, London, UK 2008 Triumph & Consumption, Carter Presents, London, UK 2007 Disciples of History, European Tour, Documenta, Kassel, Germany Icons, Galerie Frederic Desimpel, Brussels, Belgium Hollywood Philosophy, Eleven, London, UK 2006 Kiss your own Arse coz I’m not Sorry Anymore, 1,000,000mph Gallery, London, UK I did but Touch the Honey of Romance, Carter Presents, London, UK 2004 Repe at Performance, Anthony Grant, New York, USA Objects, Werz, Tübingen, Germany 2003 1/2 empty or 1/2 full?, Rocket Gallery, London, UK 2001 What’s the Point of Looking but not Touching?, Rocket Gallery, London, UK 1997 I Could’ve Done That, Commercial Gallery, London, UK 1995 Cedric Christie, Commercial Gallery, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2010 Cul de Sac, London Projects, London, UK One Shot Football Contemporary Art, B.P.S. 22 Charleroi, Belgium  House of Fairy Tales, Millennium Gallery, St. ives, Cornwall, UK Horn of Plenty, Viktor Wynd Gallery, London, UK 2009 Treasure Trove, Walsall Museum and Art Gallery, Walsall, UK Concerning Matter, Collyer Bristow Gallery, London, UK The Kitchen Sink, The School Creative Centre, Rye, UK Big Deal – Botoxed 69, C22 Pop Up Shop, London, UK Big Deal No 2, Discovery Business Park, London, UK Meltdown, Flowers East, London, UK May Day: The Dark Times, F-ISH gallery, Hastings, UK ’Oysters Ain’t’ – V22Presents: The Sculpture Show, The Biscuit Factory, London, UK 2008 Wharf Road Projects V22, Carter Presents, London, UK Superstratum, Koraalberg, Antwerp, Belgium Small is Beautiful, Flowers East Gallery, London, UK Presque Rien ll, Laure Genillard Gallery, London, UK Art of Occupation, TangentProjects @ Working Rooms, London, UK Wharf Road Projects, Carter Presents, London, UK Something You Should Know, Enders Gallery, London, UK Art Basel with Roche Court New Art Centre, Basel, Switzerland MADE-UP projects, Liverpool Biennial, Liverpool, UK 10 print project, Carter Presents @ Printspace, UK

Sculptural Proposition, Galerie Frederic Desimple, Brussels, Belgium Climate of Change 2, London, UK French Kiss English Snog, Mews 42, London, UK Artist Hand Book, S.M.A.K. Museum, Ghent, Belgium 2007 Documenta Bootleg, Kassel, Germany Monochrome White, Fine Art Society, London, UK Art Brussels, Galerie Frederic Desimple, Brussels, Belgium Climate of Change Part 1, S.M.A.K. Museum, London, UK Pas De Soucis, Rue de Visan La Barreliere, Tulette, France Driven, Fieldgate Gallery, S.M.A.K. Museum, London, UK Back to Hackney, Hackney, London, UK 2006 Art Basel with Roche Court New Art Centre, Basel, Switzerland Art Car Boot Fair, London, UK Please close the gate: Painted sculpture, Roche Court New Art Centre, Wiltshire, UK Monochromed, Fine Art Society, London, UK Illuminate, Hull Time Based Arts, Hull, UK 2005 POZ, Galerie Frederic Desimpel, Brussels, Belgium Minimal Means, Kunstverein, Eislingen, Germany Repeat Performance, Anthony Grant Gallery, New York, USA Frezzer, Archeus Fine Art, London, UK People of the World, Galerie Desimpel, Brussels, Belgium 2004 Needful Things: Recent Multiples, The Cleveland Museum of Art, Ohio, USA Group show, Galerie Desimpel, Brussels, Belgium 2003 Chockafuckingblock, Jeffrey Charles Gallery, London, UK Bootleg, Spitalfields Market, London, UK Art is Beautiful, Le Salon, London, UK 2002 It’s only words, Mirror, London College of Printing, London, UK Kiosk, The Kiosk Project, London, UK Dangerous Corners, James Huntington-Whiteley, London, UK It’s only a game, Object 57, Manchester, UK Berlin/London/Minimal, Galerie Markus Richter, Berlin, Germany Cabinet with Outfit, Galerie Andreas Brüning, Düsseldorf, Germany Art-plus Project, Esslingen, Germany 2001 East Wing Collection 5, Courtauld Institute, London, UK Counting Colour, Rocket Gallery, London, UK Project Wax, Metropolitan Hotel, London, UK Art Chicago, Rocket Gallery, London, UK 2000 Het Voetbal in de Beeldende Kunst 1900–2000, Kunsthal, Rotterdam, The Netherlands An Exemplary Life, Bury St Edmunds Art Gallery, Suffolk, UK Group Show, Hoax Gallery, Hoxton Square, London, UK 1999 Fun de Siecle, Walsall Museum & Gallery, Walsall, UK Group Exhibition, Tullie House Museum, Carlisle, UK Group Exhibition, Middlesbrough Art Gallery, Middlesbrough, UK Lord Rodney’s Head, London, UK Perceptual Engineering, London, UK 1998 Root, Chisenhale Gallery, London, UK SupaStore, Bregenz, Austria 20/20 Vision, Angel Row Gallery, Nottingham, UK 1997 Glass Self Show, ICA, London, UK Turning the Tables, Commercial Gallery, London, UK 20/20 Vision, Kingsgate Gallery, London, UK SupaStore, Cornerhouse Gallery, Manchester, UK 1996 Renovate, Shoreditch Town Hall, London, UK Get Your Kit Off, Up & Co Gallery, New York, USA

DAN COOMBS NAROZEN / BORN 1971 London, United Kingdom SAMOSTAtNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Heaven and Earth, Fine Art Society, London, UK 2009 The Dreamers, Fred Gallery, London, UK 2005 Mihai Nicodim Gallery, Los Angeles, USA The Approach, London, UK 2003 Crepuscular Variations, Rockwell, London, UK 2002 The Cornerhouse, Manchester, UK 2001 The Approach, London, UK Habitat, London, UK 2000 Zwemmer Gallery, London, UK 1999 The Approach, London, UK 1997 The Approach, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Echoes, Fine Art Society London, UK The Perfect Nude ( co- curated with Philip Allen) Wimbledon Space and Exeter Phoenix, UK 2011 The Beard, Charlie Smith Gallery, London, UK Disputatio, Gooden Gallery, London, UK The Perfect Crime, No.4a Gallery, Malvern, UK 2010 What Have I Done: Neal Tait, Tim Stoner, Dan Coombs, Fine Art Society, London, UK The Future Can Wait, Shoreditch Town Hall, UK We Are Not Witches, Fine Art Society at the Saatchi Gallery London, UK 2009 We’re Moving, Royal College of Art, London, UK Paperview, John Jones, London, UK Collage, Fred Gallery, London, UK 2008 Her House, Her House Gallery, London, UK 2007 Metropolis Rise: New Art from London, British Council, Shanghai and Beijing, China New Purchases, V22 Collection, London, UK Viva Curandos, Mihai Nicodim Gallery, Los Angeles, USA 2006 Mimoid, Limehouse Arts Foundation, London, UK 2005 Wonder and Think, Bethnal Green Museum of Childhood, London, UK Babel, Limehouse Arts Foundation, London, UK 2004 Le Consortium, Dijon, France The Waiting Room, The Nunnery, London, UK But Not As We Know It, Mihai Nicodim Gallery, Los Angeles, USA Collage, Bloomberg Space, London, UK 2003 Lyon Biennale, France APT, London, UK Isonerv, 168 Pitfield St, London, UK The Lost Collection of An Invisible Man, Laing Gallery, Newcastle, UK Dirty Pictures, The Approach, London, UK 2001 Gate 13, Spitalfields, London, UK 2000 British Art Now, Diehl Vorderwuelbecke, Berlin, Germany Sporadinate, Lock-Up Gallery, London, UK Raumerhebung, The Nunnery, London, UK 1999 Six Minutes, Three Seconds, Tulkammaren, Sweden 1998 Paradigms of Oneirology, One in the Other, London, UK Whitechapel Open, Whitechapel Art Gallery, London, UK 1996 Young British Artists Part Six, Saatchi Gallery, London, UK The Alchemy of the Portrait, Hotel de la Monnaie, Paris, France The Death of the Death of Painting, Wooster St, New York, USA

OCENĚNÍ / AWARDS 2007 Nomination for Hamlyn Award 2004 Mark Rothko Foundation Travel Award 1994–1995 Rome Scholar in Painting, British School in Rome, Italy

KEITH COVENTRY NAROZEN / BORN 1958 Burnley, Lancashire, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1982 Chelsea School of Art, London, M.A., UK 1978–1981 Brighton Polytechnic, B.A., UK VÝSTAVY (VÝBĚR) / SELECTED EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Black Bronze: White Slaves, The Bowes Museum, Barnard Castle, UK 2011 Collection Particulière, Seomi & Tuus Gallery, Seoul, South Korea 2010 Copper & Silk: New Works by Keith Coventry, Museum of London, UK Echoes of Albany, The Lightbox, Woking, Surrey, UK 2009 Painting and Sculpture Part II: Works 2002–2009, Haunch of Venison, London, UK 2009–2008 Copper and Silk, Paul Stolper, London, UK Painting and Sculpture Part I: Early Groups, Haunch of Venison, London, UK 2008 Anaesthesia as Aesthetic, Haunch of Venison, London, UK Heroes and Racists, Fine Arts Society, London, UK Seomi & Tuus Gallery, Seoul, South Korea 2007 Key Groups, Julius Werner Gallery, Berlin, Germany 2006 Endangered Species, Fine Arts Society, London, UK Paintings, Tramway, Glasgow, UK 2004 New Works, Kenny Schachter Rove, London, UK 2002 It has been said that only the pervert does not do drugs, Emily Tsingou Gallery, London, UK Doggerfisher Gallery, Edinburgh, UK 2000 Emily Tsingou Gallery, London, UK 1998 Crack, A22 Gallery, London, UK Greeks, Richard Salmon Gallery, London, UK White Abstracts and Estate Paintings, Galerie Frahm, Copenhagen, Denmark 1997 Spacex Gallery, Exeter, UK Kohn / Turner Gallery, Los Angeles, USA W.A.F.S. (update), Beaconsfield, London, UK The Showroom, London (catalogue), UK 1995 Ridinghouse Editions, London, UK White Abstracts, Curt Marcus Gallery, New York, USA 1994 Recent Works, Curt Marcus Gallery, New York, USA Works, Gardner Arts Centre, University of Sussex, Brighton, UK White Abstracts, Karsten Schubert, London, UK 1993 Recent Paintings, Karsten Schubert, London, UK Recent Paintings, Jack Hanley Gallery, San Francisco, USA Suprematist Paintings I–X, Karsten Schubert, London, UK 1992 Ivory Towers, Maureen Paley, Interim Art, London, UK Ivory Towers, Karsten Schubert, London, UK 1991 Karsten Schubert, London, UK Karsten Schubert, London, UK

HOWARD DYKE NAROZEN / BORN 1971 London, United Kingdom

STUDIA / STUDIES 1999–2002 Goldsmith’s College (MA Fine Art), UK 1990–1993 Central St Martins (BA Fine Art), UK 1989–1990 Middlesex Polytechnic (Foundation), UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 New Work, Chalie Dutton Gallery, London, UK 2010 Sense Maniac, Charlie Dutton Gallery, London, UK 2009 Acme project space, Bonner Rd, Bethnal Green, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Short listed for The Threadneddle Prize, The Mall Gallery 2010–2009 Parrot Halva, Clare Price & Howard Dyke Studio 1.1 gallery London, UK Tag 3–45 London Painting, Brown gallery, London, UK Plus 100, 122 Webber st, Southwark, London, UK With Or Without God, L13 Aquarium, Clerkenwell, London, UK Hilo, Keith Talent gallery, Bethnal Green, London, UK Drawings with Dolphins, Crimestown, Stoke Newington London, UK 2008 Marmite Painting prize, Studio 1.1 Gallery, Redchurch St, London, UK ’secrets’ postcard show R.C.A, Kensington Gore, London, UK Fresh Air Machine, Calvert, London, UK Blitzkrieg Bop, Man & Eve Gallery, Kennington Park Road, London, UK Sizler, Redchurch St., London, UK The Backlands, Vienna, Austria The Juddykes, the Old Art shop at John Jones, Finsbury park, London, UK 2006 Keith Talent Annual, Keith Talent Gallery, London Fields, UK 2005 This Show Is Ribbed For Her Pleasure, Cynthia Broan Gallery, New York, USA 2004 Zoo Art Fair, Regents Park, London, UK Simmons & Simmons, Ropemaker Street, London, UK Marriage as Menace, Keith Talent Gallery, London Fields, UK Mesmer, Temporary Contemporary, Deptford, UK 2003 The Queen Mother Show, One In The Other, London, (curated by Howard Dyke & Ben Judd), UK 2002 Shine, UP Projects, St Pancras Chambers, Kings Cross, London, UK 2001 Glamourhammer, Thomas ’A Beckett, Old Kent Road, Southwark, London, UK 2000 Prospects Art Prize, Shortlist show, Pizza Express, London,UK Assembly, Goldsmiths & Royal College group show, Stepney Green, Whitechapel, UK OCENĚNÍ / AWARDS 2008 Jessica Wilkes award – Acme Studio bursary 1 year

TOM GALLANT NAROZEN / BORN 1975 Sutton, Surrey, United Kingdom STUDIA / STUDIES 2003–2004 Artist Residency, Stichting, B.a.d., Rotterdam 2000–2001 Fellowship in Fine Art Print, Royal Academy Schools, UK 1998–2000 MA Fine Art Print, Camberwell College of Art & Design, UK 1994–1997 BA (Hons) Graphic Design, Southampton Institute of HE, UK

SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Two Arcs that Curve in Opposite Senses, Four All Saints, London, UK 2009 Two Arcs that Curve in Opposite Senses, DCKT Contemporary, New York, USA 2008 The Collector V: And it came to pass... Museum 52, London, UK 2007 The Collector IV, Changing Role-Move Over Gallery, Naples, Italy 2005 The Collector II, Museum 52, London, UK Film Screening, Museum 52, London, UK 2004 The Collector, Museum 52, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ The Yellow Wallpaper, Danson House, London, UK Kalliphilia, Vegas Gallery, London, UK 2011 Craft, Pertwee Anderson & Gold, London, UK The House of the Nobleman, London, UK Mat Chivers, Swoon & Tom Gallant, Pertwee Anderson & Gold, London, UK Change Happens, Mimmo Scognamiglio, Milan, Italy The House of Beasts, Meadow Arts, Shropshire, UK Meli Melo, The Gallery in Redchurch Street, London, UK 2010 Identity Theft, Mimmo Scognamiglio, Milan, Italy Dirty Kunst, Seventeen Gallery, London, UK Vanitas, 33 Portland Place, London, UK Wonderland, ASSAB ONE, Milan, Italy Life in 2050, Proud Central Gallery, London, UK Shoebox Art, Haunch of Venison, London,UK Media in Transition II, Hamish Morrison Galerie, Berlin, Germany 2009 Art Barter, The Rag Factory, London, UK Love is a Four Letter Word, Foley Gallery, New York, USA The Embassy – How Not to Run a Country, 33 Portland Place, London, UK Slash; Paper under the Knife, Museum of Art & Design, New York, USA Young / Old Masters, Robilant + Voena and Stair Sainty, London, UK / Milan, Italy Brompton Borders, London, UK Warholesque, Richard Young Gallery, London, UK Inspired, Mitchell Library, Glasgow, UK Works On Paper, Museum 52, London, UK 2008 Christmas Grotto, Museum 52, London, UK Culture Clash, Working Rooms, London, UK 2007 10 Curators, Colette, Paris, France BOYSCraft, Haifa Museum of Art, Tel Aviv, Israel Video Role, Changing Role Gallery, Rome, Italy 2006 Excess, Angel Row Gallery, Nottingham (public space), UK Media in Transition, Speilhaus Morrison Gallery, Berlin, Germany Media in Transition, Gallery Baer, Dresden, Germany 2005 Not too loose and not too tight, DCKT Contemporary, New York, USA Untitled, DPMHI, London, UK New Sculpture, Museum 52, London, UK Grotesque, 110 Curtain Road, London, UK

