Az Imágó Egyesület lapja

IMAGO_sablon_2011-4.qxd

9/18/2014

11:04 AM

Page 1

00_impress_01_bekoszonto.qxd

3/8/2011

10:44 PM

Page 1

Az Imágó Egyesület lapja

Alapítva 2010-ben

Kiadja az Imágó Egyesület, Budapest

01-impress-Eloszo-Bevezetes-2013-1-(P).qxd

5/21/2013

4:49 PM

Page 2

3. [24.] évfolyam, 1. szám, 2013 Fõszerkesztõ: K ÕVÁRY Z OLTÁN Szerkesztõségi titkár: DEVECSERY ÁGNES A szerkesztõbizottság elnöke: BÓKAY ANTAL Szerkesztõbizottság: AJKAY KLÁRA, BÉKÉS VERA, CSABAI MÁRTA, ERDÉLYI ILDIKÓ, ERÕS FERENC, HÁRS GYÖRGY PÉTER, TOM KEVE, SZÉKÁCS JUDIT, VAJDA JÚLIA, VALACHI ANNA A szerkesztõség tagjai: BÁLINT KATALIN, BORGOS ANNA, CSABAI MÁRTA, ERÕS FERENC (alapító fõszerkesztõ), GYIMESI JÚLIA, KOVAI MELINDA, KOVÁCS ANNA, KÕVÁRY ZOLTÁN, LÉNÁRD KATA, PAPP-ZIPERNOVSZKY ORSOLYA

Jelen számot szerkesztette: BORGOS ANNA

E számunk megjelenését anyagi támogatásukkal segítették: A „Budapest Bank Budapestért” Alapítvány Anonim támogatóink jövedelemadójuk 1%-ával

Imágó Budapest szerkesztõsége, E-mail: [email protected] Honlap: http://www.imagoegyesulet.hu ; http://imago.mtapi.hu

ISSN 2062–5383 Imágó Egyesület, 2013 Felelõs kiadó: ERÕS FERENC Tördelés: KOVÁCS ANNA Borítóterv: HARSÁNYI TAMÁS Nyomdai munkálatok: BODNÁR NYOMDA

Terjeszti: L'Harmattan Könyvkiadó és Terjesztõ Kft. (1088 Budapest, Múzeum u. 7.) A címlap Friedrich August von Kaulbach (1850–1920) német festõ „Musica” címû festményének felhasználásával készült. (Forrás:http://commons.wikimedia.org/wiki/File%3AF_A_von_Kaulbach_-_Musica.jpg Lásd még Adolf Rosenberg [1850–1906]: Friedrich August von Kaulbach. Biefeld und Leipzig: Verlag von Velhagen & Klasing, 1900, 91. [http://archive.org/details/friedrichaugustv00roseuoft])


5/21/2013

Imágó Budapest

4:49 PM

Page 3

(3 [24]) 2013, 1: 3–4

Elõszó

Tisztelt Olvasók! Ezúton jelentem be, hogy 2013. január 1-ével megváltam az Imágó Budapest fõszerkesztõi tisztségétõl. A lap fõszerkesztõi teendõit jelen számunktól kezdve Kõváry Zoltán, a Szegedi Tudományegyetem Pszichológiai Intézetének adjunktusa látja el. Továbbra is tagja maradok a szerkesztõségnek, és ebben a minõségemben továbbra is részt veszek a szerkesztési munkálatokban. Az Imágó Egyesület elnökeként pedig felelõs kiadóként jegyzem a lapot. Folyóiratunk elõdje, a Thalassa huszonegy éven át, 1990 és 2010 között jelent meg a Ferenczi Sándor Egyesület lapjaként. A 2011-ben indult Imágó Budapest szellemében, koncepciójában, szerkesztési elveiben a Thalassa hagyományait folytatta; továbbra is több szakterület mûvelõi számára nyitott, interdiszciplináris folyóirat maradt, amely a pszichoanalízisnek és társtudományainak újabb eredményeirõl éppúgy beszámol, mint történeti múltjának kutatásáról. A megváltozott környezet azonban új kihívásokat jelent a lap számára. Hosszú ideig a Thalassa volt az egyetlen magyar nyelvû pszichoanalitikus folyóirat, ma már azonban társlapjaink, így a Lélekelemzés és a Pszichoterápia is jelen vannak a „piacon”. Azokat a tájékoztatási funkciókat, amelyeket a Thalassa magára vállalt, az internet jórészt feleslegessé tette. A nyomtatott számok finanszírozási nehézségei és a megváltozott olvasói igények szükségessé teszik a (részben) elektronikus megjelenésre való áttérést, amelyet már ebben az évben megkezdünk, 2013-ban a nyomtatott számok mellett két, csak elektronikus formában megjelenõ számot tervezünk. Fontos követelmény a lap színvonalának megtartása, sõt emelése, mivel lektorált folyóiratként a benne való megjelenés a szerzõ mérhetõ tudományos teljesítményének értékét növelheti. Az elektronikus forma a lap strukturális megújulásával, sokirányú bõvítési lehetõségek megjelenésével fog együtt járni. Bízunk benne, hogy a negyedszázados tapasztalat által lefektetett hagyományok és az új kihívásokra adott válaszok együttesen hozzásegítik az Imágó Budapestet, hogy modern, nyitott, nemzetközileg is elismert folyóiratként mûködhessen a jövõben is. Az elmúlt csaknem negyedszázad során, amíg a Thalassát, illetve az Imágó Budapestet szerkesztettem, felnõtt egy új generáció, elsõsorban a Pécsi Tudományegyetem Pszichológiai Doktori Iskolája elméleti pszichoanalízis

3


5/21/2013

4:49 PM

Page 4

Elõszó

programjának korábbi és jelenlegi hallgatóiból. Tehetségüket és elkötelezettségüket már szerkesztõként is bebizonyították, hiszen az Imágó Budapest eddigi számai, csakúgy, mint a mostani szám, kollektív munkával készültek. Az új fõszerkesztõ személye a garancia arra, hogy ez a kollektív munkastílust a továbbiakban is folytatódik, így örömmel adom át neki a fõszerkesztõi funkciókat. Egyúttal szeretném megköszönni az elmúlt évtizedek során tapasztalt érdeklõdést munkám iránt, a szerzõk, fordítók, szerkesztõk, lektorok, grafikusok, technikai munkatársak, támogató alapítványok és más szervezetek együttmûködését. Külön kell említenem Kovács Annát, akinek technikai munkatársként, tördelõként, szerkesztõként, lektorként és még ezer más módon kifejtett áldozatos munkája tette lehetõvé a Thalassa, illetve az Imágó Budapest folyamatos megjelenését. Az elmúlt idõszak alatt több súlyos veszteség érte a lapot. 2006-ban elhunyt KISS GYULA , aki hosszú éveken át végezte a Thalassa nyomdai munkálatait. HIDAS G Y Ö R G Y rõl, a Thalassa 2012-ben elhunyt szerkesztõbizottsági tagjáról és a Thalassa Alapítvány elnökérõl 2012/4. számunkban emlékeztünk meg. 2013. április 5-én távozott körünkbõl PALKÓ MAGDA , a Thalassa, majd az Imágó Budapest olvasószerkesztõje, aki tanácsaival, észrevételeivel fáradhatatlanul segítette munkánkat. Emlékét szeretettel õrizzük. Budapest, 2013. május 16. Erõs Ferenc

4


5/21/2013

Imágó Budapest

4:49 PM

Page 5

(3 [24]) 2013, 1: 5–6

Bevezetés

„Mit mozgat meg bennünk a zene, nehéz megmondani; annyi bizonyos, hogy olyan mélységes területet érint meg, melybe maga az õrület sem képes behatolni.” (Emil Michel Cioran: De l’inconvénient d’être né. Gallimard, Paris, 1973.)

Az Imágó Budapest jelen száma zene és pszichoanalízis kapcsolatának különbözõ vetületeit járja körül – a számunk nyitó tanulmányát jegyzõ Stuart Federnek, a terület egyik meghatározó alakjának parafrázisát idézve „a titokzatos ugrást a zenébõl a lelki életbe”. Bár e mûvészeti forma speciális tulajdonságokkal és szabályokkal bír, éppen „esszenciálisan formai jellege” teszi lehetõvé, hogy a zene pszichológiai, pszichoanalitikus megközelítése általános (mûvészet)pszichológiai tanulságokhoz is vezethessen, a forma tanulmányozása a mû és alkotójának pszichéje közti összefüggésekre világíthat rá. Mindazonáltal a mûvészetpszichológián belül is viszonylag kevés zenei tárgyú kutatás és publikáció született, részben azért, mert e speciális tudások együttes jelenléte ritkán áll rendelkezésre megfelelõ fokon. A fontosabb kötetek és folyóiratszámok között meg kell említeni a Psychoanalytic Explorations in Music Feder és munkatársai által szerkesztett két kötetét (1990, 1992), valamint az American Imago 2007/1-es tematikus számát. Zene és pszichoanalízis viszonya legalább három irányból közelíthetõ meg. Egyrészt konkrét zeneszerzõk életmûvének vagy egyes mûveknek a pszichoanalitikus értelmezése felõl; másrészt pszichoanalitikusok zenéhez való viszonyát vagy zenei tárgyú munkáit vizsgálva saját elméletük fényében; végül a zenei nyelvet felépítõ különbözõ elemeknek (ritmus, hang, harmónia, stb.) pszichoanalitikus keretben való értelmezésével, illetve a zenei kifejezés/befogadás pszichoanalitikus vonatkozásainak feltárása révén (ez persze átfedésben lehet az elsõ iránnyal). Jelen szám írásai között mindegyikre találunk példát, beépítve a zeneelmélet, a zenetörténet, illetve a pszichoanalízis és az idegtudomány eredményeit. Stuart Feder elméleti-módszertani tanulmánya három alapelvet azonosít a pszichoanalízis mûvészetre történõ alkalmazásában, ezen belül a zenei szimbólumok és a személyiség összekapcsolásában (túldetermináltság, eltolás és végtelen ábrázolhatóság), s ehhez Schubert egyik zongoradarabját használja esettanulmányként.

5


5/21/2013

4:49 PM

Page 6

Bevezetés

Nathan Roth pszichiáter annak jár utána neurológiai nézõpontból, miért idegenkedett Freud a zenétõl. Úgy véli, Freudnál a reflex epilepszia egy ritka esetét, a muzikogén epilepsziát azonosíthatjuk, s ez magyarázatként szolgálhat egyes nehezen értelmezhetõ reakcióira. A szerb pszichoanalitikus, Aleksandar Dimitrijević tanulmányának elsõ része párhuzamot von Freud zenére irányuló attitûdje és a belsõ hanghoz, az „óceáni érzéshez”, a preödipális, „anyai” nyelvhez – s mindezzel összefüggésben az áttételhez – fûzõdõ ambivalens viszonya között. A dolgozat második fele hasonló párhuzamokra mutat rá Heinz Kohut zenéhez való értõ, pozitív viszonya és szelfpszichológiája között. A zene Kohut-féle pszichoanalitikus megközelítése Dimitrijević szerint elõrevetítette és befolyásolta klinikai- és fejlõdéselméletének kialakulását. A zenehallgatás Kohut elméletében regresszió egy korai énállapotra; „a zene sajátos helye a szelf és a külvilág közötti térben található”. Kohut él a zene klinikai alkalmazásának lehetõségeivel is, ami a beszéd „zenéjére” való empatikus figyelmet is magában foglalja. Horgász Csaba Mosonyi Dezsõ orvos és zenekritikus elfeledett zenelélektani munkáját ismerteti neurobiológiai és pszichoanalitikus keretben. Írása második fele az elméletet is illusztráló esettanulmány: élettörténeti, tárgykapcsolati analógiákra mutat rá néhány korai Bartók-mû motívumainak elemzésével. Az Archívum rovatban egy tanulmányt és egy könyvrészletet közlünk, melyek részben hasonló teoretikus apparátusra támaszkodnak (a freudi pszichoanalízisre, illetve Pfeifernél az akkori biológia, Mosonyinál pedig a korabeli idegtudomány és a kulturális antropológia felfogására). Pfeifer Zsigmond tanulmánya és a Horgász-tanulmányban már elemzett Mosonyi Dezsõ könyv elsõ fejezete egyaránt úgy jellemzi a zenét, mint az örömelv feszültséglevezetõ ösztöne által vezérelt tevékenységet. Hogy a könnyûzene mûfaja se maradjon ki, jelen számunkban Zipernovszky Kornél ismertetését és reflexiót is olvashatják Krin Gabbard jazztrombitás és kultúra-teoretikus trombitatörténeti munkájáról, elhelyezve azt a pszichoanalízis és az amerikai kultúrtörténet kontextusában. Zárásként Marcel Proust egy mondatát idézném, amely azt mutatja, hogy az irodalom nemcsak a pszichoanalízis egyik legfogékonyabb terepe, hanem a zene és lélekelemzés viszonyának különösen érzékeny kifejezõje is. „És eltöprengtem azon, […] vajon a zene nem egyedülálló példája-e annak, milyen lehetett volna – az emberi nyelv megalkotása, a szavak kialakulása, a gondolat analízise nélkül – a lelkek érintkezése.” (Marcel Proust: A fogoly lány. [Az eltûnt idõ nyomában V.] Jancsó Júlia fordítása. Atlantisz, Budapest, 2001. 293.) Budapest, 2013. május 19. Borgos Anna

6

02-Feder-es-Szerzok-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 7

Imágó Budapest

(2 [23]) 2012, 4: 7–22

TANULMÁNYOK „Elõjegyzések”: módszer a zenében és az alkalmazott pszichoanalízisben1 Stuart Feder A mûvészetekre alkalmazott pszichoanalízist sokáig a klinikai ortodoxia rakoncátlan mostohagyermekeként kezelték. A határterületi tudomány mind a pszichoanalízis, mind az egyes mûvészetek szempontjából a legkevésbé tudományos és a szánalmasan megalapozatlan minõsítésre tett szert. A kérdést az teszi bonyolulttá, hogy az alkalmazott pszichoanalízis azon mûvelõinél, akik a mûvészetekhez nyúlnak, viszonylagos felkészületlenséget tapasztalhatunk az alkalmazásban, és ez fordítva is igaz, más területek tudósai pedig a pszichoanalízisben nem jártasak. A zene különösen jó példa a fenti állapotra, a gyakorlat és a jövõbeni kilátások tekintetében egyaránt. A képzési és kommunikációs szakadék azt eredményezte, hogy az analitikus munkák a zene terén kevésbé voltak sikeresek, mint azok, amelyek a vizuális mûvészetekben és az irodalomban születtek, és ez utóbbiak jóval jellemzõbbek is az alkalmazott pszichoanalízisre (Feder, Karmel és Pollock, 1990). A zenével foglalkozó munkákat a zenészek sokszor valószerûtlennek és amatõrnek tartják. Másfelõl a zenetörténészek és zenével foglalkozó szerzõk részérõl alkalmazott kvázi-pszichoanalitikus megközelítést gyakran a pszichoanalitikusok ítélik felületesnek és hiteltelennek – amit tehát elutasítanak, mert inkább tekintenek rá úgy, mint a szalonpszichológia zsurnaliszta példájára, semmint a pszichoanalízis felelõsségteljes alkalmazására. Így a szakadék egyre szélesedik. Mégis van a zenében valami alapvetõ, ami ígéretesnek és az összes mûvészet tanulmányozására alkalmazhatónak tûnik, és ami különösen alkalmas az interdiszciplináris kutatásra. Ez a zene esszenciálisan formai jellege,

1 „Promissory Notes”. Method in Music and Applied Psychoanalysis. In: Stuart Feder, Richard L. Karmel, George H. Pollock (szerk.): Psychoanalytic Explorations in Music. International Universities Press, Madison, Connecticut, 1993, 3-19. A cím nehezen visszaadható szójátékot hordoz: az angol „promissory note” alapjelentése a „kötelezvény”, váltó” – azaz adóslevél, amely egy adósság valamikori teljesítésére vonatkozó ígéretet tartalmaz –, maga a szó is a „promise”, ígér szóból származik. A cikkben pedig egy zenei elõjegyzés, angolul „note” elemzése – mely bizonyos módosításokat vetít elõre, azaz „ígér” – központi szerepet játszik. Köszönet dr. Kosóczki Tamásnak a szöveg zenei vonatkozásainak fordításához nyújtott segítségéért. (a ford.)

7


5/21/2013

4:50 PM

Page 8

Tanulmány

amit több mint egy évszázaddal ezelõtt Walter Pater mûvészettörténész és esztéta fogalmazott meg talán a legjobban: „Minden mûvészet folyamatosan a zene állapotára törekszik.” (1873, 16.). Ami lényeges itt, az az, hogy ha tekintetbe vesszük a formát, az hidat verhet a mû és alkotójának mentális élete közé. Ezzel például – klinikai kereteken kívül vagy belül – összeköthetjük a karakter és a stílus elemeit a mûvészet stiláris jellegzetességeivel. Sõt, a lélek mélystruktúráinak elemei is föltárhatók. A következõkben olyan irány- és alapelvek kidolgozására teszünk kísérletet, amelyek talán használhatóak lesznek a pszichoanalízis mûvészetre történõ alkalmazásában – a zene itt szélsõséges, de nem egyedülálló például szolgál, minthogy ezek az alapelvek másutt is alkalmazhatóak. Munkám közben elfogadtam az irodalmi együttmûködést Edward T. Cone zenetudóssal és elméleti szakemberrel egyik cikkében, amely gondoskodott a vitatott kérdést illusztráló zenei mintadarabról, és részben a címrõl is. Ezen felül, Cone professzor ily módon az alkalmazott pszichoanalitikus szerzõt kiegészítõ gyakorló zenetudós szerepét tölti be. E kétféle megközelítésbõl remélhetõleg sikerül elméleti keretet adni néhány hasznos irányelvnek, az elõbb tárgyalt „alapelveknek”. Cone cikkének címe: „Schubert’s promissory note: An exercise in musical hermeneutics [Schubert elõjegyzése: Zene-hermeneutikai gyakorlat]” (1982). Ezért – noha a példát itt fõleg a követendõ vita háttereként szándékozunk bemutatni –, mégis Cone cikkének taglalásával kezdem, amely Schubert megrendítõ Moments musicaux [Zenei pillanatok] sorozatának, Asz-dúr Op. 94. No. 6. (D 780), 1824-ben írott zenedarabjával foglalkozik (lásd 1. ábra).

Zene, érzelem és hermeneutika Amikor „megrendítõként” írjuk le a zenét, akkor azonnal és spontán mindjárt két olyan jellegû diskurzusba merülünk, amely mind a pszichoanalízis, mind a zene számára releváns területeket kapcsol össze: az érzést és a jelentést. Az érzelmek és a gondolatok birodalmába léptünk. Amikor így járunk el, majdhogynem óhatatlanul egyfajta általános esztétikai ítéletbe is belebocsátkozunk, amely kritikátlanul összekeveri az interpretációt és a befogadói reakciót, ahogyan ezzel gyakorta találkozunk a mûsorfüzetek ismertetéseiben és egyebütt. Amennyiben Schubert Moment musical-járól [a No. 6.-ról] állítható, hogy „megrendítõ” (a Webster szótár szerint: „fájdalmasan hat az érzelmekre: megható”2.), akkor ebbõl legalább két dolog következik: elõször is, hogy a zene természetébõl adódóan jelentéssel bírónak tûnik, másodszor pedig, hogy ennek a befogadóhoz közvetített jelentésnek van valami köze az érzelmekhez. Hogy 2 Vö. www.collinsdictionary.com/dictionary/english/encounter?showCookiePolicy=true (a ford.)

8


5/21/2013

4:50 PM

Page 9

1. ábra: Schubert, F: Moment musical, Asz-dúr, Op. 94. No. 6. (D 780)

Stuart Feder: A módszer a zenében és az alkalmazott pszichoanalízisben

9


5/21/2013

4:50 PM

Page 10

Tanulmány

mindez miért érdekli egyáltalán a pszichoanalitikust, az rögvest nyilvánvalóvá válik. Állítottunk valamit a hallgató és talán még a zeneszerzõ mentális életére vonatkozóan is, de nem a megszokott módon. A mentális élet sajátos területeit érintettük itt: a fogalomalkotásét és az érzelmekét. A központban a jelentés áll. Szóban forgó cikkében Cone a hermeneutikával, „az értelmezés mûvészetével, avagy tudományával” kezd el foglalkozni, taglalva annak a zenéhez fûzõdõ hosszú múltra visszatekintõ és korántsem zökkenõmentes kapcsolatát. Világos – jegyzi meg –, hogy amíg „a múlt század vége felé Hermann Kretchmar nem alkalmazta a szavakat a zenei jelentés nyelvi magyarázatára, […] addig a zenei hermeneutika olyan mûvészet (vagy tudomány) volt, amit már hosszú ideje mûveltek ilyen vagy olyan elnevezéssel.” (Cone, 1982, 233.) Kretchmarnak, fogalomhasználata ellenére, a zenei jelentésrõl alkotott gondolatai nem igazán tartoztak a hermeneutika akkoriban kibontakozó mûvészetének, illetve tudományának élvonalába, érdeklõdése sokkal inkább a korábbi, zenei „érzelmek tanára” irányult (Kneif, 1985, Vol 8, 511.). A zenei jelentés szisztematikusabb vizsgálata másokra maradt, a huszadik században. Ugyanakkor a módszer és elmélet hiánya nem akadályozta meg a szerzõket, hogy a zenei jelentésre és érzelmekre vonatkozóan olyan értelmezéseket fogalmazzanak meg, mint például nálam a megrendítõ kifejezés. Végül is, a tapasztalati bizonyítékok arról tanúskodnak, hogy a nyelvi szimbólumokhoz hasonló rendszerrel dolgozunk. Még ha a zene mint „egyetemes nyelv” felszínes közhelyéhez vezetett is, ezt az állítást korántsem az egyénieskedõ vagy szõrszálhasogató, tudománytalan vagy egyszerûen mûveletlen, illetve – mint az elõbbi példában – könnyed értelmezés ellentéteként kell érteni. Mert a nyelv egyetemességébõl semmilyen formában nem következik a szabályok és a módszer diszciplínájától független értelmezés demokráciája. Freud valami hasonló problémával szembesült 1910 körül. Amint a pszichoanalízis a tünetek (azaz szintén a lélek szimbolikus funkciójának aspektusai) jelentésének megértésére irányuló módszerként ismertté vált, megjelent az erõsödõ tudomány potenciálisan illetéktelen használata. Tudományos felelõtlenség, ha jóhiszemû egyének a vonatkozó elméleti alapok vagy az alkalmazásukhoz szükséges technikai elõírások megfelelõ megértése nélkül „interpretációkat” gyártanak. Freud erre a vad pszichoanalízis elnevezést találta ki (1910)3. A „vad analitikusok”, írja, „mégiscsak nagyobb ártalmára vannak magának az ügynek, mint az egyes betegnek.” (106.) További analógiaként, talán ez lehet az egyik oka, hogy a zenetudomány területe egészen a legutóbbi idõkig óvatos, ha éppen nem nyíltan fóbiás beállítódással viseltetett a zenei hermeneutika iránt. Ugyanannyira gyanúsnak számí3 Magyarul: A „vad” pszichoanalízisrõl. Ford. Friedrich Melinda. Thalassa (18) 2007, 1: 101-106. (a ford.)

10


5/21/2013

4:50 PM

Page 11


tana a kollégák között, ha valakit „vad zenetudósnak”, mintha „vad pszichoanalitikusnak” tartanának. A zenetudomány nem csupán ugyanabban az idõszakban bontakozott ki, mint a pszichoanalízis, hanem ugyanúgy tudományos rangra is törekedett. A zenetudomány [Musicwissenschaft] elnevezést Guido Adler használta elõször 1885-ben (Sadie, 1980), öt évvel Freud Álomfejtésének (1900)4 megjelenése elõtt. Egy évszázaddal késõbb, 1985-ben Joseph Kerman úgy találta, hogy elérkeztünk egy olyan pontra, ahol „csakis korunk legmerészebb zenei tanulmányai révén körvonalazódik a szemiotika, a hermeneutika és a fenomenológia” (1985, 17.). Ez elég radikális elmozdulást jelentett az 1950-es évek zenetudományához képest, amikor is, Kerman szavaival: „egyfajta virtuális hírzárlatot erõltettek rá az ilyen jellegû kritikai értelmezésre” (Kerman, 1985, 42.). Donald Francis Tovey 1935-ben megjelent hétkötetes Essays in Musical Analysis [Zeneelemzési esszék] címû mûvének nevetségessé vált „szertelen metaforái, miszerint a domináns akkord »suttog«, a motívumok »dülöngélnek«, [és] egy égitest körforgásának pillanatában ragadják meg a frázisokat” (74.), arra a sorsra juttatták a szerzõt, hogy az elkövetkezõ írógenerációk neki ítélhetik oda a Vad Zenetudós bajnoki címét. Kerman megjegyzi, hogy az 1950-es évekre az „elemzés” „bizonyos zenedarabok szerkezetének részletes »internalista« magyarázatává vált” (17.). Ennek a megközelítésnek mind elõnye, mind hátránya a látszólagos objektivitása volt, amely nemcsak elkerülte Tovey feltételezett túlkapásait, de még az olyan kisebb áthágásokat is kiküszöbölte, amit én követtem el azzal, hogy Schubert darabját „megrendítõnek” neveztem. (A zeneelemzõ [avagy zeneteoretikus] van szembeállítva itt a zenetudóssal, akinek szélesebb érdeklõdése alárendelõdhet más zenei jelentéseknek, mint amelyek pusztán magából a zenébõl fakadnak.) A hetvenes évek elején Wilson Coker érdekes kompromisszumos helyzetet teremtett a zene többszörös jelentésére vonatkozóan Music and Meaning [Zene és jelentés] címû mûvében (1972). Coker kétféle zenei jelentést különböztet meg: az egyikre a kongenerikus, a másikra pedig az extragenerikus kifejezést használja. Az extragenerikus intuitív módon könnyebben hozzáférhetõ, ez lényegében véve a zenemûben található bármely utalás, amely nem zenei, legyen az tárgy, esemény, hangulat, érzelem vagy gondolat. A kongenerikus jelentés a zene bensõ viszonylataira utal, amelyek csakis magának a zenének a részletes elemzésével tárhatók fel. Visszatérve Cone professzorhoz és Schuberthez, azt láthatjuk, hogy Cone kissé mélyebbre ás. Azt mondja, Coker dichotómiája félrevezetõ: ha „a valódi tartalom bármely verbalizációja […] egyáltalán lehetséges, annak szoros strukturális analízisen kell alapulnia”. Más megfogalmazásban pedig azt állítja: „az extragenerikus jelentés csak kongenerikus fogalmakkal

4

Sigmund Freud: Álomfejtés. Ford. Hollós István. Helikon, Bp. 1986. (a ford.)

11


5/21/2013

4:50 PM

Page 12

Tanulmány

magyarázható” (Cone, 1982, 235.). Ezen az alapon fog bele Schubert Asz-dúr Moment musical-ja expresszív tartalmának levezetésébe a mû strukturális elemzésébõl, csupán „töredéknek” nevezve impresszív, 3000 szavas esszéjét. A következõkben itt csak vázlatos összefoglalását nyújtom a dolgozatnak.

Schubert: a zenei csodabogár Célunkhoz igazodva Cone terjedelmes esszéjének áttekintése még inkább „töredékes” lesz. Aki érdeklõdik a részletek iránt, az elolvashatja Cone hivatkozott cikkét, és természetesen a zenemû is hozzáférhetõ kotta formájában és felvételen is. (Valamivel részletesebb ismertetés található az 5. lábjegyzetben, amely még mindig „töredékes”, és nem szolgáltat igazságot Cone gazdag zenei elemzésének.) Cone magyarázata egyetlen elõjegyzés zenei és zenén túli jelentõségére épül fel – annak kongenerikus jelentésére a rövid darab tonalitásának és szerkezetének kontextusában, és arra az exragenerikus jelentésre, amihez mindez elvezeti. A szóban forgó elõjegyzés a feloldott E hang, amely a 12. ütemben bukkan fel elõször, ahol ebbõl adódóan, Schubert zenei szintaxisának rendszerén belül erõsen megkívánja a hangnemváltást. Meglehetõsen (és nem is titkoltan) szubjektív értelmezõ következtetéssel rukkolva elõ, Cone ezt az eltévelyedett feloldott E hangot „váltónak” nevezi, mert „erõteljesen utal egy ki nem egyenlített tartozásra” (235.). Cone így „zavaró tényezõnek” tekinti, amivel számolni kell, noha Schubert leleményes, alternatív zenei megoldásokat talált ki. Cone itt következõ teljesen zenei (avagy kongenerikus) és a zenén túlmutató (extragenerikus) értelmezése ennek a feloldott E hangnak az elemzésén nyugszik. Cone elemzése kielégítõ olvasattal szolgál, amelynek itt csak néhány részletét vázoljuk.5 5 Schubert például, aligha segítve az ügy megoldását, elidõz az elõjegyzés kétértelmûségénél, hangsúlyozva annak különös összefüggését az Esz-dúrral. A kottázásban a következõ szakaszban például a két elõjegyzést Asz-dúrra módosítva a hatodik és az ötödik (vagyis domináns) hangnem viszonyába helyezi Asz-mollban (24. ütem). Röviden (28-29. ütem), amint Asz-dúr hangnem lép életbe, az Asz-moll pedig disszé lesz átkottázva, a két elõjegyzés közötti viszony vezetõhanggá és alaphanggá értelmezõdik át. A bonyodalom a várt tonikus hangnem ismétlõdéséig folytatódik (46. ütem), amit most már elkerülhetetlenül az ígért hangnem visszatérése követ (47-53. ütem). Az adósság tehát ki lesz egyenlítve, de az ügy aligha van elintézve a visszatérõ motívum kibontakozásával. Az engedetlen feloldott E hang visszatér (immár leszállított F álruhában), és a visszatérõ motívum a következõ szólamában pusztítást hajt végre a harmóniában, amelyet Cone technikai részletként elemez, s ez lehetetlenné teszi a kongenerikus magyarázat elkülönítését a lehetséges extragenerikus következetésektõl. Így foglalja össze: „Az elõrehaladás harmonikus részébe tehát beszivárog a romboló hatás [és] a ritmikus szabálytalanság mint kellemes megoldás […], majdhogynem felborítva az eredeti egyensúlyt. [A] következõ tétel térhódítása félelmetes a maga intenzitásában.” (Cone, 1982, 239).

12


5/21/2013

4:50 PM

Page 13


Az értelmezett Schubert: tartalom és érzelem A fenti technikai szempontokról a zene kifejezõ erejének értékelésére áttérve Cone azt írja: „Tudat alatt a zenének olyan tartalmat tulajdonítunk, amely a zenei gesztusok és azok mintázatainak összefüggésén alapul egyfelõl, és izomorfikusan megfelelõ, belsõ vagy külsõ élményeken másfelõl” (Cone, 1974, 166.). Ezt az elvet valószínûleg Suzanne Langer elõlegezte meg elsõ ízben (1967), és Peter Kivy fejtette ki The Corded Shell: Reflection on Musical Expression [A bordás kagyló. Elmélkedés a zenei kifejezésrõl] címû könyvében (1980). A „The nostalgia of Charles Yves: An essay on music and affects [Charles Ives hazavágyódása: Esszé zenérõl és érzelmekrõl]” címû saját munkámban felvetettem, hogy a zene egyaránt kifejezhet és közvetíthet is érzelmet „azon a bensõ morfológián keresztül, ami az érzelmet megalapozó mentális szervezõdést tükrözi”. (Feder, 1990, 265.) Amint Cone meghallja Schubert Moment musical-ját, olyan kongenerikus vagy lényegét tekintve zenei szituációra talál, amelyet a következõképpen próbál szavakkal leírni: „A furcsa, zavaró elem beszivárog az amúgy békés helyzetbe. Az elsõre figyelmen kívül hagyott vagy elfojtott elem állandóan felbukkan, […] és úgy tûnik, teljes mértékben asszimilálódik. De a látszat csal. Az elem nem válik engedelmessé, még hatalmasabb erõvel tör elõ, kimutatva ellenséges természetét a környezetével szemben, amit elkezd megsemmisíteni.” (Cone, 1982, 240)

Amikor megkísérel bizonyos „izomorfikus analógiás élményre” hivatkozni – és pontosan itt teszi meg az író a kritikus ugrást a zenébõl a lelki életbe –, leszögezi, hogy „az »idegen elem« érkezése azt szimbolizálja, amikor egy békés természetû, kényelmes emberben felbukkan egy nyugtalanító gondolat. Nyugtalanító, de egyúttal izgalmas, mert rendkívüli és érdekes események sorára utal.” (240.) Mielõtt engedne a kísértésnek, kutakodni kezd: „[A] hõst egyre jobban rabul ejtik saját felfedezései, engedvén, hogy átvegyék az uralmat az élete felett, minthogy eddig ismeretlen és valószínûleg tiltott forrását tárják fel az élvezetnek. Bár amikor »hívja a kötelesség«, próbálja »szublimálni a gondolatokat«, eleinte sikerrel […], a múlt nem maradhat rejtve. Ami elfojtott, alkalomadtán visszatér, és végül megjelenik, hogy átvegye az uralmat a hõs fölött.” (1982, 240.)

Cone most egy végsõ kísérletet tesz arra, hogy a zenét ne csupán a zeneszerzõ „érzelmi életével”, a mentális élet belsõ eseményeivel hozza összefüggésbe, hanem azokkal a külsõ történésekkel is, amelyek az életrajzot alkotják. Röviden említi, hogy Schubert szifiliszben szenvedett, valószínûleg 1822-ben fertõzõdött meg, és ez a betegség természetesen abban az idõben gyógyíthatatlan volt. Cone azon elmélkedik, vajon „Schubertben a megbetegedés 13


5/21/2013

4:50 PM

Page 14

Tanulmány

tényének és következményeinek felismerése elõidézi-e, vagy legalábbis fokozza-e az elszigetelõdés érzését, sõt a rettegést, ami attól fogva sok zenedarabjába beszüremlik.” (241.). Az 1824-ben írt Moment musical No. 6. címû darabbal kapcsolatban Cone azon töpreng, hogy az ember vajon valami ahhoz foghatóval találja-e szemben magát, mint a Shakespeare-nél: „Az ég igazságos, mert kéjeinkbõl / Csinál, bennünket ostorozni eszközt.”6 (Cone, uo.).

A „titokzatos ugrásról” lélekbõl mûvészetbe Cone esszéje az alkalmazott zenetudomány példájának tekinthetõ, azaz általában véve a pszichológiára, speciálisan pedig a lelki életre és érintõlegesen a pszichoanalízisre alkalmazott zenetudomány példájaként. És mint ilyen, szemlélhetõ úgy, mint amely komplementer viszonyban áll az alkalmazott pszichoanalízissel, azokban az esetekben, amikor a pszichoanalízist alkalmazzák a zenére. Mindkét erõfeszítés a fogalmi szakadék áthidalására tesz kísérletet. Meg kell jegyeznünk, hogy Cone professzor olyan kifejezéseket használ elemzésében, mint a tudatalatti, a szublimál, és nem csupán az elfojtott, de az elfojtott visszatérése is. Ezen felül megtaláljuk a jelképrendszer futólagos értékelését és a lélektani folyamat leírását, ami magában foglalja a konfliktus hangsúlyos elemét, noha magát a kifejezést nem használja. Hasonlóképpen érinti az ösztönöket és ösztönszármazékokat az impulzus, a fantázia, valamint a vágyott és a tiltott gyönyör formájában. Vajon a zenetudós itt olyan vad analitikussá válik-e, mint akirõl az elõbb beszéltem? Úgy vélem, nem, és a tanulmány fennmaradó részét annak szenteljük, hogy ezt meg is indokoljuk. Az alkalmazott pszichoanalízisben a központi kérdést a módszer jelenti. Összevethetjük ezt Felix Deutsch példájával, aki évekkel ezelõtt a pszichoszomatikus orvoslás terén megalkotott egy kifejezést, amely könyve címéül is szolgált: „A titokzatos ugrásról lélekbõl a testbe” (1959). Akár az alkalmazott pszichoanalízist, akár az alkalmazott mûvészetet nézzük, a tudósok mindkét oldalon szembesültek a titokzatos ugrással lélekbõl a mûvészetbe, jelen esetben a zenébe.

6

Shakespeare: Lear király. V. felvonás, 3. szín. Ford. Vörösmarty Mihály. http://mek.oszk.hu/00400/00489/00489.htm#5 (Eredetiben: „The gods are just, and of our pleasant vices / Make instruments to plague us.” Lásd www.shakespeare.mit.edu/lear/lear.5.3.htm) (a ford.)