VÝSTAVY (VÝBĚR) / SELECTED EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ David Nolan, Gallery Alison Jacques Gallery, London, UK 2011 Sagacity, Formans Smokehouse Gallery, London, UK Robert Mapplethorpe: Night Work, Alison Jacques Gallery, London, UK 2010 The Great Constructor, David Nolan Gallery, New York (solo), USA Undone: Making and Unmaking in Contemporary Sculpture, Henry Moore Institute, Leeds, UK The Visible Vagina, David Nolan, New York and Francis M. Naumann Fine Art, New York, USA Redefining Landscape, Stephane Simoens Contemporary Fine Art, Knokke-Zoute, Belgium 2009 Obsession: Contemporary Art from the Lodeveans Collection, University of Leeds, UK Re-make / Re-model, Aurel Scheibler Berlin (solo), Germany Shadow /Existence, ScheiblerMitte, Berlin, Germany 2008 The Outward Urge, ScheiblerMitte, Berlin (solo), Germany Something Less, Something More (including works by Pierre Bismuth, Martin Creed and Donald Moffett), Gallery One One One, London (works from the David Roberts collection), UK 2007 Max. Durchfahrtshöhe, ScheiblerMitte, Berlin, UK Layer Cake, Fabio Tiboni Art Contemporanea, Bologna, Italy Small Wonders, The Grey Gallery, London, UK The End Begins (work from the Lodeveans collection), The Hospital, London, UK Says the junk in the yard (including works by Cornelia Parker, Jessica Stockholder and Gavin Turk), Flowers East, London, UK Auction Exhibtion, British Friends of the Art Museums of Israel, Christies, London, UK 2006 World Gone Mad, (including works by David Rayson, James Rielly, John Stezaker and Gary Webb), Milton Keynes Art Gallery, Milton Keynes, UK. Traveled to Herbert Read Gallery, Canterbury, UK, and Lime House Arts Foundation, London, UK 2005 Atoll Villas, Solo Show, Hales Gallery, London (solo), UK Under-lie, Keith Talent Gallery, London, UK 2004 Tubeway Army, Keith Talent Up West Obstractivist, Hales Gallery, London, UK 2003 Blow up, St Paul’s Gallery, Birmingham, UK 2001 Model Paintings, Agnews, London UK 1999 Equinox, Cain Gallery, Nailsworth, UK Jerwood Painting Prize 1999. Jerwood Gallery, London, UK 1997–1998 John Moores 20 Liverpool exhibition, Walker Art Gallery, Liverpool, UK Durham Paintings, Aberdeen City Art Gallery, UK Durham City Art Gallery, Vardy Gallery, University of Sunderland, UK 1994 British School at Rome Mostra, Italy

NEIL GALL

OCENĚNÍ, REZIDENCE / AWARDS, RESIDENCY 1993–1994 Abby Major Award, The British School at Rome 1996–1997 Artist in Residence, Durham Cathedral, UK

NAROZEN / BORN 1967 London, United Kingdom

STEVE GODDARD

STUDIA / STUDIES 1991–1993 Slade School of Art, London. Diploma in Fine Art, UK 1988–1991 Grays’s School of Art, Aberdeen, UK Fine Art, Painting. BA (First Class Honours) 148 / 149

NAROZEN / BORN 1959 Fulham, London, United Kingdom SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Steve Goddard – Two Poles, The Fine Art Society

Contemporary, London, UK 2011 One God to Many Devils, The Fine Art Society Contemporary, London, UK 2009 Only Headhunting, The Fine Art Society Contemporary, London, UK 2008 London Art Fair, Business Design Centre, London, UK 2007 How to Read a Face, The Fine Art Society Contemporary, London, UK 2005 Watcher, The Fine Art Society Contemporary, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Pertwee Anderson & Gold, London, UK 2010 Volta Art Fair, New York, USA 2009 Volta Art Fair, New York, USA 2006 London Art Fair, Business Design Centre, London, UK 2000 Summer Exhibition, Royal Academy, UK 1999 William Beadleston Gallery, New York, USA Summer Exhibition, Royal Academy, UK 1998 Eleanor Ettinger Gallery, New York, USA William Beadleston Gallery, New York, USA New English Art Club, UK 1997 Summer Exhibition, Royal Academy, UK 1996 Eleanor Ettinger Gallery, New York, USA Summer Exhibition, Royal Academy, UK 1995 Art Asia, Hong Kong Royal Portrait Society, UK Art Chicago, USA 1994 Summer Exhibition, Royal Academy, UK Art Asia, Hong Kong 1993 Royal Institute of Watercolour Artists, UK National Portrait Exhibition, UK 1992 New English Art Club, UK Summer Exhibition, Royal Academy, UK 1991 Royal Portrait Society, UK 1990 An English Exhibit (a joint exhibition with David Hockney and Rodger De Grey), Marilyn Wilson Gallery, Alabama, USA National Portrait Exhibition, UK Summer Exhibition, Royal Academy, UK OCENĚNÍ, REZIDENCE / AWARDS, RESIDENCY 2003 Singer & Friedlander / Sunday Times Competition, First Prize Winner 1997 Singer & Friedlander / Sunday Times Competition, Second Prize Winner 1996 Summer Exhibition, Royal Academy, Special Prize Winner 1995 Singer & Friedlander / Sunday Times Competition, Second Prize Winner 1990 Royal Society of British Artists, Special Prize Winner

STEPHANE GRAFF NAROZEN / BORN 1965 London, United Kingdom SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2010 Professore, Operating Room, Amerikan Hastanasi, Istanbul, Turkey 2007 Black Box, 75 Faubourg, Enrich Navarro, France 2006 Invisible Ink., Hamiltons Gallery, London 2003 Les Remparts, Dar Charifa, Marrakech 2001 Corps Anonyme, Studio show & book launch, London, UK 2000 Land, Hirschl Contemporary Art Gallery, London, UK 1999 Sandlines, Blains Fine Art, London, UK 1997 Akhenaten’s Dream, Fabian Fryns Gallery, Spain 1997 Still Glass, Michael Hoppen Photography, London, UK

1994 Sand Reliefs and Mummifications, Burlington New Art Gallery, London, UK 1992 Constrictions, Hamiltons Gallery, London, UK 1991 Lost Tribe, Museum of Mankind, London, UK 1988 The Last Supper, Roussos Gallery, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Certain pleurent d’émotion devant les équations de Maxwell, Odile Ouizeman, Paris, France Words, words, words, Beton Gallery, Athens, Greece Delhi art fair, Roland Belgrave 2011 Paris Photo, Hamiltons gallery 2010 Stolen Identities, curated bu James Putnam, Mimmo Scognamiglio Arte Contemporanea, Milan, Italy Platinum, Ercel Foundation, Turin, Italy Marrakech Art Fair, Enrico Navarra, France Wonderland Assab One, Milan, Italy 2009 “Play” (Professore installation), Paradise Row, London, UK Il faut être absoulement modern, Paradise Row, Istanbul, Turkey 2008 Africa, Bernard Shapero gallery, London, UK 2007 Abu Dhabi, Enrico Navarra, Art Paris 2004 Haik Project, Musée de Marrakech, Morocco 2001 Into the Light, Pamukbank Fotografgalerisi, Istanbul, Turkey 2000 Painted Pictures, Michael Hoppen Photography, London, UK 1999 Into the Light, Calcografia National, Madrid, Spain Silence in Painting, Crane Kalman Gallery, London, UK Into the Light, Royal Photographic Society, Bath, UK 1997 Six Artists, Lefevre Gallery, London, UK 1996 The Body, Michael Hoppen Photography, London, UK 1994 Constrictions, Lucie Weil-Selligman, Paris, France 1993 Constrictions, Zeit Foto gallery, Tokyo, Japan 1992 Kooling Gallery, London, UK 1991 Five Young Contemporaries, Crane Gallery, London, UK 1987 Hamiltons Gallery, London, UK

HASSAN HAJJAJ NAROZEN / BORN 1961 Larache, Morocco SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Mi Casa Tu Casa, Matisse Gallery, Marrakesh, Morocco 2010 1430 in Casa, Bab Hotel, Marrakesh, Morocco My beautiful Rubbish, Frieis Museum, Berlin, Germany Kesh Angels, Rose Issa Projects, London, UK 2009 1430 in Casa, Matisse Gallery, Casablanca, Morocco Dakka Marrackesh, 8th Bamako Encounters African Photography Biennial, INA, Mali 2008 Reuse 2.0, El boutique at Lothan Exhibition Space, Kuwait Dakka Marrakesh, Leighton House Museum, London, UK Noss Noss: Photographic Works and Other Moroccan Stories’, The Third Line, Doha, Qatar 2007 Noss Noss: Photographic Works and Other Moroccan Stories’, The Third Line, Dubai, U.A.E. 2004 Graffix From The Souk, Dar Sharfia, Marakkesh, Morocco 2002 Graffix From The Souk, Taros, Essaouira, Morocco 2001 Graffix From The Souk, Apart Gallery, London, UK 2000 Pop Art In The Kasbah, Ministero Del Gusto Gallery, Marrakech. Morocco SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Photoquai, Musee du quai Branly, Paris, France

Africa, See You, See Me, Fondazine Studio Maragoni, Firenze, Italy Play Ground’ New Walk Way Museum, Leicester, UK Le Salon for the Jameel Prize, La Villa des Arts, Casablanca, Morocco 2010 Africa, See You, See Me, Museu Da Cidade, Lisboa, Portugal Le Salon for the Jameel Prize, Sakip Sabanci Museum in Istanbul, Turkey Le Salon for the Jameel Prize, Sharjah Museum of Islamic Civilisation, UAE Arabicity, Beirut exhibition center, Lebanon Le Salon for the Jameel Prize, National Museum, Beiteddine Palace, Beiteddine, Lebanon Collective Design, Albareh Art Café, Manama, Bahrain Always Moving Forward, Gallery 44, Toronto, Canada Le Salon for the Jameel Prize, National Museum, Damascus, Syria Le Salon for the Jameel Prize, National Museum, Riyadh, Saudi Arabia 2009 Le Salon for the Jameel prize, V&A, London, UK Icons Reloaded, Elysee Arts, Liege, Belgium Exposition VII Art Collection Luxembourg ReOrientation European Pairlement, Brussels, Belgium 2008 Mediterraneo a Sea that Unites Italian Institute, London, UK Exposition VI Art Collection Luxembourg 2005 Contemporary African Visual Arts, Painting & furniture, British Museum, London, UK 2004 Black British Style’, clothing from 1950s till now, Victoria &Albert Museum, London, UK Graffix From The Souk’, Artisania, Rabat, Saler, Morocco 2003 Graffix From The Souk’, as part of the 5th Festival of cultural diversity, Institute Francais, London, UK Graffix From The Souk’, Part of Moroccan Cultural Week in Covent Garden, London, UK OCENĚNÍ / AWARDS 2003 Frame Magazine (frame 34) Arabian nights recycling, Paris, France French award ‘Fooding 2003’ for the best restaurant design granted to Andy Wahloo Bar, Paris, France

MARCUS HARVEY NAROZEN / BORN 1963 Leeds, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1986 graduated Goldsmith’s College, London, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 BRITISH, Vigo Gallery, London, UK 2012 Marcus Harvey, Galerie Alex Daniels, Amsterdam, The Netherlands 2010 Tattoo, Fine Art Society, London, UK Door Paintings, Galleria Marabini, Milan, Italy Marcus Harvey, Galleria Marabini, Bologna,Italy 2009 White Riot,White Cube, London, UK 2008 …Paintings, Galleria Marabini, Milan, Italy 2007 Albion, Galleria Marabini, Bologna, Italy 2005 The Führer’s Cakes, Galleria Marabini, Bologna, Italy Marcus Harvey, Mimmo Scognamiglio, Naples, Italy 2002 Marcus Harvey, Mary Boone Gallery, New York, USA Marcus Harvey, Vedovi Fine Art, Brussels, Belgium 1996 Marcus Harvey, Vedovi Fine Art, Brussels, Belgium 1995 Marcus Harvey, Tanya Bonakdar Gallery, New York, USA 1994 Snaps, White Cube, London, UK 1993 Marcus Harvey, Cohen Gallery, New York, USA

SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ BRITISH, Vigo Gallery, London, UK 2011 Two and a half Dimensions, Pangolin Gallery, London, UK 2010 Peeping Tom, Vegas Gallery, London, UK Without from Within, Djanogly Gallery, Nottingham, UK Crucible, Gloucester Cathedral sculpture show, Gloucester, UK 2009 College, Fred Gallery, London, UK TURPS BANANA 1, Galleria Marabini, Milan, Italy TURPS BANANA 2, Galleria Marabini, Bologna, Italy 2008 You Dig The Tunnel, I’ll Hide The Soil, White Cube, Hoxton Square and Shoreditch Town Hall, London, UK Summer Exhibition 2008, (invited exhibitor), Royal Academy of Arts, London, UK 2007 Summer Exhibition 2007, Royal Academy, London, UK The Dream of Putrefacation, Fieldgate Gallery, London,UK The Dream of Putrefacation, The Metropole Galleries, Folkstone, UK Decadence, Decay and the Demimonde, Home House, London, UK 2006 The Portrait, V22 ASHWINSTREET, London, UK In the darkest hour there may be light: Works from Damien Hirst’s murderme collection, Serpentine Gallery, London, UK Summer Exhibition 2006, (invited exhibitor) Royal Academy London, UK 2005 London Calling, Y(oung) B(ritish) A(rtists) CrissCrossed, Galleri Kaare Berntsen, Oslo, Norway 2002 Closer, Standpoint Gallery, London, UK 2001 Happy the World so Made, The Nunnery, London, UK 2000 A Thick Bloke Kicking a Dog to Death, The International 3 Summer Fête, Fairfield, Manchester, UK Sex and the British, Galerie Thaddaeus Ropac, Salzburg, Austria Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, France Out There, White Cube2, Hoxton, London, UK 1999 Now It’s My Turn to Scream. Works by Contemporary British Artists from the Logan Collection, Haines Gallery, San Francisco, California, USA 1997 Sensation, Royal Academy of Arts, London; Hamburger Bahnhof, Berlin, 1998-1999; Brooklyn Museum, New York, 1999–2000 1996 About Vision: New British Painting in the 1990’s, Museum of Modern Art, Oxford, UK 1995 Young British Artists III, Saatchi Gallery, London, UK 1994 Some Went Mad, Some Ran Away, Serpentine Gallery, London, UK 1991 Harry Zellweger Gallery, Basel, Switzerland

TONY HEYWOOD and ALISON CONDIE NAROZENI / BORN Tony Heywood  1957, Bolton, Manchester, United Kingdom Alison Condie  1960, Edinburgh, Scotland, United Kingdom VÝSTAVY / EXHIBITIONS 2013 The Greenhouse, summer 2012, Regent Street, London, UK 2012 London Twelve, City Gallery Prague, Prague, CZ Subterranean Landscape, The Old Vic Tunnels, London, UK Glamourlands: A Techno-Folly, Chelsea Flower Show, London, UK Paint Pour, Artists in Residence 2011, Chelsea Flower Show, London, UK