14


5/21/2013

4:50 PM

Page 15


Három alapelv az alkalmazott pszichoanalízis számára Nem sok alapelvet állítottak fel – ha egyáltalán van erre példa –, amely a lélek és mûvészet közötti szakadék áthidalásában irányt mutatna vagy legalább kiinduló pontként szolgálna. És kevés szerzõ van az alkalmazott pszichoanalízis területén, aki munkájában kifejezetten a módszerrel foglalkozott. A kivételek közé számít Gilbert Rose (1980) és Francis Baudry (1992), akik kifejezetten mûvészetrõl, illetõleg irodalomról írtak. Mások, mint a közismert Vad Analitikusok, egybõl a kényes témák közepébe vágtak a magyarázatokkal és értelmezésekkel, csakhogy ezt a módszer, valamint a megalapozó feltevések adekvát ismerete nélkül tették. Ez az egyik fõ forrása a mind az ilyen törekvésekkel szembeni jogos kritikának, mind pedig a módszer megbízhatóságára vonatkozó kételynek. Mit tud a pszichoanalízis ehhez a megközelítéshez hozzáadni? Röviden három alapelvet szeretnék fölvázolni a pszichoanalízis vonatkozásában, amelyek a klinikai ülésen kívüli alkalmazásban helytállóak, ha nem lényegbevágóak. Errõl szólva egy kifogással kell élnem kiegészítésként, hogy számoljak mindazzal, amiben a klinikai és az alkalmazott pszichoanalízis szükségszerûen eltér egymástól, de anélkül téve ezt, hogy az alkalmazott pszichoanalízis potenciális magyarázó erejét elhalványítanánk. Természetesen nem lépek fel az általános érvényû megközelítés igényével, hiszen ebben a tárgyban ez pillanatnyilag nem is lehetséges. Csupán a Cone által megkezdett diskurzust szándékozom folytatni egy pszichoanalitikus nézõpontjából. Az elsõ, a túldetermináltság elve, történetileg az egyik legrégebbi és legalapvetõbb fogalom a lelki élet pszichoanalitikus felfogásában (Freud, 1900). A túldetermináltság tárgyalásakor bevonok egy másik, ehhez kapcsolódó fogalmat, ami a klinikai pszichoanalízisbõl jött, ez a többszörös funkció (Waelder, 1930). A másik két alapelv lényegében véve olyan távlatokat jelent, amelyek nem annyira kiindulópontul szolgálnak, hanem a saját munkámból bontakoztak ki, de amelyek mégis Freud néhány korai, az ábrázolás természetérõl szóló írásából származnak (1900, 509-622.). Úgy vélem, mindezek az alapelvek látensen jelen vannak Cone professzor elemzésében, ahol pedig nem, ott legalább a terep elõ van készítve számukra. Elsõ alapelv: túldetermináltság és többszörös funkció Önmagában minden egyes értelmezés leegyszerûsítõ lehet, ha nem illeszkedik egy tágabb értelmezési kontextusba. Ez igaz, akár klinikai anyaggal, akár talmudikus szöveggel, akár mûvészi alkotással foglalkozik valaki. A túldetermináltság elve egyszerûen azt mondja ki, hogy „egy adott jelenség létrejöttében egyszerre több tényezõ játszik szerepet, és egyes tényezõk lényegesebbek 15


5/21/2013

4:50 PM

Page 16

Tanulmány

másoknál” (Eidelberg, 1968). Ez arra mutat rá, hogy minden mentális aktivitás, beleértve a kreatívat is, különféle összetevõk kompromisszumának eredménye. Egy kreatív aktust nem csupán bonyolítanak az azt felépítõ, közrejátszó alkotóelemek, hanem gazdagodik is általuk. Szükségszerûek a jelentés elmélyítéséhez. A pszichoanalízis már régen megértette, hogy ez a mechanizmus „széles körben érvényes, és nem korlátozódik a neurózis területére” (Eidelberg, 1968, 288.). Roy Schafer, pszichoanalitikus kutató leszögezi, hogy a pszichoanalízis nem beszél arról, hogy valami „valójában” mit jelent. „Mert valaminek a »valódi« jelentésérõl beszélni” nemcsak a túldetermináltság elvét venné semmibe, hanem egy másik alapelvet is, a többszörös funkciót. Schafer (1983) azt írja: „Ha valaki további jelentéseket fedez fel, mélyebb, nyugtalanítóbb, archaikusabb vagy burkoltabb jelentéseket annál, mint ami elsõre szemünkbefülünkbe ötlik, az még nem igazolja, hogy az a végsõ igazság, mely a felszín mögött meghúzódik – az a »való« világ…” (8.). Kifejezetten Schubert példájára alkalmazva, ez az alapelv olyan, a zeneszerzõt motiváló tényezõk univerzumát veti föl, amelyek manifeszt szinten pusztán „mûvészi döntéseknek” tûnnek, mint egy egyszerû elõjegyzés vagy egy zenei ötlet megvalósítása – például a problémás feloldott E hangra esõ kompozicionális választásban. Mindenesetre a többszörös motivációk hálójában, amelyek cselekvésre sarkallhatják a zeneszerzõt, döntõ szerepük van olyan tényezõknek, mint az ízlés, a neveltetés és a hagyomány, de ezek általában a mûvészi választás konfliktusmentes elemét alkotják; azaz neurotikus konfliktustól mentesek, bár nem feltétlenül függetlenek más, belsõ kreatív küzdelmektõl. Ami a hagyományt illeti, Cone számol ennek a zenei döntésre gyakorolt hatásával. Ez vitát váltott ki a kétértelmû „elõjegyzési szituáció” technikai és esztétikai jelentõségét illetõen a 18. és 19. század zenéjében (Cone, 1974, 236.). Számomra úgy tûnik, ahol a tradicionális elem van túlsúlyban a mûvészi választásban – vagy csak hagyományos elem van benne –, ott sok elem kumulatív hatásával van dolgunk, amelyben az individuális motivációk nyomai alaposan elhalványodhattak, elmosódhattak, vagy akár ki is törlõdhettek. Egy ilyen irányzat szélsõségessé válásával olyan munkákkal találkozhatunk, amelyek sablonosak, érdektelenek, és minden mélység híján valók. Ezzel szemben a tisztán tradicionális hatás relatív hiányában nem csupán az egyéni pszichológiára találhatunk rá, hanem az újító eredetiségre is. A túldetermináltság magyarázatot ad a többszörös motivációra, beleértve azokat a motivációkat (de korántsem csak ezeket), amik pszichés konfliktusokból erednek. Valójában minden mûvészet, nevéhez méltóan megköveteli ezt a fajta többszörösséget. Például Cone rövid kitérõje az értelmezés világába 16


5/21/2013

4:50 PM

Page 17


egyáltalán nem kérdõjelezi meg Maynard Solomonnak a Schubert karakter- és motivációs mintázatáról szóló, Schubert and the peacocks [Schubert és a pávák] címû mûvében késõbb (1989) és részletesebben kifejtett gondolatainak jelentõségét. Sõt, inkább fölerõsíti azt. (Solomon munkájára késõbb visszatérünk.) Van egy, a túldetermináltsággal összefüggõ és reciprok alapelv, amit Waelder többszörös funkciónak nevez (1930). „Ennek az alapelvnek az értelmében egy feladat megoldására tett minden kísérlet szükségszerûen ugyanakkor törekvés egyben más feladatok megoldására, még ha tökéletlenül is” (145.). A kreatív aktus fogalmára alkalmazva: különféle pszichológiai funkciók követelményei nyerhetnek kielégülést. Waelder ezt a lelki élet mozgatórugóinak (ösztönén, én, felettes-én), a külvilágnak, valamint az ismétlés tudattalan emberi imperatívuszának, az ismétlési kényszernek a követelményeiként fogalmazta meg. Úgy vélem, hogy ebben az elméleti keretben, az értelmezés megfelelõ fenntartásaival még egy mûvészi aktus megspórolása is, mint Schubertnél az „elõjegyzett feloldott E” ötlete, termékenyen közelíthetõ meg. (Itt természetesen az interpretáció alapvetõ különbségére utalok a klinikai és az alkalmazott környezetben.) Ebben az esetben például egy egyszerû elõjegyzés, mint többértelmû és sarkalatos metszéspont, éppen mentális szervezõnek és összerendezõnek tekinthetõ. Így én-funkciót tölthet be a kreativitás szolgálatában, míg a létrejövõ kreatív produktum a cselekvés elõvételezését tartalmazza. Egyidejûleg a többi követelmény is teljesül. Nemcsak a harmonikus „szabályok” pontos betartása, hanem azok feszegetése, átlépése is a felettes-én funkció fennhatósága alatt áll. Az ösztönén pedig elgondolható azoknak a szexuális impulzusoknak a kiváltójaként, amelyek Cone leírásában „furcsa, nyugtalanító elemként”, „engedetlenként” jelennek meg. Azok az impulzusok tehát, amelyek tiltás alá eshetnek és konfliktust válthatnak ki más természetû felettes-ént hívnak elõ, mint egy technikai kérdésfeltevés. Ehhez hasonlóan az ismétlés tendenciája nem csupán a maga technikai megvalósításában szemlélhetõ, hanem talán mélyebben, bármely szimbolizált tudattalan vágy, illetve törekvés vonatkozásában. Továbbá az ismétlésre való hajlam olyan idioszinkratikus stilisztikai gesztusokat eredményezhet, amelyek afféle kreatív ujjlenyomatként, a zeneszerzõre jellemzõként azonosítanak egy zenedarabot. És fordítva, egy zenei invenció, ami ezen ágensek pszichés igényébõl fakad, cserébe kielégíti a szükségleteiket. Így hát reduktív módon arról beszélni, hogy valami mit jelent „valójában”, inkább a pszichoanalízis paródiája, semmint teljes értékû képviselete. A zeneszerzés kreatív aktusát, még egy egyszerû elem kiválasztását is, úgy kell szemlélni, mint sokoldalú pszichés kompromisszumot, amely szükségszerûen tartalmaz tudattalan és tudatos elemeket is. 17


5/21/2013

4:50 PM

Page 18

Tanulmány

Második alapelv: az eltolás végtelen lehetõségei A lelki mûködésben létezik egyfajta változékonyság és rugalmasság, amely a klinikumban úgy ismert, hogy a lelkiállapot minden aspektusa potenciálisan bármely más aspektussal kifejezhetõ. Ennek eredményeképpen egyik dolog könnyedén képviselheti a másikat. A legtisztább ez talán az álomban, de korántsem korlátozódik arra. Másként fogalmazva, a pszichikus képviselõk az eltolás végtelen lehetõségein mehetnek át. Így bármely, a lelki életben azonosítható egyedi elem, amely egy bizonyos formában ábrázolhatóvá válik, felvehet egy másik formát, sõt egy harmadikat, és így tovább a végtelenségig. Tudjuk például, hogy olyan eltérõ lelki megnyilvánulások, mint a tünet, a jellemvonás, a nyelvbotlás, a vicc és az álom alapvetõen összefügghetnek. Ehhez hasonlóan bármi, ami ábrázolható például vizuális álomszimbolikával, alkalmas lehet a hangzó szférájában történõ ábrázolásra is. Ez valóban megtörténik bizonyos álmokban, amelyek eredendõen hangzó jellegûek. Valójában éppen a pszichoanalízisnek ez az elfogultsága a vizuális javára a hangzóval szemben, ez az a lényegi tényezõ, ami a pszichoanalízisnek a zenére való lehetséges alkalmazásait annyira bizonytalanná teszi. Susan McClary cikke, a „Schubert’s sexuality and his music [Schubert szexualitása és zenéje]” (1992) megkísérli összekapcsolni Schubert jellemét és szexualitását a zenéjében megjelenõ szimbolikus ábrázolással. Schubert Befejezetlen szimfóniájáról elmélkedve fölveti: „Míg a szexuális orientációnak nem szükségszerûen kell bármilyen hatást gyakorolnia a kreativitásra, Schubert talán szándékosan tár fel zenéjében alternatív szubjektum- és érzelem-konstrukciókat.” A pszichoanalitikus szemlélet a „szándékosan” mellé természetesen odatenné a „tudattalanul”-t is. Akár teljesen kielégítõnek találjuk a gondolat kifejtettségét, akár nem ebben az erõsen kritizált cikkben, fontos felfigyelni az alapfeltevésre (Rothstein, 1992). Ez pedig az eltolás végtelen lehetõsége az intrapszichés életben, ami megteremti annak lehetõségét, hogy egy ilyen ábrázolás létrejöhessen. Ebben a tekintetben én elfogadom, hogy McClary megközelítésének, még ha nem is következetes, van lélektani hitelessége. Térjünk vissza Cone Schubertjére. Cone a zeneszerzõ lelkében dúló konfliktusra hivatkozik, egy „lelki mintázatra”, mint mondja, ami „a Moment musical zenei struktúrájában ölt testet”. (A kiemelés tõlem származik ugyan, de vegyük észre, hogy mennyire hasonlít McClary feltételezéseihez.) Ha úgy tekintjük, mint „a kicsapongás érzékeny személyiségre gyakorolt hatásának modelljét”, akkor veszélyes és ellenállhatatlan vonzerõre való törekvésekbõl áll, amelyek gyõzedelmeskedhetnek a mesterségbeli tudás és az önkontroll fölött, és a „személyiségen hagyott kitörölhetetlen és fájdalmas nyomokkal” állnak összefüggésben (1974, 24.). Tehát az egyik sugárútnak, amelyen a lelki 18


5/21/2013

4:50 PM

Page 19


élet tartalmának és a szerkezetének eltolása halad, a karakter tûnik. A másik a hangzás területén, a zenei szimbólumban talál ábrázolásra: az elõjegyzett feloldott E hangban kifejezett zenei ötletben. Ha Solomon Schuberttel kapcsolatos különálló megfogalmazásait kellene alátámasztani, pontot tehetnénk a konfliktust végére az eltolás egy megint csak másik útjának, az aktuális szexuális viselkedésnek, valójában a perverziónak az elemzésével. Solomon nem csupán Schubert körének rejtett homoszexualitásáról ír, hanem, még támadóbban a bécsi társadalomról is: „a szexuális kapcsolatok lehetõsége egy férfi és egy ifjú között, a velejáró gyermekmolesztálással és egy tabu sejtetésével a tapasztalat birodalmába tartozik (Solomon, 1989, 203.). Ennek tudatában hadd csatoljuk vissza a végtelen eltolhatóság teljes körének kérdését a zenéhez, ha bárki ugyanattól a zeneszerzõtõl további zenei példákat vizsgálna. Vajon a leírt pszichés tényezõk együttese további és még változatosabb szimbolikus ábrázolásra talál-e Schubert más mûveiben? McClary választása a Befejezetlen szimfóniára esett. Talán egy dal, ami kiegészítõ szöveges asszociációikat nyújtana, újabb kiindulópontul szolgálhat. Az egyik ilyen dal, mely Solomon gondolkodásának fonalát tovább szõhetné, Schubert Ganümédésze.7 Ez átirat Goethének egy gyönyörû trójai ifjúról szóló versébõl, akit Jupiter elragadott és felvitt az Olümposzra, és az istenek pohárnokaként tett halhatatlanná. Goethe költeménye szenvedélyesen zárul: „Az öletekben / fölfelé / ölelten öleltetni / Föl a kebledre / világok szíve, Atyám!”8 (Németül: „In eurem Schosse / Aufwärts! / Umfanged, umfangen! / Aufwärts an deinen Busen / Alliebender Vater!”) Mit tudnánk kezdeni Conenak a Moment Musical-on, illetve McClary-nek a Befejezetlen szimfónián végzett részletes elemzésével?

Harmadik alapelv: végtelen ábrázolhatóság Végezetül a többszörös jelentéseket fogjuk röviden vizsgálni, amiket akár egyetlen kreatív elem is hordozhat. Egy adott szimbólumnak abból az elõnyös helyzetébõl indulunk ki, hogy minden szimbólum alkalmas a végtelen ábrázolásra. (A két további alapelv, a végtelen eltolhatóság és a végtelen ábrázolhatóság tehát egymást kiegészítõ elvek.) Mintegy kompromisszumként: egy zenei ötlet hordozhat effajta párhuzamosan tárgyalt többszörös jelentést. Ezen felül, az idõ folyamán egyes

7 8

Ganymed, D544, Op. 19. (1817) (a ford.) In: Goethe: Versek. Budapest, Európa, 1982. 303. Ford. Szabó Lõrinc. (a ford.)

19


5/21/2013

4:50 PM

Page 20

Tanulmány

jelentések felbukkanhatnak, míg mások elhomályosulnak. Ismét Schubert szolgál két érdekes példával, mindkettõ zenéje közhelyszerûvé válásának irányába mutat. Az a szerencsétlen – noha jó szándékú – igyekezet a múlt nemzedék zenetanárainak részérõl, hogy rávezessék diákjaikat a zene – ebben az esetben Schubert – „megbecsülésére”, oda vezetett, hogy szavakkal kommentálták Schubert Befejezetlen szimfóniájának témáit. („Ez az a szimfónia stb…”) Ez érdekes, de banális példa arra, hogyan bukkanhat fel újabb jelentés, ami sok szerencsétlen tanuló számára korlátokat állít, és megakadályozza, hogy más ábrázolások és jelentések elérhetõvé váljanak számukra. Végül pedig Schubert Asz-dúr Moment musical-jának magának is érdekes, ebbe az irányba mutató utótörténete van. 1916-ban Henrich Berte írt egy operettet Schubertrõl, a Schwammerl [Gomba] címû életrajzi regényre támaszkodva. Ez az operett, a Dreimäderlhaus óriási népszerûségnek örvendett és „minden idõk egyik legsikeresebb színpadi mûvének kell tekinteni” (Hilmar, 1992, 42-43.). A záródal egy panasz, utolsó sorai a mi Moment musical-unk elsõ szakaszából állnak. Szövege a következõ: Nicht klagen, nicht klagen! Was Dir bestimmt musst Du ertragen! Halt Stille, halt stille, es ist des Schiksals Wille. Voruber, voruber, vorbei! (Ne siránkozz, ne siránkozz! / Amit rád kiszabtak, el kell viselned! / Maradj csendes, maradj csendes, ez a sors akarata. / Elmúlt, elmúlt, el!) (Hilmar, 1992, 43.)

Mindennek dacára, ez és minden más zenei szimbólum hordozza a lehetõséget más jelentések létrejöttére – a szakmai jelentések, a történeti jelentések, valamint a személyes és a pszichológiai jelentések végtelen során át. Az értelmezés összetettebbé válik, ha nemcsak a zeneszerzõ és a hallgató, hanem az elõadó közremûködésével is számolunk. Úgy vélem, a lehetõségeknek ez a gazdagsága, amely részben a korábban említett „bonyolult pszichés kompromisszum” eredménye, az, ami megalapozza a mûvészetet. Valójában ez szükséges feltétele. Ez adja meg a lehetõséget az elõadó számára, hogy a mûhöz újra és újra, megújult érdeklõdéssel térjen vissza, és teszi lehetõvé a hallgatónak, hogy a gyakran hallott mûben soha el nem múló varázsra találjon. Takács Mónika fordítása

20


5/21/2013

4:50 PM

Page 21


I RODALOM BAUDRY, F. (1992). Faulkner’s As I Lay: Issues of method in applied psychoanalysis. Psychoanalytic Quarterly, 61(1):65-84. COKER, W. (1972). Music and Meaning. Free Press, New York. CONE, E. T. (1974). The Composer’s Voice. University of California Press, Berkeley & Los Angeles. CONE, E. T. (1982). Schubert’s promissory note: An exercise in musical hermeneutics. 19th Century Music. 5(3): 233-241. DEUTSCH, F. (1959). On the Mysterious Leap from the Mind to Body. A Workshop on the Theory of Conversion. International Universities Press, New York. DUCKLES, V. (1980). Musicology. In: The New Grove Dictionary of Music and Musicians, Vol. 8., Macmillan, London. EIDELBERG, L. (1968). Encyclopedia of Psychoananlysis. Free Press, New York. FEDER, S. (1990). The nostalgia of Charles Yves: An essay on music and affects. In: S. Feder, R. L. Karmel, & G. H. Pollock (Eds.): Psychoanalytic Explorations in Music. First Series (pp. 233-266). International Universities Press, Madison CT. FEDER, S. – KARMEL, R. L. – POLLOCK, G. H. (Eds.) (1990). Psychoanalytic Explorations in Music. First Series. International Universities Press, Madison CT. FREUD, S. (1900). The Interpretation of Dreams. SE 5, Hogarth Press, London, 1953. [Magyarul: Álomfejtés. [Die Traumdeutung]. Ford. Hollós István. Helikon, Bp. 1986] FREUD, S. (1910). „Wild” psychoanalysis. SE 11: 221-227. Hogharth Press, 1957. [Magyarul: A „vad” pszichoanalízisrõl]. Ford. Friedrich Melinda. Thalassa (18) 2007, 1: 101-106. ] HILMAR , E. (1992). Observations on the „Trivialized” Schubert. Symposium „Perspectives on Schubert”. Schubertiade, Tisch Center, 92nd Street Y, New York, January, 25 to February 2. KERMAN, J. (1985). Contemplating Music. Harvard University Press, MA. KIVY P. (1980). The Corded Shell. Reflections on Musical Expression. Princeton, NJ. KNEIF, T. (1985). Hermeneutics. In: The New Grave Dictionary of Music and Musicians, Vol. 8., Macmillan, London. LAGER, S. (1967). On significance in music. In: Mind: An Essay on Human Feeling. Johns Hopkins University Press, Baltimore. MCCLARY, S. (1992). Schubert’s sexuality and his music. Paper presented at Tisch Center for the Arts, 92nd Street Y, Symposium „Schubert the Man–Myth versus Reality”, February. PATER, W. (1873). The Renaissance. „The School of Gorgione.” In: MacGill’s Quotations in Context. Harper, New York, 1969. [Magyarul: A renaissance. Révai, Budapest, 1919. Ford. és bev. Sebestyén Károly]

21


5/21/2013

4:50 PM

Page 22

Tanulmány ROSE, G. (1980). The Power of Form: A Psychoanalytic Approach of Aesthetic Form. International Universities Press, New York. ROTHSTEIN, E. (1992). Was Schubert gay? If he was, so what? Debate turns testy. New York Times, C11. SADIE, S. (szerk.) (1980). The New Grave Dictionary of Music and Musicians, 20 vols. Macmillan, London. SCHAFER, R. (1983). The Analytic Attitude. Basic Books, New York. SOLOMON, M. (1989). Schubert and the peacocks. 19th Century Music, 12(3):193206. TOVEY, D. F. (1935). Essays in Musical Analysis, 6 vols & supplementary vol., Oxford University Press, London. WAELDER, R. (1930). The principle of multiple function. Psychoanalytic Quarterly, 5: 45-62.

E számunk szerzõi Aleksandar Dimitrijevic, pszichoanalitikus, Belgrádi Egyetem Pszichológia Tanszék. E-mail: [email protected] Horgász Csaba, pszichoanalitikus, klinikai szakpszichológus, Zölddióház Pszichoterápiás Rendelõ. E-mail: [email protected] Zipernovszky Kornél, jazzújságíró, szerkesztõ. E-mail: [email protected]

Erõs Ferenc, pszichológus, egyetemi tanár, MTA TTK KPI, PTE Pszichológiai Doktori Iskola. E-mail: [email protected] Borgos Anna, pszichológus, MTA TTK KPI. E-mail: [email protected] Stuart Feder (1930-2005), amerikai pszichiáter, pszichoanalitikus zenetudós. Nathan Roth, amerikai pszichiáter, kiképzõ pszichoanalitikus.

22

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 23

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 23–30

Sigmund Freud idegenkedése a zenétõl: egy epileptológiai eset* Nathan Roth Bár az emberiség történetében kevés embert tanulmányoztak olyan alaposan, mint Freudot, tudomásom szerint senki sem próbálta meg a zenével kapcsolatos ellenérzését megmagyarázni. Jones16 szerint: „A zenétõl való idegenkedés Freud egyik közismert jellemzõ tulajdonsága volt. Jól emlékszünk fájdalmas arckifejezésére, mindahányszor belépett egy étterembe vagy sörkertbe, ahol együttes játszott, milyen hamar befedte fülét tenyerével, hogy útját állja a hangoknak”. Schur31 azt mondja, hogy „Freudról nem lehet azt állítani, hogy zeneszeretõ ember volt.” Ugyanakkor Jones, Schur és mások, amikor megjegyzést tesznek viselkedésének erre a jellegzetességére, nem töprengenek el azon a tényen, hogy mindeközben Freud a világ akkor egyik legfontosabb, ha nem a legfontosabb zenei fõvárosában élt. Az ember úgy olvashat38 Freud kulturális hátterérõl, hogy közben nem találkozik a „zene” szóval. A körülményt, hogy nyilvánvalóan negligálta a körülötte zajló zenei tevékenységet, életrajzírói csendesen tudomásul vették – nem így maga Freud. Bizonyítékok vannak arra, és ezekre alább ki is térünk, hogy Freud nem volt közömbös saját viselkedésének e része iránt, bár, összhangban általános hozzáállásával, nem verte nagydobra. Kezdettõl fogva meghívta Max Grafot, a zenetudóst és híres Kis Hans esetének apját, a szerda esti, otthonában tartott találkozókra. Graf dolga volt „kivizsgálni a híres muzsikusok pszichológiáját, és a zeneszerzés folyamatáét, felhasználni a pszichoanalízist erre a feladatra”.14 Graf szerint „Freud nagy mûvészi érzékenységgel rendelkezett, de legnagyobb sajnálatára eléggé botfülû volt. Gustav Mahlernek a spirituális és személyes energiáit csodálta... Freud az egyik legmûveltebb ember volt, akit valaha ismertem”. Amikor J. J. Putnam be akarta hozni a vallást és a filozófiát a pszichoanalízisbe, Freud2 így írt neki: „Nem érzem szükségét a magasabb morális szintézisnek éppen úgy, ahogy nincs jó zenei hallásom sem.” Freud tökéletesen tisztában volt Bécs nagy muzsikusainak jelentõségével a külvilág számára. Kezelte mind Gustav Mahlert,17, 20, 24, 11 mind Bruno Waltert, aki izomtónus

* Sigmund Freud's dislike of music: a piece of epileptology. Bulletin of the New York Academy of Medicine. 1986 September; 62(7): 759–765. A szokásostól eltérõ számozott jegyzetek a tanulmány végén találhatók. (A szerk.)

23

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 24

Tanulmány

rendellenességtõl szenvedett, és aki megható módon mondja el önéletrajzában41, hogy Freud mentette meg a karrierjét. Freud találkozott Arnold Schönberggel is. „Azt állították, hogy Schönberg és Freud sosem találkoztak. Ez nem igaz. Megszerveztek egy interjút a Schönberg család egy tagjával a húszas években. Amikor vége lett, … Schönberg rokonához fordult és így szólt: »Freud nyilvánvalóan érdekes ember, de nekem mi közöm van mindehhez?«”. 27 Egyszer, a fogyatékossága kapcsán azt az észrevételt tették Freudnak, ennek az oly elegáns és mûvészi embernek, hogy „Jones… csak félszívvel foglalkozott Freudnak a zenei érdeklõdés és ízlés iránti meghökkentõ érzéketlenségével – ami pedig nagyon ritka, ezért elég feltûnõ volt a bécsi középosztály köreiben”.39 Ellenberger szerint8 „Freud nem igazodott minden szempontból a felsõbb réteghez tartozó bécsi típusához. Nem volt gyakori operába és színházba járó…”. Érdekes, hogy nem Freud volt az egyetlen neurológus, akit hidegen hagyott a zene: mind Gordon Holmes, mind Hughlings Jackson hasonló érdektelenséget mutatott3, és Jackson, akárcsak Freud, szintén súlyos migréntõl szenvedett. Freud nemcsak maga kerülte a zenét, hanem azt megtagadta testvéreitõl is. Ez nem kis áldozat a nõvérektõl akkor, amikor fiatal hölgyekkel szemben általános elvárás volt, hogy fejlesszék zenei tehetségüket, és amikor a gépzene technikai fejlõdése még csak a kezdeteknél tartott. A zsarnokság eme megnyilvánulásának az volt a magyarázata, hogy hõsünknek csendre volt szüksége az otthoni tanulmányaihoz. A legtöbben azt hiszik, hogy a család nem tudta volna megengedni magának a zeneoktatás költségeit, bár Ellenberger8 szerint az apa, Jacob Freud igenis vett a családjának egy zongorát, és zeneórákat a gyerekeknek. Jól ismert, hogy Freud tartózkodott a spekulatív vagy vakmerõ vállalkozásoktól, és igyekezett ragaszkodni a hûvös tudományos valósághoz. Erre utal Ehrenwald az újabb hasított agykísérletek fényében, amikor úgy véli, hogy Freud nem engedett szabad folyást a jobb agyféltekei mûködéseinek. „Ugyanakkor ... bõséges bizonyítékaink vannak arra, hogy a szigorúan bal féltekés fegyelem és tudományos tekintély örve alatt eltéveszthetetlenül mûködött a jobb féltekés intuíció, inspiráció és a fantázia.” „Az esszenciálisan jobb féltekés impulzusok kombinációja az uralkodó bal féltekés tevékenységekkel valójában Freud zsenialitását fémjelzik.” „Megadni magát a zeneinek, a vallásosnak, a misztikusnak nyilván túl fenyegetõ lett volna számára.”6 Kanzer szerint19 Freud „csak közvetve engedett elismerést fantáziájának úgy, hogy projiciálta azt írókba és mûvészekbe, akiknek irányában átélte a hasonmás érzését, ... és elhárításokat mûködtetett azzal szemben, hogy elfogadja a kreatív inspiráció felelõsségét ödipális aspektusaikkal együtt.” Másrészt Freud egyáltalán nem volt mentes a mûvészi tehetségtõl. Általában a 24

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 25

Nathan Roth: Sigmund Freud idegenkedése a zenétõl

zeneértés készsége kéz a kézben jár a kiváló nyelvi készségekkel, és Freud valóban ragyogóan használta a nyelvet, bár Monrad-Krohn26 szerint a nyelv dallama „aligha tekinthetõ különösebben zenei kifejezésnek”. Ha meg akarjuk érteni, hogy Freud miért nem szerette a zenét, figyelembe kell vennünk a reflex epilepszia egy meglehetõsen ritka esetét, a muzikogén epilepsziát. Összesen mintegy hatvan ilyen esetrõl készült leírás. Ezek igen különös és specifikus jellemzõket mutatnak. Például a zongorazene tûnik az ilyen rohamok leggyakoribb kiváltó okának, amely néha csak akkor lép fel, ha az áldozat maga játszik a hangszeren. Egyes páciensek csak akkor élik át a görcsöket, ha bizonyos meghatározott zenei mûfajoknak vannak kitéve, mint például a katonai indulók, egyházzene vagy szentimentális zene3, vagy akár templomi harangok28. Ha a zenére lehet számítani, akkor a páciens fel tudja magát készíteni, és ki tudja védeni a hatásokat azzal, hogy megszünteti a zenét, ha lehetséges. Ha nem tudja elkerülni a rohamot, kifejlõdik benne a zenétõl való félelem5. A zenehallgatásnak való kitettség különbözõ rohamokat okozhat, például absence-t, temporális lebeny rohamokat, ájulásos és grand mal rohamokat. Ha a kevésbé súlyos formák jelennek meg a zenére reakcióként, a grand mal rohamok néhány páciensnél késleltetve, nem egy idõben jelentkezhetnek. Így azután, például Stubbe Teglbjaerg esetében37 különbözõ rohamok léptek fel kisebb ájulási érzettõl kezdve több, tipikus grand mal-ig, és az operációja után még mindig voltak muzikogén rohamai és ájulása. Strang páciense36, egy 34 éves férfi grand mal-t és rohamokat élt át, de tudatvesztés és tónusos izomkontrakciók nélkül. A rohamok mind a kis, mind a nagy formájukban csak akkor léptek fel, amikor a páciens maga játszott zongorán. Ezen a ponton eszünkbe kell hogy jussanak Freud ájulásos rohamai. Rosenberg szerint29 Freudnak hat ilyen rohama volt, és õ maga az oftalmoplégiás migrénnel és neurológiai problémáival hozta õket összefüggésbe. Három ezek közül az ájulásos események közül a müncheni Park Hotel éttermében következett be, ahol szinte biztosan hallott zenét. Amennyiben Freud tudatosan vagy tudat alatt tisztában volt ájulásainak és a zenének az összefüggésével, akkor vonakodása attól, hogy koncerteket látogasson, már nem rejtély többé. Nem kétséges, hogy a migrénnek valami köze van az epilepsziához21, és ezt a témát az ájulásos migrénnel összefüggésben tárgyalták32, ami éppen a Freud által felállított öndiagnózis. „A migrénes rohamokat súlyosbíthatja a tudatvesztés. Néhány ilyen páciens esetében az elektroenkefalográfiai minták és az anti-epileptikus kezelések hatékonysága megerõsíti az epilepszia diagnózisát. Másoknál az ájulás mechanizmusa még nem tisztázott” – majd a szerzõk ismertetik elképzelésüket az ájulás eredetére vonatkozóan, amely közvetlenül összefüggésbe hozható témánkkal, Freud személyes tapasztalatával. A muzikogén epilepsziás páciensek sokszor felismerték, hogy bizonyos zenei formákat következmények nélkül hallgathatnak, mert ezek nem fognak 25

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 26

Tanulmány

rohamokat elõidézni. Ez megmagyarázná, hogy életének kései szakaszában miért szerette meg Freud Mozart Don Giovanniját, és miért nézte meg elõadásait. Amikor felfedezte, hogy barátja, Schönberg nem látta még ezt a mûvet, Freud ragaszkodott hozzá, hogy magával vigye17. Ebben az esetben a botfülû Freud annak az embernek az exhibicionista viselkedésére emlékeztet, aki felgyógyult (ha részlegesen is) egy szervi alapon vagy pszichogenetikusan kiváltott gátlás alól. Az ilyen emberek gyakran mutatnak erõs hajlamot, hogy nyilvánosan olyan tevékenységbe kapcsolódjanak bele, amely valamilyen okból korábban tilalmas volt számukra. Még meggyõzõbben lehetne Freud zenei averzióját egy többé-kevésbé látens rohamokat kiváltó rendellenességnek tulajdonítani, ha több bizonyítékunk lenne epilepsziájára, amelyek megerõsítik ezt a diagnózist. Azonban meghalt, mielõtt az elektroenkefalografikus és más vizsgálati módszerek szabadon alkalmazhatók lettek volna. A muzikogén epilepszia diagnózisa sok esetben azért meggyõzõ, mert a pácienseknek grand mal rohamaik is voltak más alkalmakkor is, mint amikor zenét hallottak. Van némi bizonyíték arra, hogy Freud az epilepszia egy másik manifesztációját is mutatta, ami adhat valamennyi megerõsítést az itt kifejtett klinikai véleményre. A reflex epilepszia egy másik formája, amely releváns lehet a mi kontextusunkban, az, amely egy hirtelen mozgásra adott válaszként jelentkezik22, 42, 23. Ezek az esetek a torziós görcshöz hasonló tonikus görcsökkel és vonagló mozgásokkal járnak, általában abból a végtagból elindulva, ahol a hirtelen mozdulat lezajlott. Az ilyen esetekben a tudatvesztés minimális, vagy teljesen hiányzik. Az epilepszia ilyen esetének kapcsolata a muzikogén epilepsziával abban a tényben ragadható meg, hogy a muzikogén epilepszia – azokban az esetekben, amikor a zongorázásra adott reakcióként jelentkezik – csak akkor lép fel, hogyha a páciens maga játszik a hangszeren. „A gyors séta mindig stimulálta Freud gondolkozását, de néha a kísérõje alig kapott levegõt.”7. Freud hajlama a hirtelen és gyors mozgásra jól ismert. Alig néhányan tudtak vele lépést tartani, amikor gyalog felfedezett magának egy várost, ahol még nem járt. Jól ismertek napközbeni nekiiramodásai Bécs városának. De – és ez a legfontosabb – Freud minden kommunikációját kézzel szerette írni, és szenvedett attól, amit írógörcsnek nevezett18. Jones biztosít minket arról, hogy ez nem az írógörcs neurotikus formája, és ezt a megállapítást készségesen el is fogadhatjuk, hiszen ezt az állapotot ma már általában a torziós disztónia manifesztációjának tekintik.34, 30 Freud úgy emlegette ezt, mint az õ „diszgráfiáját”25. Lehet, hogy Freud felismerte magában ugyanazt az izomtónus rendellenességet, amit Bruno Walterben fedezett fel, akit neurotikus foglalkozási görcsök diagnózisával küldtek hozzá. Mivel eredetileg neurológus volt, Freud nem analizálta Waltert, hanem más módon kezelte, és ezáltal megmentette a karrierjét. Így tehát ésszerûnek tûnik, hogy a muzikogén eilepsziával együtt 26

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 27

Nathan Roth: Sigmund Freud idegenkedése a zenétõl

Freudnál kombináltan jelentkezett a hirtelen mozgásra kialakuló reflex epilepszia. Milyen érdekes lenne, ha Freud életében már lehetséges lett volna ezeket a klinikai véleményeket elektroenkefalografikus és elektromiografikus vizsgálatokkal ellenõrizni. Vannak kísérleti bizonyítékok arra vonatkozóan, hogy a mozgás összefügg az audiogén rohamokkal. A patkányok rohamokat élnek át füttyjelre és más hangokra, de ha fizikailag korlátozva vannak és nem engedik õket mozogni, akkor a roham nem következik be a hangra.33 Ez lenne az a faktor, amely a muzikogén epilepsziát olyan színben tüneti fel, mintha az a zongorázásra adott válasz lenne, akkor, amikor a páciens maga játszik a hangszeren?15 A roham csak akkor következik be, ha a mozgásképesség nem korlátozott. Sok megfigyelõ rámutatott már a mozgás élményére mint a zene kardinális jellemzõjére. Sterba35 szerint „a mozgás örömét mint a zenei élmény leglényegét ismerjük fel”. Gardner10 hozzáteszi, hogy „a zene elsõsorban kinesztetikus élmény a fiatal gyermek számára”. Úgy tûnik, hogy Freudnál a mozgásképesség szabad kihasználása összefüggött az ájulásos rohamok megjelenésével és azoknak a zenével való kapcsolatával. Másrészt amikor idõsebb korában Freud mozgása lelassult, el tudta viselni a zene bizonyos formáit. Freud viselkedésének másik jellemzõje, amely fontos lehet az életében a feltehetõ rohamok megjelenésével kapcsolatban, az úgynevezett „hipergráfiával” függ össze. Ezt a jelenséget12 több esetben is leírták mint rohamok megjelenését, különösen híres embereknél.13 Így például Dosztojevszkijnek „lázas írása”, Van Goghnak „skribomániája” és „hipergráfiája” volt. A kérdésrõl, hogy felléphet-e az epilepszia esetében eksztatikus aura, már nagy terjedelemben értekeztek, és manapság a jelenség létezését inkább elismerik – egyes szakemberek megelégedésére. Gastaut hosszan tekintette át a témát13, és arra a következtetésre jutott, hogy valójában az eksztatikus aura nem következik be. Voskuil40 nem kötelezi el magát egyik álláspont mellett sem, de Cirignotta és mtsai1 „képesek voltak poligráfos felvétellel dokumentálni az eksztatikus roham halántéklebenyi eredetét”. A szerzõk megállapítják: „Ez az eset tisztán megmutatja, hogy a temporális lebeny epilepszia olyan rohamokat okozhat, amelyeket szubjektíven »eksztatikus« állapotként élnek át.” Dosztojevszkij40 így írta le saját eksztatikus auráját: „Ti mind egészségesek vagytok, sejtelmetek sincs arról a boldogságról, melyet mi epilepsziások érzünk közvetlenül a roham elõtt.” Ezeket a szempontokat lehet alkalmazni Freuddal kapcsolatban egy másik szokatlan viselkedés esetére, amelyet eddig nem magyaráztak meg. Amikor másodszor ájult el Jung jelenlétében a müncheni Park Hotel éttermében, Jung egy díványra fektette. „Elsõ szavai nagyon különösen hangzottak: »Milyen édes lehet meghalni«”.44 Lehetett ez egy eksztatikus aura bizonyítéka, amit Freud éppen átélt? A muzikogén epilepszia fókusza leggyakrabban valamelyik halánték lebenyben található. A részleges komplex rohamoknál a temporális lebeny 27

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 28

Tanulmány

epilepszia esetén sokszor találkozunk déjà vu élménnyel. A déjà vu gyakran fordul elõ mindenféle embernél, és nem feltétlenül van patologikus jelentõsége. Ugyanakkor az a tény, hogy Freud9 maga leírta a valóságvesztés élményét, egy olyan jelenségét, amely szoros rokonságban áll a déjà vu-vel, ennek a dolgozatnak az állításait némi megerõsítéshez juttatja. Freud azért írta meg „A tudományos pszichológia tervezetét”, hogy megpróbálja megtalálni a pszichológiai folyamatok és események neurológiai értelmét. Talán elérkezett az idõ ahhoz, hogy lehetségessé válik egy „Tudományos karakterológia tervezet” összeállítása. A jelen esszé arra vonatkozó próbálkozás, hogy neurológiai fogalmakkal próbálja meg leírni Freud jellemzõ viselkedésének feltûnõ és hosszasan fennmaradó vonását. Zipernovszky Kornél fordítása JEGYZETEK 1. Cirignotta, F. Todesco, C. V. and Lugaresi, E.: Temporal lobe epilepsy with ecstatic seizures (so-called Dostoevsky epilepsy). Epilepsia, 21:705-710, 1980. 2. Clark, R. W.: Freud. The Man and the Cause. New York, Random House, 1980, 304. 3. Critchley, M.: The Divine Banquet of the Brain. New York, Raven, 1979, 234. 4. Critchley, M.: Musicogenic epilepsy. Brain, 60:13-27, 1937. 5. Critchley, M.: személyes közlés. 6. Ehrenwald, J.: Anatomy of Genius. New York, Human Sciences Press, 1984, 7380. 7. Eitingon, M.: In: Alexander, F., Eisenstein, S. and Grotjahn, M. (eds.): Psychoanalytic Pioneers. New York and London, Basic Books, 1966, 52. 8. Ellenberger, H. F.: The Discovery of the Unconscious. New York, Basic Books, 1970, 465. 9. Freud, S.: Levél Romain Rolland-hoz. Emlékezetzavar az Akropoliszon. Ford. Schulcz Katalin. In: Sigmund Freud: Válogatás az életmûbõl. (Vál., elõszó, ismertetõ szöveg, jegyzetek, bibliográfiai összeáll. Erõs Ferenc). Európa, Budapest, 2003, 721-265. 10. Gardner, H.: The Arts and Human Development. New York, Wiley, 1973, 190. 11. Gartenberg, E.: Mahler. The Man and His Music. New York, Schirmer, 1978, 173174. 12. Gastaut, H.: New comments on the Bull. N. epilepsy of Fyodor Dostoevsky. Epilepsia, 25:408-441, 1984.