Glamourland, Berkley Square, London, UK 2010 We Are Not Witches, Group exhibition, The Art of Giving, Saatchi Gallery, London, UK Space Ritual, Tatton Park, Cheshire, UK Superbloom, Hannah Peschar Sculpture Park, Surrey, UK 2009 Anthroscape, Future Gardens, St Albans, UK Beauty Spot, Fine Art Society, London, UK 2008 SCOPE International Contemporary Art Fair, London, UK 2007 Unfinished Symphony, Fine Art Society, London, UK London Art Fair, represented by Fine Art Society, London, UK White Out, Fine Art Society, London, UK Shimmer, Fine Art Society, London, UK 2006 Saudade, Highbury Studios, London, UK Sparkle, Tate Britain, London, UK SuperAlgal Bloom, The Long Water, Hyde Park, London, UK Super Botanics, Seventeen Gallery, London, UK 2005 Seventeen Presents..., Seventeen Gallery, London UK The Echo, Botanic Gardens, Belfast The Calling, Charles Fort, Kinsale, Ireland Emissions: The Incident Room, Fordham Gallery, London, UK 2004 The Shaman: a performance, The Fifth Room, Edinburgh, UK 2003 Ooze, Urban Gardens, Kensington Olympia, London, UK 2002 Kinki Kensho, Chaumont International Festival of Gardens, Loire-et-Cher, France The Happening, Westonbirt International Festival of Gardens, Gloucestershire, UK Urdo Edo: Urban Gardens, Kensington Olympia, London, UK  2002–2005 Grizzly Bear, Parts I II & III, Fordham Gallery, London, UK 2000 Photoplasmagenics: Interactive horticultural photography, Fordham Gallery, London, UK 1999 Mulch: A garden installation, Fordham Gallery, London, UK

PAUL HOUSLEY NAROZEN / BORN 1964 Stalybridge, Greater Manchester, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1993–1995 Painting M.A. Royal College of Art, London, UK 1983–1986 Fine Art B.A. (hons), Sheffield City Polytechnic, UK 1981–1982 Fine Art Foundation, Tameside College of Art and Technology, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2009 Orders from Chaos, Peter Bergman ALP Gallery, Stockholm, Sweden 2008 Some Have Eyes, Wilkinson Gallery, London, UK  Night Painting, Sunday L.E.S., NY, USA 2006 Solo Presentation, Vienna Art Fair, Austria Heavy Easel, Norwich Gallery, Norwich, UK 2005 New Works, Durham Light Infantry Museum, Durham, UK The Boy is Made of Plastic, Reg Vardy Gallery, Sunderland, UK New Ways to be Alone, Wilkinson Gallery, London, UK 2003 New Works, Waygood Gallery, Newcastle-Upon-Tyne, UK 2002 Liste 2002, Young Art Fair, Basel, Switzerland New Works, Nylon Gallery, London, UK 2001 I, Mancunian, The Lowry Gallery, Salford, touring under different titles to Nottingham, Angel Row, Leeds City Art Gallery and James Hockey Gallery, Surrey Institute, 150 / 151

Arts Council sponsored tour, UK New Works, Studio Raffaelli, Trento, Italy 2000 Some Things Smell in Denmark, Nylon, London, UK New Works, University of Northumbria at Newcastle Gallery, UK 1998 England til it Hurts, Berwick Gymnasium Gallery, Berwick Upon Tweed, UK 1997 Poets and Dentists, The 312 Gallery, London, UK 1996 IF, Alternative Art Galleries, London, UK 1994 Bummed, The Hockney Gallery, R.C.A. London, UK 1990 One Man Show, The Graves Gallery, Sheffield.G, UK

Month Residency, UK 1998–1999 Evelyn Williams Trust Drawing Fellow, Six month residency, University of Northumbria at Newcastle Upon Tyne, UK 1997–1998 Berwick Gymnasium Gallery Fellowship, Four Month Residency, Berwick Upon Tweed, UK 1994 R.C.A. Travel Award, 3 Month Residency in Paris, France

SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2009 Paperview, curated by Danny Rolph, John Jones Project Space, London, UK Repitition Paintwork 3 Galerie Borchart, Hamburg, Germany Summer Show, Gallery Akinci, Amsterdam, The Netherlands Paintwork 2, SW1 Gallery, London, UK Being There, Gallery Akinci, Amsterdam, The Netherlands 2008 Presence Curated by Robert Mollers, Tony Wight Gallery Chicago, USA 2007 Inaugural Show, ALP/Peter Bergman, Stockholm, Sweden Slim Volume, (curated by Andy Hunt, Hotel Gallery Paul Housley, Mark Bell, Jessica Bradley Art and Projects), Toronto, Canada 2004 John Moores 23, Walker Art Gallery, Liverpool, UK Sidelonging, 117 Commercial Road, London, UK Works on Paper, Keith Talent Gallery, London, UK 2003 The Painting Show, Anthony Wilkinson Gallery, London, UK Dirty Pictures, The approach, London, UK Yes! I am a long way from home, Wolverhampton Gallery touring to The Nunnery, London, Northern Gallery of Contemporary Art, Sunderland, Herbert Read Gallery, Kent, UK The Cat Show, Acme Gallery, Los Angeles, USA Arcadia, Laurent Delaye Gallery, London, UK 2002 Painting and Illustration, The Luckman Institute, Los Angeles, USA Closer, Standpoint Gallery, London, UK Glossies, Keith Talent Gallery, London, UK Yesteryear, Nowadays, Hales Gallery, London, UK Air Guitar, Milton Keynes Gallery, touring to The Cornerhouse, Manchester, Angel Row, Nottingham, Carlisle, UK 2001 The Record Sleeve Show, VTO Gallery, London, UK Modern Love, Hobbypop Museum, Dusseldorf, touring to VTO Gallery, London, UK 2000 Zeitgenossen/Contemporanians; Malerei. 20;21 Galerei, Essen, Germany The Poster Show, Cabinet Gallery, London, UK Homage to the Budokhan, Foyles Gallery, London, UK Vim and Vigour, Mass, Sheffield, UK 1999 The Poster Show, Gavin Brown Enterprises, New York, USA 9/9/99, Anthony Wilkinson Gallery, London, UK EAST International, Norwich Art Gallery, Norwich, UK 1997 Bad Reproduction, Thames Valley University Gallery, London, UK 1991 John Moores 17, The Walker Gallery, Liverpool, UK 1990 Revolver, The Graves Gallery, Sheffield, UK 1989 12, The Leadmill, Sheffield, UK 1998 The Mappin Open, Mappin Gallery, Sheffield, UK

NAROZEN / BORN 1965 London, United Kingdom

REZIDENCE / RESIDENCY 2007–2008 Space for 10 Residency, London Print Studio, UK 2004–2005 Durham Cathedral Artist in Residence, Twelve

HENRY KROKATSIS

STUDIA / STUDIES 1988–1990 Royal College of Art, London M.A Painting, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Part Time Paradise, David Risley Gallery, Copenhagen, Denmark 2010 Like a Gang of Virtue, Fine Art Society, London, UK 2010 1–60, 60/1 Galeria Leme, Sao Paulo, Brazil 2008 Henry Krokatsis, Galeria Leme, Sao Paulo, Brazil See Better Daze, David Risley Gallery, London, UK 2006 Cure, Goff+Rosenthal, New York, USA New Acquisition, New Art Gallery, Walsall, UK 2005 Pray For My Beautiful Lost Cause, David Risley Gallery, London, UK 2003 Hard Pressed Heaven, Union Gallery, London, UK 2002 Angelcote, Issey Miyake, London, UK 2001 Better Lies, Nils Staerk Gallery, Copenhagen, Denmark 2000 Good Hiding, Zwemmer Gallery, London, UK 1999 Cabin Fever, VTO Gallery, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Themes and Variations, Script and Space, Guggenheim Collection,Venice, Italy House of the Nobleman, Boswall House, London, UK Tape 23, Tape, Berlin, Germany A Fire in the Master’s House is Set, Chapter, Cardiff, UK House of Beasts, Attingham, Shropshire, UK Practice to Deceive, ShowStudio, London, UK Sometimes I Wish I could Just Disappear David Risley Gallery, Copenhagen, Denamrk Still or Sparkling, Gazelli Art House, Belgrave Square, London, UK 2010 Fast Forward, Cultura Ingles, Sao Paulo, Brazil The House of the Nobleman, Boswall House, London, UK Swan Song, St. Anne’s House, London, UK 2009 Rob Pruitt’s Flea Market Tate Modern, London, UK Vorspiel, Maud Piquion, Berlin, Germany In Two Minds, 11 Spitalfields, London, UK Paper Work, David Risley Gallery, Copenhagen, Denmark New Romance, Ada Street, London, UK Time is a Sausage, Domo Baal, London, UK Encomium, Fine Art Society, London, UK Breakfast of Champions Yinka Shonibare Space London, UK Metro-land Merriscourt, Oxfordshire, UK 2008 Grotto, Museum 52, London, UK Smoke, Pump House Gallery, London, UK Do Outro Lado Do Muro, Volume B, Sao Paolo, Brazil Heart of Glass, Shoreditch Town Hall, London, UK Give Me Shelter, Attingham Park, Shropshire, UK Death, Take Courage, London, UK Birds, Bats, Bees, Phillips De Pury, London, UK Artists’ Playground, Reconstruction, Sudeley Castle, UK King Fisher’s Tales, Union Gallery London, UK 2007 Interiors, Imoderni, Miami, USA

Neighbourhood Watch, Nettie Horn, London, UK Rummage, Sculptors’ Drawings, Winchester Gallery, Southampton, UK Citadel 1, David Risley Gallery, London, UK Distinctive Messengers, House of Campari, New York, USA 2006 You’ll Never Know, Hayward Gallery National Touring Show, UK Scarecrow, Averoff Foundation, Metsovo, Greece 2005 To Be Continued…, Nils Staerk Gallery Copenhagen, Denmark Accidental Death, David Risley Gallery, London, UK 2004 Showcase, South London Gallery, UK Showcase, City Art Gallery, Edinburgh, UK Jerwood Drawing Prize, Jerwood Space, London and touring, UK 2003 Through a Sequence of Space, Nordenhake Gallery, Berlin, Germany Bad Touch, Keith Talent Gallery, London, UK Love, 14 Wharf Road, London, UK Conquistadors, Alpine Club, London, UK 2002 Sculpture in the Park, Mile End Sculpture Park, UK 2001 Waddington Style, Zwemmer Gallery, London, UK 2000 Someone, Somewhere, VTO Gallery, London, UK 1998 River Deep, Mountain High, Gallery Westland Place, London and Cooper Gallery Dundee, UK 1997 Victoria, Laurent Delaye Gallery, London, UK Jam in the Park, Laurent Delaye Gallery, London, UK 1996 Outliers 1–3, 3 Billboards sites, London, UK 1995 Mad Frankie Fraser Presents, Pierpont Row, London, UK Henry Krokatsis & David Brock, British Council, Barcelona, Spain 1994 Over There Dexter Dalwood & Henry Krokatsis, Salama-Caro, London, UK No Man’s Land, Fountain Square, London, UK

PHILIP LAI NAROZEN / BORN 1969 Kuala Lumpur, Malaysia STUDIA / STUDIES 1993–1994 MA Fine Art, Chelsea College of Art & Design, UK 1990–1993 BA Fine Art (sculpture), Chelsea College of Art & Design, UK 1988–1989 Foundation Course, Middlesex Polytechnic, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Galleria Franco Noero, Turin (upcoming), Italy 2009 Stuart Shave / Modern Art, London, UK Introduction and Jargon, Transmission Gallery, Glasgow, UK 2008 Open Container, Galerie Giti Nourbakhsch, Berlin, Germany 2007 A metal bar fell on someone’s head or something, Galleria Franco Noero, Torino, Italy Free To Meet For Coffee Sometime Soon, Stuart Shave / Modern Art, London, UK 2000 His Divine Grace, Stuart Shave /Modern Art, London, London, UK 1997 Phillip Lai, The Showroom, London commissioned by The Showroom in collaboration with inIVA, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2010 No Soul For Sale – A Festival of Independents, Tate Modern, Turbine Hall, London, UK Keep Your Seat, GAM Galleria d’Arte Moderna, Turin, Italy 2009 Altogether Elsewhere, Zoo 2009, London, UK Sniper, Galerie Biedermann, München, Germany

2008 Seven Times Two or Three, Cubitt, London, UK 2007 In The Poem About Love You Don’t Write The Word Love, Overgaden – Institut for Samtidskunst, Copenhagen, Denmark In the Poem about love you don’t write the word love, Midway Contemporary Art, Minneapolis, USA Republic – L’Est, London, UK 2006 John Frumism, Philip Lai, Paul Thek, Mike Nelson, Hotel, London, UK Group exhibition (survey of programme 1989–2005), The Showroom, London, UK 2005 In The Poem About Love You Don’t Write The Word Love’, CCA, Glasgow Drawing, UK Two Hundred, (fundraiser) The Drawing Room, London, UK 2004 Uscita Pistoia, alternative space, Pistoia, Italy Strange Weather, Modern Art, London, UK Tag Team Experiment, two-person relay exhibition, alternative space, Edinburgh, UK 2003 Drawing One Hundred, (fundraiser) The Drawing Room, London, UK 2002 We Want Out’, CityLights Project, Melbourne, Australia 2000–2001 Senselessness-lessness, Tramway, Glasgow ‘Death Race 2000’;Threadwaxing Space, New York Drawing Exhibition, Herefordshire College of Art & Design, UK 1999 Cities on the Move’, Hayward Gallery, London (included as part of Nasubi Gallery project), UK Black Box (continued screenings), venues: Angel Row; Nottingham Artezium, Luton, UK New Video from Great Britain, (British Council tour to South America), venues included: Sala Mendoza, Caracas; Museo Carillo Gil, Mexico City 1998 Black Box, (commissioned by Film & Video Umbrella) venues: Open Ey, Liverpool (ISEA); Lift (Pandæmonium festival), London; Aspex, Portsmouth; ARC, Stocktonon-Tees, UK New Video from Great Britain, MOMA, New York Bed and Workshop, alternative space, Rennes, France; ’Grey Area’, Bonnington Gallery, Nottingham , UK 1996 Deep Signal, Gasworks, London and Collective Gallery, Edinburgh, UK Off Camp/On Base (Pimple Life), Tokyo Big Sight Exhibition Centre, Japan including one month pre-exhibition residency period I beg to differ, Milch, London, UK; ‘Update 96’, The Old Turbine Hall, Copenhagen, Denmark 1995 Institute of Cultural Anxiety, ICA, London, UK Fresh, (continued screenings) venues:Video Positive 95, Liverpool; Tate, London, UK 1994 Weirdos, SAGA Basement, Copenhagen, Denmark Fresh, (Film & Video Umbrella touring programme) venues included: ICA, London; CCA, Glasgow; Ikon Gallery, Birmingham, UK Miniatures, The Agency, London, UK; ‘No Vacancies’, alternative space, Frankfurt, Germany OCENĚNÍ, REZIDENCE / AWARDS, RESIDENCY 2006 Research and Development visit to Armenia (by invitation of the British Council) 1999 Award to Individual Artists – London Arts (formerly London Arts Board) 1996 One-month residency toward “Off Camp/On Base” exhibition, Tokyo, Japan

PENNY LAMB NAROZENA / BORN 1968 Surrey, United Kingdom

STUDIA / STUDIES 2001–2007 Roehampton School of Art, University of Surrey, Art for Public Space, 1st class honours BA, UK VÝSTAVY / EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2008 Calvert 22 Gallery, The Fresh Air Machine, group show 2009 FAS Contemporary, Volta Basel, group show Encomium, FAS Contemporary, group show 2010 FAS Contemporary, Volta New York, group show We are not Witches, Saatchi Gallery, group show (raising money for Nigerian children accused of witchcraft), UK