28

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 29

Nathan Roth: Sigmund Freud idegenkedése a zenétõl 13. Gastaut, H.: Fyodor Mikhailovitch Dostoevsky’s involuntary contribution to the symptomatology and prognosis of epilepsy. Epilepsia,19:186-201, 1978. 14. Graf, M.: Reminiscences of Professor Sigmund Freud. Psychoanal. Quart. 11:465476, 1942. 15. Herskowitz, J, Rosman, N. P. and Geschwind, N.: Seizures induced by singing and recitation. A unique form of reflex epilepsy in childhood. Arch. Neurol. 41:11021103, 1984. 16. Jones, E.: Sigmund Freud élete és munkássága. Bp., Európa, 1983. Rövidített kiadás. Ford.: Félix Pál. 42. 17. Jones, 356-357. 18. Jones, 158. 19. Kanzer, M.: Freud and his literary doubles. Am. Imago, 33:231-243, 1976. 20. Kuehn, J. L.: Encounter at Leyden: Gustav Mahler consults Sigmund Freud. Psychoanal. Rev. 52:1965. 5-25. 21. Laplante, P., Saint-Hilaire, J. M. and Bouvier, G.: Headache as an epileptic manifestation. Neurology, 33:1493-1495, 1983. 22. Lishman, W.A., Symonds, C. P., Whitty, C. W. M. and Willison, R. G.: Seizures induced by movement. Brain, 85:93-108, 1962. 23. Lishman, W. A.: Organic Psychiatry. Oxford, Blackwell, 1978, 301. 24. Mahler, A.: Gustav Mahler. Memories and Letters. Ed. University of Washington Press, 1975, 175.

Mitchell, D.. Seattle,

25. Masson, J. M.: The Complete Letters of Sigmund Freud to Wilhelm Fliess 18871904. Cambridge, MA and London, Belknap, 1985, 48. 26. Monrad-Krohn, G. H.: Dysprosody or altered „melody of language.” Brain, 70:405-415, 1947. 27. Peyser, J.: The New Music. New York, Delacorte, 1971, 60. 28. Poskanzer, D. C., Brown, A. E. and Miller, H.: Musicogenic epilepsy caused only by a discrete frequency band of church bells. Brain, 85:77-92, 1962. 29. Rosenberg, S.: Why Freud Fainted. Indianapolis, New York, Bobbs-Merrill, 1978, 213. 30. Roth, N.: Torsion dystonia, conversion hysteria, and occupational cramps. Comprehens. Psychiat. 21:292-301, 1980. 31. Schur, M.: Freud: Living and Dying. New York, Int. Universities Press, 1972, 103. 32. Sicuteri, F., Boccuni, M., Fanciullaci, M. et al.: A New Nonvascular Interpretation of Syncopal Migraine. In: Critchley, M. et al. (eds.): Advances in Neurology, vol. 33. New York, Raven, 1982, 199-208. 33. Shaw, D. and Hill, D.: A case of musicogenic epilepsy. J. Neurol. Neurosurg. Psychiat., 10:107-117, 1947.

29

03-Roth-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 30

Tanulmány 34. Sheehy, M. P. and Marsden, C. D.: Writer’s cramp-a focal dystonia. Brain, 105:461-480, 1982. 35. Sterba, R.: Toward the problem of the musical process. Psychoanal. Rev. 33:37-43, 1946. 36. Strang, R. R.: A case of musical epilepsy. J. Irish Med. Ass. 59:85-86, 1966. 37. Stubbe Teglbjaerg, H.F.: On musicogenic epilepsy. Acta Psychiat. Neurol. Scand., 24:679-688, 1949. 38. Trosman, H.: Freud’s cultural background. Annual of Psychoanalysis, vol. I. New York, Quandrangle, 1973, 318-335. 39. Veszy-Wagner, L.: Ernest Jones (1879-1958). Freud’s biography. In: Alexander, F., Eisenstein S. and Grotjahn, M. (eds.): Psychoanalytic Pioneers. New York and London, Basic Books, 1966, 123-124. 40. Kovalevszka, Sz. Szonja Kovalevszka élete és naplója. Ford.: H. Songárdy Gábor [Weisz Elza]. Budapest: Otthon nyomda, é.n. [1922]. Idézi: Voskuil, P. H. A.: The epilepsy of Fyodor Mikhailovich Dostoevsky (1821-1881). Epilepsia, 24:658-667, 1983. 41. Walter, B.: Téma Variációkkal. Emlékezések és gondolatok. Ford.: Gál Zsuzsa. Bp., Zenemûkiadó, 1966. 42. Waxman, S. G., Geschwind, N.: Hypergraphia in temporal lobe epilepsy. Neurology, 24:629-636, 1974. 43. Whitty, C. W. M., Lishman, W. A. and Fitz Gibbon, J. P.: Seizures induced by movement: A form of reflex epilepsy. Lancet, 27:1403-1406, 1964. 44. Jones, E.: Sigmund Freud élete és munkássága. Bp., Európa, 1983. Rövidített kiadás. Ford.: Félix Pál. 271.

30

04-Dimitrijevic-(P).qxd

5/21/2013

4:50 PM

Page 31

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 31–42

A szelfpszichológia születése a zene szellemébõl1 Aleksandar Dimitrijević Helytállónak tûnik az a megállapítás, hogy a pszichoanalízis alkalmazott területei közül mindig is a pszichoanalízis és zene kapcsolata fejlõdött legkevésbé. Olyannyira, hogy Peter Rudnytsky tanulmányában – amely a témában született kevés írás egyike –, árva mûfajként határozta meg a pszichoanalitikus zeneértelmezést (2007, 1.). Valóban, a pszichoanalitikusok évtizedeken keresztül írtak és beszéltek a filmrõl, Shakespeare-rõl, Sylvia Plath-ról vagy a vizuális mûvészetekrõl könyvekben, folyóiratokban és konferenciákon. Viszont Stuart Feder nélkül a pszichoanalízis és zene dialógusa nem kezdõdött volna el. Feder az orvostudomány és pszichoanalízis oktatása mellett zenei mesterképzést alapított a Harvardon, továbbá két kötetet is szerkesztett a pszichoanalízis és zene kapcsolatáról (Feder, Karmel és Pollock, 1990; 1992), melyek a legjelentõsebb referenciák a témában. Ezen kívül további két könyvet írt az amerikai zeneszerzõ Charles Ives (1992; 1999) és egy életrajzot Gustav Mahler életérõl (2004). Úgy gondolom, ezek az írások kiválóan illusztrálják a terület jelenlegi helyzetét, melyrõl nem tudok én sem többet, mint ami az elmúlt években megjelent maréknyi könyvbõl megtudható (Knoblauch, 2000; Nagel, 2012; Rose, 2004; Sapen, 2012; Schwartz, 1997). Esszémben két kérdésre keresek választ: elsõként arra, hogy miért és hogyan lett a zene pszichoanalízise árva; és másodszor, hogy a zene befogadásának pszichológiája miként inspirálta a pszichoanalitikus gondolkodás új iskolájának születését.

1. A zenével kapcsolatos kreatív pszichoanalitikus tanulmányok hiányának alapvetõ okain elmélkedve Martin Nass (1981, 165.) úgy véli, a probléma inkább a tartalommal, mintsem a stílussal vagy formával kapcsolatos: ez a terület zenei szakértelmet is kíván, amivel nem sok pszichoanalitikus rendelkezik. Ehhez fontos lehet ismernünk a körülmények történetét is, ami a pszi1 A tanulmányt az Oktatási és Tudományos Minisztérium támogatta, Szerb Köztársaság, Project No. 179018. Korábbi változata elhangzott a 24. Nemzetközi Irodalom és Pszichológia Konferencián, Belgrád, 2007. július 4-7. [A cím utalás Friedrich Nietzsche „A tragédia születése a zene szellemébõl” címû tanulmányára. (A szerk.)]

31


5/21/2013

4:50 PM

Page 32

Tanulmány

choanalízisen belül ilyen fejlõdéshez vezetett. Így juthatunk arra a következtetésre, hogy a zene pszichoanalízise kétszeresen is árva: a híres és manapság vitatott metafora szerint a pszichoanalízisnek csak apja volt, és azt is tudjuk, hogy ez az apa hírhedten mellõzte a zenét. Freud egész életében érdeklõdött a mûvészetek iránt. Mûveiben sorozatosan idézte Goethét, Shakespeare-t, Homéroszt és másokat; számos tanulmánya született a klasszikus mûvészetrõl, és ne felejtsük Oidipusz nevét sem, amire a legtöbben asszociálunk írásai kapcsán. Freud mûvészi szenvedélye azonban fõként az irodalomra és a plasztikus mûvészetekre korlátozódott, az antikvitásra és a klasszikusokra. Azt is tudjuk róla, hogy saját korának mûvészete iránt kevésbé volt érdeklõdõ, a zenéhez pedig egyáltalán nem volt érzéke.2 A zene iránti ellenséges attitûd gyökere a gyermekkorban keresendõ: a gyermek Freud nem bírta elviselni húga zongorajátékát, és addig harcolt anyjával, míg az megszüntette a házban zenét; késõbb pedig saját gyerekeinek sem engedte, hogy zenét tanuljanak (Breger, 2000, 32-33.). Martha „lemondott az operaelõadások élvezetérõl, hogy otthon lehessen a vacsoránál, amit Freud mindig ugyanabban az idõben kívánt asztalon látni” (Reik, 1956, 181.). Freud nem szívesen ment olyan étterembe, ahol élõ zene szólt, és soha nem ment koncertre sem. Állítólag öt alkalommal volt operában, de kedvenceit – Don Giovanni, Figaro házassága, A varázsfuvola, Carmen és A nürnbergi mesterdalnokok – inkább a dráma, a cselekmény, a szavak miatt szerette, és nem a zene vagy az ének miatt (Breger, ibid.; Gay, 1988, 168-169.). Az érdeklõdés eme hiánya – különösen a zene iránt – már korai írásaiban is tetten érhetõ. Az Álomfejtésben egyenesen büszke zenei süketségére3 (Freud, 1900). 57 évesen Michelangelo Mózesében, már termékeny és híres szerzõként névtelenül beismeri, hogy a mûvészeti írásokban „próbálván a magam módján megragadni õket, azaz érteni akartam, hogy miben áll a hatásuk. Ott, ahol ezt nem tehetem, például a zene esetében, csaknem képtelen vagyok élvezni a mûvet. Racionális vagy talán analitikus hajlamom berzenkedik ellene, hogy valaminek a hatása alá kerüljek, és közben ne tudjam, hogy mi hat rám, mi az, ami elragad” ([1914] 2001, 209.). Valószínûleg ez a racionális és analitikus attitûd áll annak a hátterében, amire Romaine Rolland is utal késõbb: „a misztikum elõl éppúgy elzárkózott, mint a zene elõl” (E. L. Freud, 1961, 388-389.). Nyomát sem találta önmagában az óceáni érzésnek: amely „határtalan, korlát nélküli” ([1930] 1992, 5.)

2 Freud attitûdjét saját korának mûvészetéhez Berger foglalta össze (2000, 32-33., 127; Gay, 1988, 165-169.; Schorske, 1981, 244.) Zenei attitûdjét pedig Cheshire dolgozta fel (1996; Feder, 1998). 3 Max Graf írja, hogy „Freud nagyszerû mûvészi érzékkel rendelkezett, ehhez tartozik az a sajnálatos dolog, hogy egyáltalán nem volt muzikális” (1942, 473-474.), viszont e feletti sajnálkozásról egyik Freud-mûben sem olvashatunk.

32


5/21/2013

4:50 PM

Page 33

Aleksandar Dimitrijević: A szelfpszichológia születése a zene szellemébõl

De miért is érdekes ez számunkra? Freud egyszerûen csak egy a sok nem muzikális ember közül, miért fontos mégis épp az õ muzikalitásának hiánya? Úgy vélem, Freud attitûdje a zene iránt – különösen saját korának zenéje iránt – kitûnõ rálátást nyújt arra a korlátozottságra, mely megjelenik egyrészt a pszichoanalitikus elmélet felépítésében és átdolgozásában, másrészt saját gyengeségében a páciensekkel való munka áttételi és viszontáttételi vonatkozásait illetõen. Freud pszichoanalitikus gondolkodásának kezdetén, a Tanulmányok a hisztériáról címû munkában az áttétel mint akadály jelenik meg. Freud úgy gondolta, küzdenie kell az áttétellel, és ebben a küzdelemben olyan magabiztosnak érezte magát, hogy egyszer azt írta Marthának, vele soha nem történhet meg, hogy szerelembe essen egy páciensével az analízis során, mert »ahhoz Breuernek kellene lennie« (id. Etchegoyen, 1991, 78.). Mégis az áttétellel kapcsolatos elképzelések hatására javasolt tartózkodó, semleges analitikusi magatartást, és úgy gondolta, az analitikusnak áthatolhatatlanná kell válnia a páciensekkel szemben – csupán tükörként kell mûködnie (Freud, (1912, 118). Egy másik jól ismert metafora a pszichoanalitikus kapcsolatot a sebészeti beavatkozáshoz hasonlítja, mellyel tulajdonképpen tagadja a páciens és analitikus közötti érzelmi kötelék és kölcsönösség szükségét (Rudnytsky, 2002, 93.). Ez még meglepõbb a viszontáttétellel kapcsolatban, Freud 1910-ben írt tanulmányát követõen soha nem tért vissza ehhez a témához, és soha nem dolgozta ki ténylegesen a viszontáttétel elméletét. Paradox módon Freud egy hallgatáson alapuló módszert hozott létre – vagy ahogy Julie J. Nagel (2012) nevezte, hallási utat a tudattalanhoz –, mégis kitért a hallgatás más módjai elõl, és azt javasolta, hogy úgy kell foglalkozni az emberek érzelmi és tudattalan életével, hogy abban csak minimálisan legyen benne az analitikus saját tudattalanja.4 Freud hatalmas erõfeszítést tett azért, hogy kialakítson magáról egy olyan képet, miszerint õ érinthetetlen, megtörhetetlen és karizmatikus személyiség páciensei és tanítványai elõtt. A nagyon korai idõszakban az áttételt és viszontáttételt szinte kizárólag apai jellemzõként fogta fel (lásd Etchegoyen, 1991, 83, 261.). Ferenczi kritizálta is Freudot, amiért az áttételnek csak az apai oldalát hangsúlyozta, és ezt írta Freudról: „mégsem tudtam elõtte egészen megnyílni; túl sok volt benne a »félénk tiszteletbõl«, túl nagy volt nekem, túl sok volt belõle az apából.” (Ferenczi és Groddeck, 2010,

4 Különbözõ forrásokból nyilvánvaló számunkra, hogy Freud sohasem foglalkozott úgy pácienseivel, ahogy azt más analitikusoknak javasolta, különösen a Jung–Spielrein affér után. Például Smiley Blanton (1971) naplójában azt olvashatjuk, hogy Freud megvitatta vele a politikát, néhány alkalommal Mrs. Blantonnal is találkozott, és a leghevesebb támogató, Looney elképzelésében ringatta magát, miszerint Shakespeare életmûvének hû írója Oxford grófja.

33


5/21/2013

4:50 PM

Page 34

Tanulmány

136.). Két idézet is bizonyítja, hogy Freud tudatában volt ennek. Az egyik egy Georg Groddecknek 1922-ben írt levelébõl származik, amelyben méltatlankodva írja neki, hogy „Ön az én személyemet az anyai sorba helyezi – ahová én nyilvánvalóan nem illek bele…” (Groddeck és Freud, 1985, 78). A másik H. D. visszaemlékezése Freud egy ülésen tett megjegyzésére: „Nem szeretek anya lenni az áttételben. Ez mindig meglep és sokkol is egy kicsit. Annyira maszkulinnak érzem magam” (Rudnytsky, 2002, 156, 22j.). A maszkulin érzéshez való merev ragaszkodás lehet az oka annak is, hogy Freud nem tudta átadni magát az óceáni érzésnek. A Rossz közérzet a kultúrában címû tanulmányában Freud úgy magyarázta ezt a jelenséget, mint az anyával való újraegyesülés iránti vágyat. Önanalízisében figyelmen kívül hagyta saját anyjával és nevelõjével való korai zaklatott kapcsolatát (Sprengnether, 2003, 277.), Freud tudattalan félelmet érezhetett olyan élményekkel szemben, melyek a kölcsönösséggel, egyesüléssel és elnyeletéssel asszociálódnak. Mindkét korábban tárgyalt élmény – ihletet kapni a zenétõl, és belemenni egy anyai áttételbe – elviselhetetlen korai szorongásokat idézhetett fel benne. Mindezek egyik következménye lehetett annak nehézsége, hogy nem tudta elengedni az ösztönmodellt, és elfogadni a kapcsolati pszichoanalízis korai lépéseit, melyek Ferenczi és más olyan korai követõk nevéhez köthetõk, akik késõbb szakítottak Freuddal. A kölcsönösség elfogadásának hiánya késztethette õt a zene elkerülésére is, így viszont elveszítette annak a lehetõségét, hogy megismerkedjen a kortárs pszichoanalitikus szelf-koncepciók zenei gyökereivel.

2. Fontos aláhúznunk, hogy a cikk elsõ felében felsorolt érvek többnyire metaforikusak. Amellett érveltem, hogy feltûnõ hasonlóság van Freud zenei attitûdje (vagy inkább a feminin pszichológia és a személyiség integráció iránti attitûdje) és áttétel-elmélete között: ha az egyikrõl többet megtudunk, a másikhoz is közelebb kerülhetünk. Másfelõl a magyarázó jellegû érvelések könnyen személyeskedésbe fordulhatnak, és hiányérzetet hagyhatnak bennünk: azt állítottam, hogy Freud fent említett attitûdjei (a zenével, nõiséggel, integrációval és áttétellel szemben) mind a személyiségének sötét, soha nem analizált oldalából erednek, melyek egyben hosszú távú hatást gyakoroltak generációk pszichoanalitikusainak munkájára. A cikk második felének mondanivalója ennél sokkal nagyratörõbb: nemcsak azt mutatom meg, hogy Heinz Kohut zenei attitûdje és szelfpszichológiája összhangban van egymással, hanem azt is, hogy a zene pszichoanalitikus megközelítése elõrevetítette és befolyásolta a klinikai és fejlõdéselméletek kialakulását. Ritka dialektikus fordulat volt, amikor az alkalmazott pszichoanalitikus fogal-

34


5/21/2013

4:50 PM

Page 35


makat alkalmazták újra az analitikus helyzetre, és az ennek eredményeként létrejött szintézis megváltoztatta az amerikai pszichoanalízis történetét.5 Kezdjük azzal, hogy Kohut személyes zenei attitûdje teljesen különbözik Freudétól. A zene Kohut egyik legnagyobb szenvedélye volt. Ez részben az apával való azonosulásának köszönhetõ, akinek nagy álma volt, hogy koncertzongorista legyen, Kohut sokat járt koncertekre és opera elõadásokra egészen gyerekkorától kezdve. Kamaszként egy koncert után követte Wilhelm Furtwänglert egy étterembe, és beszélgetést kezdeményezett a híres karmesterrel, egy másik alkalommal pedig beosont egy Toscanini-próbára (Strozier, 2004).6 Bécsi gyermekkora és késõbb egész világnézete Schönberg, Sztravinszkij, Bartók, és mindközül a leginkább Alban Berg zenéjétõl visszhangzott. Zene iránti rajongása felnõtt korában sem csillapodott. Amikor az Egyesült Államokba emigrált, úgy döntött, Chicagóba megy, mert ott élt barátja, Sigmund Levarie zenész, akivel késõbb közösen írtak tanulmányt a zene pszichoanalitikus megközelítésérõl. A következõ három és fél évtizedben rendszeresen járt koncertekre, és szokásává vált, hogy esténként egy órán keresztül zenét hallgatott (Strozier, 2004, 243.). A zene nagyon személyes, emocionális élményeket keltett benne. A Charles Stroziernek (Kohut, 1985a, 243.) adott interjúban Kohut bevallotta, hogy kedvenc mûvei gyakran csalnak könnyeket a szemébe (ebben az esetben Alban Berg Lyric Suite címû mûvére utalt).7 Kohut ezen kívül mélyen értette és ismerte a zenét. Úgy ismerték, mint aki órákig képes a zenérõl beszélgetni (Strozier, 2004, 45.), fiatal korában pedig egy librettót is írt egyik barátjának, aki történetesen Alban Berg tanítványa volt. Kohut tudományos nyelvezetének stílusa is zenei: tele kis változtatásokkal tarkított ismétlésekkel, improvizációkkal, ötleteit szinte több szólamban jelenítette meg: 5 Dr. Paul H. Ornstein (2008, 574-575.), Kohut legközelebbi munkatársainak egyike, hasonló szerepet tulajdonít a szelfpszichológia fejlõdésében Kohut Thomas Mann „Halál Velencében” címû novelláról írt tanulmányának. Ornstein több más forrást is tárgyal, melyek Kohutot inspirálták, de ezúttal nem említi a zenét, amit korábban már fontos tényezõként emelt ki Kohut összegyûjtött esszéihez fûzött bevezetésében (Ornstein, 1978). 6 Kohut így kereste meg Bruno Waltert is, mialatt a „Halál Velencében”-rõl szóló tanulmányon dolgozott, és azt vizsgálta, milyen hatást gyakorolt Gustav Aschenbach Gustav Mahlerre. Walter válaszolt Kohut levelére, de sajnos arról kellett informálnia, hogy Mann és Mahler sohasem találkoztak (Kohut, 1994, 69.). Ez azonban téves információ volt, ugyanis Mahler koncertmestere, Klaus Pringsheim, Mann sógora volt, aki több alkalommal is szállást adott Mahlernek Münchenben, és itt Mann is jelen volt. Ami még fontosabb, hogy Mannra mély benyomást tett Mahler Nyolcadik szimfóniájának premierje Münchenben 1910. szeptember 12-én, melyet Mann (Winston, 1981, 267-268.) és Mahler (De la Grange, 2008, 1008-1010.; Feder, 2004, 248250.) életrajzírói, ill. a Kohut-levelezések szerkesztõje (1994, 69, 1j.) egyaránt alátámasztanak. 7 Freud egyetlenegyszer sírt felnõttkorában, mégpedig akkor, amikor Annát elvitte a Gestapo. Gyakran festik õt le úgy, mint aki ritkán nevetett, és idõskorára teljesen elveszítette humorérzékét (lásd például Blanton, 1971, 114j; Ferenczi és Groddeck, 2002, 37.).

35


5/21/2013

4:50 PM

Page 36

Tanulmány

„[…] akár egy wagneri nyitány vezérmotívuma. Körüljárja a tárgyat, ismétli a témát, de mindig új módon, megfordítva”. (Strozier, 2004, 18.; az eredeti ötletet John Gedo adta Stroziernek.) Fontos kiemelnünk, hogy Kohut két, a zene és pszichoanalízis kapcsolatáról szóló tanulmánnyal kezdte szerzõi pályafutását (Kohut, 1957b; Kohut & Levarie, 1950), ez is bizonyítja a téma iránti elkötelezettségét.8 Egyik legkorábbi írása „A zenehallgatás élvezetérõl” címet kapta9. Az „élvezet” kifejezés ebben az esetben félrevezetõ lehet: a tanulmány ugyanis nem a drive-okról, nárcizmusról vagy szublimációról szól. A zene filozófiai megközelítésének áttekintésével nyit, Platóntól Hanslickig, és ismerteti a zene területén tett csekély számú pszichoanalitikus kísérletet. Kohut és Levarie az ego-pszichológia kortárs elméleti keretét alkalmazták, de még ennél is tovább mentek. Gilbert Rose (2004, 92.) összefoglalója szerint Kohut és Levarie már ekkor úgy kezelte a zenét, mint „külsõ tükröt az elme idõbeli, érzelmi és affektív mûködéseinek”. Véleményük szerint a zene ereje nemcsak a drive-ok és érzékek energiájának felszabadulásából ered, hanem abból is, hogy „a zene és a zenét hallgató személy érzelmileg eggyé válik […]. Abban a pillanatban az elragadtatott zenehallgató nem különül el élesen a külvilágtól, úgy érzékeli a zenét, mintha önmagából érkezne, mintha egy lenne a zenével, hiszen a zene azokat az érzelmeket jeleníti meg, amelyeket a személy érez.” (157.) A folytatásban Freud „óceáni érzését” idézzük, ezúttal nem negatív felhanggal, hanem a zenetörténet talán legfontosabb mondatával párosítva – Seid umschlungen, Millionen!10 A zenei élményt a következõképpen definiálhatjuk: „a zenehallgató egyesül a zenével, és kiterjeszti identitását, miközben belép a hangok primitív és nonverbális világába” (158.). A fejlõdéslélektan és a csecsemõkutatások bevonásával, Kohut és Levarie még egy új dimenziót nyitottak a téma tárgyalásában. Úgy vélik, a zenét élvezõ személy „egy primitív énállapotba regrediál, ami a zene eksztatikus élvezetét teszi lehetõvé” (Kohut & Levarie, 1950, 157-158.). Kohut második zenei tanulmánya – „Megfigyelések a zene pszichológiai funkcióiról” – a zene pszichoanalitikus megközelítésérõl szóló korábbi tanulmányok klinikai alkalmazási lehetõségeit tárgyalja. Az írás legfontosabb gondolata – legalábbis érvelésem szempontjából – az, hogy „a zene sajátos helye a szelf és a külvilág közötti térben található” (238.), és épp ez az a szelf és mások közötti tér,

8 Karrierje kezdetén Kohut három recenziót is írt a pszichoanalízis és zene kapcsolatával foglalkozó könyvekrõl (1952; 1955a, b). 9 Kohut írása Thomas Mann „Halál Velencében” címû novellájáról a zenei tanulmányok elõtt született, szakdolgozatként írta a Chicagói Pszichoanalitikus Intézetben, de csak 1957ben publikálták, két évvel Mann halála után. 10 „Seid umschlungen, Millionen”: „Milliók, ti kart a karba!”, Schiller Örömódájának részlete, mely Beethoven 9. szimfóniájának nevezetes 4. tételét alkotja. (A szerk.)

36


5/21/2013

4:50 PM

Page 37


aminek megértésére Kohut éveket szán.11 Kohut fõ törekvése ebben a tanulmányban, „hogy ismereteinket a pszichopatológiák különbözõ formáira alkalmazzuk azzal a végsõ céllal, hogy kitágítsuk tudásunkat a zenei aktivitás különbözõ személyiségtípusokra gyakorolt hatásáról” (1957b, 244.). Kohut „a zene katartikus szerepérõl beszél, mely elfojtott tartalmakkal van kapcsolatban” (236.), és azt is álltja, hogy a „zenehallgatás segít fenntartani a felszíni szociális alkalmazkodást azáltal, hogy olyan helyzetet biztosít a pszichotikus páciensek számára, hogy el tudnak lazulni pszichózisukban anélkül, hogy színlelést erõltetnének magukra” (252.). Még egy lépéssel tovább ment, amikor technikai tanácsot adott a pszichoanalitikus terapeutáknak, miszerint figyelniük kell „a páciens beszédének hangjaira, arra a zenére, ami a jelentésteli szavak mögött hallható” (243.), a páciensnek pedig „meg kell tanulnia meghallani az értelmezés tartalmát is, nem csupán elmerülni az analitikus hangja általi megnyugvásban” (247.). Fontosnak tartom megjegyezni, hogy az elmélet kialakulásának ebben a korai szakaszában összekapcsolta egyrészt a zene nyújtotta élményt az óceáni érzéssel, másrészt pedig a klinikai ismereteket a következõ általános összefüggéssel: „azok a terápiás formák, amelyek a páciens strukturált személyiségével dolgoznak, közvetetten segíteni tudnak azáltal, ha kialakítanak egy olyan megnyugtató légkört, melyben a közelség dominál. A verbális kapcsolat tartalma (például a magyarázatok) önmagában nem hatékony” (245.). Úgy gondolom, még e két zenei tanulmány rövid áttekintésébõl is láthatjuk, hogy Kohuthoz közel állnak az alkalmazott, fejlõdési és klinikai elméletek. A két tárgyalt cikk azért is különösen fontos, mert reflektálnak Kohut zenérõl és empátiáról szóló koncepciójának párhuzamos fejlõdésére, kölcsönös egymásra hatására. Ez a két elmélet meghatározó tényezõje a pszichoanalízisnek – ezek fejlõdése, jelenléte vagy épp hiánya, páciensekre és gyerekekre alkalmazása formálta a szelfpszichológia lényegét. Az American Imago 2007/1. számában, melyet teljes egészében a zene pszichoanalitikus megközelítésének szenteltek, Warren Poland arra emlékeztet: „az empátia elnevezés eredete a mûvészi alkotások által közvetített érzelmek befogadása […], a szótár szerint a szó eredete az esztétikában »egy tárgyhoz kötõdõ érzés tulajdonsága, saját érzéseink átvitele egy tárgyra, mint pl. egy festmény«” (2007, 88.). Ezzel teljes összhangban, Kohut négy empátiáról szóló tanulmánya közül az elsõ 1957-ben született, és két évvel késõbb jelent meg, így valószínûnek tûnik, hogy az empátiáról és zenérõl szóló cikkek egy idõben íródtak, egymással kölcsönhatásban (Ornstein, 1978, 20.). Ettõl eltekintve is nyilvánvaló, hogy 11 Sajnos lehetetlen kideríteni, hogy Kohut ismerte-e Winnicott elméletét az átmeneti térrõl. Talán jogos lenne azt mondani, hogy „Kohut eme hozzájárulása tekinthetõ a winnicotti elmélet kiterjesztésének ” (Model, 1985, 98.; lásd még Bacal, 1989), sosem fogjuk biztosan tudni, hogy olvasta-e Kohut Winnicottot 1957 tájékán.

37


5/21/2013

4:50 PM

Page 38

Tanulmány

Kohut korai tanulmányai ugyanazt a témát járták körül: a pszichoanalitikus módszert (Ornstein, 1978, 5.). Paul Ornstein, a négykötetes összegyûjtött Kohuttanulmányok szerkesztõje azt állítja, hogy „[a zenérõl szóló tanulmányban] lényeges, hogy a zenével kapcsolatos következtetések az introspekció használatához és az (empatikus) megfigyeléshez vezették õt el, melyek megmagyarázzák a zenei aktivitásról született sokféle adatot” (Ornstein, 1978, 16.). A Kohut és Levarie által kidolgozott elmélet a konstruktivista módszertan pszichoanalízisben való alkalmazásának hosszú és olykor fájdalmas folyamatát indította el. Ez különösen Kohut számára volt fájdalmas, hiszen olyan hevesen kritizálták elméletének korai változatáért, hogy két évtizeden keresztül, egészen legutolsó nyilvános elõadásáig folyamatosan visszatért ezekhez (Kohut, 1981a, 1981b). A The Journal of the American Psychoanalytic Association elõször elutasította a tanulmány közlését (Ornstein, 2008, 571-572.), és Kohut, sértve mindettõl, a következõ hét évben szinte semmit sem publikált. Az egész azzal a kérdéssel kezdõdött – Gilbert Rose (2004, 47.) szavaival élve –, hogy „a zene hogyan idézi elõ azt, hogy a befogadó résztvevõvé váljon”. Sullivani visszhanggal, ugyanez az állítás jelenik meg az empátiával kapcsolatban is. „A megfigyelés és elmélet kapcsolatának vizsgálata” címû tanulmány újradefiniálja a pszichoanalitikus technika magját: Kohut felismerte, hogy az analitikus nem válhat befogadóvá, ha nem válik résztvevõvé. Ellentétben a csillagászokkal, a pszichoanalitikusok folyamatosan hatást gyakorolnak „megfigyelésük tárgyára”, ahogy a tárgy is hatással van a megfigyelõre. Az anonimitásról, neutralitásról és tartózkodó magatartásról szóló énpszichológiai ideál nemcsak lehetetlen, de valószínûleg ártalmas is. Kohut munkássága alatt folyamatosan ezt az attitûdöt hangsúlyozta: „a pszichoanalízis lényege abban rejlik, hogy a tudományos megfigyelõ empátiásan és mélyen megmerítkezik a megfigyeltben” ([1977] 2007, 190.), vagy „a megfigyelõ ágens mindig a megfigyelt ágens része is egyben” (1984, 36.). Kohut húsz éven keresztül ismételgette, hogy az empátia a pszichoanalízis meghatározója (1959, 209; 1984, 174), de abból is nyilvánvalónak tûnik, hogy tisztában volt az empátia fontosságával, hogy megkísérelt a zenei élményrõl gondolkodni, az õ számára pedig a zene és az empátia analógiás kapcsolatban állnak egymással. Több arra utaló jel is van, hogy Kohut legfontosabb elméleteinek eredete korai zenérõl szóló tanulmányaiban keresendõ, és a zenei aktivitás pszichoökonómiai szerepérõl szóló elmélet tekinthetõ a nárcisztikus személyiségzavar elmélet elõfutárának. Például a zenével való összeolvadás meglepõen hasonló a nárcisztikus áttételhez, melyben a páciens nem tudja elkülöníteni saját szelfjét az analitikus szelfjétõl. Kohut elmélete a nárcisztikus áttételrõl magában foglalja azt a megállapítást is, hogy az analitikusnak képesnek kell lennie az empátiára és annak gyakorlásának élvezetére anélkül, hogy a fúziótól való félelem megjelenne. ([1971] 2001, 240.). Ennek oka, hogy a „a páciens az analitikusát a grandiózus

38


5/21/2013

4:50 PM

Page 39


szelf kiterjesztéseként éli meg” ([1971] 2001, 98.) vagy más szavakkal, „a páciens kiterjesztett grandiózus szelfje az analitikusról alkotott reprezentációt saját részeként kezdi megélni” ([1971] 2001, 221.). Továbbá a zene „sajátos pozíciója a szelf és a külsõ világ közötti térben van”, ami késõbb a szelftárgyak helye lesz – ez Kohut elméletének központi eleme –, a nárcizmussal megszállt tárgyaké, melyek a szelf és a libidinális tárgyak világának határán helyezkednek el. Kohut kidolgozta a nárcisztikus páciensek szelfjének széttöredezésérõl és a dezintegrációs szorongásról szóló elméletét ([1971], 2001), melyet olyan jelentõsnek tartott, hogy a szelfpszichológia négy alapelmélete közé sorolt (Kohut, 1979),12 s amelyre második zenei tanulmányában utal elõször az „egofunkciók széteséseként” (1957b, 239.). Az analitikusi tevékenységgel kapcsolatban Greenberg és Mitchell a mára klasszikussá vált Tárgykapcsolatok a pszichoanalitikus elméletben címû könyvükben (1983, 366.) írják: „Kohut nagyban hozzájárult annak felismeréséhez, hogy a tartalmon túl milyen fontos az értelmezések módja, elbeszélése és idõzítése”. És valóban, Kohut többször emlékeztette a klinikusokat arra, hogy ragaszkodjanak a tapasztalathoz az értelmezés mellett, és közvetítsenek megértést, mielõtt egy következõ szintre lépnek, és magyarázatot kínálnak; ezzel együtt, ahogy azt már korábban is említettük, az analízis kommunikációját zeneileg érzékeny füllel kezdte hallgatni. Mondhatjuk, hogy a kortárs pszichoanalitikus technika – mely inkább kapcsolati, mint értelmezõ – analóg Kohut gondolataival a zeneélvezetrõl, mely „olyan adottság, amely képes a hangok világával való konfrontálódásra a verbalizáció igénye és a vizuális képzelet logikája nélkül” (Kohut & Levarie, 1950, 146.).

* Áttekintve Heinz Kohut írásait, fontos szerepet tulajdonított a „mûvészetek elõrevetítõ funkciójának” (lásd Kohut 1977, 285-290.; 1978a, 253.; 1978b, 330.). Elmélete szerint, melyet sajnos soha nem dolgozott ki tökéletesen, a mûvészet elõrevetíti egy korszak pszichológiai állapotának változását. Vagyis azok a jelenségek, melyeket a kutatók felismernek, leírnak és megmagyaráznak, évtizedekkel korábban megjelentek a mûvészeknél, akik intuitív módon értették meg õket. Ezt az elképzelést a dinamikus pszichológiára vetítve, a ma már széles körben ismert elmélet a dezintegrációs szorongásról és a fragmentációtól való félelemrõl korábban is megjelent már „a diszharmóniák hangszerelõin keresztül” ([1977] 2007, 181.). 12 „A bátorságról” szóló, mindmáig alulértékelt írásában Kohut egyenesen azt írja, hogy mindenkinek vannak „ellentétes szelfjei” (1985b, 135.), melyek magukban foglalják „a harcot a fölényért, egyik blokkolja a másikat, kompromisszumokat kötnek egymással, és egyszerre cselekszenek inkonzisztensen egymással szemben” (162.).

39


5/21/2013

4:50 PM

Page 40

Tanulmány

Egy dolog biztosnak tûnik: ezek a mûvészek megelõlegezték Kohut szelfpszichológiájának megszületését és Kohut zenérõl való gondolkodását, zene iránti elkötelezõdését, mely instrumentális segítséget nyújt a klinikai gondolkodásban, és egy új pszichoanalitikus iskolát hoz létre. A bécsi századvég zenei avantgárdja mély hatással volt Kohut elméletformáló éveire, ez tekinthetõ intellektuális karrierje egyik alapkövének. Amikor Kohutban megjelent az igény a terápiás technika megújítására és a nárcisztikus szelf-elméletek átformálására, az elmélet implicit módon már jelen volt. Páciensei nagyszerû dolgokat tanítottak neki. Személyes érzékenysége és kreativitása kulcsfontosságú tényezõk voltak. De legalább ennyire fontosak voltak a Hofoper, a Musikverein, a Chicago Symphony Centre magával ragadó órái… Kovács Petra fordítása

I RODALOM BACAL, H. (1989). Winnicott and self psychology. Remarkable reflections. In: D. W. Detrick & S. P. Detrick (eds.), Self Psychology. Comparisons and Contrasts (259271). Hillsdale, NJ: The Analytic Press. BLANTON, S. (1971). Diary of My Analysis with Sigmund Freud. New York: Hawthorn Books, Inc. BREGER, L. (2000). Freud. Darkness in the Midst of Vision. John Wiley & Sons, Inc. CHESHIRE, N. M. (1996). The empire of the ear: Freud’s problem with music. International Journal of Psychoanalysis, 77:1127-68. DE LA GRANGE, H.-L. (2008). Gustav Mahler. A New Life Cut Short (1907-1911). Oxford: Oxford University Press. ETCHEGOYEN, R. H. (1991). The Fundamentals of Psychoanalytic Technique. London – New York: Karnac Books. FEDER, S. (1992). Charles Ives: “My Father’s Song” – A Psychoanalytic Biography. New Haven: Yale Universities Press. FEDER, S. (1999). The Life of Charles Ives. Cambridge: Cambridge Universities Press. FEDER, S. (2004). Gustav Mahler. A Life in Crisis. New Haven and London: Yale University Press. FEDER, S. (1998). Freud and music. In: M. Kelly (ed.), The Encyclopedia of Aesthetics, Oxford University Press. FEDER, S., KARMEL, R. L., & POLLOCK, G. H. (eds.) (1990). Psychoanalytic Explorations in Music [First Series]. Madison CT: International Universities Press. FEDER, S., KARMEL, R. L., & POLLOCK, G. H. (eds.) (1992). Psychoanalytic Explorations in Music – Second Series. Madison CT: International Universities Press. FERENCZI SÁNDOR (2010). Levelezése Ernest Jonesszal és Georg Groddeckkal. Szerk. Erõs F., Kovács A., Székács J. Ford. Bottka Petrik és Dobos Elvira. Budapest: Thalassa Alapítvány, Imágó Egyesület. FREUD, E. L. (ed.) (1961). Letters of Sigmund Freud. New York: Dover Publications, Inc.

40


5/21/2013

4:50 PM

Page 41

Aleksandar Dimitrijević: A szelfpszichológia születése a zene szellemébõl FREUD, S. (1900). Álomfejtés. Budapest: Helikon Kiadó, 1997. FREUD, S. (1910). The future prospects of psycho-analytic therapy. S.E., 11:139-152. FREUD, S. (1912). Recommendations to physicians practising psycho-analysis. S.E., 12:109-120. FREUD, S. [1914] (1987). Michelangelo Mózese. In: Sigmund Freud mûvei IX. Budapest: Filum, 207-241. FREUD, S. [1930] (1992). Rossz közérzet a kultúrában. Budapest: Kossuth Könyvkiadó. GAY, P. (1988). Freud. A Life for Our Time. London & Melbourne: J. M. Dent & Sons, LTD. GRAF, M. (1942). Reminiscences of Professor Sigmund Freud. Psychoanalytic Quarterly, 11: 465-476. GREENBERG, J. R. & MITCHELL, S. A. (1983). Object Relations in Psychoanalytic Theory. Cambridge, MA & London: Harvard University Press. GRODDECK, G. & FREUD, S. (1985). Briefwechsel. Wiesbaden und München: Limes Verlag. KNOBLAUCH, S. H. (2000). The musical edge of therapeutic dialogue. Hillsdale, NJ: The Analytic Press. KOHUT, H. (1952). Psychanalyse de la Musique (1951) by Andre Michel. In: Ornstein, Paul H. (ed.), 1978, 167-170. KOHUT, H. (1955a). The Haunting Melody. Psychoanalytic Experiences in Life and Music (1953) by Theodor Reik. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.) 1978, 187-190. KOHUT, H. (1955b). Beethoven and His Nephew: A Psychoanalytic Study of Their Relationship (1954) by Editha and Richard Sterba. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1978, 191-193. KOHUT, H. (1957a). Death in Venice by Thomas Mann: A Story about the Disintegration of Artistic Sublimation. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1978, 107-130. KOHUT, H. (1957b). Observations on the psychological functions of music. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1978, 233-253. KOHUT, H. [1971] (2001). A szelf analízise. Budapest: Animula. KOHUT, H. [1977] (2007). A szelf helyreállítása. Budapest: Animula. KOHUT, H. (1978a). Self psychology and the sciences of Man. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1991, 235-260. KOHUT, H. (1978b). Reflections on Advances in Self Psychology. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1991, 261-358. KOHUT, H. (1979). Four basic concepts in self psychology. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1991, 447-470. KOHUT, H. (1981a). On empathy. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1991, 525-535. KOHUT, H. (1981b). Introspection, empathy, and the semicircle of mental health. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1991, 537-567. KOHUT, H. (1985a). Self Psychology and the Humanities. Reflections on a New Psychoanalytic Approach. Edited with an introduction by Charles B. Strozier. New York, London: W. W. Norton & Co. KOHUT, H. (1985b). On courage. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1991, 129-181. KOHUT, H. (1994). The Curve of Life. Correspondence of Heinz Kohut 1923-1981. Chicago, London: The University of Chicago Press.

41


5/21/2013

4:50 PM

Page 42

Tanulmány KOHUT, H. & LEVARIE, S. (1950). On the enjoyment of listening to music. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1991, 135-158. MODEL, A. (1985). Object relations theory. In: A. Rothstein (ed.): Models of the Mind (85100). New York: International Universities Press. NAGEL, J. J. (2012). Melodies of the Mind: Connections Between Psychoanalysis and Music. New York: Routledge. NASS, M. L. (1981). From transformed scream, through mourning, to the building of psychic structure. Annual of Psychoanalysis, 17:159-81. ORNSTEIN, P. H. (1978). The evolution of Heinz Kohut’s psychoanalytic psychology of the self. In: ORNSTEIN, PAUL H. (ed.), 1978, 1-106. ORNSTEIN, P. H. (2008). Multiple narratives of the origins of self psychology: Reminiscences and reflections. American Imago, 65(4): 567-584. ORNSTEIN, PAUL H. (ed.) (1978). The Search for the Self. Selected Writings of Heinz Kohut, 1950-1978, Vol. 1 and Vol. 2. International Universities Press, 1978 [Reprinted, London: Karnac, 2011]. ORNSTEIN, PAUL H. (ed.) (1991). The Search for the Self. Selected Writings of Heinz Kohut, 1978-1981, Vol. 3 and Vol. -4. International Universities Press, 1978 [Reprinted, London: Karnac, 2011]. POLAND, W. S. (2007). Limits of Empathy. American Imago, 64(1): 87-93. REIK, T. (1956). The Search Within. The Inner Experiences of a Psychoanalyst. New York: Farrar, Straus and Cudahy. ROSE, G. J. (2004). Between couch and piano: Psychoanalysis, music, art and neuroscience. New York, London: Routledge. RUDNYTSKY, P. L. (2002). Reading Psychoanalysis. Freud, Rank, Ferenczi, Groddeck. Ithaca & London: Cornell University Press. RUDNYTSKY, P. L. (2007). Preface. American Imago, 64(1): 1-7. SAPEN, D. (2012). Freud’s Lost Chord: Discovering Jazz in the Resonant Psyche. Harris Meltzer Trust. SCHORSKE, C. E. (1998). Bécsi századvég. Budapest: Helikon. SCHWARZ, D. (1997). Listening subjects: Music, psychoanalysis, culture. Duke University Press Books. SPRENGNETHER, M. (2003). Mouth to Mouth: Freud, Irma, and the Dream of Psychoanalysis. American Imago, 60(3): 259-284. STROZIER, C. (2004). Heinz Kohut. The Making of a Psychoanalyst. New York: Other Press. WINSTON, R. (1981). Thomas Mann. The Making of an Artist, 1875-1911. New York: Peter Bedrick Books

42

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 43

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 43–66

MÛHELY A zene pszichoanalízise Reflexiók Mosonyi Dezsõ elfeledett pszichoanalitikus zenelélektanára, Bartók fiatalkori mûveinek elemzésével illusztrálva

Horgász Csaba A pszichoanalízis könyvtárnyi irodalommal, számos releváns elmélettel gazdagította a kreativitásról, a kreatív személyiségrõl, a befogadás lélektanáról és a pszichológiai mûértelmezésrõl szerzett tudásunkat. A zene mint mûvészeti ág azonban mindmáig nehezen megközelíthetõ terület maradt a pszichoanalitikus kutatás számára. Ahogyan erre Mosonyi is utal könyvében, Freud közismerten idegenkedett a zenétõl: „Freud maga írta nekem, hogy a zene neki idegen, érthetetlen és hozzáférhetetlen” (Mosonyi, 1934, 5.). De nem csupán Freud útmutatásának hiánya az oka, hogy a pszichoanalitikusok alig tudnak mit kezdeni a zenével. A zene az a mûvészeti ág, amelyben a formának szinte kizárólagos jelentõsége van: a jelentés magukba a zenei struktúrákba ágyazódik. Ahhoz hogy megértsük, mit is jelent a zene, magukat a zenei struktúrákat, tehát a formát kell pszichoanalízisnek alávetnünk, és ezen a téren a pszichoanalízisnek alig vannak hagyományai. Pszichoanalitikusként arra kell választ találnunk, milyen transzformációkon mennek keresztül a lélektani motívumok (bizonyos érzelmek, fantáziák, gondolatok), melynek végeredményeként a pszichodinamikai folyamatok zenei eseményekben, zenei struktúrákban reprezentálódnak.

Mosonyi pszichoanalitikus zenepszichológiája Mosonyi Dezsõ A zene lélektana új utakon címû, 1934-ben megjelent könyvében éppen ezt a célt tûzte maga elé. Kísérlete a zene formaalkotó alapelemeinek (ritmus, dallam, összhang és a zeneelméleti formatan értelmében vett zenei formák) a pszichoanalízis fogalomrendszerében való értelmezésére irányult. Rendhagyó témaválasztása dolgozatát mindmáig úttörõ jelentõségû, izgalmas vállalkozássá teszi. Mosonyi zeneelmélete Freud ösztönelméletének és libidóteóriájának meghatározó befolyása alatt áll. A freudi modellt a zenére alkalmazva, gazdag példaanyagot felmutatva érvel amellett, hogy a zene – az álomhoz és a neurotikus szimptómákhoz hasonlóan – a kielégülésre törekvõ tudattalan ösztönimpulzusok (az örömelv) és a szociális gátlás (valóságelv) kompromisszumképzõd-

43

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 44

Mûhely

ménye. A gondolat kifejtése során Mosonyi a freudi elméletben megbúvó, rejtett biológiai koncepciót (vö. Sulloway, 1979) aknázza ki következetes logikával. Bár a pszichoanalízis, története során, szellemtudományként aratott elsöprõ sikert, a freudi metapszichológia ökonómiai szemléletében rejlõ egyensúlyelmélet, az élettanban és az idegtudományokban felfelé ívelõ karriert befutó „homeosztázis” fogalmának (Balogh, 1989) való megfeleltethetõsége révén, máig megõrizte relevanciáját. A neurobiológia, a zeneelmélet és a pszichoanalízis fejleményeinek együttes, interdiszciplináris figyelembe vétele ma már talán közelebb visz bennünket a nehéz kérdés megválaszolásához: mit jelent a zene? Gondolatmenetem kifejtése során elõször a zenét igyekszem – speciális céljainknak megfelelõen – meghatározni. Ezt követõen kísérletet teszek a zene két lényegi aspektusának neurobiológiai magyarázatára, s ennek fényében bemutatom Mosonyi Dezsõ zeneelméletének lényegi pontjait. Végül a pszichoanalízis tárgykapcsolat-elméleti paradigmájában követem nyomon a zenei jelentés alakulásának szervezõdési szintjeit: nevezetesen, hogy a belsõ tárgykapcsolatok milyen lépéseken keresztül manifesztálódnak zenei struktúrákban.

Mi a zene? A zene jelenségvilágában rejlõ törvényszerûségeket (rendszert és logikát) a zeneelmélet saját fogalomrendszerével írja le. Ahhoz, hogy a zenét lélektani szempontból is megragadhassuk, olyan „alsóbb szintû” leírására van szükségünk, melynek segítségével speciális céljaink számára is hozzáférhetõvé válik. Ezt az „alsóbb szintû” leírást a zenei jelenségek biológiai és kognitív pszichológiai újrafogalmazásával valósíthatjuk meg. A zenetudós szerzõpáros, Maróthy és Batári (1986) a zene meghatározásakor egyetlen olyan alapelvet találtak, amely a zenét zenévé teszi, ez pedig a ritmus. A zene valamennyi jellemzõje, paramétere ritmikusan szervezett: például a zenei hangot periodikussága, azaz, a hangkeltõ test szabályos ritmusú rezgése különböztetik meg a zörejtõl. Továbbá, ha egyetlen hang már önmagában ritmikus, akkor több zenei hang egyidejû és egymás utáni hangzása, tehát az összhang, a dallam és a többszólamúság is ritmikusan szervezett. A zenei formaszerkezet lényegét szintén a periodikusság adja. Az egymástól elkülöníthetõ formai egységeket, melyek többször is visszatérhetnek módosult vagy változatlan formában, a zeneteoretikusok betûkkel jelölik, és ezzel a zenei eseménysor idõbeli lefutásának periodikus természetét érzékeltetik. A ritmizálás legfontosabb eszköze a hangerõ periodikus változtatása, azaz a hangsúlyozás. A ritmust a hangsúlyos és hangsúlytalanabb megnyilvánulások periodikus ismétlõdései hozzák létre. Ha elfogadjuk, hogy a „zene = ritmus”,

44

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 45

Horgász Csaba: A zene pszichoanalízise

ezzel „alsóbb szintû” leírásunk számára nagy heurisztikus értékkel bíró nézõponthoz jutunk. Ugyanis a ritmus az az érdekes jelenség, amely egyszerre felel a) a zenei formaalkotásért, és b) az emóciók közvetítéséért. A zene egymástól elválaszthatatlan kognitív és emotív aspektusának közös gyökerét és szervezõelvét a ritmusban ragadhatjuk meg. Maróthy és Batári rámutat, hogy a ritmus valójában szemléletünk része – s ezzel a zenei jelenséget az emberi psziché mûködésének perspektívájába helyezi. A ritmusképzés lényege, hogy a világ folytonosságot nélkülözõ, elkülönült jelenségeit egységes folyamatba rendezi, és ezáltal a különnemû jelenségek között szemléleti folytonosságot hoz létre. „Ritmizáló szemléletünk” lényege, hogy képes a jelenségek periodikus visszatéréseinek idõbeli mintázatát megragadni, felismerni, és a jelenségekrõl „leválasztani”, azoktól elvonatkoztatni. Az elvonatkoztatás eredménye a jelenségek ismétlõdéseinek ritmikai sémája, amelyet a zenei ritmus esetén szemléletünk egy közös vonatkoztatási rendszerhez, a zenemû metrumához vagy lüktetéséhez viszonyít. A ritmus tehát egy periodikus folyamat absztrakciója. A szemlélet ritmizáló hajlama vagy képessége a jelenségek ismétlõdéseinek bármely szintjén megjelenhet, így a kisebb ritmusképletek nagyobbakba ágyazódhatnak, melyek még átfogóbb szuperstruktúrák részét alkothatják. Így jutunk el egy egyszerû ritmusképlettõl a „nagy” zenei formákig. A formatan éppen ezeknek a nagyobb zenei egységeknek (szuperstruktúráknak) a közös szerkezeti sajátosságait, tipikus periodicitásait absztrahálja és sûríti képletekbe. Maróthy és Batári gondolatmenetét a pszichológia nyelvén újrafogalmazva arra a megállapításra juthatunk, hogy a kognitív mûködés bizonyos aspektusait ritmizáló hajlam vagy szemlélet jellemzi, amely a zenei eseményeket kognitív sémákba, illetve séma-hierarchiákba rendezi, vagy másként, a zene kognitív sémák hierarchikus szervezõdése. A szerzõpáros rámutat, hogy a ritmus egy másik nézõpontból is megközelíthetõ: eszerint a ritmus a „feltöltõdés-kisülés” periodikusan ismétlõdõ pulzációja. A legegyszerûbb és legáltalánosabb ritmikai minta a hosszú, hangsúlytalan, folyamatos feltöltõdés, melyet rövid, hangsúlyos, robbanásszerû kisülés követ: „hó-rukk!”. Ez a kétütemû alapséma, írják, a zenében kimeríthetetlen változatossággal fordul elõ. A ritmikai rendszerek, hierarchikusan felépített struktúráik minden szintjén, ezekbõl a feltöltõdés-kisülés alapsejtekbõl építkeznek (44-45). A szerzõk arra is rámutatnak, hogy ugyanez érvényes a zene dallami aspektusaira is: a hangrendszer szintén a feszültség-oldódás alapsejtjeibõl építkezik, és a ritmikai rendszerekhez hasonló módon írható le. A frekvencia emeléséhez több energiára, fokozott erõfeszítésre van szükség, a feszültség szintje magasabb, a lefelé irányuló hanglépések ennek megfelelõen a feszültség oldódását jelentik. A hangrendszerekben zajló feszültség-oldódás viszonyokat a felhang-

45

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 46

Mûhely

rendszerbõl1 következõ elv érvényre jutása tovább bonyolítja: mivel az erõsebb felhangok fizikailag közelebb állnak az alaphanghoz, mint a távolabbiak, az oktáv (azaz a legerõsebb felhang) elõállításához kevesebb energiára van szükség, mint például a szomszédos szekund2 elõállításához (amely a felhangrendszerben nagyon távoli felhang). A feszültség megállapításánál tehát nem csupán a hangmagasságot, hanem a felhangviszonyokat is figyelembe kell venni. A hangrendszerek továbbá maguk is hierarchikusan szervezettek, a ritmikus rendezettség formái. Az adott hangrendszer hangkészletéhez tartozó hangok (illetve harmóniák) az egymással való kapcsolataik tekintetében speciális funkcióval rendelkeznek, és alapvetõen két csoportra oszthatók. A pillérszerû hangok „megállapodottak”, a megnyugvás hordozói, míg a pillérek közötti átmenõ hangok feszültséget keltenek, feloldást, azaz egy pillérszerû hangra való továbbvezetést igényelnek. A feszültségnek és az oldódásnak ez a szakadatlan kétfázisú pulzálása adja a „hangrendszer-ritmust” (Javorszkijtól kölcsönzött fogalom), és ez az alapja a dallam és az összhang legbonyolultabb mozgásainak is (Maróthy, Batári, 114). Anélkül, hogy a zeneelméleti analízis további részleteibe gabalyodnánk, itt csak utalok rá, hogy nemcsak a hang és a hangrendszer, a ritmus és a ritmikai rendszer, hanem a többszólamúság és a zenei forma, tehát a zenei összfolyamat egésze is ugyanezen az elven építkezik, ami könnyen belátható, hiszen ez utóbbi rendszerek az elõbbiekbõl épülnek fel. A zenei struktúrák belsõ reprezentációjának vizsgálata a kognitív pszichológiában már régóta polgárjogot nyert, önálló kutatási területté vált (Sloboda, 1985). A kognitív pszichológia zenével kapcsolatos kiindulópontja, hogy bár a zene elsõsorban az érzelmekre hat, ahhoz hogy emocionálisan reagálhassunk rá, elõször meg kell értenünk. Ezt pedig az észlelést és a kognitív funkciókat szervezõ belsõ reprezentációk vagy kognitív sémák teszik lehetõvé. Az emocionális hatás a zenei struktúrák elválaszthatatlan része, a struktúrában rejlõ elem. Struktúra és affektus ugyanannak az éremnek a két oldala, egyik sincs a másik nélkül. Az érzelmi hullámzás hozza létre a struktúrát, mint ahogyan a struktúra az, amely mintegy „megköti”, kognitív szerkezetekbe kódolja az affektust.

1 Felhangok: „Egy zenei hanggal egy idõben megszólaló, de külön nem hallható hangok egész sora… Azon a fizikai jelenségen alapul, hogy valamely rezgõ test (például húr) nemcsak a maga egészében, hanem egyes részeiben (felében, harmadában, negyedében stb.) is rezeg…” (Böhm, 1961, 84.) 2 Szekund (mint hangköz): az egyenletesen temperált (az oktávot 12 egyenlõ félhangra felosztó) hangrendszerben a hangsor két szomszédos hangja közötti távolság (kis szekund=1 félhang távolság, nagy szekund=2 félhang távolság, stb.).

46

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 47


Mindezek alapján, fenti zeneelméleti fejtegetéseinket pszichológiai nézõpontból a következõképpen összegezhetjük. A zene legalapvetõbb szervezõelve, a ritmus, pszichológiai nézõpontból két alapvetõ lelki mûködést jelenít meg: a) a kognitív mûködés sémás szervezõdését és b) a szervezetben zajló feszültségoldódás pulzációt. A szervezet mûködésének eme két aspektusa csak didaktikus szempontból választható ketté, egyik sincs a másik nélkül, ugyanannak a jelenségnek két nézõpontból való megragadásáról van szó. A sémaképzés a kognitív mûködés alapvetõ jellegzetessége, így a ritmikai rendszerek közvetítésével gondolkodásunk struktúrái, sémarendszerei manifesztálódnak a zenében. A feszültség-oldódás pulzáció pedig, mint látni fogjuk, az izommûködés kétértékû, feszülés-oldódás jelenségének, illetve ezzel összefüggõen az õsibb, érzelmekért felelõs kéreg alatti agyi struktúrák mûködésének megnyilvánulása. Minthogy a zenei sémák éppen ezekbõl a feszültség-oldódás alapsejtekbõl építkeznek, a motoros, emocionális aspektus a zene immanens tulajdonsága. A zene „alsóbb szinten” úgy határozható meg, mint a feszültség-oldódás pulzáló alapsejtjeibõl szervezõdõ kognitív sémák hierarchikus rendszere.

Az értelem és érzelem neurobiológiája Grastyán (1983) bemutatja, hogyan fonódik össze elválaszthatatlanul az idegrendszeri mûködés emotív és kognitív aspektusa. Álláspontja szerint az alapvetõ emocionális folyamatok a motivációban szerepet játszó regulációs mechanizmusokkal állnak szoros összefüggésben. Grastyán összefoglaló megállapítása szerint a negatív emóció, mechanizmusát tekintve, a megközelítõ tendencia gátlásával egyértékmû jelenség, míg a pozitív emóció a gátlás alóli felszabadulás következménye: „a negatív emóció nem egy homogén neuronális mechanizmus, hanem egy izgalmi és gátlási folyamat egyidejû fennállásának eredõ funkciója. Pszichológiai értelemben ez az állapot tulajdonképpen feszültségnek felel meg, s hogy ezt szó szerint vehetjük, azt világosan bizonyítják az ingerlést kísérõ utóhatások. Az ingerlés megszakításának pillanatában ugyanis, robbanásszerûen az a mûködés jelenik meg utóhatásként, amely az ingerlés alatt fokozatosan gátlást szenvedett. E felszabadult, rövid tartamú, de nagy intenzitású, neurofiziológiailag ’rebound’-nak nevezett válasz viszont a magatartási és elektromos jelek alapján pozitív emocionális állapotnak felel meg” (206). A zenéhez visszatérve, kézenfekvõ analógiák ötlenek szemünkbe. A zene lényegi szervezõelvét a ritmusban ragadtuk meg. A ritmus pedig a feszültségoldódás alaplüktetés periodikus váltakozásaként határozható meg, amely a zenét dinamizálja vagy „motiválja”. Ha elfogadjuk Grastyán emóció elméletét, akkor ezt a dinamizmust úgy értelmezhetjük, hogy a feszültség vagy feltöltõdés a gátló tendenciák érvényre jutásának kifejezõdése, az oldódás vagy kisülés pedig a gátlás alóli felszabadulás megnyilvánulása. Nyilvánvaló, hogy az

47

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 48

Mûhely

érzelmek a zenében sem fejezõdhetnek ki másként, mint a gátlás és a gátlás alóli felszabadulás változatos, fázikus vagy tónusos, ritmikus patternjeiben. Ezzel neurobiológiai igazolást nyerne az az intuíciónkkal összhangban álló megállapítás, hogy a zenében az érzelmeket a hierarchikusan szervezõdõ, feszültségoldódás jelenségek pulzációja „hordozza”. Az érzelem természetesen nem csupán köztiagyi jelenség; a differenciált érzelmek a kéreg mûködését is feltételezik, „a komplex kognitív tényezõk emocionális értékeléséhez és a megfelelõ differenciált szervi válaszok integrációjához a hipotalamusz nem elegendõ” – írja Grastyán (1983, 209). Ugyanakkor a bonyolultabb érzelmi reakciók sem függetleníthetõk az alapvetõ köztiagyi mechanizmusoktól, azokra természetszerûleg ráépülnek. A zenei párhuzamot folytatva, ha a feszültség-oldódás alaplüktetés a kéreg alatti motivációs rendszerek kétfázisú mûködésmódjának feleltethetõ meg, akkor az alaplüktetés sémás szervezõdése az e struktúrákra épülõ kérgi (kognitív) mûködés megnyilvánulása.

A zene mint az örömelv és valóságelv kompromisszumképzõdménye Mosonyi szerint a zene, más motorikus kifejezõ és levezetõ lehetõségekkel együtt (kommunikáció, cselekvés), a lelki feszültségek levezetésére szolgál, tehát „motoros” jelenség. Ez legtisztábban a fejlõdés kezdetén figyelhetõ meg, amikor a csecsemõ megnyilvánulásai még az örömelv uralma alatt állnak, figyelmen kívül hagyják az alkalmazkodást, ezért célszerûtlenek, „irracionálisak”. A belsõ feszültség, a kellemetlen érzések, fájdalom, inkoordinált, azaz gátlásnélküli mozgásokban nyernek levezetést. Hasonló koordinálatlanság figyelhetõ meg a „primitív népek” táncaiban: „az ösztön feszültsége, újabb és újabb ingerek hatása alatt extázissá fokozódhat; ezek a mozdulatok elvesztik táncszerû szabályosságukat és hisztérikus rohamokhoz hasonlókká válnak. […] Abesszíniában bizonyos vallásos szertartás azzal kezdõdik, hogy botokkal ritmikusan ütik a földet, aztán táncolnak és énekelnek: az énekhang határozott melódia nélkül mindig magasabb és erõsebb lesz egészen az extázisig fokozódva” (Mosonyi, 1011, kiemelés tõlem). Mosonyi szerint a mûvészet hajtóereje egy mértéket nem ismerõ motívum („Eros”) felszínre törekvése, a fejlõdés útja pedig a zenében is a „mérték” szabályozó erejének megmutatkozása. A „mérték” a tapasztalatszerzés során érvényre jutó valóságelvet képviseli, amely az õsi ösztönök mûködését gátolja. A mûvészet hajtóereje és örömforrása az ösztön irracionális, gátlás nélküli kielégítésre törekvésébõl táplálkozik, amelynek a valóságérzék kifejlõdése után is a gátlások áttörése, legyõzése az örömforrása. A két erõ kompromisszumra törekvésébõl keletkezik a zenei forma. A fejletlen ösztönkorlátozás Mosonyi szerint is összerendezetlen koordinációt jelent: a mozdulat még célszerûtlen,

48

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 49


esetlen, a melódia pedig határozott kontúrok nélkül „csúszkál”. A kérgi gátlás átmeneti zavara, például kábítószer vagy alkohol hatására, az egészséges felnõttnél is a koordináció felborulását eredményezi: a részeg járása bizonytalan, dülöngélõ, ahogyan éneke is szabálytalanná válik, „nem találja” a megfelelõ hangmagasságokat (11). A fejlõdés útja a valóságelv egyre hatékonyabb befolyása a személyiség mûködésében, ami az örömelv és valóságelv egyre kiegyenlítettebb kompromisszumképzõdményeit eredményezi, vagy másként, a koordinációk egyre pontosabbá és célszerûbbé válnak. Mosonyi álláspontja szerint a zene mint kompromisszumképzõdmény keletkezésekor két szempontot kell figyelembe vennünk: az örömelv oldaláról a feszültség-levezetés szempontját, a valóságelv oldaláról pedig – a tanuláson, a szocializáción, a kultúra befolyásán keresztül megvalósuló – gátlás szempontját. Szerinte ennek a két tendenciának az erõjátéka vagy „kompromisszumra törekvése” alakítja a zenei forma minden elemét (ritmus, dallam, összhang, zenetudományi értelemben vett „zenei forma”). A ritmus esetében ez úgy történik, hogy a feszültség azonnali, robbanásszerû levezetésre törekszik, amelyet a tanulás során érvényre jutó szociális funkció, a gátlás megfékez. A ritmus Mosonyi szerint is periodikus hangsúlyozást jelent. A hangsúly, amely a mozgásszerv tehetetlenségébõl fakadó ellenállásának legyõzésekor a legnagyobb intenzitású összehúzódás pillanatában keletkezik, örömtartalmát a gátlás egyszerre bekövetkezõ, impulzusszerû legyõzésébõl nyeri. A ritmusban a hangsúly ismétlõdésével a feszültség ugyanazon pályákon való motorikus levezetése (tanulás) egyre könnyebbé válik, ami által a gátlás csökken, és ezáltal az örömexplózió is egyre többet veszít intenzitásából. Az impulzus egyszeri, heves kitörését az impulzus periodikus visszatérései mintegy „legyengítik”, és ezzel „kezelhetõvé”, „racionálissá”, a valóságelv vagy alkalmazkodás számára elfogadhatóvá teszik. A két ellentétes erõ, a kitörés és annak gátlása „kompromisszumot” kötött egymással – ennek eredõje maga a ritmus. A kompromisszum biológiai haszna abban áll, hogy az ösztön a realitás elvének figyelembe vételével „kerülõ úton”, „megszelídítve” elégül ki, mert ellenkezõ esetben a szervezetet veszélybe sodorná. Mosonyi szavaival: „a ritmusban az ösztön vad, irracionális átütõ ereje megszelídül, és a feszültség egyszeri robbanása pulzáló, lüktetõ örömmé alakul át. Mint ahogy a viharos kitörésre törõ vízgõzt a mozdony kazánja megfékezi, és az egyenletes gördülés hajtóerejévé szelídíti, úgy lesz az egyszeri, minden gátlást megvetõ mértéktelenség az ismétlés, a mérték és a rend elvévé” (44). Az öröm forrása természetesen nem a szabályos, automatikus ismétlésekben rejlik, hanem éppen a szabálytalan ösztön erejének a szabály mesterséges akadályán való pillanatnyi felülkerekedésében (a gondolatmenet teljes kifejtését lásd: 39-56). Éppúgy, ahogyan a ritmus esetében, a dallamalkotás során is két szembenálló erõ egymásra hatásának eredõjével állunk szemben. Ha a feszültség hang-

49

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 50

Mûhely

adásban vezetõdik le, és ezt a levezetést semmi sem korlátozza, akkor az impulzus erõsödésével a hang megszakítás nélkül csúszik fölfelé, a késztetés energiájának csökkenésével vagy kimerülésével pedig lefelé, mint a sziréna hangja. Ez a „kontinuus kromatika” a belsõ feszültség gátlás nélküli levezetésének megnyilvánulása. Az elkülönült (diszkrét) hangmagasságok létrehozása azonban már az izommûködés koordinációját, azaz szelektív kérgi gátlásokat, tehát a valóságelv aktivizálódását feltételezi. Milyen szervezõelvek irányítják ezt a koordinációt? Mosonyi modellje szerint a feszültség levezetése a rendelkezésre álló utak közül mindig a legrövidebbet választja (alacsony energiaszintre törekvés elve). Ezért az egyes hangok összefûzése a legközelebbi rokonság mentén történik. A rokonság megállapításában két szempont érvényesül: motoros oldalról a hangszomszédság elve (a hangok közötti minél kisebb frekvenciakülönbségre törekvés), akusztikus oldalról pedig a felhangrendszer figyelembe vétele (ami azt jelenti, hogy a diszkrét hangok között annál erõsebb a kapcsolat, minél közelebbi rokonságban állnak egymással a felhangrendszerben). A hangszomszédság elve megérthetõ az izom folyamatos összehúzódása és elernyedése révén keletkezõ kontinuus hangmagasság változásból. Az akusztikai szempont pedig hallásunk felhangok iránti érzékenységével, felhangokra „hangoltságával” magyarázható: a hallás az alaphanggal együtt megszólaló felhangokat kiszûri, és a rokonság megállapításánál figyelembe veszi. Ez az oka, hogy az egymástól kvint, illetve terc távolságra lévõ hangokat, hangzatokat, illetve hangnemeket, egymással rokonnak érezzük (58-64). A dallamalkotás során tehát a motoros lereagálás (mérték nélküli glisszandó) és (szenzoros oldalról) az akusztikus felhangrendszer figyelembe vétele között jön létre a „kompromisszum”, vagy másként, valósul meg a szenzomotoros koordináció. Mosonyi nem állt egyedül a dallamalkotás törvényszerûségeire vonatkozó megfigyeléseivel. Bárdos Lajos (1969) hasonló következtetésekre jutott a népi dallamok tanulmányozása során, és ezzel Mosonyi elmélete, közvetett módon, a zenetudomány terén nyert igazolást. Természetes hangrendszerek – a „kompromisszumképzés” zeneelméleti igazolása Bárdos (1969) eredeti kérdésfeltevése arra irányult, mivel magyarázható, hogy a népzene primitív megjelenési formái az egész világon, fajtól, tértõl, idõtõl függetlenül, mindenhol ugyanazokból a melodikai alapelemekbõl épülnek föl. Feltételezte, majd igazolta, hogy a népzene általános hangkészletének és jellegzetes melodikus lépéseinek általános pszichológiai okai vannak: a félhangközelség és a felhangrendszer együttes figyelembe vételén (vagy koordinációján) alapulnak, ezért (modern szóhasználatunkkal) „zenei univerzáléknak” tekinthetõk.

50

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 51


Tekintélyes példaanyag tanulmányozása során rájött, hogy a népzene jellegzetes hangközlépései úgy nyernek értelmet, ha kétdimenziós rendszerben ábrázoljuk és mérjük le õket. Ennek egyik tengelye az akusztikus kvintrokonság mértéke (a kvint az alaphangot helyettesítõ oktáv után a második legerõsebb felhang!), amely azt jelöli, hogy az adott hangköz hangjai hány kvint távolságra vannak egymástól, jele „Q”. A másik tengely pedig a beszédszerû hangközelség félhangokban (semitonium) kifejezett mértékét jelöli, és jele „S” (lásd 1. ábra).

1. ábra

(A félhang a hangszomszédság-, azaz a folyamatos hangcsúszás elvének durva léptékû, önkényes mértékegysége, mely csupán a szomszédossági elv szemléletes kezelhetõsége érdekében került bevezetésre.) Ha a népdalok legjellegzetesebb hangközlépéseit, az egészhangot és a kistercet ebben a kétdimenziós rendszerben helyezzük el, tehát ha mindkét tengelyen egyszerre „mérjük le” õket, akkor azt látjuk, hogy éppen ezek azok a hangközlépések, melyeknek a legkisebb az együttes mérõszáma (2:2 és 3:3, lásd 2. ábra).

2. ábra

Bárdos (1969, 76-77) szerint ez a magyarázata széleskörû elõfordulásuknak vagy „természetességüknek”, és megfigyeléseit az alábbi módon összegzi: „úgy látszik tehát, hogy a dallamos hangközök létrehozásában két erõ mûködik közre: a természetes kvintrokonság, és az emberi beszédbõl folyó félhang-szomszédság. A két erõ eredõje az észlelt hangköz […], ezek létrehozásához kell a legkevesebb mozgási energia”. Gondolatmenetünkhöz igazítva, Bárdos elméletét az alábbi módon fogalmazhatjuk újra. A „beszédszerû hangközelség”, a glisszandó a motoros aspektust, azaz „az ösztön gátlás nélküli levezetését” képviseli. Mivel az akusztikus kvintrokonság felismerése kognitív kapacitást feltételez, ez a szenzoros aspektus, amely a szelektív kérgi gátlás megvalósulását reprezentálja. A szenzoros és

51

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 52

Mûhely

motoros aspektusok koordinációjának eredõjeként jönnek létre a diszkrét hangokból álló, jellegzetes melodikus intervallumok, illetve dallam-mintázatok. Bárdos elméletéhez visszatérve, a dallamok teljességének megértéséhez nem elegendõ a dallamalkotó hangközök külön-külön történõ vizsgálata, a dallamot a maga egészében is meg kell hallgatni. A dallamok „természetességének”, vagy másként, egy alapsémához való közelségének mértékét a Q és S dimenzióknak egy harmadik rendszerrel való kiegészítésével lehet megállapítani. Ez a rendszer (melyet Bárdos „Lü”-nek nevez) annak figyelembe vételét jelenti, hogy hány tagú kvintláncban ábrázolható egy dallam teljes hangkészlete. Minél fejlettebb kvint-sort reprezentál egy adott dallam hangkészlete, annál nagyobb energiára van szükség a megalkotásához (lásd 3. ábra).

3. ábra

Összefoglalóan, Bárdos következtetései szerint a népi dallamok két erõ, az akusztikus kvint-érzék és a „beszédszerû” hangcsúszás egymásra hatásának eredõjeként alakulnak ki. A két erõ összerendezõdésének következtében keletkezõ hangközöket a „zenei érzék” igyekszik minél szûkebb kvintsorral ábrázolható zárt hangrendszerbe tömöríteni (ökonómia!). Mindebbõl arra a következtetésre juthatunk, hogy a népdalok hangrendszere egy gazdaságos energiafelhasználásra törekvõ (ökonomikus) szenzomotoros összerendezõdés következménye. Ez alátámasztja azt a feltevésünket, hogy a legáltalánosabb értelemben vett zene is szenzomotoros koordináció terméke (és ezzel ontogenezisének vizsgálata jól beilleszthetõvé válik Piaget fejlõdéslélektani paradigmájába). Mivel a természetes hangrendszerek általános elõfordulásúak, valószínû, hogy a népzenei univerzálékban tetten érhetõ ökonomikus szervezõdés veleszületett prediszpozíciókon, neurális huzalozottságon alapul (melynek egyik aspektusa például a fizikai felhangrendszer iránti veleszületett érzékenység). A zene játéktermészete és a játék neurobiológiája Eddigi fejtegetésünkbõl hiányzik a zene egyik alapvetõen fontos aspektusa, nevezetesen játéktermészete. Mosonyi hangsúlyozza, hogy bár a zenében (éppúgy, mint a tudattalan egyéb származékaiban) az örömelv és a valóságelv köt kompromisszumot egymással, nagyobb arányban sorolható a fantázia birodalmába, hiszen végsõ soron nem más, mint játék, „tiszta örömre törekvés”.