HEW LOCKE NAROZEN / BORN 1959 Edinburgh, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1988 B.A. Fine Art, Falmouth, UK 1994 M.A. Sculpture, Royal College of Art, London, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 New temporary outdoor commission for Deptford festival, London, UK 2011 For Those in Peril on the Sea’ new commission for the Church of St Mary & St Eanswythe as part of the Folkestone Triennale, UK Starchitect, ArtSway gallery, the New Forest, UK 2010 Ruined, permanent public artwork for Brunswick Cemetery Gardens, Bristol, UK Sikandar, short-listed for The Fourth Plinth, Trafalgar Square, London, UK The Nameless Hales Gallery, London & KaDE, Amersfoort, The Netherlands 2008 The Kingdom of the Blind, Rivington Place, London, UK How Do You Want Me? Hales Gallery, London, UK 2006 Restoration, commission for Spike Island exhibited at St Thomas the Martyr’s Church, Bristol, UK 2005 Solo exhibition The New Art Gallery, Walsall, UK Natives and Colonials, Hales Gallery, London, UK 2004 King Creole, installation on façade of Tate Britain, London, UK House of Cards, Luckman Gallery, California State University, L.A. & The Atlanta Contemporary Art Centre, Georgia, USA 2002 The Cardboard Palace, Chisenhale Gallery, London, UK 2000 Hemmed In Two, The Victoria & Albert Museum, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011–2012 The Queen: Art and Image, The National Portrait Gallery, London; National Gallery Complex, Edinburgh; Ulster Museum Belfast; National Museum, Cardiff, UK 2011 New Forest Pavillion, Palazzo Zenobio, 54th International Art Exhibition – la Biennale di Venezia, Italy 2010–2012 Global Caribbean (part of Art Basel Miami), Little Haiti Cultural Complex, Miami, USA; Musée International des Arts Modestes (MIAM), Sete, France; Museo de Arte Contemporaneo (MAC) de Puerto Rico; Fondation Clément, Martinique 2010 Holy Toy, Haugar Vestfold Kunstmuseum, Tønsberg, Norway & Sølvberget Stavanger Culture House, Sølvberggt, Norway British Subjects: Identity and Self-Fashioning 1967–2009,

Neuberger Museum of Art, New York, USA The Thessaloniki Biennale of Contemporary Art, Greece New commission for ’Mythologies’, Haunch of Venison gallery, London, UK New commission for the San Juan Triennal, Puerto Rico South South, Justina M. Barnicke Gallery, University of Toronto, Canada 2008–2009 21: Contemporary Art at the Brooklyn Museum, New York, USA 2nd Life Museum of Arts & Design, New York, USA 2008 New commission for the Guangzhou Triennial, China 2007–2008 Infinite Island: Contemporary Caribbean Art, Brooklyn Museum, USA 2007 I Encuentro Entre dos Mares- Bienal São Paulo Valencia Biennale, Spain Picture House, Film, Art and Design, Belsay Hall, nr. Newcastle-upon-Tyne, UK 2006–2007 Alien Nation ICA, London, UK, then touring 2005–2006 British Art Show 6, BALTIC Gateshead, then touring 2005–2006 Et Maintenant? – What Now?, Crac Alsace, Altkirch, France 2005 Barrocos y Neobarrocos, Palacio de Abrantes, Salamanca, Spain

OLIVER MARSDEN NAROZEN / BORN 1973 Reading, United Kingdom STUDIA / STUDIES 2007 Science Ltd., UK 1997 MFA Drawing & Paintings, Edinburgh College of Art, UK 1995 BA Hons 1st Class Drawing and Painting, Edinburgh College of Art, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Cult, VIGO, London, UK 2009 In Praise of Light, Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japan 2008 Illuminieren, Galeria Hilario Galguera, Leipzig, Germany Chromatique, The Fine Art Society, London, UK Charis, Galerie Mourlot, New York, USA 2007 Visual Harmonics, The Fine Art Society, London, UK 2005 Sequence, The Blue Gallery, London, UK 2003 Re:action, The Blue Gallery, London, UK 2002 New Works, The Hub, Edinburgh, UK 2001 Suffusion, The Blue Gallery, London, UK 2000 Code 000, The Blue Gallery, London, UK 1999 Amorphean, The Letham Gallery, Auckland, New Zealand 1998 Amorpheus, Spencer Brownstone Gallery, New York, USA Amorpheus, Royal Botanical Gardens, Edinburgh, UK Liquemorph, The Blue Gallery, London, UK 1997 Liquiform, Spencer Brownstone Gallery, New York, USA SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2010 Vida, Pasion y Muerte, Mexican Embassy, Berlin, Germany Re:public, Chelsea Futurespace, London, UK Eye Poppers Big and Bold, Kresge Art Museum, Michigan, USA Tondo, The Fine Art Society, London, UK 2009 Imperium, Galeria Hilario Galguera, Leipzig, Germany Keep Dark: Inaugural exhibition, Dvorak Sec 152 / 153

Contemporary, Prague, CZ Art and Science, Cynthia Reeves Contemporary, New York, USA 2008 INDEX 2: Pulsion, Galeria Hilario Galguera, DF, Mexico Visual and Other Pleasures, The Illustration Gallery, Stroud, Gloucestershire, UK  La Llegada de los Barbaros, Galeria Hilario Galguera, Leipzig, Germany 2007 INDEX: Esperando a los Barbaros, Galeria Hilario Galguera, DF, Mexico Multiple Occupancy, Meantime Project Space, Cheltenham, UK Unfinished Symphony, The Fine Art Society, London, UK Monochrome II, The Fine Art Society, London, UK Darbyshire Award, Stroud Museum, Stroud, Gloucestershire, UK Five by Severn, The Wool Barn, Frampton-onSevern, Gloucestershire, UK Some Vacant Accommodation, Stroud Valleys Artspace, Gloucestershire, UK 2006 Young and British, JGM Galerie, Paris, France 2005 Re:sound – Sound Animation Performance, The Space, Stroud, Gloucestershire, UK 2004 Paintings that Paint Themselves or So it Seems, Kresge Art Museum, Michigan, USA 2003 Sine, 11A Studios, Gloucester, UK 2002 ArtAid 2002, Bloomberg Space, London, UK 2001 Saturated Skins, Vavasour Godkin Gallery, Auckland, New Zealand 2000 Manifesto, The Blue Gallery, London, UK 1999 Winter Show, Vavasour Godkin Gallery, Auckland, New Zealand 1999 Bundle, Spencer Brownstone Gallery, New York, USA 1998 The Privy Offsite, Alannah Weston, London, UK 1997 Three Plus One, Beaux Arts Gallery, London, UK 1996 Inside, Outside, Above and Below, Spencer Brownstone Gallery, New York, USA Imports, Exports and Deports, Cleveland Institute of Art, Cleveland, USA Contemporary Art at the Courtauld, The Courtauld Institute, London, UK Scottish Society of Arts, Royal Scottish Academy, Edinburgh, UK Artists of Fame and Promise, Beaux Arts Gallery, London, UK Hunting Art Prize, Royal College of Art, London, UK 1995 135th Royal Glasgow Institute of Fine Arts, McLellan Galleries, Glasgow, UK Canvassing Perceptions, Philip Godsall Gallery, London, UK

JASON MARTIN NAROZEN / BORN 1970 Jersey, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1990–1993 Goldsmiths College, London, BA (Hons), UK 1989–1990 Chelsea School of Art, London, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS  2011 Jason Martin, L.A. Louver, Venice, CA, USA 2010 The Roaring Forties, Fine Art Society, London, UK 2009 Jason Martin, Espace Jean Legendre, Compiègne, France Vigil, The Peggy Guggenheim Collection, Venezia, Italy Jason Martin, Renwick Gallery, New York City, NY, USA Luxe, Calme et Volupte’, Wetterling Gallery, Stockholm, Sweden 2008 Nomad, CAC Malaga, Spain Oceania, L.A. Louver, Los Angeles Nomad, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani

de Palma, Palma de Mallorca, Spain Rock, Centro Brasileiro Britanico, Sao Paulo, Brazil 2007 For Gods Sake, Kunstverein Kreis Gütersloh, Gütersloh touring to Moenchehaus museum, Goslar, Germany, Thaddaeus Ropac, Salzburg, Austria Atlas, Mimmo Scognamiglio Gallery, Naples, Italy Jason Martin, Nude, Galerie Thaddaeus Ropac, Paris, France 2006 Jason Martin, Arcadia, Galerie Mário Sequeira, Braga, Portugal 2005 Jason Martin, CAC Málaga, Spain 2004 Lisson Gallery, London Jason Martin, L.A. Louver, Los Angeles, USA 2003 Jason Martin: New Paintings, Galerie Thaddeus Ropac, Paris, France Jason Martin’, Patrick de Brock Gallery, Knokke, Belgium 2002 Pink 001, Galerie Thaddeus Ropac, Paris, France 2000 Galleria Claudia Gian Ferrari, Milan L.A. Louver, Los Angeles, USA 1999 Lisson Gallery, London 1998 Stadtische Galerie Nordhorn, Germany Robert Miller Gallery, New York, USA 1997 Lisson Gallery, London 
Kohji Ogura Gallery, Nagoya 1996 Lisson Gallery, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2010 It must be abstract, Galleria Cardi, Milan, Italy 3 x 3, L.A. Louver Gallery, Venice, CA, USA Cheat Codes: lessons in love, Antena, Chicago, USA 2009 In-Finitum, Fortuny Museum, Fondazione Musei Civici di Venezia, Venice, Italy Group Show, L.A. Louver Gallery, Venice, CA, USA PAISAJES CRUZADOS Miradas a la colección de Es Baluard, Es Baluard, Palma de Mallorca, Spain Antes de ayer y pasado mañana; o lo que puede ser pintura hoy, MACUF Museo de Arte Contemporáneo Union Fenosa, A Coruña 2008 Black and White, Gallery Kaare Berntsen, Oslo, Norway Las Vegas Collects Contemporary, Las Vegas Art Museum, USA Aurum, L’or dans l’art contemporain, Centre Pasquart, Biel, Switzerland 2007–2008 Alan Charlton, Günther Förg, Jason Martin, Niele Toroni, Patrick de Brock Gallery, Belgium 2007 Art Futures, Bloomberg Space, London, UK Painting in the Noughties, Letterkenny Art Centre, Lettrkenny, Ireland Monochromed 2, The Fine Art Society, London, UK Atlas, Mimmo Scognamiglio Arte Contemporanea, Naples, Italy Beyond Sensation, Jersey Museum, Channel Islands, UK Whiteout, Fine Art Society, London, UK 2006 The Art of White, The Lowry, Salford Quays, London, UK Monochromed, The Fine Art Society, London, UK Inaugural opening new wing Denver Art Museum, Colorado, USA Until it makes sense, Seventeen, London / Ropac, Paris, France Seven Rooms Seven Artists, L.A. Louver Gallery, Venice, California, USA 2005 14th Rome Quadriennale, Palazzo delle Esposizioni, Rome, Italy Visioni 20 artisti a Sant’Agostino, Galleria Fumagalli, Bergamo, Italy Extreme Abstraction’, Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, USA Skyshout – Painting after Painting’, Santiago de Compostela, Spain

2004 L’Ultima Cena (The Last Supper), Castel Dell’Ovo, Naples, Italy Monochrome, Reina Sofia, Madrid, Spain Painting as Process, Earl Lu Gallery, La Salle College of Arts, Singapore 2003 The Galleries Show, The Royal Academy, London, UK 2002 Colour White, De La Warr Pavilion, Bexhill on Sea 2001 Wetterling Gallery, Stockholm, Sweden A Shot in the Head, Lisson Gallery, London, UK MOMA, Mexico City, Mexico British Abstract Painting 2001, Flowers East, London, UK 2000 Blue, New Gallery of Walsall, Walsall, UK La painture des Martin, Musée d’ Art Moderne de la Ville de Paris, France The Gulf prize European Biennial of the Visual Arts, La Spezia, Italy (prize) Century of Innocence – the Story of the White Monochrome, Rooseum – Centre for Contemporary Art in Malmo, Sweden, touring 1999 Pictures for Pleasure (Twelve Artists Twelve Rooms), Thaddeus Ropac Gallery, Salzburg, Austria Angesichts, Städttische Galerie Nordhorn, Nordhon, Germany Post-Hypnotic, University Galleries, New York (touring to the MAC, Dallas; The Atlanta College Art Gallery, The Chicago Cultural Centre and the Tweed Museum, University of Minnesota, Naples Museum of Art and Massachusettes College of Art), USA Postmark: An Abstract Effect, Site Santa Fe, USA Abstrakt, Max Gandoff Library, Salzburg, Austria A Line in Painting, Gallery Fine, London, UK Together: Artists in support for the homeless, The Passage House, London, UK John Moores 21, Liverpool Biennial of Contemporary Art, (prize), UK Painting Language, LA Louver, California, USA 1998 Short Stories, One In the Other Gallery, 1 Tenterground, London, UK Natwest Art Prize 1998, Lothbury Gallery, London, UK Tension, Robert Miller Gallery, New York, USA The Erotic Sublime, Thaddeus Ropac Gallery, Salzburg, Austria Small works, Green on Red Gallery, Dublin, Ireland 1997 In Time, Galerie Le Sous-Sol, Paris, France Finish, Spacex Gallery, Exeter, UK Sensation: Young British Artists from the Saatchi Collection, Royal Academy, London (touring in the Hamburger Bahnhof, Berlin and Brooklyn Museum of Art, New York) 1996 About Vision. New British Painting in the 1990s, Museum of Modern Art, Oxford; touring to Fruitmarket Gallery, Edinburgh; Christchurch Mansion, 
Ipswich; Laing Art Gallery, Newcastle; Jerwood Painting Prize, Lethaby Galleries, Central St. Martin’s College of Art & Design, London, UK 1995 From Here, Waddington Galleries and Karsten Schubert Gallery, London, UK Real Art. A New Modernism. British Reflexive Painters in the 1990s, Southampton City Art Gallery (touring to Stedelijk Museum, Amsterdam; Leeds City Art Gallery) Postscript, Lisson Gallery, London, UK Five Contemporary British Painters, Galerij S65, Belgium Four Paintings, PAP Gallery, Tokyo, Japan 1994 The Curator’s Egg, Anthony Reynolds Gallery, London, UK Recent Painting, Lisson Gallery, London, UK Surface Tensions, Curwen Gallery, London, UK 1993 Wonderful Life, Lisson Gallery, London, UK 1992 Contemporary Artists, Feigen Incorporated, Chicago, USA

RYAN MOSLEY NAROZEN / BORN 1980 Chesterfield, United Kingdom STUDIA / STUDIES 2005–2007 MA Painting, Royal College of Art, London, UK 2000–2003 BA Drawing and Painting, Huddersfield University, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Reversed Limbo, Eigen + Art, Berlin, Germany 2011 Alison Jacques Gallery, London Solo Presentation with Alison Jacques Gallery, The Armory, New York, USA 2010 Painting Séance, Grand Arts, Kansas City, MO, Alison Jacques Gallery, London, UK 2009 A Gathering, Regina Gallery, Moscow Project Room, Alison Jacques Gallery, London, UK 2008 Census, Engholm Engelhorn, Vienna Art Basel Miami Beach, Engholm Engelhorn, Miami, USA 2004 Eight Years Ago and Before, Bloc Space, Sheffield, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Visions, Monica de Cardenas, Milan Make Believe, Galleri Magnus Karlsson, Stockholm, Sweden FIFTEEN: 15 Years of S1 Artspace, S1 Artspace, Sheffield, UK 2010 Newspeak: British Art Now, Saatchi Gallery, London, UK 2009 Daily Miracles, Josh Lilley Gallery, London, UK Newspeak: British Art Now, Saatchi Gallery at The Hermitage, St. Petersburg, Russia Jerwood Contemporary Painters Prize, Jerwood Space, London (touring to PSL, Leeds, Norwich Gallery, Norwich and New Pitville Gallery, Cheltenham), UK Golden Agers & Silver Surfers. Old age and ageing in contemporary art, Kunsthaus Baselland, Basel, Switzerland 2008 Moravia, Cell Project Space, London, UK Make Believe, Concrete & Glass, London Cory Michael Project, London, UK The Painting Room, Transition Gallery, London, UK 2007 Wassail, Cell Project space, London, UK Summer School, Ibid Projects, London, UK The Great Exhibition, Royal College Of Art, London, UK Celeste Art Prize, Old Truman Brewery, London, UK Dropping’s, Blythe Gallery, Imperial College, London, UK 2006 SAUDADE, Highbury Studios, London, UK Seeking Tacit Utopias, Surface Gallery, Nottingham, UK Pleasure Yourself, Howie Street London, UK 2004 Dialogues and Disclosures, Graves Art Gallery, Sheffield, UK OCENĚNÍ, REZIDENCE / AWARDS, RESIDENCY 2010 Grand Arts Residency, Kansas, MO 2007 Basil H Alkazzi Award 2005 Visual Arts Travel Scholarship, Royal-Over-SeasLeague, Australia