52

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 53


Mosonyi szerint a játék lényege az örömszerzés, melynek során olyan módon jutunk kielégülésekhez, hogy törekvéseink elé belsõ akadályokat állítunk, amelyeken aztán kiszámítható és kontrollált módon leszünk úrrá. Az akadály a cél elérését csak mesterséges módon lassítja, késlelteti, de semmiképpen sem hiúsítja meg. Az akadály funkciója a bekövetkezõ öröm intenzitásának fokozása: „a motorikus kiegyenlítõdés elé mesterséges akadályokat, a vízesést erõteljesebbé tevõ zsilipeket épít az én. […] A szabályok, a gátlások a játékban magunk választotta, az örömöt anticipáló feszültséget kismértékben fokozó, de az ösztön energiájának levezetésében komoly ellenállást nem tanúsító zsilipek. Ezek a levezetést nem akadályozzák meg, csak késleltetik” (Mosonyi, 28-30.). Ez a definíció összhangban áll Grastyán (1988) neurobiológiai szinten megfogalmazott játékelméletével, aki a játékot olyan viselkedésformaként határozza meg, amelyet az organizmus minden közvetlenül belátható haszon nélkül, spontán és ismétlõdõ jelleggel, önmagáért végez. Grastyán kérdésfeltevése arra irányult, vajon biológiai szinten mire jó ez a látszólag minden gyakorlati hasznot nélkülözõ, „fölösleges” tevékenység. A választ az örömszerzés szolgálatában álló agyi öningerlésben találta meg. Emócióelméletében (Grastyán, 1983) a gátlásnak egy paradox, funkció-fokozó, erõsítõ hatást tulajdonít, mert a gátlás megszûnésekor (egy akadály elhárulásakor, egy probléma megoldásakor, a feszültség feloldódásával) a gátolt állapot robbanásszerûen, fokozott intenzitással jelenik meg. Az izgalmi állapot (megközelítés) gátlása gyakori eszköze a feloldásával járó pozitív motivációs-emocionális állapot fokozásának, azaz az intenzív örömszerzésnek. Grastyán a paprika és bors étvágyfokozó hatását és a szexuális csábítás során a látszatellenállás ingerlõ hatását hozza példaként. Végkövetkeztetése az, hogy a gátlás és az élvezet egymást kölcsönösen feltételezik, tehát minden örömszerzõ folyamatban, így a játékban is, gátló tendenciáknak („averzitásnak”) is jelen kell lennie (Grastyán, 1988, 32). Maróti és Batári nyomdokain haladva a korábbiakban a zene egyik lényegi, elidegeníthetetlen aspektusát a feszültség-oldódás pulzációban ragadtuk meg, melyet a zene érzelmi aspektusával hoztunk összefüggésbe. Amennyiben a játék lényege az örömszerzés, melynek módja, hogy törekvéseink elé mesterséges akadályokat állítunk, hogy aztán örömünket leljük azok leküzdésében, a zene játéktermészetét is ugyanebben a sajátosságában ragadhatjuk meg. A zeneelmélet közhelye, hogy a zene, története során egyre összetettebb, egyre változatosabb disszonanciákat talál a feszültség fokozására, hogy aztán egyre hatásosabb érzelmi kielégülések gyönyörûségével ajándékozza meg hallgatóságát. Vagy másként, a zene a feszültség és oldódás pulzációjának újabb és újabb kognitív mintázatokba rendezésével alkot egyre újszerûbb, színesebb és ezáltal érdekesebb feszültség-feloldásokat. Az újabb disszonanciák bevezetését, illetve a feszültségek változatos feloldására való törekvést a kielégülések „késleltetésének” is nevezhetjük, mely fogalom, hasonló jelentéstartalommal, a zene-

53

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 54

Mûhely

elmélet egyik szakkifejezése is egyben (lásd például Kesztler, 1952). A pszichológiai és a zeneelméleti megközelítés teljes összhangban áll egymással azt a felfogást illetõen, mely szerint a zene nem más, mint mesterségesen keltett feszültségek elodázott, „késleltetett” levezetése. Tudattalan fantáziák, internalizált tárgykapcsolatok és gondolkodás Könnyen belátható, hogy eddigi fejtegetéseinkben nem sok van abból, amit általában „pszichoanalitikus gondolkodásmódon” értünk. Mosonyi zenelélektanában jóformán egyetlen olyan lényeges gondolati elem van, amely kapcsolatba hozható a pszichoanalízissel, ez pedig a korai pszichoanalízis ökonómiai szemlélete. Ez azonban csak arra alkalmas, hogy a zene „kompromisszumos” természetére rávilágítson, ugyanakkor semmivel sem visz közelebb bennünket eredeti kérdésfeltevésünkhöz: vajon mit is jelent a zene? A pszichoanalízis, mint a „lélek tudománya” a jelentést, az értelmet az emberi kapcsolatokhoz köti – jelentésrõl a mûvészetben az emberi kapcsolatok vonatkozásában van értelme beszélni. Eredeti kérdésfeltevésünket úgy módosíthatnánk tehát, vajon hogyan vonatkozik a zene az emberi kapcsolatokra, milyen úton-módon ruházódik fel azzal a jelentéssel, amely az ember számára értelmessé és jelentõségteljessé teszi a vele való foglalkozást? Vajon a mai pszichoanalízis eszköztára alkalmas ennek a nehéz kérdésnek a megválaszolására? Az emberi organizmus sem biológiai, sem pszichológiai, sem kulturális szinten nem létezhet kapcsolati kontextus nélkül, és ennek a ténynek az elméletalkotásunkban is tükrözõdnie kell. Ezért mindazt, amit az elõzõekben a zenei szervezõdés biológiai hátterérõl elmondtunk, most kapcsolati kontextusban, a lélektan szubjektív, leíró nyelvén kell újragondolnunk. Freud szerint az ösztönök megfelelõi a mentális életben a tudattalan fantáziák. Melanie Klein ezt azzal egészíti ki, hogy – mivel az ösztönök kezdettõl fogva tárgyakra irányulnak, pontosabban az ösztönök csak tárgykapcsolatok részeként léteznek – mentális megfelelõik, a tudattalan fantáziák is kezdettõl fogva tárgyakra irányulnak. Úgy is fogalmazhatnánk, hogy a magzat idegrendszerileg „huzalozott” potenciállal születik, hogy a világot társas kapcsolatok (tárgykapcsolatok) rendszerében értelmezze (Ogden, 1986). A fejlõdés során ez a veleszületett készenlét vagy potenciál a tényleges kapcsolatok kontextusában zajló életesemények során realizálódik, konkrét és megismételhetetlenül egyedi formát ölt. A sajátos érzelmi minõségre szert tett társas kapcsolatok belsõvé válásával és megszilárdulásával formálódik a személyiség, amely az egész élet során megõrzi viszonylagos állandóságát. Az egyén képességei is a társas kapcsolatok kontextusában fejlõdnek, a mozgásfejlõdést és a kognitív funkciók alakulását, tehát a gondolkodást is beleértve. A sajátos érzelmi minõséggel rendelkezõ, megismétel-

54

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 55


hetetlenül egyedi belsõ tárgykapcsolati konfigurációk és a gondolkodás kialakulásának és formálódásának szoros összefüggése jelentheti azt a logikai láncszemet, amely a pszichoanalitikus szemléletet a kognitív pszichológiával összekapcsolja, és amely a zene személyiséggel összefüggõ (idiografikus) és általános, kognitív pszichológiai aspektusait integrált rendszerben képes figyelembe venni és értelmezni. Segal (1973) a fantáziáról írott összefoglalójában, Freud, Melanie Klein, Susan Isaacs és Bion hozzájárulásainak áttekintésével arra a következtetésre jutott, hogy a gondolkodás maga is a fantázián alapul, és belõle származik. A feszültség motoros kisülés nélküli elviselését a korai mentális életben a fantázia teszi lehetõvé. A valóságpróba és a gondolkodási képesség megszilárdulásával ezt a feladatot maga a gondolkodás veszi át. Segal elképzelése szerint, Freud elméletével összhangban, ahogy a valóságelv csupán a valóságpróba által módosított örömelv, a gondolkodás sem más, mint a valóságpróba által módosított tudattalan fantázia. Ha pedig a gondolkodás a tudattalan fantáziák fokozatos valósághoz idomulásából fejlõdik ki (vö. Piaget „akkomodáció” fogalmával), akkor az egyén gondolkodásának jellege tudattalan fantáziaéletének függvénye. Mivel a tudattalan fantáziák internalizált tárgykapcsolatokat reprezentálnak, az egyén gondolkodása is belsõ tárgykapcsolati mátrixának befolyása alatt áll. Mindebbõl azt az iránymutató következtetést is levonhatjuk, hogy a kognitív pszichológia által vizsgált jelenségek (különösen a gondolkodás) kutatása csak akkor válhat teljesebbé és hitelesebbé, ha ezeket a jelenségeket az internalizált tárgykapcsolatok kontextusában vizsgáljuk és értelmezzük. (A pszichoanalízis oldaláról Hermann Imre [1945] hasonló módon közelített a gondolkodás pszichoanalitikus értelmezéséhez.) Az elmélet zenére alkalmazásával, álláspontom szerint, a zenei jelentés megértésének kulcsa valamely zeneszerzõ internalizált tárgykapcsolatainak és zenei gondolkodásának összefüggésbe állítása. Hogy mit is „jelent” egy adott zeneszerzõ zenéje, azt tárgykapcsolati konfigurációjának és zenéje személyes, rá jellemzõ szervezõelveinek (a mögötte álló koncepcióknak) az egymásra vonatkoztatásával lehet megválaszolni. Ez az „egymásra vonatkoztatás” a zenei alkotófolyamat állomásainak, szervezõdési szintjeinek nyomon követésével válik lehetségessé, melynek során a tárgykapcsolati konfiguráció ábrázolása különbözõ transzformációs lépéseken megy keresztül. Ezek: a tárgykapcsolati dinamika egyes elemeinek halvány tudatosulása különbözõ érzékszervi modalitásokban (melyek lehetnek vizuális képek, szagemlékek, auditív érzékleti benyomások, stb.). Az intermodális transzfer jelenségének segítségével (melynek során az információ változatlan jelentéstartalommal és változatlan struktúrában egy másik érzékszervi modalitásba konvertálódik) a benyomások hanganyaggá szervezõdnek. Ezt akár induktív, a részletekbõl építkezõ, akár deduktív, a nagy íveket részletekkel feltöltõ módon, a zeneszerzõ a tanult zenei eszközökkel, a zene nyelvén kidolgozza (a zeneszerzõk alkotómunkájukról adott szubjektív beszámolóinak részletekbe menõ

55

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 56

Mûhely

elemzéséhez lásd Horgász, 1998). Az elemzések (Horgász, 1996, 1998) azt igazolják, hogy a tárgykapcsolati dinamika zenei eszközökkel történõ ábrázolását az invariancia jellemzi, azaz a zenei szerkezetek megõrzik a tárgykapcsolati szerkezetek jellegzetességeit. Mivel a zene (és általában a mûvészet) kevésbé van kitéve a valósághoz való alkalmazkodás követelményeinek, ezért tágabb teret nyújt a belsõ lelki valóság ábrázolásának. Egyszerre tekinthetjük önkifejezésnek, tárgykapcsolati konfliktusok és szorongások megjelenítõjének, illetve, a megoldásukra irányuló problémamegoldó gondolkodásnak vagy vigaszt nyújtó vágyteljesítésnek. Bármelyik aspektus is dominál egy adott zenemûben, a „termék” minden esetben az alkotó tárgykapcsolati konfigurációjából merít, ez alapján értelmezhetõ.

Tárgykapcsolati reprezentáció Bartók ifjúkori mûveiben Az alábbiakban, Bartók néhány ifjúkori zenemûvének elemzésével, konkrét példán keresztül illusztrálom a tárgykapcsolati dinamika zenei reprezentációját (az elemzés korábbi dolgozatom gondolatmenetét követi, lásd Horgász, 1996). Bartók fiatalkori Hegedûversenyének és Két arckép címû kompozíciójának megalkotását a zeneszerzõ Geyer Stefi hegedûmûvésznõhöz fûzõdõ viszonzatlan szerelme és szerelmi csalódása ihlette. Bartók érzelmeinek alakulásába, és ezzel összefüggésben, zenei alkotómûhelyébe betekintést engednek Geyer Stefihez 1907-1908 között írott õszinte hangú, szenvedélyes levelei (Bartók, 1979). Bartók és Geyer Stefi közelebbi kapcsolata körülbelül nyolc hónapig tartott, találkozásaik eleinte a közös muzsikálás jegyében teltek, Stefi külföldi utazása és Bartók népdalgyûjtõ útjai miatt azonban kapcsolatuk egyre inkább a levélbeli érintkezésre szorítkozott. A levelek alapján kapcsolatuk alakulását szorosan nyomon követhetjük. Bartók hamar beleszeretett a lányba, aki eleinte viszonozta a nála jó pár évvel idõsebb férfi érdeklõdését. A levelezés tanúsága szerint azonban gyorsan kiderültek alapvetõ felfogásbeli különbségeik, ami feloldhatatlan konfliktushoz vezetett. Bartók nem volt házasságpárti, és ezzel könnyen elbizonytalaníthatta választottját: „Ami a tradíciót illeti, ez csak az átlagemberek szent-szentírása. De épen a Geyer Stefik azért teremtõdtek, hogy ne dõljenek igájába… Azt hiszem, küzdenie kell mindenkinek, nõnek úgy, mint a férfinak a tradíció bilincsei ellen, persze ha megvan a hozzávaló ereje. A küzdés tulajdonképpen nem más, mint önállóság felé való törekvés. Ne függjünk senkitõl, semmitõl, úrrá legyünk még saját magunk felett is.” (1907. július 27.) Amint Horgász (1996) rámutatott, Bartók függõséggel szembeni bizalmatlansága édesanyja – túlzott aggodalom és érdeklõdés képében jelentkezõ – kontrolláló magatartására adott reakciójaként értelmezhetõ: „…nem jó, és nem szükséges, hogy egy anya teljesen rabszolgája legyen gyermekének. Szabadság!” – írja Bartók édesanyjának egyik ifjúkori levelében (Ifj. Bartók, 1981a, 130.)

56

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 57


Ziegler Márta, Bartók elsõ feleségének visszaemlékezése szerint (lásd Bónis, 1995) Bartók édesanyja erõsen függõ személyiség volt, aki férje korai halála után egész életét fiának szentelte, ami az ifjú Bartók számára megterhelõ volt. Bartók így ír anyjának: „Nagyon kérlek, hogy ne foglalkozz velem nagyon sokat; mert az nagyon káros, ha valaki egy más valakivel, akárki légyen az, nagyon sokat foglalkozik…” (Ifj. Bartók, 1981a, 38.) Bartók egész életében szoros érzelmi kapcsolatban állt édesanyjával, akinek érzelmi befolyása alól sosem tudott szabadulni. Ez a belsõvé vált tárgykapcsolati tapasztalat, fordított szereposztással, korán megnyilvánult a másokhoz való viszonyában: a hozzá közelállókat igyekezett saját álláspontja elfogadására szorítani, és így mintegy kontrollja alá vonni – éppúgy, ahogyan megélése szerint, anyja tette ezt vele. Álláspontjáról õszinte nyíltsággal vall egyik Geyer Stefihez írott (és persze neki „címzett”) levelében: „Embereket javítani, helyesebben mondva másra szoktatni, mint a mihez természetük õket predesztinálta, teljes lehetetlenség. Mennyi kínnak a kútforrása volt ez a törekvésem. A hozzám közelállókban természetesen sok mindent egészen másképp szerettem volna. Világos, hogy ez a vágyam leplezett önzésbõl fakadt. Ha kedvemre formálhatok valakit, sokkal kellemesebb a vele való érintkezés…” (1907. július 27.) A levelek tanúsága szerint, Bartók eleinte minden igyekezetével saját nézeteit próbálta a lányra erõltetni. Elfogadhatatlan volt számára Stefi katolicizmus dogmáiban való hite és Isten iránti elkötelezõdése: „Ha én keresztet vetnék, azt mondanám »A Természetnek, a Mûvészetnek, a Tudománynak nevében…« Hát nem elég ez?! Magának még ígért túlvilág is kell! Ezt nem értem…” (1907. szeptember 6.) Bartók és Stefi kapcsolatának valódi ütközõpontjai azonban nem annyira a házasság és a vallás tartalmi kérdései lehettek, hanem sokkal inkább az a kapcsolati viszony, amelynek kialakítására a vita során Bartók törekedett. A lánytól való érzelmi függõségébõl a függõség megfordításával, domináns helyzet kialakításával igyekezett szabadulni: „Megengedné-e, hogy néha-néha olvasmánnyal lássam el?[…] Ne féltse az olvasmányoktól fiatalságát; még ha meg is rövidítenék, de cserébe mennyi örömet nyújtanak” – írja már idézett levelében (1907. szeptember 6.). Stefi Bartók kontrolláló fellépésével szemben azonban egyre inkább védekezõ, elutasító pozícióba helyezkedett, és elidegenedett udvarlójától. A lány ellenállása és elhatárolódása következtében Bartók magabiztos fellépése is alábbhagyott, és kapcsolatuk fordulóponthoz érkezett. Mint Bónis írja: „A hagyományos neveltetésû lányt inkább elijesztették, mint meghódították Bartók fejtegetései: visszautasításuk – a férfi teljes visszautasítása – elkerülhetetlenné és elodázhatatlanná vált. Ettõl kezdve reménységnek és kétségbeesésnek különös váltakozása jellemzi Bartók leveleit. Egyre személyesebbé, egyre szenvedélyesebbé válnak – és egyre többet foglalkoznak a készülõ hegedûversennyel” (Bónis, 1992, 36). Bartók 1907. szeptember 11-én kelt levele a mûvészi kreativitás fontos dokumentuma, ezért érdemes közelebbrõl is szemügyre vennünk. Miután szembesült a

57

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 58

Mûhely

lány befolyásolására irányuló erõfeszítéseinek hiábavalóságával – „De hát mért olyan nagyon-nagyon gyönge maga s mért fél minden olvasmánytól?! Hiszen ez kétségbeejtõ. Még annyi erõt se tulajdonít magának, hogy hitét meg tudja tartani?... Még akkor se akarna tõlem olvasmányokat, ha csupán olyanokat hoznék melyekben istenrõl nincs szó, vagy legföljebb istenes szó?!” – végül reménytelenség keríti hatalmába:

Levélrészlet: 1907. szeptember 11. (Bartók, 1979)

„Levele elolvasása után zongorához ültem – az a szomorú sejtelmem van, hogy az életben nem lesz más vigasztalóm csak a zene. Pedig…

4. ábra (Bartók, 1979)

58

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 59


A levélbe kottázott kilenc ütemnyi zene gyászindulóféle, a tizenharmadik bagatell, az Elle est morte (Õ [nõnem!] halott) címû zongoradarab elõképe (lásd 4. ábra). A cisz-moll négyeshangzat fölé ezt írta Bartók: „Ez a maga Leitmotivja” – tudósít a passzusról Bónis (1992, 36). Tekintsük át újra a történteket! Mindenekelõtt egy kapcsolati konfliktus tanúi vagyunk: Bartók nárcisztikusan kontrolláló viszony kialakítására törekszik Stefivel, aminek a lány ellenáll. Bartók erre dühös lesz, és támadást indít Stefi vallásos meggyõzõdése ellen, majd agressziója önmaga ellen fordul, és kétségbeesetté, reményvesztetté válik. Az idealizált tárgy elérhetetlenné válásával – a freudi terminológiával – kénytelen „visszavonni libidóját”, és azt a zenei alkotás terén szublimálja: „Az a szomorú sejtelmem van, hogy az életben nem lesz más vigasztalóm, csak a zene”. És valóban, a levélbe írt kottában Leitmotiv (azaz „vezérmotívum”) formájában jelenik meg újra, és kerül a zeneszerzõ fantáziavilágában „elérhetõ”, „vigaszt nyújtó” közelségbe a valóságban hozzáférhetetlen idealizált tárgy. A Leitmotiv a lány zenei névjegye, zenei reprezentációja, amely a hallgatóban is megjeleníti a zeneszerzõ róla alkotott idealizált képét és hozzá fûzõdõ érzelmeit. A levélbeli Leitmotiv megegyezik a fél évvel késõbb (1908. február 5-én) elkészült Hegedûverseny I. tételének fõtémájával – a zenemû megírását a gyászmunka (a szerelmi csalódás feldolgozása) folytatásaként értelmezhetjük. Ezt a tételt Bartók Két arckép c. kompozíciójában is felhasználta, ahol „Ideális portré” címmel látta el. A levélbeli Leitmotiv tehát az idealizált Geyer Stefi reprezentációja. A negatív érzelmeket (a tárgy elveszítése, fantáziabeli elpusztítása miatti depresszív állapotot) a kíséret jeleníti meg, amely az idealizált tárgyat a gyász kontextusába helyezi. Maga a teremtõ aktus, a zenei gondolat kreatív megjelenése (és az abból született zenemûvek) az elveszített/elpusztított tárgy fantáziabeli helyreállításának következménye. (Ezek az összefüggések megerõsítik Melanie Klein [1930] mûvészetelméletét, amely szerint a mûvészi kreativitás a depresszív pozícióra adott válasz, a fantáziában tönkretett belsõ tárgy újraalkotására, a jóvátételre irányuló törekvés megnyilvánulása.) Következõ levelében, melynek megszólítása Geyer Stefi Leitmotivjának három változata, a következõket írja: „Leitmotivjai körülrepdesnek, egész nap velük, bennük élek, mint valami narkotikus álomban. És ez így van jól; az én munkámhoz ilyen ópium kell, még ha idegölõ is, ha mérges is, ha veszedelmes is.” (1907. szeptember 20.) Az idézet szépen illusztrálja, hogyan épít fel Bartók intrapszichés világában, zenéjének „potenciális terében” (Winnicott, 1971), egy belsõ tárgyvilágot, a tárgyaival létrehozott fantáziabeli kapcsolatot, melynek „bûvkörében” él. Ezekbõl a Bartókot „körülrepdesõ” Leitmotivokból született meg végül az I. Hegedûverseny, amely két ellentétes karakterû tételbõl áll. Amint erre már utaltam, az I. tétel az ideális Geyer Stefi portréja. 1907. november 26-i levelében Bartók a következõképpen vall róla (lásd hozzá 5. ábra): „ez

59

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 60

Mûhely

az idealizált zenei kép minden akkori gondolatomat, érzésemet magába vette. Olyan közvetlen zenét még soha sem írtam, mint ezt…”

5. ábra (Bónis, 1992, 40.)

A II. tétel fõtémáját, szintén egyik Stefihez írott levelében (1907. augusztus 20.), Bartók a következõképpen konferálja fel (6. ábra):

Levélrészlet: 1907. augusztus 20.

„Hát nem Stefi volt az a pajkos 14 esztendõs leányka, akit Jászberényben megismertem?!! Aj! Aj! siessen kérem kiigazítani fotografiáját, különben az egész zenemû ilyeneket fog felmutatni:

6. ábra (Bartók, 1979)

Bartók ezt írta a kotta fölé: „G. St. when she is smoking a pipe”, azaz, „a pipázó G. St.”. Könnyen lehet, hogy a szóbanforgó fényképen a felcseperedett lánynak valóban pipa van a szájában, és ez zavarta meg Bartók Stefirõl alkotott ideális képét.

60

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 61


A Hegedûverseny ideális I. tételét tehát egy ironikus, pajkos II. tétel egészíti ki. Bartók „allegro giocoso”, azaz „játékosan, gyorsan” tempójelzéssel látta el, egyik témája fölé pedig ezt írta: „vastagon, morgósan” (vö. Kroó, 1980, 40). Ebben a II. tételben Bartók az ideális Geyer Stefit megjelenítõ zenei motívumot rosszalló, „morgolódó” érzéseinek megfelelõen alakította át: tükörszimmetrikusan megfordította (mintegy „fejére állította”, minden hangot annak ellentettjével helyettesített), illetve harmonikus ívét „megtörte”, mintha „rácsapott” volna. A zeneszerzõ, ambivalens érzelmei hatására, a belsõ tárgy zenei reprezentációján – a „tükörfordítás” és „áttörés” zenei eszközeivel – transzformációt, kognitív mûveletet hajtott végre (7. ábra):

7. ábra (Bónis, 1992, 40.)

A Bartók és Stefi közötti konfliktus kiélezõdésével – amelyhez a levelezés tanúsága szerint Stefi ambivalens, hitegetõ magatartása is hozzájárult – Bartók Stefi iránti érzései is egyre szélsõségesebbé váltak. Ez Bartók alkotói koncepciójának megváltozásában is jól nyomon követhetõ. Hegedûversenyét eleinte háromtételesre tervezte, s „dramaturgiai tervérõl” a következõket írja: „Megvan már az idealizált G. St. zenei képe, – ez mennyországi, bensõséges, megvan a szilaj G. St.-é is – ez humoros, elmés, mulattató. Most meg kellene szerkeszteni a közömbös, hûvös, néma G. St. – képét. De ez csúnya muzsika lenne.” (1907. november 29.) Tíz nappal késõbb azonban már világos jelei mutatkoztak a Stefi iránti érzései egyértelmû polarizálódásának: „Maga kedves, maga jó, maga tündéri, maga bûvös hatalmú leány! akinek csak nehány tollvonásába kerül, hogy a fekete, ádázul gomolygó felhõk eltakarodjanak az égboltról s rám ragyogjon a fényes nap. – Maga hallgatag, maga rossz, maga kegyetlen, maga fukar leány! hogy annyira fösvénykedik bûbájos erejével!” (1907. december 8.) S kicsivel alább ugyanez zenében (8. ábra): „De hiszen nem lehet valaki mindig 6/8 d fis a cis – d [Leitmotiv!], kell néha

-nek is lennie”. 8. ábra (Bónis, 1992, 40.)

Bartók végül a két tételes forma mellett dönt: „E hét valamelyik napján mintha felsõbb sugallatra, oly hirtelen ötlött eszembe az az elvitázhatatlannak látszó kényszerûség, hogy a maga darabja nem is állhat csak 2 tételbõl. 2 ellentétes kép:

61

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 62

Mûhely

ez az egész. Most csak azt csodálom, hogy ezt az igazságot nem láttam meg elõbb.” (1907. december 21.) Bár a Hegedûverseny két tétele Geyer Stefi két különbözõ aspektusát (az „ideálist” és a „pajkost”) jeleníti meg, a II. tétel itt még a Geyer Stefi ideálképének adott szelíd fricska csupán, ami nem közvetítette kielégítõ módon Bartók fokozódó ingerültségét és dühét. Hiába próbálkozott Stefi és a kapcsolat rossz aspektusainak elhárításával, ezek erõsebbnek bizonyultak nála. Ezért fontolgatta egy III. tétel megírását, ami „csúnya muzsika” lenne. A „csúnya muzsika” nem sokáig váratott magára. 1908 májusában készült el Bartók 14 Bagatell címû zongoraciklusa. Ennek utolsó darabja egy gyors keringõ, amely szintén Geyer Stefi Leitmotivjának egy változatára épül, és „A szeretõm táncol” címet viseli (vö. Kroó, 1980, 41). Geyer Stefi megjegyzése szerint a darab „a szakításunk utáni reakciót jelzi” (idézi Tallián, 1981, 79). Bartók ezt az eredetileg zongorára írott kompozíciót utólag meghangszerelte, és Hegedûversenye elsõ tételéhez illesztette, a Hegedûverseny eredeti második tételét pedig elhagyta. Így keletkezett (1914 táján) a Két arckép zenekarra. Az „új” mû elsõ tételének Bartók az „Ideális portré”, második tételének pedig a „Torz portré” címet adta. A Hegedûverseny második, „tréfás” hangvételû tételét tehát Bartók a szakítás után „csúnya muzsikával” cserélte fel, amely már sokkal hívebben közvetítette Stefi iránti heves, pusztító dühét. Elfojtott indulatai, amelyek a Hegedûverseny II. tételében még csak a játékos irónia formáját öltötték, a Torz portréban féktelenül elszabadultak. Helyezzük egymás mellé a Két arckép Ideális és Torz tételének fõtémáját, és figyeljük meg azonosságukat és különbözõségeiket! Vegyük észre, hogy a Torztéma nem más, mint az Ideális-téma felgyorsított és variált változata! (Lendvai Ernõ nyomán; 1971, 66. lásd 9. ábra)

9. ábra

62

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 63


Mindkét tétel fõtémája ugyanabból a zenei alapanyagból, Geyer Stefi Leitmotivjából ered. A két témaváz azonosságát a dallamív sémájának, perceptuális Gestalt-jának a megõrzõdése biztosítja. A dallamív hanglépései, jellegzetes fordulatai, funkcionális szempontból kitüntetett hangkapcsolatai a két példában megegyeznek. Mindkét esetben ez a stabil zenei váz (kognitív struktúra) gondoskodik a megjelenített tárgy önazonosságáról, változataik pedig a tárgy különbözõ aspektusait, pontosabban, a tárgyhoz fûzõdõ ellentétes érzelmeket, a zeneszerzõ ellentétes („ideális” és „torz”) belsõ tárgykapcsolati fantáziáit reprezentálják. Milyen eszközökkel valósul meg a tárgyhoz fûzõdõ különbözõ emócióknak, a tárgy különbözõ aspektusainak, tehát magának az affektív tárgykapcsolatnak a zenei megjelenítése? A válasz a változatképzés zeneszerzõi fortélyainak zenetudományos megvilágításában rejlik. Az Ideális-tétel lassú, elmélyült darab, hangvétele piano, mondanivalóját bensõséges hegedûszóló tolmácsolja, szerkezete „szigorú fúga”. Ezzel szemben a Torz-tétel „száguldó keringõ”, melyben az indulatok különbözõ effektusok, gyors, harsogó fortissimo kisülések formájában kerülnek levezetésre; az intenzív érzések elsöprik a szólóhangszert, és az egész zenekar energiáját mozgósítják (vö. Lendvai, 1971). Lendvai Ernõ a következõképpen foglalja össze a két darab „cselekményét”: „Az I. darabot átszellemült és mély álomhoz hasonlítanám; csakhogy ez az álom az expozíció esetében sóvárgást, olthatatlan szomjat fejez ki, a repríz [a visszatérés] viszont maga a beteljesült álom… Az átszellemült Ideális-téma a II. tételben triviális és hivalkodó valcerré torzul, amely az I. tétel érzékeny vonalait… eszeveszett forgásba hozza. [A II. tétel] drámai elgondolása azon alapul, hogy a torz témának – a reprízzel – meg kell halnia… A repríz nem is dallamként, hanem artikulátlan hörgések, naturalisztikus hangutánzások alakjában idézi vissza a fõtémát, hogy néhány ütemmel késõbb… petárdaként elpukkantsa: a táguló tölcsér-motívum a d-fisza-cisz alapmotívummal [Leitmotiv!] robban… A záróakkordok harmóniailag is megsemmisítik a d-fisz-a-cisz alapmotívumot” (Lendvai, 1971, 62-74). Bartók a Torz portréban a tárgyat jelképezõ Leitmotiv zenei kigúnyolásával, „szétpukkantásával” és végül harmóniai „megsemmisítésével” „állt bosszút” az õt elhagyó, frusztráló „rossz” tárgyon. Vessük ezt össze Bartók Stefihez írott egyik utolsó levelének részletével, melyben felindulásában még a számára a lányt és a kapcsolatukat reprezentáló Hegedûverseny megsemmisítésének gondolata is felötlik benne: „A hegedûkoncert partiturája febr. 5-én készült el; ép aznap, míg maga halálos ítéletemet megírta... Elzártam fiókomba, nem tudom megsemmisítsem-e, vagy otthagyjam elzárva, hogy csak halálom után találják meg és – szórják széjjel az egész beirt papírcsomót, az én szerelmi vallomásomat, a maga koncertjét, az én legjobb mûvemet – a szemétbe.” (1908. február 8.) A tárgy iránti pusztító impulzusok féktelen elszabadulásának a belsõ tárgy „halála” lett a következménye. Bartókot a szakítás nagyon megviselte, és ismét öndestruktív gondolatok kerítették hatalmukba: „Ahhoz a végsõ határhoz jutot-

63

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 64

Mûhely

tam, amelyen túl nem kérhetek senkitõl szerelmet, nem kérhetem senkitõl, hogy ossza meg velem életét. Érzem és meggyõzõdésem, hogy nem vár más rám, csak a hosszú egyedüllét. Le kell mondanom örökre errõl a bensõ boldogságról... Talán akad számomra is valami jótékony tüdõgyulladás vagy más efféle, hogy feltûnés nélkül távozhassak innen, ahol semmit sem várhatok.” (1908. február 8.) Ebben a hangulatban komponálta 13. bagatelljét, amelyre a tanulmány elején, a Leitmotiv elsõ, depresszív hangulatú elõfordulásának bemutatásakor utaltam, és amely a „Meghalt” címet viseli. A darab szintén Geyer Stefi Leitmotivjára épül, és Bartók a motívum utolsó elõfordulásakor ugyanezt írta fölé a kottába: „meghalt…” (10. ábra). A Leitmotiv e változata a halott belsõ tárgy reprezentánsa, amelynek Bartók a kottapapíron állít síremléket. A közvetlenül a szakítás után keletkezett mûvek legfontosabbika azonban Bartók elsõ igazán érett és kiforrott remekmûve, az I. vo10. ábra (Bartók, 1953, 33.) nósnégyes. Ez a mû szoros lelki és tematikus rokonságban áll a Hegedûversennyel; elsõ tételében Bartók mintegy „meggyászolja” elpusztított, halott belsõ tárgyát. A mûvet Kroó a következõképpen méltatja: „Az a lebegés, az a vallomásos, ábrándozó boldogsághang, amely az Ideális portrét átragyogta, az ábránd elmúltával az I. vonósnégyes Lento tételében a legnagyobb szomorúság énekének adja át helyét. Ha a Hegedûverseny második tétele egy játékos – s a Torz portré egy groteszk, ironikus – scherzo tétellel egészítette ki, illetve kérdõjelezte meg az elsõ tétel vallomását, az I. vonósnégyes lassúja ugyanezt a szerelmet elsiratja” (Kroó, 1980, 45). A mûnek itt is csupán a Leitmotiv újabb változatát exponáló részletével foglalkozom, mely – a 13. bagatellhez hasonlóan – a „halott belsõ tárgyat” reprezentálja. Bónis a mûvet a következõképpen kommentálja: „A kvartett nyitótétele a koncert [a Hegedûverseny] zenei anyagából építkezik. A versenymû Allegro giocoso feliratú második tételének kecses fõtémája mint »lassított felvétel«, mint gyászének nyitja a vonósnégyes Lento-tételét… »Ez az én halotti énekem« – Geyer Stefi emlékezete szerint ezt írta neki e vonósnégyes-tételrõl Bartók.” (Bónis, 1992, 42-43.) (11. ábra).

11. ábra (Bónis, 1992, 40.)

64

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 65


Ezzel teljessé válik annak az intrapszichés lelki dinamikának a zenei ábrázolása, mely Bartók Geyer Stefihez fûzõdõ kapcsolatának történetét végigkísérte. Mindezek alapján az alkotófolyamatot a tárgykapcsolati dinamika zenei eszközökkel való ábrázolásának (megkomponálásának), vagy másként, a tapasztalatok a zenei nyelvére való lefordításának tekinthetjük. Ennek során a zeneszerzõ a történelmileg kialakult zenei hagyomány figyelembe vételével, annak egyéni módon való továbbfejlesztésével fogalmazza újra a zene potenciális terében tárgykapcsolati tapasztalatát. A zenei ábrázolás procedurális, a viszonyulás mikéntjérõl szól. Ha nem tudnánk, sosem találnánk ki, hogy az idézett mûvek Leitmotivja Geyer Stefi zenei névjegye, azt azonban már magából a zenei szövetbõl érzékeljük (többek között, a zene egyértelmû érzelmi hatásán keresztül) hogy Bartók „csodál” és „sóvárog”, vagy „haragszik” és „gúnyolódik”. Az élménytõl a zenéhez vezetõ transzformációs folyamat (a cselekvéses aspektus kognitív megjelenítése az intermodális transzfer közvetítésével) a tapasztalatok procedurális aspektusát emeli ki és fogalmazza újra a zene potenciális terében, a hangrendszerek immanens (fizikai tényeken alapuló) dinamikájának (például, összhangzattan) hagyományoknak megfelelõ figyelembe vételével. A procedurális emlékek zenei újrafogalmazása teszi lehetõvé, hogy a tárgykapcsolati dinamika a zenében megõrizze az élményekkel való formai azonosságát: a tárgykapcsolati dinamika és zenei reprezentációi izomorf képzõdmények. Winnicott az ember kulturális teljesítményeit egy, az elsõdleges tárgykapcsolatból eredõ potenciális térbe utalja (Winnicott, 1971). Logikusan következik ebbõl, hogy a mûvészetnek – amely a szelf és a tárgy közötti távolságot egy szimbolikus, egyszerre külsõ és belsõ (mentális) térben hidalja át – szükségszerûen tárgykapcsolatokat kell ábrázolnia. Tanulmányom igazolni látszik ezt a tézist, azzal az észrevétellel kiegészítve, hogy a zenében (a mûvészetben) a belsõ tárgyak és a hozzájuk fûzõdõ affektusok, azaz a belsõ tárgykapcsolatok, kognitív struktúrákba szervezõdve reprezentálódnak.

I RODALOM BALOGH T. (1989). A pszichikum egyensúlyának szociálantropológiai és esztétikai kérdései. Akadémiai Kiadó, Budapest. BÁRDOS L. (1969). Természetes hangrendszerek. In: Harminc írás, 1929-1969. Zenemûkiadó, Budapest. BARTÓK B. (1953). 14 bagatell zongorára Op. 6. (Közreadta Bartók Péter). Budapest: Editio Musica. BARTÓK B. (1979). Briefe an Stefi Geyer. Basel: Paul Sacher Stiftung. (Privatdruck.) BÓNIS F. (1992). Elsõ hegedûverseny, elsõ vonósnégyes: Bartók zeneszerzõi pályájának fordulópontja. In: Hódolat Bartóknak és Kodálynak. Püski Kiadó Kft., Budapest. BÖHM L. (1961). Zenei mûszótár. Editio Musica Budapest, 1990.

65

05-Horgasz-(P).qxd

5/21/2013

4:51 PM

Page 66

Mûhely FREUD, S. (1973). A költõ és a fantáziamûködés (1907). In: Halász László (szerk.): Mûvészetpszichológia. Gondolat, Budapest. GRASTYÁN E. (1983). Az emóció. In: Oláh A. – Pléh Cs. (szerk.): Szöveggyûjtemény az általános és személyiségpszichológiához. Tankönyvkiadó, Budapest. GRASTYÁN E. (1985). A játék neurobiológiája. Akadémiai Kiadó, Budapest. HERMANN I. (1945). Bolyai János. Egy gondolat születésének lélektana. Anonymus, Budapest. HORGÁSZ CS. (1995). Bartók Béla személyiségérõl és mûvészi világképérõl. Thalassa (6), 1-2, 36-59. HORGÁSZ CS. (1996). Tárgyreprezentáció a zenében – Bartók I. Hegedûversenye és Két arcképe keletkezéstörténetének pszichoanalitikus elemzésével illusztrálva. In: Lukács D. (szerk.): Korai személyiségfejlõdés és terápiás folyamat. A Magyar Pszichoanalitikus Egyesület 1995. évi konferenciája. Animula, Budapest, 152-161. HORGÁSZ CS. (1998). Kreatív transzformációk. A tárgykapcsolatok és a gondolkodási mûveletek néhány összefüggése. In: Flaskay G. (szerk.): Határhelyzetek. A pszichoanalízis elméleti és technikai dilemmái, alkalmazási területei. A Magyar Pszichoanalitikus Egyesület 1997. évi konferenciája. Animula, Budapest, 228-243. IFJ. BARTÓK B. (1981a). Bartók Béla családi levelei. Zenemûkiadó, Budapest. IFJ. BARTÓK B. (1981b). Apám életének krónikája. Zenemûkiadó, Budapest. KESZTLER L. (1952). Összhangzattan. A klasszikus zene összhangrendjének elmélete. Zenemûkiadó, Budapest. KLEIN, M. (1930). A csecsemõkori szorongás-helyzet tükrözõdése egy mûalkotásban és a kreativitásban. In: Bókay, A. – Erõs F. (szerk.): Pszichoanalízis és irodalomtudomány. Filum Kiadó, Budapest, 1998, 110-118. KROÓ GY. (1980). Bartók kalauz. Zenemûkiadó, Budapest. LENDVAI E. (1971). A dualitás elve. Két portré. In: Bartók költõi világa. (Mûhely sorozat.) Szépirodalmi Könyvkiadó, Budapest. MARÓTHY J. – BATÁRI M. (1986). A zenei végtelen. Zenemûkiadó, Budapest. MOSONYI D. (1934). A zene lélektana új utakon. Somló, Budapest. OGDEN, TH. H. (1986). The Matrix of the Mind. Object Relations and the Psychoanalytic Dialogue. Jason Aronson Inc., Northvale, New Jersey, London. PIAGET, J. (1989). Az érzelem és értelem összefüggése a gyermek mentális fejlõdésében. In: Kalmár M. (szerk.): Fejlõdéspszichológia szöveggyûjtemény I. Tankönyvkiadó, Budapest. SEGAL, H. (1997). Bevezetés Melanie Klein munkásságába. Animula, Budapest. SLOBODA, J. A. (1988). The Musical Mind. The Cognitive Psychology of Music. Clarendon Press, Oxford. SULLOWAY, F. J. (1987). Freud, a lélek biológusa. Gondolat, Budapest. TALLIÁN T. (1981). Bartók Béla (szemtõl szemben). Gondolat, Budapest. WINNICOTT, D. W. (1971). Játszás és valóság. Animula, Budapest, 1999.

66

06-Zipernovszky-es-BUKSZ-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 67

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 67–71

Trombitál és analizál Zipernovszky Kornél Krin Gabbard: Hotter Than That: The Trumpet, Jazz, and American Culture (Faber and Faber, New York, 2008) Az amerikai Krin Gabbard neve akkor vált széles körben ismertté, amikor 1987-ben öccsével, Glen O. Gabbarddal publikálták Psychiatry and the Cinema címû áttekintésüket a pszichiátria és pszichoanalízis filmbeli reprezentációjáról.1 Chicagóban kezdte egyetemi tanulmányait, összehasonlító irodalomból szerezte MA és PhD fokozatát az Indiana Egyetemen, miközben már jazz rádiómûsorokat is készített. Három évtizedes tanári pályafutása alatt a New York állami Stony Brook Egyetemen a filmben is elmélyedt. Alapvetõ monográfiája a Jammin’ at the Margins: Jazz and the American Cinema (1996) címmel jelent meg, ezt követte a Black Magic: White Hollywood and African American Culture (2004). Az a dupla szöveggyûjtemény, amelyet szerkesztõ-elõszóíróként jegyez, több amerikai egyetemen tankönyv lett: Jazz Among the Discourses; Representing Jazz (1995). Jelenleg Gabbard a maszkulinitás reprezentációját vizsgálja az újabb amerikai filmben, ezen kívül egy „interpretatív életrajzot” készül kiadni Charles Mingus amerikai jazzmuzsikusról. Míg a Jammin’ at the Margins-ban a pszichoanalízist mint szimbólumfejtõ módszert alkalmazta a jazz-toposzok filmes reprezentációjának vizsgálatában, addig a Hotter Than That címû könyvében személyes, aktív zenészként megélt élményein keresztül közelít a téma egyik vonatkozásához. Bár a jazztörténeti és -elméleti irodalomban általában tipikusnak nevezhetõ a mûfajhoz való szenvedélyes viszonyulás a szerzõk részérõl, továbbá számtalan értékes, alapvetõ mû íródott aktív vagy egykor aktív muzsikusok tollából, Gabbard esete más. A könyv egyik elõtanulmányaként belebújt a trombitás bõrébe. Ha a könyv célja felõl nézzük, õ ezzel a személyes közelítéssel leginkább a befogadást –

1 Glen O. Gabbardnak több mûve is megjelent magyarul: A pszichodinamikus pszichiátria tankönyve. Lélekben Otthon, 2008; A hosszú pszichodinamikus pszichoterápia tankönyve. Oriold és Társai Kft, 2009. Elsõként a Thalassa „Vizuális mûvészetek és pszichoanalízis” számában volt olvasható egy írása: Pszichoanalízis és film. Thalassa, 2004/3. 5-16.

67


5/21/2013

4:52 PM

Page 68

Mûhely

méghozzá elsõsorban a jazztrombitások mûvészetének befogadását – akarta megkönnyíteni. Ráadásul nyilván tisztában lehetett annak elméleti pszichoanalitikus hátterével, hogy az irodalomkritikus miként tárja fel válaszának legszemélyesebb vonatkozásait. Az analízis igazi értéke az irodalomkritika számára abban rejlik, hogy egyedül ez a megközelítés képes megmutatni (más összefüggésben: hajlandó beismerni) azt a sajátos, személyes tartalmat, amit a kritikus visz bele az elemzett mûalkotásba.2 Gabbard, akinek szülei hol professzionális színészek, hol drámát és színészetet oktató egyetemi tanárok voltak, gyerekkorában kezdett trombitálni. Egyetemista évei alatt még az Art Ensemble of Chicago (egy meghatározó avantgárd jazzegyüttes) próbajátékára is elment, de nem vették fel. Évfolyamtársainak rock-együttesei sem trombitást kerestek, úgyhogy abbahagyta az aktív zenélést. Ráadásul, mint írja, ekkor még elõreálló fogazata miatt hangszere inkább lefelé konyult, és nem peckesen állt, amikor fújta (107-142). Három évtizeddel késõbb viszont újrakezdte, fogait is rendbe hozatta, és egy amatõr latin-jazz együttes szólistájaként eljutott odáig, hogy hétszer vágta ki a magas Ct egy szólóban. Mint könyvében írja, a hetedik mennyországban érezte magát, bár ez csak zártkörû próbán történt, és nem követte nyilvános koncert (224). Szenvedélyének felnõttkori kibontakoztatását a pozitív pszichológia és nem a zene terápiás vonatkozásai mentén értelmezi. Ez a szimpatikus és tanulságos, de nem túl mélyenszántó kísérlet az önanalízisre adja a Hotter Than That személyes szálát, általa az olvasó viszont több olyan körülményre lesz figyelmes, amely fontos a zene megszólaltatásának, sõt befogadásának szempontjából. Ebbe a fejezetbe kerültek az amerikai hangszerkészítõknél tett tanulmányútjai során szerzett tapasztalatai. Nem véletlenül, mert a hangszer megszólaltatásának technikája sok mindenre befolyással van, kitüntetetten a hangszeresek lelki alapállására. Gabbard egyik példája erre Armstronggal kapcsolatos: a trombitajátékkal járó stressz oldására a szupersztár egész életében marihuánát szívott (145). Egy másik fejezetben a szerzõ a hangszer egyetemes történetét próbálja amerikai nézõpontból megvilágítani. Ugyan a mûvelt európai olvasó is sok

2

1994-ben Daniel Rancour-Laferriere egy egész kötetet szentelt az önanalízis és a szöveganalízis kölcsönösségének – olyan szerzõk mûelemzéseivel, mint például Norman Holland, akik komolyan vették az önfeltárást irodalomkritikai munkásságuk során –, mindazonáltal intellektuális felfedezésként élesen lehatárolja a területet a terápiás célú beavatkozásoktól. Az önanalízist magában foglaló irodalomkritikát magasabb rendûnek tartja annál, mint ami nem tartalmaz ilyen belátásokat. (Daniel Rancour-Laferriere: Introduction: Self-analysis enhances other analysis. In: Uõ. [szerk.]: Self Analysis in Literary Study. Exploring Hidden Agendas. New York Universtiy Press4, New York and London, 1994. 1-34.)

68


5/21/2013

4:52 PM

Page 69

Zipernovszky Kornél: Trombitál és analizál

érdekességgel találkozhat itt, a könyv igazi újdonsága mégsem ebben, hanem inkább az e háttéren megrajzolt portrékban bontakozik ki, a jazz három, különbözõ generációt reprezentáló nagyságáról: Buddy Boldenrõl, Louis Armstrongról és Miles Davisrõl. A szerzõ kiinduló tétele, hogy a trombita (elõdeit és a rokon hangszereket is ideértve, Bolden például kornetten játszott) férfiasságot fejez ki, mindig uralkodók és hadseregek jövetelét jelezte. A Louis Armstrongot megelõlegezõ elsõ nagy afroamerikai New Orleans-i trombitás, aki feltehetõen döntõ lökést adott a jazzmûfaj kialakulásának, hírnevét hangerejének és technikájának köszönhette. A zenekari párbajokból is rendre õ került ki gyõztesen, ezekben nemcsak férfiasságának, hanem szabadságérzetének is hangot tudott adni. Legendájának jellemzõ eleme, hogy nõk versengtek azért, hogy vihessék a hangszerét. Bár Gabbard hangoztatja, hogy a huszadik század elején Armstrong vette kezébe azt a trombitát, amely új irányt ad az amerikai kultúrának, könyvében az elsõ fejezet Boldent analizálja. Viszont Boldentõl – szemben a tízes években aktív, más jazz elõfutárokkal – nem maradt ránk felvétel, így a legenda szinte azonnal szárnyra kapta alakját. Sikerei tetõpontján, 1907-ben személyisége dezintegrálódott, zárt osztályra vitték, elfeledve halt meg. Diagnózisa mai fogalmaink szerint minden bizonnyal paranoid skizofrénia lett volna. Bolden feketeként és férfiként az amerikai társadalomtörténet kulcsfigurája, mert nemét és faját új módon volt képes meghatározni – Gabbard erre vonatkozó következtetéseit a kortársak emlékezésein túl Ralph Ellison, Amiri Baraka és Michael Ondaatje írásaiból vett helyekkel is igyekszik alátámasztani (28). A Boldent követõ generáció muzsikusai már azzal akartak kitûnni, hogy csodás zenét játszottak ezen a kivételesen nehéz hangszeren – de más nehézségekkel is szembekerültek, nem csak technikaiakkal. A Hollywood által azóta agyonhasznált, e nehézségeket tematizáló toposzok sémáját az amerikai író és esszéista, Vance Bourjaily foglalta össze legfrappánsabban. A történet szerint a Zseniális Muzsikus a tehetsége és lehetõségei közti szakadékot látva – (I) a faji diszkrimináció miatt; (II) mert kommerszre kényszerítik, vagy (III) mert egyéb okból nem képes megvalósítani lehetõségeit –, (1.) megõrül, vagy (2.) kábítószerrel vagy (3.) alkohollal teszi tönkre saját sorsát.3 A Caution: The Trumpet May Be Hazardous to Your Health címet viselõ fejezetben trombitások szerencsétlen élettörténetei között tallózunk annak a ténynek a fényében, hogy a trombita, a legmagasabb hangfekvésû rézfúvós megszólaltatásához kétszáz izmot kell megmozgatni (arc, száj, nyelv, torok, ujjak, hát, rekeszizom, belek). Még a legártalmatlanabb történet Al Porcinóé, aki a Stan Kenton nagyzenekar szólótrom-

3 Vance Bourjaily: In and Out of Storyville: Jazz and Fiction. New York Times Book Review, 1987. dec. 13. 44-45.

69


5/21/2013

4:52 PM

Page 70

Mûhely

bitásaként a záróakkord legfelsõ hangját játszotta az egyik számban. Csakhogy Kenton dirigálás közben észrevett egy nõt, ezért a záróakkordot egy pár másodperccel tovább tartotta a szokásosnál. Porcino a váratlan megerõltetéstõl és az oxigénhiánytól elájult, és hátrafelé lezuhant az emelvényrõl. A mai tömegkultúra híres önsorsrontóinak elõképe ismételten Bolden, aki a legenda szerint nagy igyekezetében „agylágyulást” kapott; olyan hangosan fújt, hogy beleõrült. Gabbard természetesen kitekint arra a fejleményre, hogy egyre több nõ is kiválóan játszik ezen a hangszeren, és hivatkozik mind a klasszikus zenei, mind a jazzvonalon érvényesülõ nõi trombitások fizikai és társadalmi tapasztalataira. De a leginkább mélyrehatóan a férfiasság és a fekete öntudat asszertivitását vizsgálja. Karaktert, stílust, társadalomtörténetet, divatot, generációs ellentéteket és sok egyéb szempontot tart egyszerre felszínen, hogy megrajzolja az egész populáris kultúrára óriási hatással lévõ, érvényesüléséért az utolsó pillanatig kõkeményen robotoló, de páratlan zsenialitással megáldott Armstrong képét. A férfiasságot és a fekete öntudatot mindenki másnál keményebben megjelenítõ, de éppen a hangszer lágyabb regisztereiben felülmúlhatatlan, az örök újító Miles Davis ismert portréját jelentõsen új szemponttal gazdagítja. Szóba kerülnek a mûfaj történetében fontos szerepet játszó, de kisebb mértékben korszakalkotó trombitások is,4 Gabbard mégis a három nagy stílusteremtõvel kapcsolatban vonja le legizgalmasabb, legeredetibb következtetéseit, óriási témaismerettel és elmélyültséggel. A kötet módszertanilag is újnak nevezhetõ, hiszen egy hangszerrel és annak kultúrájával kapcsolatban még nem alkalmazták ezt a kettõs, pszichoanalitikus és posztkoloniális kritikai nézõpontot, bár ennek Gabbard korábbi monográfiái, a Jammin’ at the Margins, és a Black Magic már megvetették az alapját. Az interdiszciplinárisan nyitott felfogás, a kultúratudományi jellegû megközelítés ugyancsak hozzájárul ahhoz, hogy a jazz iránt csak felületesen érdeklõdõk is haszonnal forgathassák a kötetet. Gabbard néhány megállapítását viszont egyesek máris vitatták. Randy Sandke hívta fel a figyelmet arra, hogy Bolden kapcsán (akirõl szinte csak oral history jellegû források maradtak fenn) Gabbard túlzó következtetéseket von le, felnagyítja az afroamerikai emancipációs törekvések és a maszkulinitás párhuzamait.5 A kortárs emlékezések szerint ugyanis a századfordulós New Orleans fajilag és etnikailag kevert volt (ilyen szempontból egyedülálló város volt az Egyesült Államokban), ahol a fehér vezetõ réteg általában nem keltett félelmet az afroamerikai rabszolgák felszabadult leszármazottainak széles rétegeiben.

4

Pl. Bix Beiderbecke, Chet Baker, Clifford Brown, Shorty Rogers, Thad Jones vagy Lee Morgan. 5 Randy Sandke: Unforgivable Whiteness. Journal of Jazz Studies, 2011/1. 104-120.

70


5/21/2013

4:52 PM

Page 71

Zipernovszky Kornél: Trombitál és analizál

Nem ez a Gabbard által vélelmezett konfliktus volt a legmeghatározóbb faktor a Boldenhez hasonló férfiak számára, érvel Sandke. Az éjszakai élet nem volt teljesen szegregált, több irányban voltak lehetséges átmenetek. Bolden nem volt magányos harcos, ahogyan Gabbard ábrázolja, hanem ezer szállal kötõdött a különbözõ etnikai alapokon álló, vetélkedõ rezesbandák össztársadalmi szövetéhez. Vitathatatlannak látom viszont a könyv azon érvelését, hogy Armstrongék egyengették az utat az elõtt a folyamat elõtt, melynek során az afroamerikai férfiak valódi érvényesülési lehetõségekhez jutottak a bokszban vagy az amerikai fociban, majd a populáris kultúrában, s ezek globális jelentõségû viselkedésmintákká váltak (Boldennel kapcsolatosan Sandke ezt is túlzásnak tartja). Armstrong abban a dalban, amelyet Gabbard címnek választott tovább építi a megírt szöveg nélküli, sokszor félig halandzsa vagy teljesen szavak nélküli énekes improvizáció, a scattelés iskoláját. Mindeközben a Gabbard által kiemelt tudattalan tartalmaknak elég nyilvánvalóan ad hangot: „Say, I’ve got the Heebies, / I mean the Jeebies / Talking about / The dance, the Heebie Jeebies / Do, because they are boys / Because it pleases me to be joy. / Say, don’t you know it? / (…) Papa’s got the Heebie Jeebies dance.” Ebben az 1927-es, Louis Armstrong and His Hot Five felvételen szereplõ dalban, amelyen Armstrong felváltva trombitál és énekel, a boy a fekete férfiak fehérek általi megszólítására utalt, míg a Papa a késõbb a mûfaj pátriárkájává váló Armstong tiszteletteljes megszólításaként lesz általános. A jazztörténet zenei szempontból egyik legfényesebb, leginkább elõremutató pillanatában Armstong Hot 5/7 felvételein a fiú/apa szavak használatán túl a fekete öntudat kifejezését kell látnunk abban is, hogy az elõadó magának vindikálja a tánc tudását, ismeretét. Köztudott, hogy az afrikai kultúrák a zenét a mozgásban, az európaiak viszont inkább az idõben élik meg, márpedig a jazzkorszakban a mûfaj szinte az egész nyugati világban elsõsorban mint tánc (és csak ennek nyomán mint tánczene) vált divatossá. A szerzõ maga hosszú kulcsszó-listát adott könyvéhez (gender, race, musicology, business, social mobility, jazz, objects, musical instruments6), ami jelzi, hogy mûve tudományos igényû, de a szélesebb olvasóközönségnek szól. A könyv vonalvezetését viszont megterheli a mûvelõdéstörténeti kitérõ (2. fejezet), és a hangszergyártás technikai részleteibe is túl mélyen megy bele, miközben a szerzõ-féle, feljebb emlegetett személyes szál (4. fejezet) nélkülözhetetlennek bizonyult a pszichológiai hitelesség alátámasztására.

6 Lásd http://rorotoko.com/interview/20081226_gabbard_krin_hotter_than_that_trum-pet_jazz_american_culture Letöltve: 2013. febr. 10.

71


5/21/2013

4:52 PM

Page 72

MEGJELENT A BUKSZ 2013. TAVASZI SZÁMA Elõfizetésben terjeszti a Magyar Posta Rt. 1008 Budapest, Orczy tér 1. E-mailen: [email protected]; faxon: 303-3440. További információ a (06-80) 444-444-es telefonon.

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 73

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 73–79

ARCHÍVUM Pfeifer Zsigmond Zenepszichológiai problémák1 (1923)

I. A zene pszichológiája a biológiában gyökerezik. Ezt az összefüggést igazolta a legtöbb olyan pszichológus, aki foglalkozott zenével, hogy csak Darwint, Spencert, Wallace-t, K. Groost, R. Lachot említsük. Ezért most ismét a zene fejlõdéselméletének alapjairól fogok röviden beszélni, amirõl már tartottam elõadást a magyar pszichoanalitikus egyesületben. Egyet kell értenünk Darwinnal abban, hogy az állatoknál a zene szorosan kapcsolódik szexualitásukhoz. Csekély mértékû eltérések mit sem változtatnak ezen a tapasztalaton. A törzsfejlõdés során a kétéltûeknél jelenik meg a zene; már a békák énekelnek a párzási idõszakban. Ezek az állatok váltak elõször képessé a tartós szárazföldi életre, tehát egy számukra test- és életidegen anyagból, a levegõbõl sajátot tudtak létrehozni. A levegõ ettõl kezdve saját testük részeként viselkedik, énlibidó-, nárcisztikus libidómegszállás tárgya lesz, és attól fogva részt vesz az énfolyamatokban. A Három értekezés a szexualitás elméletérõl c. munkában esik említés a részletösztönökkel kapcsolatban arról, hogy azok egyfelõl bevezetik a szexuális aktust és elvezetnek hozzá, másfelõl, hogy valamikor az evolúció folyamán

1 „Musikpsychologische Probleme von Dr. Sigmund Pfeifer (Budapest)” Elõadásként elhangzott a 7. Nemzetközi Pszichoanalitikus Kongresszuson (1922) Berlinben. Részlet egy „Musikpsychologie und Ästhetik im Lichte der Psychoanalyse [Zenepszichológia és esztétika a pszichoanalízis megvilágításában]” témájú munkából. [A szerzõ jegyzete.] Valószínûleg a Magyarországi Pszichoanalitikai Egyesület tudományos ülésén bemutatott „Probleme der Musikpsychologie im Lichte der Psychoanalyse. [Zenei problémák a pszichoanalízis megvilágításában]” címû munkáról van szó, amely az Internationale Zeitschrift für Psychoanalyse (IZP)-ben megjelent jegyzõkönyvek szerint két részletben hangzott el: 1921. október 22-én „I. Teil: Psychophysiologie des musikalischen Tones [I. rész: A zenei hang pszichofiziológiája]” címmel (IZP, 7(1921):527-529); a december. 10-én „II. Teil: Über den Rhythmus [II. rész: A ritmusról]” címmel (IZP, 8(1922):115-116). A jelen fordítás forrása: Imago, 9(1923):453-462. Pfeifer Zsigmond (1889–1945) idegorvos, pszichoanalitikus, 1918-tól a Magyarországi Pszichoanalitikai Egyesület tagja. A buchenwaldi koncentrációs táborban halt meg. (A szerk.)

73

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 74

Archívum

adekvát szexuális tevékenységek lehettek. Biológiai szempontból nézve ez azt jelenti, hogy a libidónak minden új pozíció elérésekor végig kell járnia korábbi fejlõdési stádiumait. Azt is tudjuk, hogy a libidó ezekhez hozzátapadhat és regrediálhat is hozzájuk. Minthogy a zenével a párzás elõzetes gyönyör-mechanizmusában találkozunk, fejlõdéstörténeti tekintetben is ugyanott kell keresnünk, vagyis valahol a genitális szakasz elõtt. A halaknál, melyeknél a megtermékenyülés csak a tengerben következik be, miután a tejet, illetve ikrát beleürítették, a szaporodásban még egy pregenitális szakasz, mégpedig a legprimitívebb, a sejtosztódás is általában nárcisztikusként különíthetõ el. A sejtosztódáskor és csírázáskor a periodikusan beálló szexuális aktivitást a plazmatestben a nárcisztikus libidófeszültség megnövekedése kíséri, ami aztán a libidóval telített massza egy részének kilökõdésével materiálisan levezetõdik, miután hosszú távon nem bizonyult eredményesnek az a fölöttébb kézenfekvõ kísérlet, amely a testfelületen vagy annak közelében képzett libidólerakattal igyekezett megoldani a tehermentesítést. Feltételezhetõ, hogy ez a mechanizmus egyik vagy másik formában a késõbbi szexuális megnyilvánulások alkalmával is mûködésbe lép, mielõtt a szexualitás legmagasabb foka, a tárgyon való kielégülés bekövetkezik. A megnövekedett nárcisztikus feszültség elõször a testfelület erogén zónáin próbál megkötõdni. Ily módon ezeket libidó szállja meg, ennélfogva muszkuláris elemeik, mint minden libidó megszállta izom, fokozott tónusba kerülnek, és ez a hang tonizálásának alapja. A libidófeszültség további löketénél ezek a megkötések már nem bizonyulnak elegendõnek, következésképpen a szervezet az imént említett eszközhöz folyamodik, azaz a libidófeszültség ezen többletétõl materiális projekció által próbál megszabadulni, amit végül is, bár nem könnyen, egy alkalmas tárgy feltalálásával ér el. Az individuális szexualitásnak elõször, jóllehet en miniature, idõben is végig kell járnia a filogenezis által elõírt fejlõdési utat – amit mi érési folyamatként észlelünk –, és e lappangási periódus közben a nárcisztikus libidófeszültség csökkentése céljából kicsiben intermedier eszközöket vesz igénybe. A szervezet ismét megpróbálhatna úgy túladni a feszültség egy részén, hogy kilöki, de ez a sejtelkülönülésig eljutott, magasabb szervezõdésû élõlények esetében idõvel fokozatosan ellehetetlenült. Így aztán a szervezet olyan megoldáshoz folyamodik, hogy a felhalmozódott libidófeszültségtõl egy alkalmas pótlék, pl. a levegõ kilökésével szabadul meg, mégpedig egy megfelelõ kapun, egy szfinkteren: a gégén, vagyis egy erogén zónán keresztül. Itt van az éneklés, következésképpen minden zene szülõhelye. Bármilyen hipotetikusan hangozzék is mindez, korántsem nélkülözi biológiai tények támogatását. A párzási idõszakban felgyûlõ nárcisztikus libidóhalmaz materiálisan abban az igazolt állattani tényben fejezõdik ki, hogy sok állat testén a párzási idõszakban a legkülönbözõbb megnagyobbodások, duzzadások és merevedést mutató ivarszervek észlelhetõk, melyek a libidó növekedésével jelennek meg és öltenek egyre nagyobb méretet. Különös érdeklõdésünkre

74

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 75

Pfeifer Zsigmond: Zenepszichológiai problémák

azonban azok a készülékek tarthatnak számot, melyek arra szolgálnak, hogy a test ilyetén megnagyobbodását, melynek során a libidó voltaképpen több libidóhordozó anyagra osztódik szét és ritkul, a levegõ felhalmozása révén segítse elõ. Az ilyen légömlenyek, melyek többnyire a légzõkészülékkel függnek össze és a hangképzéssel közvetlen kapcsolatban vannak, megtalálhatók a békáknál, bizonyos csúszómászóknál és a velük legközelebbi rokonságban álló madaraknál, a ritka énekesmadaraknál is. Hadd emlékeztessem önöket Aesopusnak a felfuvalkodott békáról (rana rupta) szóló meséjére, melyben nem véletlen, hogy a hiúságot, a nárcizmus egyik tünetét éppen a felfuvalkodott béka jeleníti meg.1 A békáknak ezt a biológiailag igazolt képességét a gyerekek is felfedezik játékukban, és megtalálják a módját, hogy a békákat arra késztessék, hogy pukkadásig fújják fel magukat. A nárcisztikus libidót hordozó plazma helyett aztán ez a nárcisztikus libidót szállító levegõ préselõdik ki, mégpedig egy erogén zónán, egy szfinkteren, a gégén keresztül, melynek ugyancsak libidóval telített izmai tónusos kontrakcióban vannak. Az ily módon átáramló levegõoszlop periodikus mozgásba hozza a hangszalagokat, ami tulajdonképpen az izmok tónusos izgalmi állapotának következménye és kifejezõdése, és ezáltal a nárcisztikus libidó mellett átveszi még az érintett erogén zóna gyönyörét is. És ez a két tényezõ az, ami a primitív, egyszerû, hosszan kitartott zenei hangnak megadja a maga hangi ingerminõségét. Ez tehát projekció, helyesebben szólva egy szexuális izgalom állapotában levõ, ám tulajdonképpeni tárgyi szexualitásig még el nem jutott szervezet feltorlódott primer-nárcisztikus és autoerotikus libidójának kilökése, egy meglehetõsen elanyagtalanodott pótlék révén. Elméletileg az éneklés a hisztéria megnyilatkozásaihoz áll a legközelebb, lévén, hogy az erogén zóna és a hangképzõ izmok tonizálása jellemzi – mindazonáltal nem genitális alapon, ugyanis fixációs pontja valószínûleg inkább az análszadisztikus fázisba tehetõ; tehát megfelelne [Karl] Abraham elképzelésének, melyben a konverziós jelenségek análszadisztikus eredetének lehetõségére emlékeztet. Sõt az éneklés eredetét valamelyest preszadisztikusnak kell elképzelnünk, valójában a madarak éneklése is a tojó szadisztikus becserkészésébe, majd végül a koituszba vált át. Ily módon tehát a szexuális izgalom növekedése következik be a nárcisztikus szintrõl a tárgylibidó szintjére, s ennek során a nárcizmusnak való ellenszegülést a madárnak mintegy ki kell énekelnie. Ez az elmélet nem fedi tehát a darwini teóriát, mivel ez utóbbi az éneklést primer-erotikus ingernek fogja fel, holott ez az értelmezés legfeljebb másodlagosan lehet helytálló. Épp ellenkezõleg: az éneklés valószínûleg kísérlet a libidó levezetésére egy korábbi, a genitális szintnél primitívebb fejlõdési fokon.

1

Azóta Darwinnál is rábukkantam erre a példára.

75

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 76

Archívum

II. Ha most a lehetõ legrövidebben a zenepszichológiai problémák másik pólusára, a zenei kifejezés tartalmi vonatkozására irányítjuk figyelmünket, akkor elõször is azt kell megállapítanunk, hogy az a felfogás, mely szerint a zene tartalma csupán a kifejezés volna, a maga teljes, úgyszólván szó szerinti megerõsítését posztulált biológiai eredetében leli meg. De hát mi is fejezõdik ki a zenében? Legújabban a zenepszichológusok egyetértenek abban, hogy a zenének nincs objektív tartalma, csak érzéseket, sõt Hanslick szerint ezeknek is csak dinamikai és szimbolikus aspektusait képes kifejezni. Ez a zene nárcisztikus és autoerotikus természetének megfelel; a zene az énben zajló minden olyan folyamatot ki tud fejezni, ami nárcisztikus és autoerotikus libidóval van megszállva, mindenekelõtt azonban a libidónak és az ösztöntörekvéseknek valamennyi viszonylatát és változását, amennyiben ezek az énünkre vonatkoznak, de ha a libidó külsõ tárgyat száll meg, akkor a zene semmit nem tud kifejezni. Tehát valamely vágyat soha, a vágyteljesülést magát azonban igen. Más szóval: a zene minden lelki történés funkcionális oldalát ki tudja fejezni a funkcionális jelenség vagy a Silberer alapján felfogott szimbolika értelmében, és ez összhangban van a zene nárcisztikus jellegével is, mivel Ferenczi egyik megállapítása szerint a funkcionális jelenség nem egyéb, mint a nárcizmus együttmûködése a szimbólumképzésben. A zenében ez a maga teljes tisztaságában izoláltan lép fel, énlibidónk mozgásait, ezeknek a lelki folyamatainkban való részvételét a zenei kifejezésben fedezhetjük fel.2 A zenében tehát – és ez megkülönbözteti az összes többi mûvészeti ágtól – nincs meg az a lehetõség, hogy a libidó énünkön kívül esõ tárgyait ábrázolni tudja. Tárgyszerûen orientált pszichénkben e körülmény folytán rés keletkezik, melyet aztán a tudatos és tudattalan fantáziák úgyszólván kitöltenek. A zenei eszközök, a hanginger, a ritmus és a meghatározó erejû nárcizmus pszichikai regressziót indukál az örömelv mûködésmódjára; ezen az alapon a tárgyaitól elterelt tárgylibidó megannyi tudatos és tudattalan, erotikus és nagyratörõ vágya általi megszállás révén számos eleven tudatelõttes fantáziát, nappali álmot hoz létre, tehát ezen a kerülõúton próbálja megmenteni a tárgyon való vágyteljesülésnek legalább egy részét, ezek azonban a zene lényegével csupán másodlagosan függnek össze. Ezek a tárgylibidinális nappali álmok és fantáziák, amelyek más mûvészeti ágakban azt az anyagot adják, melybõl a mûvész a témát meríti alkotásához, a zenében nem lényegesek; ha megjelennek is benne, akkor is csak másodlagosak és komplementer természetûek, és csak a hallgató

2 A zene eszerint az „én-emlékezésrendszerek” mûvészete. Vö. Sándor Ferenczi: Über den Tic. I.Z, 1922.

76

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 77


pszichéjében alakulnak ki. Ebben a tekintetben a zenét két fázisban kiteljesedõ mûvészetnek nevezhetjük. Még élesebben világíthatja meg ezt a sajátosságot, ha arra a hasonló szakadásra utalunk, amely a szemünk láttára ment végbe egy kiválóan tárgyszerû mûvészetben: a festészetben. Itt azt láthatjuk, hogy a futurizmus egyik leágazása, a szimultanizmus minden funkcionális elemtõl megszabadulva, nagyjából egy asszociációlánchoz hasonlóan az egyidejû gondolati tartalmak ábrázolásában tobzódik, miközben az expresszionizmus egyre inkább lemond a tárgyról, hogy az azt körbetomboló libidó- és énfolyamatokat hangsúlyozza. Nemcsak elméleti megfontolások alapján, hanem a zene példája okán is kézenfekvõ, hogy az expresszionizmusnak jósoljunk jobb túlélési prognózist, melyet a mûvészet fejlõdése szemmel láthatóan már eddig is igazolt. Mindazonáltal az expresszionista festészet éppoly kevéssé válhat valaha is valóban tökéletesen tárgynélkülivé, amennyire a zene tárgyiassá, dacára aszimptotikus, soha teljesen célt nem érõ ez irányú törekvésének. Két látszólagos kivételt azonban meg kell említenünk. Az elsõ esetben az illúzió forrása az, hogy a zene olyan benyomást kelt, mintha a tárgylibidó folyamatait is kifejezné, ez azonban szertefoszlik azzal a felismeréssel, hogy ilyenkor is mindig csak az énlibidó párhuzamos mozgásai azok, amiket imitál és kifejez. Például a zene nem egy meghatározott koituszt, hanem a koituszt általában, annak pulzálását, feszültségét, gyönyörét tudja kifejezni. A tárgyi világ zenénkben is tükrözõdik, hiszen a tárgyi szintre eljutott évezredes fejlõdés a zenében is hátrahagyta a maga nyomait, azonban a nárcizmus elvét nem tudta megingatni, a tárgyi világ a zenében csupán a nárcisztikus kielégültségállapot megzavarójaként, a vágyteljesítéshez vezetõ úton fellépõ akadályként és torlódásként ábrázolható, elsõsorban a különbözõ kontrasztok, konfliktusok, disszonanciák, temperálások által, hogy csak a legfontosabb lehetõségeket említsük. A második látszólagos kivételt azok a fizikai, kiváltképp autonóm folyamatok jelentik, amelyek gyakorta a zenei ötletek elemzéseiben jelennek meg egyértelmûen.3 Ezek a folyamatok azonban annak köszönhetik zenei ábrázolhatóságukat, hogy funkciójuk bensõséges viszonyban van az organikus libidó eltolódásaival és változásaival: ezek a szervek, melyeknek funkciója a zenében kifejezésre jut, többnyire erogén zónák, úgyhogy a zene csupán önnön természetéhez marad hûséges, amikor az autoerotikus libidó libidófolyamatait ábrázolja. Ezek között az análerotikus zóna kap kitüntetett szerepet. Ugyanis a mi szervezõdési szintünkön ez a legitim örököse és képviselõje a libidófeszültségek azon mûködésmódjának, amely egykor a zene keletkezéséhez vezetett. Itt csak Ferenczi tapasztalatára emlékeztetnék a flatus-

3 Gondoljunk csak arra, hogy az álom gyakran szimbolikusan ábrázol szomatikus ingereket, pl. az erekciót felemelkedéssel jeleníti meg.

77

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 78

Archívum

ban lelt infantilis öröm gyakori elõfordulásáról a zenészek és zenekedvelõk körében végzett analízisekben. Az organikus öröm ábrázolása az a határ, ameddig a zene a tárgyábrázolásban eljuthat, tehát a saját test, a materiális én funkciójának ábrázolásáig. Idegen tárgyakat csak akkor tud ábrázolni, ha mód nyílik a velük való nárcisztikus azonosulásra, következésképpen megelevenítésükre.4 Ebbõl a nárcizmus szintjén való megtelepedésbõl fakad a zene tárgyorientált gondolkodásunkkal szembeni sajátos idegensége. Ehhez azonban lényegesen hozzájárul még egy körülmény. A zenében még él egy olyan világfelfogás, amely a libidó nárcisztikus és autoerotikus orientáltságával tökéletesen összecseng, sõt egyedül adekvát vele, nevezetesen az animizmus. Aligha meglepõ, ha a zene létrejöttének imént említett mechanizmusát az animisztikus meglelkesítés módjához hasonlítjuk, amelyrõl Róheim az Imago idei évfolyamában a „Selbst”-rõl megjelent tanulmányában ír. Teljesen megegyezik e kettõ: a nárcizmus és az autoerotikus libidó elhelyezése itt is, ott is projekció útján, jobban mondva a libidó kilökése által, többnyire egy libidó megszállta anyag révén megy végbe. Ezek közül az animizmusban a lélegzet játszik kitüntetett szerepet, hiszen a lehelet-lélek teszi ki annak a lélekfogalomnak a felét, amely a mai napig az utolsó leheletnek a távozó lélekkel való azonosításán alapul.5 A zene fejlõdésének legmagasabb fokán a zenei hangzás közvetlenül váltja ki az animizmus érzését és a maga különösen eleven jellegzetes kifejezõdését a dallamban éri el, a hangokban, melyek csalhatatlanul az eleven, a mozgalmas, egy különleges erõtõl meglelkesített benyomását ébresztik bennünk, anélkül, hogy tudnánk, hogy a pszichének egy már nem elfogadott mûködésmódja az, amely a zenére jellemzõ benyomást kelti bennünk. A dallam és a hangvezetés számos sajátossága és szabálya ebbõl az animizmusból magyarázható. Ezért olyan szoros a kapcsolat az éneklés és az animizmus technikája, a mágia között is. Varázsolni annyit jelent, mint incantare, enchanter.6 A zene keltette összbenyomás a következõ elemekbõl tevõdik össze: elõször is a közvetlen nárcisztikus és autoerotikus örömhatásból, másodszor zenei appercepciónk animisztikussá változásából, harmadszor pedig azon regresszió keltette általános érzésbõl, melynek során gondolkodásunk a zenei eszközök hatására a valóságelv szintjérõl az örömelv szintjére esik vissza. Ez utóbbi elem

4 A hangutánzás (és tágabb értelemben a programzene) lehetõsége jól összeegyeztethetõ ezekkel a gondolatmenetekkel. 5 Vö. ehhez még a keresztény mitológia pneuma-fogalmát, mely szerint a madár alakjában megjelenõ szentlélek a fülön keresztül végzi a megtermékenyítést. A flatus azonosítása az ördöggel közismert. Lásd Ernest Jones: Die Empfängnis der Jungfrau Maria durch das Ohr. Jahrb. VII. 6 Eszerint a zenében tökéletesen igazolódik Freud vélekedése, mely szerint minden mûvészet az elveszett mindenható erõ megmentésére irányuló kísérlet. Lásd még Combarieu: Musique et Magie.