ZAK OVé NAROZEN / BORN 1966 London, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1987 Film as Fine Art BA, St. Martin’s School of Art, London, UK

SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2010 Twice Is Too Much, The Freies Museum, Berlin, Germany Past Future, Fine Art Society, London, UK 2009 Blue Devils, Real Art Ways Museum, Connecticut, USA 2008 Black & White Nudes, Carte Blanche Gallery, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ British, Vigo Gallery, London, UK VIGO GALLERY, London Art Fair, London, UK Voices of Home, Jenkins Johnson Gallery, New York, USA 2011 The Return Of The House Of The Nobleman, The House of the Nobleman, London, UK Karen Jenkins Johnson Gallery, Texas contemporary fair, Houston, USA LA Platform, Karen Jenkins Johnson Gallery, Los Angeles, USA Sculpture today – New Forces New Forms, Frederik Meijer Sculpture Park, Michigan, USA Carnaval and Masquerade, Musee Dapper, Paris, France The Minotaur, Lazarides Gallery, Old Vic Tunnels, London, UK Go Tell it To The Mountain, 3D Sculpture Park, Verbier, Switzerland Africa See You See me, Li – Space, Beijing, Chin Stephen Burks | Are You A Hybrid, Museum of Art and Design, New York, USA Encounters of Bamako, Fundacao Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal Fine Arts Society, Volta NY, New York, USA Fine Art Society, London Art Fair, London, UK Africa: See You, See Me, Fondazione Studio Maragoni, Florence, Italy Africa: See You, See Me, Officine Fotografiche, Rome, Italy 2010 Fesman 2010: World Festival of Black Arts, Dakar, Senegal Encounters Of Bamako, B-Gallery European centre for contempory Art, Brussels, Belgium Hell’s Half Acre, Lazarides Gallery, London, UK Encounters of Bamako, Johannesburg Art Gallery, Johannesburg, South Africa We Are Not Witches, The Saatchi Gallery, London, UK Encounters of Bamako, South African National Gallery, Cape Town, South Afrika Africa: See You, See Me, Museu da Cidade, Lisbon, Portugal Tough Love, Plataforma Revólver, Lisbon, Portugal Encounters of Bamako, Panafrican Exhibition tour, Foto Museum, Antwerp, Belgium 2009 Rockstone and Bootheel, Real Art Ways, Connecticut, USA Encounters of Bamako, Panafrican Exhibition, National Museum, Bamako, Mali Encomium, Fine Art Society, London, UK OCENĚNÍ, REZIDENCE / AWARDS, RESIDENCY 2011 The 3D Foundation, Sculpture Residency, Verbier, Switzerland 2007 Caribbean Contemporary Arts, Trinidad: sponsored by the A. Warhol Foundation, New York, USA 2003 Milan African Film Festival, Italy: Cinit Award, Best Short Film  2002 Black Film & TV Awards, UK: Best Short Film / Best Short Film Director / Best New Talent SoHo Images, UK: Best Short Film

 DAN PERFECT NAROZEN / BORN 1965 London, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1989– 1991 SAS Printmaking, Central Saint Martins College of Art and Design, London, UK 1983–1886  BA Hons in Fine Art (Painting), Saint Martins School of Art, London, UK 1981–1883  DATEC in Art & Design, Chelsea School of Art, London, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2010 Dæmonology, Karsten Schubert, London, UK 2008 Paintings & Drawings, Road Agent, Dallas, USA Drawings, One in the Other, London, UK Paintings, Chisenhale Gallery, London, UK 2006 One in the Other, London, UK 2003  Perfect Drawings, Karsten Schubert, London, UK 2001 Floating Islands, Habitat, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Saatchi Gallery in Adelaide: British Art Now, Art Gallery of South Australia, Adelaide, AU New Wave: British Art Today, Etemad Gallery, Dubai, UAE 2010 Newspeak: British Art Now, Saatchi Gallery, London, UK Ridinghouse Benefit, Karsten Schubert, London, UK The 242nd Royal Academy of Arts Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London, UK 2009 Far From the Madding Crowd, Road Agent, Dallas, USA 2006 Black Moon Island, One in the Other, London, UK 2005 Recent Acquisitions, Southampton City Art Gallery, UK 2003 Exploring Landscape: Eight Views from Britain, Andrea Rosen Gallery, New York, USA 2002/3 Beck’s Futures, ICA, London, travelled to CCA, Glasgow, and Mappin Art Gallery, Sheffield, UK 2001 Death to the Fascist Insect that Preys on the Life of the People, Anthony d’Offay Gallery, London, UK 1999 Perceptual Engineering, Shoreditch, London, UK

FIONA RAE NAROZENA / BORN 1963 Hong Kong, China STUDIA / STUDIES 1984–1987 Goldsmiths College, London, UK 1983–1984 Croydon College of Art, London, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Maybe you can live on the moon in the next century, Leeds Art Gallery, Leeds, UK 2011 Buchmann Galerie, Berlin, Germany 2010 Special Fear!, The Pace Gallery, New York, USA 2009 As I run and run, happiness comes closer, Galerie Nathalie Obadia, Paris, France 2008 Fiona Rae, Timothy Taylor Gallery, London, UK 2006 You are the Young and the Hopeless, PaceWildenstein, New York, USA 2005 Grotto, Buchmann Galerie, Cologne, Germany 2004 Swag, Galerie Nathalie Obadia, Paris, France 2003 Hong Kong Garden, Timothy Taylor Gallery, London, UK 2002–2003 Carré d’Art – Musée d’art contemporain de Nîmes, France 154 / 155

2001 New Paintings, Galerie Bob van Orsouw, Zurich, Switzerland 2000 Buchmann Galerie, Cologne, Germany Galerie Nathalie Obadia, Paris, France fig-1, London, UK 1999 Kohji Ogura Gallery, Nagoya, Japan Luhring Augustine Gallery, New York, USA 1997 The Saatchi Gallery, London, UK Fiona Rae: New Paintings, The British School at Rome, Italy Luhring Augustine Gallery, New York, USA 1996 Contemporary Fine Arts, Berlin, Germany 1995 Waddington Galleries, London, UK 1994 John Good Gallery, New York, USA Galerie Nathalie Obadia, Paris, France 1993–1994 Institute of Contemporary Arts, London, UK 1992 Kunsthalle Basel, Switzerland 1991 Waddington Galleries, London, UK 1990 Third Eye Centre (now Centre for Contemporary Art), Glasgow, UK Pierre Bernard Gallery, Nice, France SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Hors les Murs, Galerie Nathalie Obadia, Brussels, Belgium 2011–2012 American and European Painting from the Marx Collection, Atlas Sztuki, Lódź, Poland National Museum in Szczecin, Poland Making a Scene, Southampton City Art Gallery, Southampton, UK Colección de Pintura Contemporánea Internacional, Fundación Barrié, A Coruña, Spain 2011 Unearthed, Warton House, London, UK Without/Beyond Borders, Byzantine & Christian Museum, Athens, Greece The 243rd Royal Academy of Arts Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London, UK Between Film and Art, Kunsthalle Emden, Germany Deutsche Kinemathek–Museum für Film und Fernsehen, Berlin,Germany 2010 New Art Now, Birmingham Museum and Art Gallery, Birmingham, UK Palm Paintings, Buchmann Galerie, Berlin, Germany ART, Galerie Haas und Fuchs, Berlin, Germany …um so mehr, Kunsthalle Göppingen, Germany Babel, FRAC Auvergne, France 40, Texas Gallery, Houston, USA The 242nd Royal Academy of Arts Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London, UK 50 Years at Pace, The Pace Gallery, 510 West 25 Street, New York, USA 2009–2010 Plastic Culture: Legacies of Pop 1986–2008, Harris Museum and Art Gallery, Preston, UK, The Exchange, Penzance, UK; Bradford 1 Gallery, UK 2009 Splash the Stuff Down: Painting and Revelation, Leeds Art Gallery, Leeds, UK Ventriloquist, Timothy Taylor Gallery, London, UK Antes de Ayer y Pasado Mañana; o lo que Puede ser Pintura Hoy, MACUF: Museo de Arte Contemporaneo Union Fenosa, A Coruña, Spain La Rose Pourpre du Caire, Musée d’Art et d’Archéologie d’Aurillac, France Classified: Contemporary British Art from Tate Collection, Tate, Britain, London, UK Une Place au Soleil, Galerie Nathalie Obadia, Paris, France 2008–2009 Contemporary Prints and Drawings, The Herbert F. Johnson Museum of Art, Cornell University, Ithaca, New York, USA A Pace Menagerie, Pace Prints, New York, USA 2008 Out of Storage 1: Chosen Paintings from the Collection, Musée d’Art Moderne Grand-Duc Jean, Luxembourg Paixóns Privadas, Visions Publicas, Museo de Arte

Contemporánea de Vigo, Spain Summer Show, Timothy Taylor Gallery, London, UK Freeze 20, The Hospital Club, London, UK Group Show, Galerie Nathalie Obadia, Brussels, Belgium 2007–2008 Reset: Werke aus der Sammlung Marx, Hamburger Bahnhof -Museum für Gegenwart, Berlin, Germany 2007 Twilight Musings, One in the Other, London, UK 100 Jahre Kunsthalle Mannheim, Kunsthalle Mannheim, Germany Out of Art: from the collection of Ernesto Esposito, CentrePasquArt, Kunsthaus Centre d’Art, Biel, Switzerland The 239th Royal Academy of Arts Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London, UK De leur temps (2) Art contemporain et collections privées en France, Musée de Grenoble, France 2006–2007 Pictograms: The Loneliness of Signs, Kunstmuseum Stuttgart, Germany 2006 Fiction @ Love / Forever Young Land, Museum of Contemporary Art, Shanghai, China Concurrent with: Fiction @ Love / Twinkling Stars, Bund 18 Creative Center, Shanghai, China, Travelled as: Fiction @ Love / Ultra New Vision of Contemporary Art, Singapore Art Museum, Singapore Full House: Faces of a Collection, Kunsthalle Mannheim, Germany Krinzinger, Vienna, Austria VIP III: Arena der Abstraktion, Museum Morsbroich, Leverkusen, Germany 2005–2006 Revelation: Reflecting British Art in the Arts Council Collection, Laing Art Gallery, Newcastle-uponTyne, UK Colours and Trips, Künstlerhaus Palais Thurn and Taxis, Bregenz, Austria Museum der Stadt Ratingen, Germany Lorie Peters Lauthier Collects, Leonard Pearlstein Gallery, College of Media Arts and Design, Drexel University Gallery, Philadelphia, USA Blumenstück, Künstlers Glück: vom Paradiesgärtlein zur Prilblume, Museum Morsbroich, Leverkusen, Germany Ordering the Ordinary, Timothy Taylor Gallery, London, UK Baroque and Neo-Baroque / The Hell of the Beautiful, Domus Atrium 02 (DA2), Fundación Salamanca Ciudad de Cultura, Spain 2004–2005 Direct Painting – Neue Kunsthalle IV, Kunsthalle Mannheim, Mannheim, Germany Le Syndrome de Babylone, Centre d’Art Contemporain de la Villa du Parc, Annemasse, France 2004 Paranormal, Aeroplastics Contemporary, Brussels, Belgium Art in New Spaces, Walker Art Gallery, Liverpool, UK Summer Eyes/Summarize, Jan Weiner, Kansas City, USA 2003 Talking Pieces: text und bild in der neuen kunst, Museum Morsbroich, Leverkusen, Germany Painting Pictures: Painting and Media in the Digital Age, Kunstmuseum Wolfsburg, Germany Paintings: Arturo Herrera, Dennis Hollingsworth, Fiona Rae, Juan Uslé, Buchmann Galerie, Cologne, Germany Inaugural Group Show, Timothy Taylor Gallery, London, UK New Abstract Painting / Painting Abstract Now, Museum Morsbroich, Leverkusen, Germany A Bigger Splash: British Art from Tate 1960–2003, Pavilhão Lucas Nogueira Garcez, São Paulo, Brazil 2002 The Rowan Collection: Contemporary British and Irish Art, Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland Peintures, contrainte ou recette, Galeries du Cloître, Ecole des Beaux-Arts de Rennes, France 2001–2002 Künsterlerräume / Sammlerräume, Kunstverein St Gallen im Kunstmuseum, Switzerland 2001 Hybrids: International Contemporary Painting, Tate Liverpool, UK Works on Paper, Luhring Augustine Gallery, New York, USA

2000 Aspectos de la Coleccion, Coleccion de Arte Contemporaneo, Fundación ’La Caixa’, Madrid, Spain Zeitgenossen / Contemporaries: Malerei / Paintings, Galerie Edition Kunsthandel, Essen, Germany Europe: Different Perspectives in Painting / Europa: Differenti Prospettive nella Pittura, Museo Michetti, Palazzo San Domenico, Francavilla al Mare, Italy 1999–2000 Colour Me Blind! Painting in the Age of Computer Games and Comics, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, Germany, Städtische Ausstellungshalle am Hawerkamp, Muenster, Germany, Contemporary Arts, UK 45–99: A Personal View of British Painting and Sculpture, Kettle’s Yard Gallery, Cambridge, UK, The City Gallery, Leicester, UK 1999 Reconciliations: Elizabeth Cooper, Stephen Davis, Fiona Rae, Juan Uslé, DC Moore Gallery, New York, USA 1998 Inaugural Exhibition, Luhring Augustine Gallery, New York, USA UK Maximum Diversity, Galerie Krinzinger in der Benger Fabrik, Bregenz, Vienna, Austria; Atelierhaus der Akademie der bildenden Künste, Vienna, Austria Up to 2000, Southampton City Art Gallery, Southampton, UK 1997–2000 Sensation: Young British Artists from The Saatchi Collection, Royal Academy of Arts, London, UK, 1997 Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart, Berlin, Germany, 1998, 1999; Brooklyn Museum of Art, New York, USA, 1999 1997 Treasure Island, Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal Confrontation, Galerie Nathalie Obadia, Paris, France Ian Davenport, Michael Craig-Martin, Zebedee Jones, Michael Landy, Fiona Rae, Waddington Galleries, London, UK Paintings and Sculpture, Luhring Augustine Gallery, New York, USA 1996–1998 About Vision: New British Painting in the 1990s, Museum of Modern Art, Oxford, UK, 1996–1997; The Fruitmarket Gallery, Edinburgh, UK (1997); The Wolsey Art Gallery, Christchurch Mansion, Ipswich, UK, (1997); Laing Art Gallery, Newcastle-upon-Tyne, UK, (1998) 1996 Nuevas Abstracciones, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Palacio de Velázquez, Madrid, Spain; Kunsthalle Bielefeld, Germany; Museu d’Art Contemporani, Barcelona, Spain 1995 Repicturing Abstraction: The Abducted Image, Marsh Art Gallery, University of Virginia, Richmond, USA From Here, Waddington Galleries and Karsten Schubert, London,UK Malerei. Sechs Bilder – Sechs Positionen, Galerie Bugdahn und Kaimer, Düsseldorf, Germany Des Limites du Tableau: les Possibles de la Peinture, Musée Départemental de Rochechouart, Haute-Vienne, France 1994 Chance, Choice and Irony, Todd Gallery, London, UK; John Hansard Gallery, The University, Southampton, UK Unbound: Possibilities in Painting, Hayward Gallery, London, UK Here and Now, Serpentine Gallery, London, UK New Painting From the Arts Council Collection, Gallery Oriel, Dublin, Ireland 1993–1994 Hardcore (the first part), Factual Nonsense, London, UK A Decade of Collecting: Patrons of New Art Gifts 1983–1993, Tate Gallery, London, UK 1993 Moving into View: Recent British Painting, Work from the Arts Council Collection, Royal Festival Hall, London, travelled throughout the UK Nancy Haynes, James Hyde, Walter Obholzer, Fiona Rae, David Row, Karin Sander, Juan Uslé, Leslie Wayne, John Good Gallery, New York, USA

Color, Pamela Auchincloss Gallery, New York, USA 1992–1995 New Voices: recent paintings from the British Council Collection, Centre de Conférences Albert Borschette, Brussels, Belgium; Musée National d’Histoire et d’Art, Luxembourg; Istanbul Greater City Municipality Taksim Art Gallery, Istanbul, Turkey; Ankara State Fine Arts Gallery, Izfas Gallery, Izmur, Turkey; Museo de Belles Artes, Bilbao, Spain; Santa Monica Contemporary Art Centre, Barcelona, Spain; Centro Cultural Galileo, Madrid, Spain; Veronicas, Sala des Exposiciones, Murcia, Spain; Pescaderia Vieja, Sala de Arte, Jerez, Spain 1992 Play Between Fear and Desire, Germans van Eck Gallery, New York, USA 1991–1992 John Moores Liverpool Exhibition Seventeen, Walker Art Gallery, Liverpool, UK The Contemporary Art Society: Eighty Years of Collecting, Hayward Gallery, London, UK (Traveled to: Maclaurin Art Gallery, Ayr, Scotland, UK; Bristol City Museum and Art Gallery, Bristol, UK; Walker Art Gallery, Liverpool, UK) 1991 Who Framed Modern Art or the Quantitative Life of Roger Rabbit, Sidney Janis Gallery, New York, USA British Art from 1930, Waddington Galleries, London, UK Invitational, Tony Shafrazi Gallery, New York, USA A View of London, Salzburger Kunstverein, Salzburg, Austria Abstraction, Waddington Galleries, London, UK La Metafisica della Luce, John Good Gallery, New York, USA Turner Prize Exhibition 1991, Tate Gallery, London, UK 1990 The British Art Show 1990, McLellan Galleries, Glasgow, UK; Leeds City Art Gallery, Leeds, UK; Hayward Gallery, London, UK Aperto, 44th Biennale di Venezia, Venice, Italy Rudolf Fila, Tim Head, Alain Miller, Fiona Rae, Anthony Wilson, Anthony Reynolds Gallery, London, UK Voorwerk 1, Witte de With, Center for Contemporary Art, Rotterdam, The Netherlands 1989 New Year, New Talent 89, Anderson O’Day Gallery, London, UK Promises, promises, Serpentine Gallery, London, UK; L’École de Nîmes, France 1988 Freeze, Surrey Docks, London, UK OCENĚNÍ / AWARDS 2007 Shortlisted for the Charles Wollaston Award 2002 Elected to Royal Academy of Arts, London, UK 1993 Shortlisted for the Eliette von Karajan Prize for Young Painters, Austria 1991 Shortlisted for the Turner Prize, Tate Britain, London, UK

BARRY REIGATE NAROZEN / BORN 1971 London, United Kingdom STUDia / STUDIES 1993 BA, Graphic Design and Fine Art from Camberwell College of Arts, UK 1997 MA, Goldsmiths, University of London, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 Equation, Paradise Row, London, UK 2008 Happiness, Paradise Row, London, UK 2006 The end of communism, Trolley Gallery, London, UK 2004 UnHolyVoid, Private warehouse space, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Friend & Family – Kenny Schachter / ROVE Projects LLP, London, UK

Drawings – Paradise Row, London, UK 2011 Paradise Row – Felix Ringel Galerie, Düsseldorf, Germany Phantasmagoria – Fama Gallery, Verona, Italy 2010 Newspeak: British Art Now – The Saatchi Gallery, London, UK Lexicon – Foyer Space at Camberwell College of Arts, London, UK 2009 Newspeak. British Art Now – The State Hermitage Museum, St. Petersburg, Russia Play – Paradise Row, London, UK Natural Wonders: New Art From London, Baibakov Art Projects, Moscow, Russia Paradise Row at Art Rotterdam, The Netherlands 2008 La Bete or Object of Desire, T1+2 Gallery Annex Projects, London, UK 2007 Decadence, Decay & the Demimonde – Home House, London, UK Zelda Rubinstein, Paradise Row at Princlet St., London, UK 2006 Only when the excoriated ruins of human endeavour litter the scorched horizon shall the meek inherit the earth… Chapman Fine Arts, London, UK Canon, The Agency gallery, London, UK Cannibal Ferox, Paradise Row, London, UK 2005 Flies around the fury flotsam, CuratorSpace, London, UK 2003 Did you hear about the frog who wanted to be a prince? He went to bed and dreamed he was one…woke up and found that he had become one. He was still a frog. Egg Club, London, UK 1998 Sociable realism, Stephen Friedman Gallery, London, UK Started Independent Artist run gallery, The Kitchen, London, UK

MICHAEL SAMUELS NAROZEN / BORN 1968 Liverpool, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1998–2000 Royal College of Art, MA Sculpture, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Tragedy of the Commons, Spacex, Exeter (forthcoming), UK 2010 Clusterfuck, Rokeby, London, UK The Armory, New York, USA 2009–2010 The Morning After the Big Fire, Ville du Parc Centre d’art Contemporain, Annemasse, France 2009 The Morning After The Big Fire, Michael Samuels / Sara Barker,Ville du Parc Centre d’art Contemporain, Annemasse, France Optional Paralysis, Taché-Levy, Brussels, Belgium 2008 Schadenfreude, Klara Wallner, Berlin, Germany Child Star, Rokeby, London, UK 2006 Lost and Safe, Rokeby, London, UK 2004 Indoor Type, Architectural Association, Bedford Square, London, UK 2002 Bowieart window, London, UK 2000 Paul Smith, Floral Street, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / SELECTED EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Malkinworld, Kunsthal KAdE, Amersfoort, The Netherlands Galerie Patrick Ebensperger, Berlin, Germany 2010 The Library of Babel, In and Out of Place, 176, Zabludowicz Collection Open Light, Biennale for International Light Art, Rhine, Germany

Select, 20 Hoxton Square Projects, London, UK Collection 3, a selection of paintings and drawings in the Claudine and Jean- Marc Salomon collection, France 2009 Das Unheimliche, Berlin, Germany Auto. Sueno Y Materia, LABoral Centro de Arte y Creacion Industrial, Spain 2008 The Urban Tendency, P3, London, UK And everything stands still..., Zuiderzee Museum, The Netherlands Jerwood Contemporary Painters, Jerwood Space, London and touring From Acanthus to Zebrawood, Cooper Gallery, Dundee 2007 Hope and Despair, Cell Project Space, London, UK Idyllio, Domus Artium Salamanca, Spain 2006 Repatriating the Ark, Museum of Garden History, London, UK Idylle, Phoenix-Hall Hamburg, DA 2 Domus Artium, Germany Making Journeys, Djanogly Art Gallery, Nottingham, with Ori Gersht, UK 2005 The Real Ideal, Sheffield Millennium Gallery, Sheffield, UK Triangle Arts Trust, Hong Kong 2004 I Want! I Want! Northern Gallery for Contemporary Art, Sunderland touring to Towner Art Gallery Eastbourne, UK 2003 Axel Antas / Michael Samuels, Pump House Gallery, London, UK Amalgamate, UKinNY, with Peter Saville and Brian Eno, Asprey & Gerrard, New York, USA 2002 The Occupier, Stratford upon Avon, UK Salamanca and the National Gallery Prague 2000 The Occupier, Pump House Gallery, London, UK Assembly, Stepey City, London, UK Phusion, Gasworks, London, UK Together Again, Pump House Gallery, London, UK

CHRIS SUCCO NAROZEN / BORN 1979 Düsseldorf, Germany STUDIA / STUDIES 2010–2012 Sculpture Dept., Royal College Of Art, London, UK 2003–2009 Kunstakademie Düsseldorf, Germany SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Galerie Fiebach Minninger, Köln (upcoming), Germany Tidens Krav, Oslo (upcoming), Norway 2011 The Days Run Away Like Wild Horses Over The Hills, DUVE Berlin, Germany 2010 Chris Succo, Stereo, Düsseldorf, Germany Panorama, Kunstverein Schichtwechsel, Liechtenstein Somebody Done Hoodoo To The Hoodooman, The Forgotten Bar, Berlin, Germany Adjustments, DUVE Berlin, Germany 2009 Chris Succo, Kunst im Rathaus, Neuss, Germany Doch, Galerie Fiebach Minninger, Köln (with Markus Golz), Germany Chris Succo, Atelierhaus, Neuss, Germany Meanwhile Back On The Ranch, Kunsthof, Aachen, Germany 2008 Camp 3, Ringel Garage, Düsseldorf (with Matthias Männer), Germany Sabine, Kunstakademie Düsseldorf (with Andreas Schmitten), Germany 2007 Ist Das Noch Luxus?, FirstFloor Contemporary, Düsseldorf, Germany

156 / 157

SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Show, Royal College of Art, London, UK Flecken, Lage Egal, Berlin, Germany Blitz, Rod Barton Gallery, London, UK ELS_Your Face Looks Great, Cass Gallery, London, UK 2011 Vor Gott Ist Alle Kunst Scheiße 2, Boutique, Köln, Germany Schrift und Bild: Neupräsentation im Bereich Moderne, Museum Kunstpalast, Düsseldorf, Germany G#11, Galerie Fiebach, Minninger, Köln, Germany Ramming It Down Your Throat In Ramsgate – Hyper Life Awareness Campaign, Ramsgate, UK A Future Pump House, Pump House Gallery, London, UK EHF 2010, Konrad- Adenauer- Stiftung, Berlin, Germany Everything You Ever Liked About Your Mother, 15 Howie Street, London, UK FIN, Kunstverein Düsseldorf (catalogue), Germany 2010 Abstrakt, The Forgotten Bar, Berlin, Germany New Editions, Kunstverein Düsseldorf, Germany Addition And Substraction, 304 Days, Vancouver, Canada Landschaften, Städtisches Kaufhaus, Leipzig, Germany Der Freie Blick, dHCS / Kunstverein Atelier, Düsseldorf, Germany Ein Überblick, Konrad- Adenauer- Stiftung, Berlin, Germany Awakenings, Felix Ringel Galerie, Düsseldorf, Germany EHF 2010, Konrad- Adenauer- Stiftung, Berlin, Germany Grosse Kunstausstellung NRW, Museum Kunstpalast, Düsseldorf (catalogue), Germany 2009 Burn Baby Burn, DUVE Berlin, Germany Froster, geh8, Dresden, Germany Unter Drei, Märkisches Museum, Witten, Germany Young Mustangs, Parkhaus, Düsseldorf, Germany Along The Rhine, KIT / Kunst im Tunnel, Düsseldorf (catalogue), Germany Creme, Felix Ringel Galerie, Düsseldorf, Germany Kunststudenten Stellen Aus, Bundeskunsthalle, Bonn (catalogue), Germany Ma,Ma,Ma,Ma, 104, Paris, France 2008 Kleinere Arbeiten, Raum 500, München, Germany Zeichnung, Grafik + Text, Kulturforum Alte Post, Neuss, Germany How I See Germany, OMC Gallery, Huntington Beach, USA Regarding Düsseldorf 3, 701 e.V. / Arteversum, Düsseldorf (catalogue), Germany Cola Fanta Sprite, Bei Yvonne, Berlin, Germany Damit Ihr Wisst Wie’s Aussieht, KIK, Düsseldorf, Germany WG, Künstlerverein Malkasten, Düsseldorf, Germany 2007 ÖrlyWork And Friends, Pengland, Mainz, Germany Drawings, Aichi University Museum, Nagakute, Japan Young Artists From Germany, Jikishiten Gallery, Nagoya, Japan ÖrlyWork, BlumenBlumen, Wien, Austria Meine Nachbarn Waren Begeistert, Alte Post, Neuss, Germany Kooh I Noor, Supermarket, Stockholm, Sweden 2006 Wir Waren Mal Freunde Gewesen, Gloria Halle, Düsseldorf, Germany  

NEIL TAIT NAROZEN / BORN 1965 Edinburgh, Scotland STUDIA / STUDIES 1991–1993 MA, Royal College of Art, London, UK 1987–1991 BA, Chelsea School of Art, London, UK

SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2009 Les Toits de Parise, White Cube, London, UK 2008 Neal Tait, Sies + Höke Gallery, Düsseldorf, Germany Neal Tait: Drawings, North Gallery, ACME, Los Angeles, CA, USA Neal Tait: The Dressmaker Who Lived on The Outskirts, Tanya Bonakdar Gallery, New York, USA 2007 Tambalamb, ACME, Los Angeles, CA, USA Like Leaves, Tanya Bonakdar Gallery, New York, USA 2006 Dark Mutter, Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle, Belgium Now is the discount of our winter tents, White Cube, London, UK 2005 Neal Tait, Sies + Höke Gallery, Düsseldorf, Germany 2004 Der Gute Schmerz, Sies + Höke Gallery, Düsseldorf, Germany Neal Tait, Monica de Cardenas, Milan, Italy 2003 The Burnished Ramp, White Cube, London, UK 2002 Neal Tait, Douglas Hyde Gallery, Dublin, Ireland Neal Allen Tait, Sies + Höke Gallery, Düsseldorf, Germany 2000 Painting, White Cube, London, UK 1993 Cottage, Union Street, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Neal Tait, Vigo Gallery, Volta NY, New York, USA 2011 Antje Majewski: The World of Gimel. How to Make Objects Talk, Kunsthaus Graz, Austria A Terrible Beauty is Born, 11th Biennial of Lyon, Lyon, France Among Flesh, Alison Jacques, London, UK Der Menschen Klee, Kunst Im Tunnel, Düsseldorf, Germany Watercolour, Tate Britain, London, UK 2010 The Milkplus Bar, Josh Lilley Gallery, London, UK Kupferstichkabinett – Between Thought & Action, White Cube, London, UK Once, Removed, Apartment Gallery, Athens, Greece What Have I Done?, Fine Art Society, London, UK 2009 TURPS BANANA 1, Galleria Marabini, Bologna, Italy TURPS BANANA 2, Galleria Marabini, Milan, Italy 2008 Paintings: 1936–2008, The Approach, London, UK 2007 Very Abstract and Hyper Figurative, Thomas Dane, London, UK Tugboat, ACME, Los Angeles, USA 2006 About Painting, Paraplufabriek, Nijmegen, The Netherlands I walk the lines, Galerie Barbara Thumm, Berlin, Germany Motion on Paper, Ben Brown Fine Arts, London, UK 2005 Hoch Hinaus, Kunstmuseum Thun, Thun, Germany Painting London, Holly Snapp Gallery, Venice, Italy Summer Exhibition, Royal Academy, London, UK 2004 Sidelonging, 117 Commercial Street, London, UK Yesvember, The House Gallery, London, UK Seldom Seen in New York, Stefan Stux, New York, USA Direct Painting, Kunsthalle Mannheim, Mannheim, Germany Eclipse: Towards the Edge of the Visible, White Cube, London, UK She’s Come Undone, Artemis Greenberg Van Doren, New York, USA Atomkreig, Kunsthaus Dresden, Dresden, Germany 2003 The Lone Ranger, James Colman, London, UK Dirty Pictures, The Approach, London, UK 2002 Painting on the Move, Kunsthalle Basel, Basel, Switzerland In the Freud Museum, Freud Museum, London, UK 2001 Depiction, Steirischerbst, Graz, Austria 2000 Drawings, Sommer Contemporary Art, Tel-Aviv, Israel Salon, Delfina Project Space, London, UK Hellseher, Konkordiastr, Düsseldorf, Germany no.site.specific, Mellow birds, Underwood Street, London, UK