78

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 79


a zenehallgatást kísérõ komplementer, vágyteljesítõ fantáziatevékenységben nyilvánul meg. Konkrétan megállapíthattuk, hogy a zenei kifejezés tárgynélküli, funkcionális fajtája a zene keletkezési körülményeinek és az abban közremûködõ libidó nárcisztikus és autoerotikus szinten történõ rögzõdésének következménye. A zene az a pszichológiai közeg, ahol valóban izolált libidószimbolikát találunk,7 amint azt Jung más, bár ugyancsak a tárgyi szinten lezajló pszichikai folyamatok tekintetében tévesen posztulálta. A zene azonban olyan úton jött létre, melyet tulajdonképpen az erotika jár be, miközben a nárcisztikus szexualitástól a külsõ tárgy felé forduló szexualitásig jut el, és amelyben megvan a libidó tárgyi aktivitásának irányába mutató fejlõdés lendülete. Ez szolgálhat magyarázatul a zene mai fejlõdésére, és ez ad módot arra, hogy következtessünk, azt merném mondani, prognózist állítsunk fel a jövõ zenéjére nézve is. Ma a zene fejlõdésének fõ áramlatát az jellemzi, hogy egyre inkább le akar mondani a primér, érzéki, vagyis nárcisztikus örömrõl és a zenébe a melodika és a ritmika bonyolultságait viszi bele, melyek ugyan alkalmasak arra, hogy kifejezõképességét rendkívüli módon növeljék; a zenét azonban a nyelvhez, tehát a párhuzamos, de a léleknek a tárgyi- és valóságszinten differenciált munkaeszközeihez közelítik. Megszoktuk, hogy ezt a jellegzetességet, ezt a tárgyszerû irányába mutató késztetést, ahol a zenében megjelenik, adekvát elnevezésekkel lássuk el, pl. ott, ahol ez a vonás a legnyilvánvalóbb, a feldolgozásban „tematikus munkáról” beszélünk, mely kifejezés végül is a tárgyi világhoz való igazodás legmagasabb fokát jelenti. Biztos, hogy a nyugati zene eljövendõ fejlõdésében ez a késztetés válik rádiuszvektorrá, és valószínûleg oda vezet, hogy a zene vágyteljesítõ készülékünk mind fokozottabb bonyolultságát a nárcisztikus kielégülés különbözõképpen és egyre inkább késleltetett engedélyezése és bekövetkezése révén törekszik leképezni. Másfelõl ez a késztetés azzal a perspektívával fenyegeti a zenét, hogy egyfajta nyelvként végzi, és ezáltal megszûnik zenének lenni, azaz olyan mûvészeti közegnek, amely a maga libidófejlõdés szabta határait soha nem hagyhatja el anélkül, hogy karakterét fel ne adná, mint pl. a futurista zene bizonyos túlhajtásaiban, és hogy ahelyett, hogy tárgynélküli mûvészet lenne, mûvészetnélküli tárgyiassággá váljék. Azt azonban bizonyosnak vélem, hogy az elõrehaladó lelki fejlõdés és alkalmazkodás szerencsére a zene és minden más mûvészeti ág számára szüntelenül új regressziós feszültségekrõl gondoskodik, melyek remélhetõleg nemcsak új neurózisok, hanem idõvel új mûvészeti formák kialakulásához is elvezetnek. Schulcz Katalin fordítása 7 A matematika és a grammatika közegében tapasztalható rokon jelenségeket más szempontok alapján kell megítélnünk.

79

07-Pfeifer-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 80

MEGHÍVÓ a Magyar Pszichoanalitikus Egyesület 20. centenáriumi konferenciájára

A JELENT MOZGATÓ MÚLT A MAGYARORSZÁGI PSZICHOANALÍZIS 100 ÉVE Október 11. – 12., Hotel Mercure Buda Budapest, I. Krisztina krt. 41-43. Jövõnk sikeres alakítása jelenünk megértésén alapul, amit múltunk feldolgozása biztosít. A pszichoanalízis ezzel a reflektivitással tekint az ember megnyilvánulásaira, a kultúrára, a társadalomra. Az 1913-2013 közötti száz évben a kultúra, a politika és a történelem változásai, sorsfordító kilengései folyamatos kihívások és próbatételek elé állították/állítják az egyént, a közösségeket és a társadalmat. Törésekkel, értékmentésekkel, újrakezdésekkel és fejlõdési lehetõségekkel teli e 100 esztendõ, amelynek lenyomata kimutatható a pszichoanalízis nemzetközileg is számon tartott Budapesti Iskolájának történetében és jelenünkben. Ferenczi kreativitása, innovatív ereje, és a budapesti avantgárd kultúra befogadó légkört és gyors kibontakozást biztosítottak. Ferenczi és a budapesti analitikusok elméleti, technikai és terápiás kezdeményezései kezdetben gyorsan fejlõdtek, késõbb számos nehézségen keresztül lassan integrálódtak a modern pszichoanalízis mai ismeretanyagába, kapcsolódási pontokat kínálva további kutatások számára. Az új „embernézet”- tel szembeni – ahogyan Ignotus nevezte – ellenállások, majd a kultúra és a társadalom hatalmas változásai, amelyek együtt zajlottak a szakmai csoportokon belüli konfliktusokkal mind hatással voltak a pszichoanalízis és a pszichoanalitikus pszichoterápiák mai elméletére, a gyakorlatra és mindezeken túl napjaink „embernézetére”. Tagadhatatlan, hogy a pszichoanalízis fontos szerepet játszik abban a reflektív folyamatban, amellyel önmagunkat, a körülöttünk zajló eseményeket és a velük fennálló folyamatos kölcsönhatást szemléljük. A pszichoanalízis személeti rendszere áthatja kultúránkat, gondolkodásunkat, s ugyanakkor korunk pszichoanalízisének fejlõdésére is hatással van a múlt és a jelen sokrétû változása. További részletes információk (részvételi díjak, CME-pontok, határidõk, kedvezmények) a honlapon (www.psychoanalysis.hu) olvashatók. A konferencia facebook-oldalán (www.facebook.com/mpekonferencia) szintén folyamatosan frissülõ információkat találhat. Esetleges kérdéseivel fordulhat Bánszegi Oxánához: [email protected] és Mészáros Viktóriához: [email protected].

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 81

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 81–100

Mosonyi Dezsõ A zene lélektana új utakon (1934)* A lélektan a legutóbbi évtizedekben korszakalkotó változáson ment át. Könyvszagú és régi filozófiai elméletekre támaszkodó megállapításai elfonnyadtak, az addig ûzött kísérleti lélektanról pedig bebizonyult, hogy csak a felületen marad, a lelki történések misztikus világába nem tud behatolni. Új gondolatok tömegét hozta, új utak beláthatatlan perspektíváját mutatta a lélekelemzés. Ha Freud elméletének forradalmi volta, következtetéseinek merészsége sok szkepszissel találkozott is, még ellenfelei sem tagadhatják, hogy a lélektant megtermékenyítette. Átvették nomenklatúráját, újan alkotott fogalmait azok is, akik immorális és fantasztikus teóriának akarták nyilvánítani nem csak túlzásait – mert ilyenek kétségtelenül vannak –, hanem alapvetõ igazságait is. A zene elméletébe, bár ez a tudomány a legirracionálisabb mûvészettel foglalkozik, a lélekelemzés, az irracionalitás lélektana még alig hatolt be. Maguk a pszichoanalitikusok keveset törõdtek a zenével. Freud maga írta nekem, hogy a zene neki idegen, érthetetlen és hozzáférhetetlen. A zeneelmélettel és a zene lélektanával foglalkozó írók és tudósok pedig nehezen gyõzhetik le azokat a gátlásokat, amelyek a laikust, a nem orvost a lélekelemzés „megbotránkoztató” állításaitól visszatartják. Mégis az a meggyõzõdésem, hogy a lélekelemzés tana és módszerei, amelyek az érzelmek õsi és rejtett gyökereit kutatják fel, az érzelem világának legtitokzatosabb megnyilvánulásáról, a zenérõl is újat adhatnak nekünk. Ez az írás kísérlet, amely meg akarja mutatni gondolkodó zenészeknek, milyen termékeny lehet a zeneelméletnek és a lélekelemzésnek ez az összepáros1ítása. Kezdjük a pszichoanalízis alapelméletének, a libidóelméletnek rövid összefoglalásával. (Csak mellékesen jegyzem meg, hogy ez a teória, bármilyen merész és újnak látszó, már Platón Symposionjában szerepel.) A lelki folyamatokat az öröm elve automatikusan szabályozza. Valamilyen inger váltja ki a lélek minden mozdulatát. Inger alatt valamilyen külsõ vagy belsõ testi-lelki miliõváltozást, zavart értünk, mely a pillanatnyi egyensúlyállapotot megrendíti. A szervezet ezt a zavart tudatosan vagy tudattalanul kellemetlen feszültségnek érzi és a feszültséget csökkenteni vagy megszüntetni igyekszik. Ha a régi egyensúlyállapot helyreáll, * Eredetileg megjelent Mosonyi Dezsõ A zene lélektana – Új utakon címû könyvének elsõ fejezeteként. Somló Béla Könyvkiadó, Budapest, é. n. [1934] 3-37. Az átiratot részben a mai helyesíráshoz igazítottuk. Mosonyi Dezsõ orvos, zenekritikus (Zalaszentgrót, 1888 – 1944, Auschwitz).

81

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 82

Archívum megszûnik a kellemetlen érzés, ha új egyensúlyállapot alakul ki, örömérzés a lelki eredmény. Az öröm elve a lelki életet energetikus alapon magyarázza. Az ösztönök ereje az öröm-bánat (Lust-Unlust) poláris ellentétének hatása és szabályozása alatt alakul át lelki és testi jelenséggé. Az egyensúly közvetlen helyreállítása, az ösztönös vágy azonnali kielégítése s így az örömre törekvés többnyire akadályokba ütközik. Belsõ és külsõ akadályok lehetnek ezek, ellenállásukat a valóság elve gyûjtõfogalma alá foglalhatjuk össze és állíthatjuk szembe az öröm elvével. Az ösztön teljes kielégülésének útja a fajok és egyének fejlõdésében mindig hosszabb, körülményesebb lesz. Az öröm akcentusa, vagy ennek egy része, mely eredetileg az inger okozta feszültség oldódását kísérte, minthogy ez az oldódás késik vagy elérhetetlenné válik, magára a feszültségre tevõdik át. Maga a feszültség, az izgalom okoz örömet, de csak bizonyos fokig. Ennek az izgalomnak olyan fokon tartása, mely még örömet okoz, öncéllá lesz. Magasabb feszültség már kellemetlen érzést, fájdalmat szerez, és ha intenzitása emelkedik, robbanásszerûen egyenlítõdik ki, vagy átalakul és átalakult szublimált jelenség formájában vezetõdik le. A lelki és idegélet, mint a látható vagy észlelhetõ testi jelenségek forrása, ezen elmélet tükrében állandó egyensúlyingadozásnak látszik két erõ, két tendencia nyomása alatt: az egyik az irracionális öröm elve, a másik a racionális ellenállás, a valóság elve. A zene is, mint minden megnyilvánulása az életnek, ebben a legáltalánosabb értelemben lelki feszültségek levezetõ útjának tekinthetõ. Ha ebbõl az egészen általános fogalmazásból indulunk ki – és pedig fejlõdéstani módszerrel, mert a pszichoanalitikus gondolkodásnak ez felel meg – az ösztönöket, a kifejezés erõforrásait legegyszerûbb formáikban és megnyilvánulásaikban kell megfigyelnünk, ahol a zenévé való átalakulás elsõ nyomai mutatkoznak. A „zenei kifejezés” meghatározás erre a fokra még alig illik. Meg szokták különböztetni a hangot, mint a zene alapelemét a zörejtõl. A hangok egységes jellegû mérhetõ magasságú hanghullámok, a zörejek különbözõ magasságú és jellegû hullámok zavart és kevert egyvelegei. A különbség nem jelent ellentétet, zörejbõl lehet kiválasztódás, tisztítás által zenei hang. A legfejlettebb hangszeres zenében is vannak zörejek. Primitív népek, például a hottentották nem tesznek különbséget zenei hang és zörej közt, sõt a primitív zene legnagyobb része zörejekbõl áll, mégis foggal ismerhetjük el e hangzavart e népek zenei kifejezésének. De még messzebb kell visszamennünk. A belsõ feszültségek zenei kifejezését egészen a gyökerénél kell felkutatnunk, ahol egy õsanyagban vegyülnek még el nemcsak az akusztikus, hanem az összes egyéb rokon motorikus kifejezõ és levezetõ lehetõségek és jelenségek, elválaszthatatlanul és egyenlõ értékûen. Ettõl az õsállapottól kezdve kell a fejlõdés sodrát követnünk, mely egyfelõl az irracionalitás, másfelõl a racionális tényezõk vezetõ szerepének kialakulásához fut. A racionális haszonra törekvést és a tiszta öröm keresését állította egymással szembe minden esztétikus, a gyakorlati életet jellemezte az egyik, a mûvészetet a másik. A racionális szó itt mindennapi értelemben álljon minden filozófiai mellékíz nélkül, mint a szervezetek törekvése a létfenntartás nélkülözhetetlen szükség-

82

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 83

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana leteinek fedezésére. A mûvészetet tehát – Kant, Spencer, Ribot meghatározása szerint – tisztán az öröm, az élvezet reményében ûzzük, anélkül, hogy szükségszerûen valamilyen egyéb haszonnal is járna, nem is nélkülözhetetlen feltétele az életnek. Késõbbi esztétikusok, például Guyau és mások az élet minden megnyilvánulásában, mely valahogyan a mûvészetnek számítható, Darwin tanainak hatása alatt racionális indítóokokat is kerestek; szerintük az esztétikai értékeknek a faj fenntartásában és fejlesztésében fontos szerepük van. Szigorúan elválasztani a gyakorlati szükségleteket az esztétikaiaktól nem is lehet. Mûvészet volt minden korban, a legprimitívebb vadembernél is feltalálható valamilyen alakban és éppen ez a tény bizonyítja, hogy nélkülözhetetlen organikus szükséglet. De mi nem is ebbõl az esztétikai szembeállításból indulunk ki. A mûvészet racionális elemeit és jelentõségét nem tagadjuk, bár uralkodó tényezõjének az irracionális örömelvet tekintjük. Az öröm azonban – és ez az, amit fontosnak tartunk – az ösztönök irracionalitásából származik, még ha visszahatólag és racionalizálva fontos életmûködéseinket is segíti elõ. A mindennapi életben a mûvészetet mindig irracionálisnak, a gyakorlati élettõl valahogy idegennek érezték, ha nem is tudtak meglenni nélküle. A mûvészeket majdnem mindig, de különösen olyan történelmi idõkben, mikor az élet szociális rétegezõdése a gyakorlati élet jelentõségét emelte ki, kevesebbre becsülték, mint a praktikusélet embereit. Csak valamilyen egészen nagy siker szerzett nekik becsületet. És ha ma a mûvészeket többre értékelik, abban a mûvészettel elérhetõ anyagi haszonnak is van szerepe. A mûvészek közt is lényeges különbséget tesz a közvélemény aszerint, hogy mily mértékben van alkotásaiknak reális tartalma; építõmester például nagyobb reális értéket jelent ilyen szempontból, mint egy lírai költõ vagy muzsikus, akiket mindig a reális élettõl távolálló álmodozóknak tekintettek. A zenében ez a reális élettel kapcsolatba alig hozható tendencia kétségkívül igen lényeges és éppen ezért joggal használható fel vizsgálódásunk kiinduló pontjául. Mit értünk tulajdonképpen irracionalitás alatt? Öntudatos gondolkodásunk és munkánk logikus, okszerû és egyúttal célszerû, vagyis egy elõre kitûzött cél felé tör. Irracionális sem egyértelmû a céltalannal; helyes fordítása: célszerûtlen; a szer nem felel meg a célnak. A szer, a mérték, az erõfeszítés nincs arányban az elérendõ céllal; vagy a cél nagy, elérhetetlen, mythikus távolban levõ, vagy rejtett, láthatatlan. Minden irracionális tevékenység tehát mértéktelen, korlátlan felelet a kapott ingerre, aránytalanság a szükséges és a tényleg felhasznált energia közt, az organikus szervezet fényûzése. Minden mérték gátlást jelent. Minden tapasztalatunk korlátozza, gátolja az õsi ösztönök mûködését. („Erfahrung besteht darin, dass man erfährt, was man nicht zu erfahren wünscht” – mondja szellemesen v. Lichtenberg.)1 Az irracionalitás lényege eszerint az ösztön gátlásnélküli kielégítése; ez egyúttal a legõsibb forrása a mûvészet örömének. 1 A tapasztalat abban áll, hogy az ember megtapasztalja, amit nem kíván megtapasztalni. (A szerk.)

83

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 84

Archívum Hogy a mértéktelenség, a gátlásnélküli erõkifejtés a mûvészi alkotásban döntõ szerepet játszik, nem új gondolat. Más formában ugyan, mint ahogy mi akarunk építeni e gondolat-alapra, megtaláljuk például Schopenhauernél. Az õsakaratot, melynek közvetlen kifejezését, képét látja a zenében, vak, korlátlan, irracionális hatalomnak nevezi. M. Dessoir mondja: A fenséges hatalmas benyomása mutatja, hogy az ember mértéktelen lény. Guyau a mûvészi élvezetrõl így beszél: „képzeljük el, mit érez a madár, mikor szárnyait kibontja, és mint a nyíl, hasítja a levegõt; emlékezzünk vissza, mit éreztünk vágtában rohanó lovunk hátán, vagy ha vitorláson repültünk a habokon, vagy egy keringõ mámorában; mindezek a rohanások bennünk a végtelenség, a mértéktelen vágyakozás, a buja és bolond élet eszméjét keltik, az egyéni lét megvetését, azt a kényszert, hogy gátlás nélkül rohanjunk tova, és elvesszünk a mindenségben”. A természet az ösztönök mértéktelenségére és az egyéni élet megvetésére százával kínál példát. Az embrionális, az õsi sejtek legfontosabb tulajdonsága a mértéktelen növekedés és szaporodás; a fák és virágok tavasszal végtelen bõséggel szórják virágporukat a levegõbe, a halak spermájukat a vízbe. A nemi ösztön, a nemi mámor lényege a korlátlanság, a gátlásnélküli kielégülés. Ha az egyénre ható ingerek motorikus levezetését nézzük, a gátlásnélküliséget, az ösztön feszültségének robbanásszerû kielégítését látjuk mint az öröm legelemibb és legintenzívebb formáját. A csecsemõ mozdulatainak eredeti módját a tapasztalat még nem szabályozta. Belsõ feszültség, kellemetlen érzések, fájdalom inkoordinált, azaz gátlásnélküli mozgásokban nyernek levezetést és így megnyugtató, mondhatjuk örömös kiegyenlítést. Hisztériások idegrendszerének reakciója betegesen visszatér a primitív, gyermeki módszerekhez. Hisztériások rohamai, az úgynevezett jaktációk rendezetlen, korlátlan mozgások. Szenvedélyes táncokban az ösztön feszültsége, újabb és újabb ingerek hatása alatt extázissá fokozódhat; ezek a mozdulatok elvesztik táncszerû szabályosságukat és hisztérikus rohamokhoz hasonlókká válnak. Primitív népek idõszakos ünnepeiken addig zenélnek és táncolnak, míg egy ilyen extatikus állapotot el nem érnek egészen a teljes fizikai és lelki kimerülésig. Zene és tánc ezen õsi népeknél, mint azt sok példán látni fogjuk, elválaszthatatlanul összetartoznak. Ezen ünnepek célja az ösztön dinamikáját fokozni addig, míg minden gátlást áttör és korlátlan kielégülést nem nyer. Az afrikai bongó törzsek orgiáiról Schweinfurt azt mondja, hogy olyanok, mintha az elemek tombolását akarnák túlharsogni. A busmanok addig táncolnak és énekelnek ünnepeiken, míg teljesen ki nem merülnek. Abesszíniában bizonyos vallásos szertartás azzal kezdõdik, hogy botokkal ritmikusan ütik a földet, aztán táncolnak és énekelnek; az énekhang határozott melódia nélkül mindig magasabb és erõsebb lesz egészen az extázisig fokozódva. Szamoa szigetén is addig fokozzák az ének tempóját és erõsségét, amíg csak bírják. A nyugat-afrikai Aschukában a fiatal négereket varázslóik tam-tamokkal addig izgatják, míg valósággal görcsökben nem fetrengenek – teljesen hasonlóan a hisztériásokhoz. Az ösztön korlátlan kielégülését nemcsak átütõ erejének fokozásával, hanem az öntudat ellenállásának csökkentésével is el lehet érni. Nem véletlen tehát, ha

84

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 85

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana primitív és civilizált népeknél egyaránt általános a bódítószerek használata a zene és tánc élvezetének fokozására. A fõszerepet az alkohol játssza, melynek bódító hatása az intellektus agyi központjaira közismert. Majdnem minden részeg ember énekel, még ha egyébként nem is muzikális. Kevésbé civilizált népek más mérgeket is használnak. Csak egy ilyet akarunk megemlíteni, mert hatása különösen jellemzõ; használata alatt ugyanis azon komponens mutatkozik legpregnánsabban, mely a mûvészi élvezet magyarázatában elméletünk szerint fontos szerepet játszik. Mexikóban a falusi lakósság a Rynchosia (a leguminosák csoportjába tartozó) növény magvait felhasználja élvezeti cikkül. Hatása alatt a legfrissebb benyomások elhalványulnak, és gyermekkori emlékek nyomulnak elõtérbe. A civilizáció gátlásainak megszûntekor a felnõtt ember, a mai civilizált ember is egy régebbi kultúrszínvonalra csúszik, a faj, vagy az egyén gyermekkorába, amelyben a zenei, vagy az ezt megelõzõ gátlásnélküli motorikus kifejezés megszokottabb volt. Gyermekek, akiknek kifejezésmódja a primitív népekéhez hasonló, a céltalan lármában, kiabálásban, ujjongásban nagy örömet lelnek. Ez a gátlásnélküli kifejezése az érzelmeknek felnõtteknek tilos, a civilizáció folyton akadályokat gördít elébe; csak ha e gátlásokat igen magas lelki feszültség kirobbanása áttöri, mutatkozik az akusztikus levezetés legprimitívebb formájában; mint ordítás, örömujjongás, vagy fájdalomban való üvöltés. Ezen õsi explozív kifejezések maradványai a nyelvben az indulatszók; ó, jaj és hasonlók, melyek bizonyos tagolatlanságot és zenei hangzást átalakulva is megõriztek. Az öntudat racionális kritikáját a mesterséges bódítószereken kívül elzsongítja, elbódítja minden ünnepi hangulat is. Minden magasabb rendû zene élvezetének feltétele ez a szuggesztív varázslat; minden operaelõadás, minden hangversenyterem a maga tompított világításával tudatosan teremt ilyen atmoszférát. Enélkül az idegen zenei kifejezéssel nem tudjuk magunkat azonosítani, nem tudjuk saját kifejezésünkké átalakítani. A rádió, mely mindennapi életünkhöz ma már majdnem úgy hozzátartozik, mint a villanyvilágítás, vagy a vízvezeték, ezt az ünnepi varázslatot nem tudja elõidézni s így hatásában, még ha a legkiválóbb módon közvetíti is, messze elmarad a személyes élmény mögött. Az ünnepi varázslat, a jelenségek tisztán érzésszerû felfogása az öntudat logikus, kauzális értelemmel való mûködésével szemben teszi szabaddá az öröm útját; mert félretolja a gátlásokat, és az ösztön közvetlen kielégüléséhez ezáltal közelebb jut. Az örömelv szerint minden inger okozta feszültség, mely levezetést keres, eredetileg kellemetlen. Valóban a hanggal való kifejezés legelsõ oka mindig a fájdalom volt. Az újszülött elsõ kiáltását a hideg okozta bõringer és az anya vérkeringésétõl való elszakadással járó légszomj váltja ki. A sírás ki- és belégzésbõl áll, a vérkeringés és légzés használatra váró mechanizmusa megindul, és automatikusan tovább mûködik, a hang – mondhatnók – tulajdonképpen felesleges melléktermék. Joggal tehetjük fel, hogy ez a kiáltás éppúgy, mint a felnõttek jajgatása, a légszomj megszüntetése mellett bizonyos fokig örömöt is jelent. Közismert tapasztalat, hogy a jajgatás még a fájdalom további fennállása mellett is bizonyos könnyebbülést

85

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 86

Archívum hoz. Egy arab legenda szerint a zene a következõ módon keletkezett: egy Mothar nevû tevehajcsár leesett tevéjérõl, és karját törte. Fájdalmában hangosan kiáltott: Ja, jaila. Szép hangja a tevék járását meggyorsította; ezt látta a többi tevehajcsár, és azóta valamennyien énekelnek. A tevehajcsárok voltak hát a dal felfedezõi. Ez a naiv magyarázat két fontos mozzanatot tartalmaz: a fájdalom a zene eredeti forrása; a fájdalom okozta hangbeli kifejezés játékos utánzása az énekmûvészet. A mi mûvészeink is ezt a felfogást vallják. „Aus meinen grossen Schmerzen mache ich die kleinen Lieder” mondja Heine.2 – „Lustig im Leid sing’ ich von Liebe; wonnig aus Weh web’ ich mein Lied, nur Sehnende kennen den Sinn!” – (Wagner: Siegfried.)3 Jellemzõ, hogy a biblia ujjongó szava, a Halleluja eredetileg jajgatást, panaszt jelentett. Az intenzív, a testnek meg nem fordítható (irreverzibilis) molekuláris elváltozásával járó fájdalom rögtöni, elementáris levezetést kíván, ezért nem is alakul át mûvészetté, zenévé. Csak ha a fájdalom intenzitása eredetileg is kisebb volt, vagy a részben elfelejtett, elnyomott fájdalom már csak az emlékezetben él tovább mint lecsökkent kellemetlen feszültség, akkor alakul át zenei kifejezéssé. Sok primitív nép gyászdalát magyarázhatjuk így; Wallaschek kiemeli, hogy sohasem éneklik õket magában a gyász pillanatában, sõt sokszor e gyászdalok örömet jelentenek. Az ilyen ambivalens lelki jelenségek nem ritkák. Freud: Totem és tabu címû könyvében eléggé megvilágította Janus-arcukat. Késõbb még visszatérünk egy példa kapcsán a gyászdalba foglalt örömre. Heine nagy fájdalmai sem igazi testi intenzív fájdalmak, hanem a fantázia fájó sebei és a dalokban erõs örömhangsúlyos kifejezéssé változnak át. A mindennapi szóhasználat egymást kizáró ellentéte öröm és fájdalom közt a valóságban nincs meg. Gyermekek sírását közvetlenül követheti nevetésük vagy megfordítva; a cyklothym testalkatú felnõttek ezt a módját az ingerekre való reakciónak (himmelhoch jauchzend – zu Tode berürht – egekig ujjong, halálosan szomorú) a gyermeki kedély e rögtöni átalakulásának lehetõségét egész életükben megtartják. De a nemi ösztön mûködésének területén nemcsak egymásután, de egyszerre is érezhetünk örömet és fájdalmat. Az ösztönökrõl, melyek elõször motorikus, majd hangbeli és végül zenei kifejezést keresnek, eddig csak általánosságban volt szó. Itt az ideje, hogy kissé közelebbrõl foglalkozzunk velük. Egyszerûség kedvéért két ösztönt, az én-ösztönt (a létfenntartás ösztönét) és a nemi ösztönt különböztetjük meg. Inger okozta feszültség, fájdalom váltja ki mindkét ösztön mûködési területén a lelki és testi funkciókat. Ebbõl a fájdalomérzésbõl kiindulva, egy részletfunkció sorozatot állíthatunk fel; az én-ösztön keretében: fájdalom – félelem a fájdalomtól (a fájdalom emlékképe által elõidézve) – agresszív készség a fájdalom ellen (harag) – végül motorikus kitörés a fájdalom oka ellen a tárgy vagy ellenfél birtok-

2

Nagy fájdalmamból szülöm a kis dalokat. (A szerk.) Hû szerelem szóljon a dalból, / rejtelmes kín, hangomban zengj, / csak vágyódók értsék meg azt! (A szerk.) 3

86

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 87

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana bavételével. Mindezek a folyamatok hanggal járó levezetések okai lehetnek. A nemi ösztön keretében hasonló sorozatot állapíthatunk meg: a libidó okozta feszültség – narcisztikus, vagyis a saját testén belül kielégítést keresõ vágy – külsõ tárgyra irányuló vágy és végül a libidó tárgyának birtokbavétele. A végcélja mindkét ösztönnek a teljes kielégülés, az extázisnak valamilyen formája – az én diadala vagy a nemi orgazmus. A két ösztön csak elméletileg választható el; a valóságban számos kapocs, keveredés köti össze õket (csak a szadisztikus-mazochisztikus részletösztönökre kell gondolni), úgy hogy ha libidóról beszélünk, azt a legszélesebb értelemben tesszük, és nem korlátozzuk értelmét a nemi funkciók mindennapi szóhasználata területére. Mégis a nárcizmusban, a nemi ösztön külsõ tárgyválasztásra nem törekvõ örömkeresésében, melynek ilyenformán semmiféle gyakorlati, racionális célja (például szaporodás) nem lehet, olyan tendenciát látunk, mely a mûvészet lényegéhez legközelebb áll. A fiatal állatok játéka saját testükkel az én-ösztön keretében – bár tisztán örömre törekvés – mégis racionális célt is szolgál; többnyire gyakorlása késõbbi racionális tevékenységüknek. Az énösztön hanggal járó kitörése állatoknál (diadal-, dühordítás, stb.) sehol sem fejlõdött ki olyan formában, mely valamilyen rokonságot mutatna a zenével. Minden hangjelenség az állatvilágban, melyet zeneinek nevezhetnénk, nemi életükkel függ össze. Nem tagadható azonban, hogy az én-ösztön mint dinamikusmotorikus komponens beleömlött abba a hatalmas folyamba, melyet a libidó táplált és amely a zenei kifejezéshez vezetett. Darwin óta sok vitára adott alkalmat a mûvészet és különösen a zene eredete mint a faji kiválasztódás produktuma. Allen a mûvészet utáni vágyat ezen az alapon magyarázta és azt állította, hogy az idetartozó jelenségeknek a felérõl az erotikus eredetet ki lehet mutatni. Spencer tagadta, hogy a madarak éneke nemi életükkel függ össze; szerinte a bõ táplálék váltja azt ki. Még ha e feltevés második fele igaz volna is, nem cáfolná meg az elsõt. Mert a bõ táplálkozás és a szaporodás közt õsi kapcsolat van. Vannak, akik az egysejtû tény oszlását s így szaporodását a bõ táplálék folytán beállott kényszerbõl magyarázzák. Ez csak hipotézis; de vannak bõven bizonyítható tények is. Alacsonyrendû élõlények, ha elegendõ táplálék áll rendelkezésükre, oszlással szaporodnak. Kedvezõtlen körülmények közt spórákat képeznek, vagyis olyan utódokat, melyeknek táplálékra nincs szükségük, és amelyeknek fejlõdése mindaddig megáll, míg ismét kedvezõ viszonyok közé nem jutnak. De magasabbrendû állatoknál is bõven akad példa, hogy kedvezõtlen táplálkozási viszonyok közt nem élnek nemi életet és nem szaporodnak. Mármost ebben az okláncolatban: bõ táplálkozás – libidó – szaporodás – zenei kifejezés az évezredek óta beidegzett végreakciót a feltételek egyik tagja is kiválthatja, mint arra más téren is számos példa akad. Egyébként Spencer felfogását sok szerzõ nem fogadja el. Groos a madarak énekének fejlõdését úgy magyarázza, hogy a nõstény a hímek közül ösztönszerûen azt választja, amelyiknek hangja szexuálisan leginkább felizgatja. Haecker V., madarak énekének kitûnõ ismerõje, azt mondja, hogy a madarak hangja eredetileg mindkét nemnél a fájdalom kifejezésére

87

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 88

Archívum keletkezett; ezért egyforma a hangképzõ szerv felépítése hímnél, nõsténynél egyaránt. A hangot a madarak részben mint csalogató és jelzõ kiállást használták fel racionális módon és célra, például a rajok együtt-tartására, másrészt a párzás hangjává és dallá alakult át. Fõképpen a hímek hangja fejlõdött ilyen irányban, éppen mert a nõstények választójoga által a legszebben éneklõk kerültek elõnyös helyzetbe és szaporíthatták fajukat. De a nõstények kevésbé mutatós hangja is szoros összefüggésben van a párzással. Hogy egyik-másik madár a párzási idõn túl is énekel, Haecker ezt azzal magyarázza, hogy a nemi izgalom még a költés ideje alatt is megmarad, szükség esetén a madár a terminuson túl is pótolhatja a párzást. E célszerû okon kívül azonban egy minden célszerûséget nélkülözõ víg játékos hangulatba is torkollik ilyenkor a nemi izgalom. Nem érezzük magunkat illetékeseknek annak a kérdésnek az eldöntésére, vajjon az állatok mûvészi ösztöne, tehát zenei kifejezésük is a nemi kiválasztás Darwin szerinti elmélete értelmében fejlõdött-e. Ez a természettudósok feladata. De az elõbbi elmélet ellen hadakozók egyik fontos érvét a pszichoanalízis megcáfolta. A szaporodást a nemi örömtõl, a libidótól az ezen kérdéssel foglalkozók nem választották el. A lélekelemzés kimutatta, hogy a libidó az élet bizonyos szakaiban – az említett narcisztikus alakjában – csakis örömre, kéjre törekszik, anélkül, hogy a szaporodáshoz bármi köze volna. A csecsemõ- és gyermekkori ösztönös jelenségek jórészrõl a lélekelemzés bebizonyította a libidós jelleget; pedig szaporodásról ebben a korban a nemi szervek fejletlensége folytán még szó sem lehetett. Nem bizonyít tehát a mûvészi képességnek a nemi ösztönbõl való levezetése ellen, ha az állatvilág mûvészi jelenségeit a szaporodáshoz való közvetlen kapcsolat nélkül is észleljük; a nemi ösztön infantilis-narcisztikus megnyilvánulásait is láthatjuk bennük. Nem állhat meg az a feltevés sem, hogy a mûvészi érzék általában, még inkább a zenei kifejezés késõbb társult a nemi ösztönhöz; hogy az ösztön minden meglévõ eszközt felhasznál a libidó feszültségének növelésére. A nemi ösztön õsibb minden egyéb esztétikai jelenségnél, régibb minden zenei kifejezésnél. De a mi energetikai elméletünkre nézve nem is fontos e kérdés eldöntése. A libidó feszültsége örömakcentusát eltolhatja, szublimálhatja, és kiegyenlítésre, levezetésre más, távolabb álló pályát is felhasználhat. Ha a primitív népek zenéjével felületesen foglalkozunk, anélkül, hogy a lélekelemzés mélyebbre hatoló eszközeit használnók, valóban kevés anyagot találunk a libidó és a zenei jelenségek kapcsolatának bizonyságára. Wallaschek alig néhány törzset említ, amelyek kimondottan szerelmi dalokat énekelnek. Ilyen például a maorik rure-rure dala, melyet erotikus taglejtésekkel kísérnek. Nádsípot fújnak éjjel a fiatal Shawannee-indiánok, ezzel fejezik ki szerelmi vágyukat és ezzel csalogatják a nõket az erdõbe. Az araukániaiak a dorombot használják fel lányhódításra. De ilyen, elvétve található nemi jellegû zenemûvészet elenyészik a harci és vadászdalok tömegében. Ha azonban a primitívek zenéjét táncukkal együtt vizsgáljuk – és ehhez teljes jogunk van, mert nincs náluk zene tánc nélkül, a motorikus és zenei kifejezés

88

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 89

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana mindig együtt mutatkozik –, akkor a szexuális kapcsolatok egyszerre nyilvánvalóbbakká lesznek. Csak az állatvilág analóg jelenségeire kell gondolnunk, a hódító táncra, a harci játékokra. Bizonyos madarak hódító táncának (darutáncának) szexuális jelentõsége kétségtelen, egy kutató sem tagadja ezt. De a legmeglepõbb analógiát a primitív népek harci és vadásztáncaihoz a nyírfajdok példája mutatja. Párzás idején a kakasok egy közös tisztáson jönnek össze, hogy egymás mellett dürögjenek és harcoljanak. Nem lehet a harcot a tánctól megkülönböztetni – mondja Haecker. „A nyírfajdkakas harca öncéllá válik. Eredeti célja, a vetélytárs elûzése mindinkább elhomályosodik. A harc színjátékká lesz, a kakas és a nõstény izgalmát fokozó aktussá, melynek ugyanaz a jelentõsége, mint az éneké.” Egy mási fejlõdési formája e harci táncnak megmutatja, hogyan nyer e nyilvánvalóan libidós jelenség más jelleget, — szublimálódik, mondanók, ha emberrõl volna szó. Felületes szemlélõ nem is lát már nemi kapcsolatot, holott a valóságban az öröm forrása és hajtóereje a libidó marad. A Machetes pugnax nevû madár hímjei a tisztáson nõstények nélkül jelennek meg és egészen sportszerûen harcolnak egymással. Nincs sem komoly gyõztes, sem komoly legyõzött, az egész tisztára játék. A hímek ez után a verseny után felkeresik a nõstényeket az elõbb lefolyt harci játékra való minden vonatkozás nélkül. Láthatunk egy nõstényt két hímmel is, szóval még az annyira elterjedt féltékenységet sem lehet a versenyjáték látható okának tartani. Tisztára narcisztikus játék az, benne van már a kielégülés is, ezért hiányzik a nemi vágy tárgyára irányuló féltékenység is. A dél-amerikai sarkantyússzárnyú bíbicek és daruk táncának is ez az egyetlen magyarázata. Haecker szerint eredetileg a hímek harca volt egymás ellen a nõstények birtokáért, késõbb racionális célját elvesztette. A primitív népek táncai ugyanezt mutatják. Némelyik táncban még észrevehetõ a libidós jelleg, másikban már elhomályosult, de azért még egy-egy jel elárulja ezt az eredetet. Az újzélandiak harci és szerelmi táncokat járnak: de sikamlósak a haditáncok is. Általában az európai megfigyelõk a primitívek legtöbb táncát „szemérmetlennek” írják le. Timbuktuban, a nyugat-afrikai négereknél csak az asszonyok táncolnak, míg a fiatal lányok szégyenkezve bújnak el az öregasszonyok mögé; bebizonyítják ezzel, hogy õk maguk is szemérmetlennek érzik e táncot. A kimbunda-törzsek diadalünnepeiket kimondottan ilyen szemérmetlen taglejtésekbõl álló tánccal ünnepelték, aztán leölték foglyaikat, végül az asszonyok táncoltak egy még sikamlósabb táncot. A batuk nevû lakodalmas táncot Loangoban Lansdorf következõképpen írja le: férfiak és nõk felállnak körben, monoton ének- és dobszóra egyhelyben forgolódnak órák hosszat, míg kimerülve el nem esnek. Idõnkint egy férfi és egy asszony beugrik a körbe és állva utánozza a coitust. Nukahivában (Otahiti) az asszonyok a tánchoz egészen meztelenül jönnek, és obszcén megjegyzésekre és viselkedésre adnak alkalmat. Madagaszkár szigetén is az asszonyok táncolnak, mielõtt a férfiak a háborúba vonulnak; táncolnak, mialatt távol vannak, hogy a harcra buzdítsák õket. E tánc értelme, hogy még a másik férfi ellen való harcban is a nõ, a nemi vágy tárgya jelenti a díjat és a tánc a nemi aktust jelképezi.