Cheated, A22 Projects, Laystall Street, London, UK 1999 Limit-less, Krinzinger Gallery, Vienna, Austria 1998 Rising Scum, Fab-Co Warehouse, Brixton, London, UK 1997 Election Night, Poster Gallery, London (collaboration), UK 1996 Untitled, Mallow Street, London, UK 1995 Unplugged, Peckham Road, London, UK 1994 Miniatures, The Agency, London, UK 1993 Whitworth Young Contemporaries, Manchester, UK Riverside Open, Riverside Studios, London, UK XIXI, Henry Moore Gallery, Royal College of Art, London, UK 1991 Germinations, Lugwig Forum, Aachen, Germany; Budapest, Hungary 1990 Arteries, Huntington Gallery, Boston, USA Riverside Open, Riverside Studios, London, UK 1989 Whitworth Young Contemporaries, Manchester, UK 1988 Spirit of London, South Bank Centre, London, UK OCENĚNÍ / AWARDS 2001 Residency British School at Rome 1993 Henderson and Parkinson Travel Award

DOLLY THOMPSETT NAROZENA / BORN 1969 London, United Kingdom STUDIA / STUDIES 2002–2006 Goldsmiths’ College, PhD Fine Art, UK  2000–2001 Byam Shaw School of Art, MA Fine Art, UK 1989–1992 Manchester Metropolitan University, BA (hons) Illustration, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Vigo Gallery, London, UK 2010 ArtSway, Hampshire, UK 2009 Ritter/Zamet, London, UK 2007 Fred Gallery, London, UK 2005 Ritter/Zamet, London, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 Dolly Thompsett, Alicia Magolis, Dee Ferris, Anna Genger Matthew Bown Gallerie, Berlin, Germany 2010 From the Mountains where Whales Once Lived: Dolly Thompsett, Eemyun Kang, Seuljin Wang, Alisa Margolis, UNION, London, UK 2010 Vanitas: The Transience of Earthly Pleasures, AVA, London, UK 2009 Creekside, APT Gallery, London, UK 2009 ArtSway, Hampshire, UK  2009 The Golden Record, The Collection, Lincolnshire, UK 2008 Jerwood Drawing Prize, Jerwood Space, London (touring), UK 2008 Cromophilia, (curated by Pernille Holm-Mercer), Bearspace, London, UK 2008 Lucifer’s Greatest Art Show: Jake and Dinos Chapman, Christoph Draeger, Neil Hamon, Cathy de Monchaux, Dolly Thompsett, Fred Leipzig Gallery, Leipzig, Germany 2008 Super-cilia, Royal Liver Building, Liverpool, UK 2008 The Golden Record, Collective Gallery, Liverpool, UK  2007 Emergency3, Aspex, Portsmouth, UK 2007 Drifting Clouds, Image Furini Arte Contemporanea, Arezzo, Italy 2007 Salon Nouveau, Engholm Englehorn, Vienna, Austria 2006 The Wonderful Fund Collection on Tour, Pallant House, Chichester, UK  2006 Sweetex, Standpoint, London, UK 2005 When I lived in Modern Times, Northern Gallery of

Contemporary Art, Sunderland, UK 2005 Morpho Eugenia, Museo di Republica Di San Marino, Italy 2005 The Wonderful Fund Collection on Tour, Le Musee de Marrakech, Morocco  2004 Arrivals, The Pump House, London, UK  2004 Caution: Uneven Surfaces, temporarycontemporary, London, UK  2004 Goldsmiths MA Show, London, UK 2003 Fantastic! Catacombs Gallery, St Pancras Church, London, UK

GAVIN TURK NAROZEN / BORN 1967 Guildford, Surrey, United Kingdom STUDIA / STUDIES 1989–1991 Royal College of Art, UK 1986–1989 Chelsea School of Art, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2012 Gavin & Turk, Ben Brown Gallery, London, UK Title TBC, Trinity Contemporary London, UK 2011 Me As He, Patricia Low Contemporary, Gstaad, Switzerland Before The World Was Round, Galerie Krinzinger, Vienna, Austria Jack Shit!, Aeroplastics, Brussels, Belgium 2010 Something Like This, Park Ryu Sook Gallery, Seoul, Korea En Face, CAC Malaga, Spain and Galerie Almine Rech, Paris, France Les Bikes de Bois Rond, Fleet: Art In The Haven Ports, England and Artconnexion Lille, France 2009 Turkey Foil, Scheibler Mitte, Berlin, Germany Jazzz, Sean Kelly Gallery, New York, New York, USA The Mirror Stage, Goodman Gallery, Cape Town, South Africa Gavin Turk Ltd, Paul Stolper, London, England 2008 Burnt Out, Kunsthaus Baselland, Basel, Switzerland Piss Off, Galerie Krinzinger, Vienna, Austria Gavin Turk, Aeroplastics Contemporary, Brussels, Belgium 2007 Me as Him, Riflemaker, London, UK The Negotiation of Purpose, GEM Museum for Contemporary Art, The Hague, The Netherlands and Magasin Centre National d’Art Contemporian, Grenoble, France 2006 Last Year in Eggenberg (The Paradise Show), Schloss Eggenberg, Graz, Austria Waste Not Want Not, Galleri Veggerby, Copenhagen, Denmark Wanted, The Suburban, Illinois, USA The Font Project, Fine Art Society, London, UK 2005 The Paradise Project, Fine Art Society, London, England Ha ha ha! Galerie Almine Rech, Paris, France Melange, Galerie Krinzinger, Vienna, Austria 2004 White Elephant, Sean Kelly Gallery, New York, New York, USA Faces Portfolio, Edinburgh Print Makers, Endinburgh, Scotland, UK Faces: A Print Portfolio by Gavin Turk, Paul Stolper, London, England, UK The Golden Thread, White Cube Gallery, London, England, UK 2003 Subsistence, Galeri Veggerby, Copenhagen, Denmark Et in Arcadia Eggo, The New Art Centre Sculpture Park & Gallery, Salisbury, England, UK Gavin Turk in the House, Sherborne House, Dorset,

England, UK Spare Change, Contemporary Fine Arts, Berlin, Germany 2002 Gavin Turk Oeuvre, Tate Britain Sculpture Court Display, London, England, UK Copper Jubilee, The New Art Gallery, Walsall, England, UK 2001 The Che Guevara Story, Residence in the East End of London, England, UK 2000 More Stuff, Centre d’Art Contemporian, Geneva, Switzerland Fig-1, London, England, UK 1999 The Importance of Being Ernesto, Galerie Krinzinger, Vienna, Austria Gavin Turk’s Rubbish, Decima Gallery, London, UK 1998 The Stuff Show, South London Gallery, London, England, UK 1997 Charing Cross Road, London, England, UK 1996 Unoriginal Signature, Habitat Kings Road, London, England, UK (Part of British Art in Rome), Galleria D’Arte De Crescenzo & Viesti, Rome, Italy 1995 Turkish, Aurel Scheibler, Cologne, Germany 1993 Collected Works 1989–1993, Jay Jopling, Denmark Street, London, England, UK A Night Out With Gavin Turk, Victoria Public House, Bapisha Ghosh, London, England, UK and Schiefer Haus, Cologne, Germany A Marvellous Force of Nature, White Cube, London, England, UK 1992 Signature, Bipasha Ghosh/Jay Jopling, London, England, UK SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ Deja-vu? The Art of Copying from Durer to You Tube, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, Germany Gunslinger, Patricia Low Contemporary, St Moritz, Switzerland Curators’ Series #5 – Bouvard and Pécuchet’s Compendious Quest for Beauty, David Roberts Art Foundation, London, England, UK Made in Britain, Benaki Museum, Athens, Greece 2011 Elgiz 10, Elgiz Museum of Contemporary Art, Istanbul, Turkey Twenty, Aurel Scheibler, Berlin, Germany Small, Medium, Large, Donjon de Vez, France Color in Flux, Wesserburg Museum, Germany The Art of Chess, Dox Centre for Contemporary Art, Prague, Czech Republic The Art of Chess, Bendigo Gallery, Bendigo, Victoria, Australia The Art of Chess, University of Queensland Art Museum, Brisbane, Australia Wax, Sensation in Contemporary Sculpture, Copenhagen Gallery of Contemporary Art, GL Strand, Denmark and Kunsten Museum of Modern Art, Denmark Blink! Light, Sound and the Moving Image, Denver Art Museum, USA 2010 Be-Head, Andipa Gallery, London, England, UK Transcending, LARMgalleri, Copenhagen, Denmark Pop Life: Art in a Material World, Hamburger Kunsthalle, Hamburg, Germany Pop Life: Art in a Material World, National Gallery of Canada, Toronto, Canada Playing the City, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Germany Seconde Main, Musee d’Art moderne de la Ville de Paris, France Object Culture, Red Gallery, London, England, UK The House of Fairy Tales at Millennium, Millennium, St Ives, England, UK Peeping Tom, Vegas Gallery, London, England, UK Exhibitionism: The Art of Display, Courtauld Institute of Art, Somerset House, London, England, UK

Sur Le Dandysme Aujourd’hui, Centro Galego de Arte Contemporànea, Santiago de Compostela, Spain Demons Yarns & Tales, James Cohen Gallery, New York, USA Identity Theft, Mimmo scognamiglio Arte Contemporanea, Milan, Italy 2009 No Show, Nicholas Robinson Gallery, New York, New York, USA Magritte and Light, Almine Recch, Paris, France Pop Life: Art in a Material World, Tate Modern, London, England, UK That’s All Folks, Aeroplastics, Bruges, Belgium The Horn of Plenty, Viktor Wynd Fine Arts Inc, London, England, UK Bricks, Area 10 Project Space, London, England, UK The (R)Evolution of Urban Art, Warrington Museum, Warrington, England, UK Sphères, Galleria Continua/Le Moulin, Paris, France Pop My Cherry, Patricia Low Gallery, Gstaad, Switzerland No Show, Nicholas Robinson Gallery, New York, USA Encomion, Fine Art Society, London, England, UK The Passionate Pursuit, Palm Springs Museum of Art, Palm Springs, USA Another Air, Galleria Alessandra Bonomo, Rome, Italy Distortion, The Gervasuti Foundation at the 53rd International Art Exhibition at the 53rd Venice Bienale, Venice, Italy On the Line, Crimes Town, London, England, UK Magritte and light, Almine Rech Gallery, Brussels, Belgium Wholesque?, Richard Young Gallery, London, England, UK May Day-The Dark Times, F-SH, Hastings, England, UK DLA Piper Series: This is Sculpture, Tate Liverpool, Liverpool, England, UK The Sculpture Show, V22 at The Almond Building, London, England, UK The Art of Chess, Reykjavik Art Museum, Reykjavik, Iceland Something I’ll Never Really See, Cartwright Hall Art Gallery, Bradford, England, UK Voodoo, Riflemaker, London, England, UK 2008 Rock My Religion, Domnus Artium, Salamanca, Spain Presque Rein II, Laure Genillard Gallery, London, England, UK Shaping A Space II, Mario Sequeira Gallery, Braga, Portugal Demons, Yarns & Tales: Tapestries by Contemporary Artists, The Dairy, London, England, UK The Art of Chess, Sebastian Guinness Gallery, Dublin, Ireland Cancelled, Erased, and Removed, Sean Kelly Gallery, New York, New York, USA Rock My Religion, DA2, Salamanca, Spain Demons, Yarns & Tales: Tapestries by Contemporary Artists, The Loft, Miami, USA Fresh Out of The Box, The New Art Gallery Walsall, Walsall, England, UK Presque Rien 2, Laure Genillard Gallery, London, England, UK Accessories to an Artwork:, Paul Stolper, London, England, UK American and British Artists, Galleria Il Cerchio, Milan, Italy The Art of Chess, Sebastian Guinness Gallery, Dublin, Ireland Shaping Space II, Galeria Mario Sequeira, Braga, Portugal Cancelled, Erased & Removed, Sean Kelly Gallery, New York, USA Starstruck, The New Art Gallery Walsall, Walsall, England, UK Piss Off, Galerie Krinzinger, Vienna, Austria Something That I’ll Never really See: Contemporary Photography from the V&A, Apthorp Gallery, London, England, UK 2007 Ready Made, Yvon Lambert, New York, New York, USA 158 / 159

PURE, Sean Kelly Gallery, New York, New York, USA Role Exchange, Sean Kelly Gallery, New York, New York, USA Starstruck, The New Art Gallery, Walsall, England, UK Unfinished Symphony, The Fine Art Society, London, England, UK Freaks Show, Museum of Contemporary Art Lyon, Lyon, France In My Solitudes, Aeroplastics, Brussels, Belgium Unfinished Symphony, Fine Art Society, London, England, UK Contemporary and Cutting Edge: Pleasures of Collecting Part III, Bruce Museum, Greenwich, CT, USA Summer Exhibition 2007, Royal Academy, London, England, UK The Collective, Paul Stolper, London, England, UK Says the Junk in the Yard, Flowers East, London, England, UK Monochromed II: White Out, Fine Art Society, London, England, UK Role Exchange, Sean Kelly Gallery, New York, USA Freaks Show, Musée d’Art Contemporain Lyon, Lyon, France Timer 01 (Intimacy)-Contemporary Art in Real Time, Trienniale di Milano, Milan, Italy Back to Hackney, Amp,London, England, UK Draw, MIMA, Middlesborough, England, UK 2006 In Between, Galleria Presenca, Porto, Portugal Beauty and The Beast, National Trust, Stourhead, England, UK Che Guevara: Revolutionary and Icon, Victoria and Albert Museum, London, England, UK Crivelli’s Nail, Chapter Gallery, Cardiff, Wales, UK Dark Matter, White Cube, London, England, UK The Youth of Today, Schirn Kunsthalle, Frankfurt, Germany Primitivism Revisited: After the End of an Idea, Sean Kelly Gallery, New York, USA In the Darkest Hour there May be Light: Works from Damien Hirst’s Murderme Collection, Serpentine Gallery, London, England, UK The Signing, Keith Talent Gallery, London, England, UK Six Feet Under: Autopsy of Our Relation to the Dead, Kunstmuseum Bern, Bern, Switzerland Summer Exhibition 2006, Royal Academy, London, England, UK Museum Vitale, Städtisches Museum Schloss Morsbroich, Leverkusen, Germany Monochromed, Fine Art Society, London, England, UK Darkness Visible, Ferens Art Gallery, Hull, England, UK Beauty and the Beast, Stourhead Landscape Gardens, Wiltshire, England, UK Day Glow, OneNita, London, England, UK Dark Matter, White Cube, London, England, UK World Cup, 39 Gallery, London, England, UK In Between, Galeria Presenca, Porto, Portugal Stage of Life – Rhetorics of Emotion, Städtische Galerie im Lenbachhaus & Kunstbau, Munich, Germany Youth of Today, Schirn Kunsthalle Frankfurt, Frankfurt, Germany Culture Bound, The Courtauld Institute, London, England, UK 2005 Art out of Place, Norwich Castle Museum and Art Gallery, Norwich, England, UK Summer Exhibition 2005, Royal Academy, London, England, UK 25th Annual Series – ICI New York Studio Events, New York, New York, USA The Stuff of Life, Bristol’s City Museum & Art Gallery, Bristol, England, UK Et Maintenant? Crac Space, Alsace, France Superstars, Kunsthalle, Vienna, Austria

M City, Kunsthaus, Graz, Austria Global Warning, Fine Art Society, London, England, UK London Calling: Y(oung) B(ritish) A(rtists) Criss-Crossed, Galleri Kaare, Oslo, Norway Et Maintenant, Crac Alsace, Altkirch, France The drawing Show, Shangri-La Tattoo Parlour, London, England, UK Superstars! The Celebrity Factor, from Warhol to Madonna, Kunsthale Wein, Wein, Germany Bone Idle, Charing X Gallery, London, England, UK My Beauty picture Show, 21 Tudor Grove, London, England, UK M-City, Kunsthaus Gratz, Graz, Austria The Wonderful fund Collection, Pallant House Gallery, Chichester, England, UK Appearance, Leeds City Art Gallery, Leeds, England, UK England Their England, Laden Fuer Nichts, Leipzig, Germany Teeth & Trousers, Ideal House, London, England, UK The Stuff of Life, The National Gallery, London, England, UK Art Out of Place, Norwich Castle, Norwich, England, UK (My Private) Heroes, Marta Herford Museum of Art and Design, Herford, Germany LAT-Living Apart Together, Odapark Foundation, Venray,T the Netherlands 2004 The (de)Construction of Living, Odapark Foundation, The Netherlands Paper Democracy, Contemporary Art in Editions on Paper, Ediffico Cultura Inglesa, São Paulo, Brazil Printers Inc.: Recent British Prints, Manchester Art Gallery, Manchester, England, UK Emotion Eins, Ursula Blickle Foundation, Kraichtal / Kunstverein, Frankfurt, Germany Summer Exhibition, Roual Academy, London, England, UK Domestic (F)Utility, New Art Centre Sculpture Park and Gallery, Salisbury, England, UK Mike Kelley: The Uncanny, Tate Liverpool, Liverpool, England, UK Jewelry By Contemporary Artists, Louisa Guinness Gallery, London, England, UK Chaim Soutine, Happy Sailor, London, England, UK The Christmas Exhibition 2004, Edinburgh Printmakers, Edinburgh, Scotland, UK Art 4 All, Tea Building, London, England, UK The Art of Reinvention, Hotbath Gallery, Bath, England, UK 2003 Bag Lady, Cell Project Space, London, England, UK The Art of Reinvention, Hotbath Gallery, Bath, England, UK Sculpture, London Institute Gallery, London, England, UK Artlab Especial, Mobile Home, London, England, UK FRESH: Contemporary British Artists in Print, Edinburgh Printmakers, Edinburgh, Scotland, UK The Square Show, Bloomberg Space, London, England, UK Identity, Ecology Pavilion, Mile End Park, London, England, UK Independence, South London Gallery, London, England, UK Coollustre, Collection Lambert en Avignon, Avignon, France Let’s See the Nature in You, Pepperton Gallery, London, UK April Fool, New Inn Gallery, London, England, UK 2002 It’s Unfair, Museum de Pavilijeons, The Netherlands Face Off: A Portrait of the Artist, Kettles Yard, Cambridge, England, UK Second Skin, Henry Moore Institute, Leeds, England, UK Hommage an Rudolf Schwarzkogler, Galerie Krinzinger, Wien, Germany Remix: Contemporary Art and Pop, Tate Liverpool, Liverpool, England, UK The Unblinking Eye, Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland Wascherne Identitäten, Georg Kolbe Museum, Berlin, Germany Thinknot, Christopher Farr, London, England, UK 2001 Heart of Glass, Mirror, London, England, UK

Art-Tube 01, Café De Paris, London, England, UK East Wing Collection No. 5, Courtauld Institute of Art, London, England, UK Printers Inc. The Gallery, Stratford-upon-Avon, England, UK The Colony Room Club: 2001, A Space Oddity, A22 Projects, London, England, UK Abbild, recent Portraiture and Depiction, Steirisc[:her:]bst, Landesmuseum, Graz, Austria Teeth and Trousers, Ideal House, London, England, UK Tattoo Show, Modern Art, London, England, UK Summer Exhibition, Royal Academy, London, England, UK Mind the Gap, Wettering Gallery, Stockholm, Sweden The Saatchi Gallery Eyestorm Collection, The Saatchi Gallery, London, England, UK Please Disturb Me, Great Eastern Hotel, London, England, UK Dead, The Roundhouse, London, England, UK Century City, Tate Modern, London, England, UK Insider Trading: profit without honour, Mandevilee Hotel, London, England, UK Looking With/Out, Courtauld Institute of Art, London, England, UK Import II, Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland 2000 In Memoriam, The New Art Gallery, Walsall, England, UK Conversation, Milton Keynes Gallery, Buckinghamshire, England, UK Ever get the feeling you’ve been…, A22 Projects, London, England, UK Warning Shots: Contemporary art exploring themes of conflict and violence, Royal Armories Museum, Leeds, England, UK Out There, White Cube, Hoxton Square, London, England, UK Ant Noises, Saatchi Gallery, London, England, UK White Ass European Cowboys, Rob Malasch/Galerie Serieuze Zaken, Amsterdam, The Netherlands Art at the Dome, Greenwich, London, England, UK Psych, Anne Faggionato, London, England, UK Printers Inc. Recent British prints, Hayward Gallery, London, England, UK Art at the Dome, Millennium Dome, London, England, UK Psycho, Anne Faggionato, London, England, UK 1999 The Self Absorbed, Bellevue Art Museum, Bellevue, Washington, USA 6th International Istanbul Biennial, Istanbul, Turkey Officina Europa, Galleria d’Arte Moderna di Bologna, Bologna, Italy Now It’s My Turn to Scream (Works by Contemporary British Artists from The Logan Collection), Haines Gallery, San Francisco, California, USA Self Evident, Vaknin Schwartz, Atlanta, Georgia, USA Skin Deep, The Israel Museum, Jerusalem, Israel Gronningen, Charlottenbrog, Copenhagen, Denmark Mode of Art, Kunstverein, Düsseldorf, Germany Half Dust, Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland Mode of Art, Kunstverein, Düsseldorf, Germany 1998 UK Maximum Diversity, Galerie Krinzinger, Benger Fabrik Bregenz, Bregenz, Austria Dinstinctive Elements: Contemporary British Art Exhibition, National Museum of Contemporary Art, Korea New Displays, The Canon Photography Gallery, Victoria and Albert Museum, London, England, UK Bathroom, Thomas Healy Gallery, New York, USA Feeringbury VIII, Cultivated, Feeringbury Manor, Feering and Firstsite, Colechester, England, UK Drawing Itself, London Institute Gallery, London, England, UK Heatwave, The Waiting Room, School of Art and Design, University of Wolverhampton, England, UK Shoreditch Electricity Showrooms, Hoxton Square, London, England, UK

Camouflage 2000, Galerie Praz-Delavallade, Paris, France 1997 Sensation, Young British Artists from the Saatchi Collection, Royal Academy of Arts, London, England, UK Hamburger Bahnhof, Berlin, Germany Material Culture, Hayward Gallery, London, England, UK Renovate, Shoreditch Town Hall, London, England, UK Dissolution, Laurent Delaye Gallery, London, England, UK Mutants, Galerie Philippe Rizzo, Paris, France All of a Sudden II, Galerie Aurel Scheibler, Cologne, Germany Aspirational Living, Oxo Tower, London, England, UK 1996 Plastic, Richard Salmon, London; Arnolfini Gallery, Bristol, England, UK Other Men’s Flowers, Aurel Scheibler, Cologne; The British School at Rome, Rome, Italy Private View, The Bowes Museum/Henry Moore Institute, Leeds,England, UK Two Seconds, Nine Months, Bankside London, England, UK Fuck Off, Bank, London, England, UK Museum Vitale, Museum Schloß Morsbroich, Leverkusen, Hannover, Germany All of a Sudden, Aurel Scheibler, Cologne, Germany Sex & Crime, Sprengel Museum, Hannover, Germany Works on Paper, Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland 1995 Young British Artists III, Saatchi Collection, London, England, UK Mito, Museo Dell’arredo, Ravenna, Italy Hardcore (Part II), Factual Nonsense, London, England, UK Other Men’s Flowers, Icebox, Athens, Greece Beauty is Fluid, Dering Street, London, England, UK Contemporary British Art in Print, Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh, Scotland, UK; Yale Center for British Art, New Haven, Connecticut, USA 1994 Karaoke & Football, Portikus, Frankfurt, Germany The Shuttle, Kunstlerhaus Bethanian, Berlin, Germany The Fate Worse than Death, Hoxton Square, London, England, UK Miniatures, The Agency, London, England, UK Other Men’s Flowers, Factual Nonsense, London, England, UK 1992 Seventeen, Greenwich Street, New York, New York, USA Molteplici/Cultura, Speaker Project, Rome, Italy Tattoo, Jennifer Flay, Paris; Andrea Rosen, New York, New York, USA London Portfolio, Karsten Schubert, London, England, UK Il Mistero dei 100 Dollari Scomparsi, GioMarconi, Milan, Italy 1991 Group Exhibition, Clove Gallery, London, England, UK

DOUGLAS WHITE NAROZEN / BORN 1977 Guildford, United Kingdom STUDIA / STUDIES 2003–2005 MA Sculpture, Royal College of Art, London, UK 1997–2000 BFA (Hons) Fine Art, Ruskin School of Drawing and Fine Art, Oxford, UK 1996–1997 Foundation Course, Chelsea College of Art & Design, London, UK SAMOSTATNÉ VÝSTAVY / SOLO EXHIBITIONS 2011 New Skin for an Old Ceremony, Paradise Row, London, UK 2010 Black Sun, Kevin Kavanagh Gallery, Dublin, IE 2009 Masquerade, Malta Contemporary Art, Valletta, Malta Elephant Totem Song, Paradise Row, London, UK 2008 Hartrot, Galerie Gabriel Rolt, Amsterdam,

The Netherlands 2007 Black Palm, Galerie Nuke, Paris, France Lilith, Paradise Row, London, UK Selected SKUPINOVÉ VÝSTAVY / GROUP EXHIBITIONS 2012 London Twelve, City Gallery Prague, CZ 2011 All Hail, Angus-Hughes Gallery, London, UK Douglas White and Natalia Stachon, NEXT visit, Berlin, Germany Duel. Man kann auch Flöhe und Läuse haben, Christinger de Mayo, Zurich, Switzerland 2010 AIR 6 Emptiness?, Oude Kerk, Amsterdam, The Netherlands REHAB, Espace Electra, Fondation EDF, Paris, France New Symphony, Simon Oldfield Gallery, London, UK Art Brussels, Brussels, Belgium Art Paris, Paris, France 2009 Abu Dhabi Art Fair 2009, Paradise Row, Abu Dhabi UAE Drawn From Life, Green Cardamom, London, UK Il Faut Etre Absolument Moderne, Paradise Row, Istanbul, Turkey Play, Paradise Row + Prakke Contemporary, London, UK Natural Wonders: New Art From London, Baibakov Art Projects, Moscow, Russia 2008 Nathaniel Rackowe and Douglas White, The Russian Club, London, UK Flight of the Dodo, Project Arts Centre, Dublin, Ireland Gothic, Fieldgate Gallery, London, UK 2007 Unholy Truths, Initial Access, Wolverhampton, UK 2006 Cannibal Ferox, Paradise Row, London, UK New Contemporaries 2006, The Coach Shed, Liverpool & Rochelle School, London, UK 2005 Peculiar Encounters, EC Arts Space, London, UK Transfiguration, Pearl Fisher, London, UK Stuff Becomes, Hollow Contemporary Art, London, UK Jerwood Drawing Prize 2005, Jerwood Space, London, UK, and Tour The Show 2005, Royal College of Art, London, UK Jerwood Sculpture Prize 2005, Jerwood Space, London, UK, and Tour Man Drawing Prize 2005, Royal College of Art, London, UK 2004 New Contemporaries 2004, The Coach Shed, Liverpool and the Curve Gallery, Barbican, London, UK Art School, Bloomberg Space, London, UK 2003 Mutiny at the Bargehouse, The Bargehouse, South Bank, London, UK 2002 14x14, Century Gallery, London, UK
Fame and Promise, 14 Wharf Road, London, UK Kamikaze, Mafuji Gallery, London, UK Awards and Nominations OCENĚNÍ / AWARDS 2007 Paul Hamlyn Award (Shortlist) 2005 Jerwood Drawing Prize (Shortlist) Deutsche Bank Pyramid Award Man Group Drawing Prize Jerwood Sculpture Prize (Shortlist) NGT Transco Award (Shortlist) 2004 Belize Travel Award 1999 Cockburn Art Prize

Autorská práva k fotografiím reprodukcí: Výtvarníci, fotografové a/nebo jejich galerie / zástupci Copyright for the images lies with the artists, photographers and/or their galleries / representatives.

London Twelve Současné britské umění / Contemporary British Art Katalog k výstavě pořádané 29. 6.–23. 9. 2012 Galerií hlavního města Prahy v Domě U Kamenného zvonu, Staroměstské náměstí 13, Praha 1 The catalogue is published on the occasion of the exhibition organized by the City Gallery Prague from 29/06 to 23/09, 2012, at The Stone Bell, Old Town Square 13, Prague 1 ISBN 978-80-7010-008-0 ©2012 Galerie hlavního města Prahy / City Gallery Prague Vydavatel / Publisher: Galerie hlavního města Prahy / City Gallery Prague Kurátoři výstavy / Exhibition curators: Toby Clarke, Olga Malá Texty / Texts: Olga Malá, Toby Clarke Editor / Editor: Olga Malá Grafická úprava / Graphic design: Tomáš Trnobranský Redakce textů / Text editors: Michaela Moučková, Marta Nožková Překlad / Translation: Vladimíra Šefranka, Ivan Vomáčka Propagace / Public relations: Miroslav Koláček, Michaela Moučková, Alice Lenská, Lucie Haškovcová, Růžena Karlíková Tisk / Printed by: Tiskárna Horák

© Dílo Keithe Coventryho vyfotografoval Stephen White, s laskavým svolením The Pace Gallery © Keith Coventry, s laskavým svolením umělce a The Pace Gallery © Keith Coventry’s painting was photographed by Stephen White, courtesy The Pace Gallery © Keith Coventry, courtesy of the artist and The Pace Gallery © Dílo Matthewa Collingse a Emmy Biggs vyfotografovala Claudine Matthews, 2012 © Biggs & Collings’ painting was photographed by Claudine Matthews, 2012 Děkujeme všem galeriím za spolupráci na výstavě / We would like to thank the following galleries and foundations: AVA Alison Jacques Gallery Charlie Dutton Gallery David Risley Gallery Duve Berlin Flowers Gallery Hannah Barry Gallery Hayles Gallery Lisson Gallery Modern Art Rose Issa Projects Pace Gallery Rokeby Gallery Paradise Row Poppy Sebire Gallery Aurel Scheibler The Fine Art Society The David Roberts Foundation Tim Taylor Gallery White Cube Gallery Vigo Gallery Zvláštní poděkování firmě Kenwood DeLonghi za její soustavnou podporu britského umění a velkorysé financování tvůrčích cest umělců, jakož i za její vstřícnost k projektu Andrey Nataleho a Nigela Wainwrighta. Special thanks to Kenwood DeLonghi for their continued support of British Art and generous funding of the artists travel and for the openess to the project from Andrea Natale and Nigel Wainwright.

Hlavní partneR / MAIN PARTNEr

mediální partneři / Media Partners

Hlavní mediální partneři / MAIN MEDIA PARTNERS