89

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 90

Archívum Mert hogy a tánc mûvészi formába öntött nemi egyesülés, az kétségtelen. Wallaschek a primitív népek táncáról azt mondja: „Úgy látszik, az embereket leginkább az készteti táncra, ami az állatokat. Vagy a felesleges erõ felhasználásáról, vagy pedig nemi izgalomról van szó.” Az omashawa indiánok (Észak-Amerika) nyelvében ugyanaz a szó jelent táncot és nemi érintkezést. Mivel a nemi ösztön kielégítését már primitív népek asszonyainál is sok gátlás akadályozza, több mint a férfiakét, a tánc, mint szublimált nemi aktus inkább az asszonyok mulatsága. Civilizált népeknél sincs ez másképp. Az elfojtás által az óhajtott nemi érintkezés tánccá alakul át. További szigorítása a folyamatnak, ha a táncot is eltiltják az asszonyoknak. Afrikában, Maruise4 királyságban, a haiderabadi araboknál a férfiak táncolnak és a nõ szerepét férfiak vagy gyermekek játsszák. Az elfojtásnak egy másik formája, ha férfiak és nõk külön táncolnak, de amellett erotikus taglejtéseket mutatnak. Az elfojtás mûve volt a régi Egyiptomban, hogy a felsõbb társadalmi osztályok nem táncoltak; a görögök történelmük késõbbi idejében fizetett táncosnõket tartottak, de õk maguk nem táncoltak. Rómában, Cicero idejében a jól nevelt körökben nem volt szokás a tánc. Hinduk, mohamedánok általában a táncot nem tartják tisztességes férfiakhoz és asszonyokhoz méltónak. De hivatásos táncosnõket szívesen alkalmaznak, ezek egyúttal prostituáltak is, akiknek az óhajtott és burkolt szerelmi játék a nyilvánosság elõtt is meg van engedve, de éppen ezért megvetett tagjai a társadalomnak. Perzsiában is csak a prostituáltak táncoltak és énekeltek. Zenét, táncot Japánban majdnem kizárólag nõk ûznek, a férfiak méltatlannak tartják ezen szórakozásokat. A nemi érintkezés Janus képe, ambivalenciája, tabu jellege, egyidejûleg óhajtott és megvetett volta mutatkozik ezekben a szokásokban. A brahmin templomokban, ahová alacsonyabb kasztok tagjai a lábukat sem tehetik be, éppen e megvetett kasztokból származó hivatásos táncosnõk teljesítenek vallásos ünnepeken tánccal, zenével fontos hivatalos funkciót. Az elfojtás némely népnél nemcsak a zenés táncra, hanem magára a zenére is kiterjed. Mohamed mondása: A zene az ördög rossz tanácsa, hogy megrontsa az embereket. A sinai arabok szemérmetlenségnek tartják, ha valaki a rebabán (gitárszerû hangszer) hallgatóság elõtt játszik. Az elfojtás egy másik változata, ha a zenét megengedik, de a zenészt megvetik. Az afrikai néptörzseknél például az énekeseket jól fizetik, de egyébként nincs becsületük; e megvetés jeléül haláluk után nem temetik el õket, mint a többi halottat, hanem odvas fában hagyják hullájukat elrothadni. Az arabok a fütyölést a szellemek beszédének tartják – valószínûleg a Korán tilalma folytán – és a fütyölõ szája 40 napig tisztátalan. A tilalomnak ebben az esetben is tabu jellege van, vagyis szexuális jelentõsége. Tabu a Washington szigeteken asszonyok részére idõnkint a tánchely. Gyakori a hangszerek tilalma nõknek. A pápuáknak Új-Guineában van egy fajta furulyájuk, melyet asszonyok nem láthatnak. Dobjaikat sem nézhetik meg nõk, sõt a férfiak nem látogathatnak meg nõt azon idõ alatt, míg a dobokat készítik. Wallaschek talált az Amazonas folyam mellett egy törzset, melynek nõi egy bizonyos zeneszerszámot csak halálos büntetés árán láthattak. A finnországi lappoknál a dobnak egy fajtáját nem szabad

90

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 91

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana házasuló lánynak érinteni. A legprimitívebb hangszerek egyike a búgófa, melyet az ausztráliai bennszülöttek csurungának neveznek. Ez az eszköz az õsök és egyúttal a pénisz szimbóluma, Róheim Géza kutatása szerint. A nép azt hiszi róla, hogy búgás közben termékenyíti meg a nõt. Ezt a két végén hegyes ellipszis alakú kõ vagy faeszközt is gondosan elrejtik nõk és fel nem avatott fiúk elõl a szent barlangokban. Ezek a tilalmak, ez a félelem a hangszerek megérintésétõl, melyekre a libidó hangsúlya áttolódott, teljesen azonosak bizonyos szexuális eredetû idegbajok tipikus tüneteivel. A Rio dos Uapés környéki indiánoknak fakéregbõl készült tubáit nõ nem láthatja; ha megszegi a tilalmat, méreggel megölik. Egy ennyire szigorú tilalom mutatja a szimbólum mély jelentõségét; az eszköz nem egyszerû hangszer, hanem az egész totemisztikus komplexust helyettesíti (az õsapát és annak nemi szervét, mely a nõk feletti hatalom tisztelt, gyûlölt, irigyelt eszköze. Hiszen a phallosz-kultusz még az ókor számos kultúrnépénél is megvolt). A hangszerek sokszor ember vagy állatlakúak és egyúttal fétisek is; ezzel ismét a totemre és nemi jelentõségre emlékeztetnek. Az orosz guzli (guszla, guszlica) neve a gusz-tól (lúd) ered, az osztjákok 8-húrú hangszerüket hattyúnak nevezik. A hegedû a csigában – ebben a teljesen felesleges díszítésben – mai napig megõrizte az ember vagy állatfej rudimentumát. Régi hegedûkön egyébként láthatunk ilyen fejeket. Az okarina épp így megtartotta a madáralakot. Igen gyakori a következõ kombináció: hangszere, mint fétisek – érintési tilalom avatatlanok számára. A hangszer csodatévõ hatása is hozzátartozik e felfogáshoz. A zuni négerek Afrikában a bugató fát mennydörgést varázsló eszköznek tekintik, e hitükben a hangszer szélzúgáshoz hasonló hangja megerõsíti õket. Ugyanezt az eszközt a brazíliai borrók halotti ünnepeiken az elhaltak szelleme ellen használják, akiket a visszatéréstõl akarnak elriasztani; ezt az eszközt sem láthatják a nõk. Mindezeket a titokzatos tilalmakat a lélekelemzés megmagyarázza. Éppen a gyászszertartások, a gyászzene a hangszerek érintési tilalmával nõk részére világítják meg e tilalmak igazi értelmét. Emlékezzünk vissza a fentebb idézett tapasztalatra, hogy a primitív népek gyászénekeiket sohasem a gyász okának megrázó pillanatában éneklik. Néhány más megfigyelés mutatja e szokás jelentõségét és összefüggését. A szulimák (a Sierra Leone parttól keletre) az elhalt férfi tiszteletére egy hónappal halála után gyászünnepet ülnek. Férfiak és nõk zenére táncolnak az elhalt sírján és csak ezen alkalommal szabad a nõknek szemérmetlen taglejtéseket végezni. E gyászünnep szimbolikus jelentõsége nyilvánvaló: a megölt õsapát gyászolni kell, de az öröm afelett, hogy az eddig elnyomott fiúk a nõket birtokukba vehetik, taglejtésekben és zenében mutatkozik meg. A nõk elõl tiltott hangszer pénisz-szimbólum. Nem is igen lehet más magyarázatot találni. Az elõbb leírt gyászünnep sok afrikai törzsnél szokásos; az európai falusi lakosság gyásztora sem jelent más, ha a szexuális motívum látszólag teljesen el is tûnt belõle. A primitív népek más ünnepei és azok zenéje még nyílt kapcsolatot mutattak a nemi élettel. Lakodalmi zene egy népnél sem hiányzik, de más vallásos nemi jellegû eseményeket is zenével ünnepelnek. A körülmetélésnél pl. Gambiában,

91

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 92

Archívum Madagaszkáron énekesek szerepelnek és táncokat járnak. Becsuánában dobokkal, tánccal, ordító énekkel ünneplik a fiatal nõk nemi érettségi avatását. Sok primitív nép szüléseknél hangszerekkel akarja a szülést könnyebbé tenni, a rossz szellemeket elûzni. Gyászünnepek, a nemi élet fontosabb mozzanatai lényeges részét képezik a primitívek vallásos kultuszának. A vallás eredetének kérdése nem tartozik ide; két döntõ motívumáról azonban, melyek a zene lélektanára nézve sem közömbösek, meg kell emlékeznünk. A pszichoanalízis szerint az egyik az Ödipusz-komplexus neve alatt ismert motívum, a másik a gyermekies elhagyatottság érzése a természet és a halál erejével szemben. A vallás megtiltja azon ösztönök közvetlen kielégítését, melyek egy fejlõdésben levõ civilizációban az együttélést megakadályozhatnák, de egyszersmind ezen ösztönöket szimbolikusan kifejezi, és szublimált formában megengedi kielégítésüket. A vallásos ünnepek is ilyen kompenzáló kielégítések és ennek legfontosabb elemei zene és tánc. A totem-tabu vallásos rendszerben az ösztöntilalmak átlátszóbbak, mint a fejlettebb kultuszokban. A primitív ember mindenütt akadályokba, tilalmakba ütközik; átok vagy halál fenyegeti, ha megsérti õket. De minden vallás az ünnepek intézményében meghagyja a biztonsági szelepet és megengedi a tilalmak idõszakos áthágását. Nem egyebek ezen ünnepek, mint a törvény engedte excessusok, és éppen e szabadságnak köszönhetik víg jellegüket – mondja Freud. Így látta Nietzsche is a zene eredetét, mint az ösztöntilalom alól való felszabadulás kifejezését a babilóni orgiasztikus ünnepekben, a görög bacchusi kórusokban, a római Saturnaliákban, a Szt. János, Szt. Vitus táncokban. „A rabszolga most szabad ember, ledõltek a merev és ellenséges határok, melyeket az emberek közé a nyomor az erõszakos hatalom vagy a hetyke divat állítottak. Énekkel és tánccal mutatja ki az ember, hogy egy magasabb közösség tagja: elfelejtette a járást és a beszédet, táncolva emelkedik a levegõbe.” A felszabadulás elsõsorban a nemi életre vonatkozik, mert a legrégibb tilalmak is ezt illették. Az ünnepek mámorában, extázisában; melyet a zenében és táncban való gátlásnélküli kifejezés idéz elõ, máskor szigorúan büntetett kicsapongásokat is megenged a szokás. Freud ezt az extázist azzal a diadalérzéssel magyarázza; mely keletkezik, amikor az énfeletti én (az én ideál, az egyéniség gátlásainak összege) egybeolvad az ösztönénnel. A primitív népek extázisával analóg esetnek tartja a mániát: a mániásban az én és az én-feletti én annyira összeolvad, hogy az összes gátlások, szemrehányások megszûntével az egyén a diadal és boldogság vígságát élvezi minden önkritikától mentesen. Találhatunk még régibb analógiát is. Az állatvilágban sem ismeretlen az extázisnak ez a célon túllövõ, tisztán örömre törõ példája. A madaraknak ilyen irracionális excessusa a repülõ éneklés; az ilyen ének racionális célja, hogy a nõstény érzékiségét jobban felizgassa azáltal, hogy a magasból hallhatóbbá válik. A mi pacsirtánk extázisában azonban annyira eltávozik a nõsténytõl, hogy az már nem is hallhatja énekét. A motorikus és hangbeli kitörés ilyen mértéktelen fokozásában az öröm a legtisztább formájában nyilvánul meg.

92

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 93

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana De térjünk vissza a primitív népek vallásához. Sok más olyan jelenséget találhatunk, melyek megerõsítik azt az elméletet, hogy a zene és tánc az ösztönkielégülést helyettesíti. Ilyenek pl. az állatpantomim játékok. A primitív népek sok tánca állatok és állatokra való vadászat utánzása. Az állatfaj minden törzsnél szigorúan meg van határozva. A táncolók az állat hangját utánozzák és primitív módon zeneileg feldolgozzák. Ezek a táncok a totemkultuszra utalnak, az ösztön kielégítésének tilalmára, melyet vallásos formában tánccal és zenével mégis csak kijátszanak. Az emberáldozatnak ugyanaz a jelentõsége, mint a totemállat megölésének. Tánc és zene ennél is nagy szerepet játszott. Dahomeyben régebbi idõkben az emberáldozat elõtt a király maga énekelt és táncolt, a kar felelt neki, végül a király apja szelleméhez imádkozott. A sámánok, orvos-varázslók hivatása szintén részét képezi a vallásos kultusznak, mely részben a természet erejével, betegséggel, halállal szemben érzett tehetetlenség érzésének kompenzációja. Az orvos-varázsló praxisa a legtöbb népnél táncban és zenében merül ki. A primitív orvos majdnem mindig zenével lép fel. Jamaicában az obeah (varázsló) táncot jár a beteg elõtt. Némely indián törzsnél magának a betegnek kell órák hosszat énekelnie. A szülés megkönnyítésérõl zenével, a rossz szellemek elûzésérõl már szóltunk. Magas kultúrájú történelmi népek vallásában is szerepeltek táncok; Egyiptomban, Görögországban, Indiában, sõt a középkorban még a katolikus egyházban is voltak vallásos táncok. A mohamedánok a táncot és zenét nem tartják tisztességes emberhez méltónak és mégis szentnek tartják extázisukban a táncoló derviseket. A régi Mexikóban volt egy ünnep, amikor az összes papok négy napi böjt után éjjel meztelenre vetkõztek, dobszóra és egyéb hangszerek szavára véresre korbácsolták testüket, aztán a tenger hullámaiba rohantak és a vízimadarak kiáltását utánozták. E kultuszban felismerhetjük a szimbolikus, többszörösen elbujtatott nemi ösztön extatikus helyettesítõ kielégítését. A felsorolt tényekkel szemben a következõ ellenvetés nem volna jogosulatlan: Zenét épp úgy, mint más izgató szert felhasználnak az emberek mindenütt életörömük és libidójuk fokozására, de a kapcsolat nem elválaszthatatlan és legkevésbé sem fejlõdésbeli. Ezen ellenvetést megdönti az a tény, hogy a primitív népek zenéjében valamennyi jelenlevõ részt vesz; e zenét nem hallgatják, hanem ez a legsajátabb kifejezése a szociális kapcsolatban élõ egyénnek. Wallaschek hangsúlyozza a primitív zene szociális jellegét. „Az õsidõkben nincsen hallgató, csak szereplõ” – mondja. Ha pedig a tánc libidós jellegét nem lehet tagadni, akkor a zene öröme is csak az eroszból fakadhat, mert a primitív népeknél a kettõ egymástól elválaszthatatlan. Hogy késõbb a zene lassan elválik a tánctól, hogy narcisztikus öröm beteljesülése legyen, és eredeti összefüggése elhomályosul, ez a fejlõdésnek egy gyakran tapasztalható módja. Beethoven szimfóniáiban hiába keresnénk természetesen nemi ösztön jelleget. Nem kell idéznünk Schillinget, aki azt állította, hogy a törvénytelen gyermekek születése és a zene gyors tempója közt határozott összefüggés van. Nincs szükségünk Tolsztoj tanúvallomására sem, aki a

93

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 94

Archívum Kreutzer-szonátába izzó erotikát magyarázott bele. A hangszeres zene alkotásai a földi ösztöntõl elválva tisztult magasságokban lebegnek, az általuk kiváltott örömérzések is finomultak, szublimáltak, de egyúttal kevésbé intenzívek. Hiányzik belõlük az extázis nyers ereje, mert az ösztön sokszor átalakulásában energiát veszít. De emellett a tisztult forma mellett a primitívebb megnyilvánulása is megmarad, primitívebb nem technikában, hanem mint a libidó helyettesítõ kielégülése. Ahol a zene a mai napig megõrizte õsi, közvetlen kapcsolatát az emberi testtel, ott az ösztön mint az öröm forrása ma is nyilvánvaló. Táncot zene nélkül ma sem igen tudunk elképzelni. A mi táncunk pedig épp úgy az elfojtott vagy gátolt libidó motorikus levezetése, mint a primitíveké; a nemek testének közeledése egymáshoz, megengedett formák közt. Minél erõsebb a gátlás, annál decensebb a tánc, annál inkább kerülik a testek közvetlen érintkezését. Ma és más hasonló korban, mikor a nemi ösztön pályája szabadabb, a táncformák megengedik az egész test egymáshoz simulását és a nemi érintkezést utánzó taglejtéseket. A tánczene iránya párhuzamosan halad a tánc jellegével. Az illedelmes, behízelgõ menüett zenéje tökéletes képe az elfojtott vágynak, mely szerelme tárgya körül röpköd és keze érintését már kegynek, örömnek érzi. A keringõ sóvárgása csalogató leánykérés. Épp így nem véletlen, amikor a modern táncok nyers, alig rejtett erotikájukhoz hangszereket, dallamot és fõképpen szinkópás, izgató ritmus négerektõl, primitív népektõl kölcsönöznek. Miként a táncban és zenében az eredeti libidós feszültség megmaradt az öröm közös forrásának, a zene és a szó asszociációjában sem nélkülözzük az örömre törekevés ezen erotikus eredetû tendenciáját. A népdalok nagy része szerelemrõl szól. Bár a szó és a zenei hang nemi szférából eredõ érzést kifejezõ társulásában a súlypont a tartalmon van, mégis zene nélkül a szó hatása sokkal gyengébb. Költõi mûvek csak magasabb kultúrafokon nélkülözhetnek zenei tulajdonságokat, primitív népeknél mindig zenei hatással kombinálva adják elõ õket. A zene közvetlenebb kifejezésmód, mint a szó, mert az õsi ösztönnek könnyebben járható. Közismert tény, hogy az antik dráma a dionysosi szatírjátékokból eredt; a szatírok kecskebõrköténye phallosszal és farokkal való megjelenése, erotikus táncuk, az ún. kordax kétséget kizáróan mutatja a libidós eredetet és jelentõséget. A dráma tárgya ma is még fõként a szerelem. Az operában pedig majdnem kivétel nélkül a szerelem áll a drámai és zenei események középpontjában. Igaz, hogy az operaszöveg többnyire korábban keletkezett, mint a zene, más szerzõ munkája, tehát a zeneszerzõ saját libidó-okozta lelki feszültségéhez semmi köze sincs, de egy bizonyos veleérzõ behatolás, szellemi kisajátítás mégis csak szerepet játszik a szövegkönyv kiválasztásában. De ha olyan szerzõ mûveit vizsgáljuk, akinek zenedrámája szóban és zenében legsajátosabb kifejezése lelkének, ha pl. Wagner operáit nézzük, azt találjuk, hogy majdnem valamennyi egy és ugyanazon témát variálja: a bûnös szerelem bilincseiben kéjelgõ és szenvedõ hõs megváltását egy tiszta szûz által. Saját szerelmi sóvárgása, saját libidójának belsõ feszültsége – bár szublimálva a transzcendentálisig –

94

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 95

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana adja meg Wagner hõseinek a szerelem legmélyebbe, legigazabban csengõ kifejezését. * Hogy az állatok és gyermekek játékában mutatkozik elõször a mûvészet utáni törekvés és hogy minden mûvészet fejlõdéstörténetének a játékkal kell kezdõdnie, arra nézve nem igen van véleménykülönbség és filozófusok és esztétikusok közt. Játékos tevékenységet ki lehet mutatni az állatvilágban le egészen a halakig és bizonyosan van még ott is, ahol együttérzésünk már felmondja a szolgálatot. Õsi, a szerves világ lényében lakozó vágy, kényszer hajtja az egyedeket és csoportokat, hogy bizonyos mozgásokat (motorikus funkciókat) végezzenek anélkül, hogy életfenntartásuk látható és közvetlen célját szem elõtt tartanák. Bár ezek a mozgások sokszor hasonlítanak a gyakorlati, a táplálékszerzés és egyéb közvetlen szükségletek megszerzésére szolgáló tevékenységhez, mégsem lehet félreismerni tiszta örömre törekvõ jellegüket. A játéknak egy másik sajátos vonása, hogy fõképpen fiatal állatok foglalkozása, gyermekek kizárólagos szórakozása, míg a felnõtt csak idõnkint felfrissülés, változatosság kedvéért játszik. A játék okát és célját illetõleg sokféle nézet merült fel. Spencer szerint a szervek pihenése alatt felgyûlt felesleges energia tör elõ a játékban; a kiömlõ energia a megszokott, begyakorolt pályákon haladva lesz örömmel telt tevékenységgé. Ez a felfogás megegyezik részben a mi nézetünkkel, mert szintén energetikus értelemben magyarázza a játékot. De az energia feleslegét nem lehet bebizonyítani, nem is szükséges az a játék magyarázatához. Fontosabb a begyakorolt pályákon való levezetés; mi e folyamatot az ismerõs felismerése örömének fogjuk nevezni és igen fontos szerepet fogunk ezen elvnek juttatni gondolatmenetünkben a zenei hatás megmagyarázásában. A játék legalaposabb elmélete Karl Groostól származik. Szerinte a játék az öröklött képességek gyakorlása, tehát átmenet a motorikus szervek racionális tevékenységéhez. Külön játékösztön felvétele, mint az egyes esztétikusok tették, nem magyaráz semmivel többet. Az öröm elve eléggé megbízható útmutató lesz nekünk. Segítségével a legõsibb és kétségbe nem volt ösztönök energetikus átalakulását figyelemmel kísérhetjük. Az ösztönök tehát (az én- és nemi ösztönök) inger kiváltotta feszültségüket motorikus kitöréssel egyenlítik ki, mely eredetileg gátlásmentes, mértéktelen és épp ezért örömmel telt. A motorikus kitörés azonban alkalmazkodni kénytelen a tapasztalatokhoz, racionalizálódik, teljesen célirányos lesz; bár a cél elérésével (például éhség, evés) az inger kiküszöbölõdik, az öröm már nem teljes. A legracionálisabb, legszükségesebb funkciók örömakcentusa is megnõ, ha felesleges, irracionális momentumok kísérik; például a szépen terített, virágokkal díszített asztal fokozza az evés élvezetét. A játékban pedig éppen ezek az irracionális, felesleges tendenciák az elsõdlegesek. Kezdetben a játék inkoordinált, gátlásnélküli mozgás; bizonyítja ezt a gyermekek víg bolondozása, arcfintora, vég-

95

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 96

Archívum tagjaik dobálása. Minél inkább rendezõdnek e mozgások Groos elmélete értelmében mint a késõbbi racionális mozdulatok gyakorlatai, minél inkább közelednek a gyakorlati végleges megjelenési formájukhoz, annál többet veszítenek örömmel telt hangsúlyozottságukból. A racionális motorikus levezetés erõs külsõ tárgyra irányítottsága minden felesleget, minden mértéktelent kerül, míg a tisztán örömre törekvõ játék tárgya az énben van, elérésére és így a motorikus kiegyenlítõdés elé mesterséges akadályokat, a vízesést erõteljesebbé tevõ zsilipeket épít az én. Nem különül el a játékban sem teljesen egymástól a racionális és irracionális mûködés, állandó kompromisszumokat, egyensúly-ingadozásokat észlelünk, de az öröm akcentusa az ösztön gátlásmentes levezetésével együtt nõ vagy annak korlátozásával fogy. Nem tagadható az én-ösztönök szerepe a játékban, de hogy azt a folyamatot, mely a játéktól a mûvészetig mindig szélesebben és tisztábban ömlik, fõképpen a nemi ösztön táplálja, igyekeztünk az állatvilágból és a primitív népek életébõl vett példákkal bizonyítani. A játék e magyarázata ellen nem mondhatjuk jogosulatlannak a következõ ellenvetést: Azt mondtuk, hogy a gátlásnélküli motorikus levezetés az öröm forrása. A játékban azonban – különösen fejlettebb játékokban – mindenütt szabályokat, tehát korlátokat láthatunk és éppen e szabályok betartása teszi a játékot kedvessé. (Így nem játszom – szokták mondani, ha valaki az elõírt szabályokat nem tartja be.) Az ellentmondás csak látszólagos. A szabályok, a gátlások a játékban magunk választotta, az örömöt anticipáló feszültséget kismértékben fokozó, de az ösztön energiájának levezetésében komoly ellenállást nem tanúsító zsilipek. Ezek a levezetést nem akadályozzák meg, csak késleltetik. Azonkívül a játék energiakészlete csekély. Az ösztön narcisztikus, infantilis alakjában mutatkozik, átütõ ereje még nem érte el teljes fejlettségét vagy egy bizonyos fokon fejlõdésében megakadt. Ha az energiaellátás fokozódik, a játékból komoly eset lesz, amint azt gyermekeknél sokszor tapasztalhatjuk. Ilyenkor a feszültség elemi kitörésben egyenlítõdik ki, valamilyen formában robbanásszerû levezetés áll be. A zene fejlõdése is a játékon át vezet. A színészetet kivéve egyik mûvészetben sem tartotta meg a szóhasználat ezt a kifejezést; csak a zenész játszik (franciában jouer, angolban to play, németül spielen). Még akkor is játékról beszélünk, ha komoly emberek tömegben mint zenekar ülnek a pódiumon. A zene irracionális, a gyakorlati élettõl távolálló lénye árulja el magát e kifejezésben. Egyek korok zenei formái a játékszabályoknak megfelelõen kerekednek, ha az ösztön feszültség kicsiny; Couperin, Rameau, a német Dettersdorf, Haydn sok mûve, sokszor még Mozart zenei formái játékos szórakozást foglalnak keretbe. Más korokban széttörnek a formák vagy hatalmas dimenziókat érnek el és elemi, dinamikus, tulajdonképpen kevésbé zenei eszközökkel dolgoznak, ha az energia feszültsége megnõ, amint azt Bach, Beethoven, Wagner mûvei mutatják. A zenei formák pszichológiai vizsgálatánál e kérdéssel ismét foglalkozunk. De elõbb a zene fejlõdését a belsõ feszültség õsi motorikus levezetésén át kell követnünk. A hangbeli kifejezés a primer motorikus kitörés energiájának egy részét átveszi, és kettõ együtt örömöt

96

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 97

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana keresõ közösen mutatkozó játékká: tánccá és zenévé alakul át. A motorikus levezetés másik része elfojtásnak esik áldozatul. A gesztus a taglejtés a civilizáció és az elfojtás által kevésbé befolyásolt néprétegeknél, népfajoknál a beszédnek némi éneklõ jellegével együtt nagy szerepet játszik. A jólneveltség a taglejtést megtiltja. A cheironomiában (a karmester kézmozdulataiban, melynek írott nyoma maradt a neumákban, az elsõ hangjegyekben), a gesztus és a hang között az összefüggés még látható – állapítja meg Riemann. Az izmok nemcsak az éneklésben szerepelnek, a gégefõ izomapparátusa a zenét hallgató egyénben is innerválódik és izomérzettel jár. A gégefõ izomzatának összehúzódása azonban csak részjelensége és maradványa a különbözõ izomösszehúzódásoknak, melyeket legelõször a fájdalom váltott ki és ahol a hang, mint említettük, örömmel ellátott melléktermék. E melléktermék idõvel fontossá lesz és az energia nagyobb részét átveszi, ezzel együtt az örömakcentus nagyobbik felét is, míg az izominnervációk – nemcsak a gégefõé, hanem más izmoké is – az öntudatlanban megmaradnak. A görög tonos, a német tönen szó eredetileg feszítést jelentettek, ha ma nem is gondolunk a „Ton” szónál feszültségre. A hangok képzetét, a rájuk való emlékezést Lotze szerint mindig csendes beidegzett, de nem hangzó beszéd vagy ének kíséri. Zene-, ének épp úgy, mint hangszeres zene – csak úgy marad emlékezetünkben, ha bensõleg reprodukáljuk. A civilizált hallgató aktív beidegzése és a primitív ember zenélése közt – minthogy utóbbi sohasem hallgató, hanem mindig aktív kísérõ – csak kvantitatív különbséget látunk. A ritmus jelentõségére a primitív zenében, mint a zenei öröm lényeges és legkorábbi komponensére csak röviden utalunk. A ritmus pedig – mint arról késõbb lesz szó – nem egyéb, mint váltakozó, tisztán motorikus izomösszehúzódás és elernyedés. a primitív zenében – mondja Wallaschek – az izomérzés nagyobb szerepet játszik, mint a hallás. Mindazok az izomcsoportok, melyek a fejlõdés folyamán az ösztön levezetésével kapcsolatba jutottak, és amelyeknek összehúzódása a reflexpálya megrövidülése folytán feleslegessé vált, a zenés és hallgató örömérzéshez öntudatlan beidegzéssel hozzájárulhatnak. Részvételüket elárulják az együttmozgások, melyeket feltétlenül elsõdlegeseknek és nem asszociációk által kiváltottaknak kell tekintenünk, mert elõbb voltak meg, mint a produkált hangok. Zenészek – különösen tanulóéveikben – arcfintorokat vágnak öntudatlanul játék közben és csak hosszas gyakorlattal tudnak ezekrõl leszokni, azaz azokat elfojtani. Az énekes magas hangoknál önkéntelenül lábujjhegyre áll, a hegedûs homlokát felfelé ráncolja. A zene hallása is kelt néha öntudatlan együttmozgásokat. A cigány, ha mélyebb érzést kifejezõ dalt játszik, vagy ha azt az érzést jelezni akarja, felsõ testét táncritmusban ringatja. Csak a dirigensnek szabad ezeket a mozdulatokat végezni, persze bizonyos korlátok közt. A karmester a saját élményévé vált zenemûvet motorikusan fejezi ki, reagálja le. Mozdulatai a játszókra és a muzikális hallgatókra, akiknek a hallott zene szintén belsõ élményévé lesz, felemelõk, felszabadító hatásúak, mert õk maguk is végzik e mozdulatokat, illetõleg szeretnék végezni, de kénytelenek elfojtani és csak a szóbajövõ izomcsoportokat innerválják.

97

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 98

Archívum A nem muzikális hallgató idegenül áll e mozdulatokkal szemben, sõt komikusnak látja azokat, mert a hallott zene nem lesz egyéni kifejezésévé és épp ezért a karmester handabandázását feleslegesnek, céltalannak érzi. Az ösztön eredeti gátlásnélküli motorikus levezetése nem történhet meg, de a hangbeli kifejezést is eredeti mivoltában elfojtás éri. Az öntudatlanban átalakul megengedett, örömöt hozó, formált zenei kifejezéssé, de még ilyen alakban is csak idõnkint, bizonyos alkalmakkor, mikor a fent említett módon a gátlások megszûnnek, jelenhet meg örömakcentussal. A motorikus levezetésbõl megmarad elõször a tánc, mikor a zene különvált tõle, az izmok beidegzése és ezen át tolódik át az öröm a hangbeli kifejezésre. A zene öröme a szublimálás által veszít intenzitásából, mert hiszen az energiának csak egy része szabadul fel kifejezésekben, másik része lappangva marad a beidegzésben. Az érzés intenzitása egy zenei mûben sohasem érheti el az igazi érzés erõsségét, ha mûvészi hatásra törekszik. Ez természetes, mert ha az ösztön eredeti energiájával tör át, a motorikus levezetésnek explozív gyorsasága nem engedi, másrészt feleslegessé teszi a mûvészi formába öntést. Tisztáznunk kell azt a kérdést is, mi a különbség a zene hatásában szerzõjére, játszójára, hallgatójára. Az újabb pszichológia értelmében a passzívnak látszó érzés és az aktív kifejezés közt nincs éles ellentét. Az örömelv értelmében minden inger, mely érzékszerveinket éri, azokban molekuláris mozgást, zavart, feszültséget idéz elõ; az érzékszer alkatánál fogva ezen zavar kiküszöbölésére, a régi egyensúly helyreállítására vagy egy új egyensúlyra törekszik. Az érzésben tehát már tulajdonképpen a motorikus tartalom, a feleletre való kényszer is benne van. Az érzékszerv a kifejezõ szervekkel bonyolult és sokszoros kapcsolatban áll. Ha egy inger intenzitása eléri az érzés küszöbét, vagyis áttör az érzékelõ szerv határán, intenzitásának megfelelõ fokban további molekuláris zavart, feszültséget idéz elõ a kapcsolt kifejezõ motorikus szervekben. Egy még soha nem tapasztalt ingerre nagyobb vagy továbbtartó egyensúlyzavar következik, mert az érzés motorikus tartalma elmosódott, semmiféle irányban elõ nem készített lesz, nem foglaltatik automatikusan az érzésben. Ismert ingernél a rossz érzést okozó feszültség rövidebb ideig tart, mert a begyakorolt motorikus válasz határozottabb, gyorsabban következik be, az érzésben már benne van. Amint az akarat bármilyen megnyilvánulása föltételezi az érzést – a végrehajtandó tett képzete mint belsõ érzés megelõzi a tettet – éppúgy nem lehet érzésünk akarati tény nélkül. Csakhogy az akarat mûködése, a motorikus levezetés nem mindig látható, néha csak a beidegzésben, az egyensúly helyreállítására való törekvés készültségében nyilvánul. Ribot mondja, hogy minden gondolat már kezdete valamilyen izommûködésnek. E tétel újabban fizikailag teljesen beigazolódott. Az izomösszehúzódás alkalmával galvanométerrel egy áramot, az ún. akcióáramot lehet kimutatni; újabban finomabb eszközökkel kimutatták ezen áram keletkezését akkor is, ha csak a megfelelõ izomösszehúzódásra gondolt a kísérleti egyén. Az izom innervációja az ösztön rögtöni levezetés által való kielégítésének tökéletlen pótlása. Így tehát érzés és kifejezés közt csak intenzitásbeli, kvantitatív különbség van. Ezért a passzív érzés és az aktív kifejezés

98

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 99

Mosonyi Dezsõ: A zene lélektana öröme közt is csak fokozati a különbség, utóbbi esetben természetesen az öröm nagyobb. Ami már most a zenét illeti, ismét emlékeztetnünk kell arra a tapasztalatra, hogy a primitív népek – de épp úgy a gyermekek – zenei élvezete csak az egyén aktív részvételekor jön létre, nincsenek hallgatók, csak szereplõk. A zenei kifejezés egyúttal tánc is; nemcsak a gégefõ izmai, nemcsak a hangszerek kezeléséhez szükséges izomcsoportok, hanem az egész test énekel és játszik. Késõbb aktív kifejezés szabadságát átruházzák egy egyénre vagy egy zenészcsoportra, a hallgató azonban megtartja azon izmok innervációját, melyeket az érzet, a hallás magában foglal. Ha azonban az érzetben ez a motorikus feszültség nincs benn, mert ismeretlen ingerek, a zene egy idegen fajtája hatott, az innerváció elmosódott lesz, a zenét nem értik meg és öröm nem kíséri az érzetet. Primitív népek sok utazó ily irányú kísérlete alkalmával az európai zenét szánakozva megmosolyogták. Az új inger, mely levezetést vagy az azt pótló innervációt még nem talált, csak kellemetlen feszültséget idéz elõ. Ugyanilyen hatás van magasabbrendû zenének minden nem muzikális kultúremberre, sõt még zenei képességekkel felruházottakra is, ha zenei képzettségüknek nem felel meg a hallott zene színvonala. De még a zeneértõ, zeneileg jól képzett hallgató sem érti meg elsõ hallásra – vagyis nem hallgatja örömérzéssel – az eredeti, egészen új kifejezésmódokkal ható zenemûvet. Csak olyan ritmikai, dallambeli, összhangzatbeli jelenségek váltanak ki benne örömet, amelyek már átélt innervációkra találnak. Ezért nem kivétel, hanem általános pszichológiai szabály, hogy minden zenei zseni csak nehezen érvényesül. Händelnek Angliában szemére vetették, hogy Aeolusszal, Jupiterrel és Neptunnal akar lármában versenyezni. Dittersdorf, maga is kiváló zeneszerzõ, II. József császárral való beszélgetésében Haydn mûveit összehasonlítja Mozartéival és utóbbinak témáit, azoknak bõségét és gyakori változását olyan komplikáltnak tartja, hogy azok a hallgatót megzavarják és kielégítetlenül hagyják. Rossini nekünk igazán egyszerû és átlátszó zenéjét egy korabeli elõkelõ zenekritikus érthetetlennek találta. Még a nagy Goethe sem érezte át Beethoven zenéjének nagyszerûségét; idegesen hallgatta végig a C-moll szimfónia I. tételét, és azt mondta: „Õrültség, az ember azt hinné, összedõl a ház!” Weber, aki maga is újító volt, Beethoven Eroicáját „szélesen terjengõ, merész és vad fantáziának” nevezte. Az új mindig mint idegen kifejezés, idegen nyelv hat. Ismétlés által már a hallgató saját képzetévé, emlékképévé lesz megfelelõ innervációkkal, tehát a saját kifejezésévé válás lehetõségével. Mert csak ez okozhat örömet. Csak ha a saját ösztönünk feszültségét vezetjük le általa, lesz idegen, ránk ható mûvészet élvezetessé. Sok zenei frázis, befejezésmód, összhangfajta, zenei forma stb. hangzott kezdetben idegenül a kortársaknak; a magasabb rendû zene új eszközeit kiválasztottak kisebb körére mintegy ráerõszakolták és makacs ismétléssel a tömeg vagy a zeneértõk lelkének saját kifejezésévé tették. A divat mint alacsonyabb rendû, a stílus mint magasabb színvonalú mûvészi jelenségek a zenében is szociálissá vált pótló ösztönkielégülések. A zeneszerzõ mûvészi öröme természetesen intenzívebb,

99

08-Mosonyi-(P).qxd

5/21/2013

4:52 PM

Page 100

Archívum sokszor az extázisig fokozódik. Beethovenrõl mesélik, hogy a Missa solemnis alkotásakor szobájában ordítozva szaladgált fel s alá. A más szerzõ mûvét játszó zenész a levezetésnek kisebb örömét érzi, de mégis erõsebben, mint a hallgató; mert az aktív játékban a saját ösztönének motorikus lereagálása több-kevesebb gátlással megtörténhetik. A hallott zenének azonban nagy része tovaszáll anélkül, hogy nyomot hagyna a hallgatóban; villámgyors futamok, többszörös kísérõ témák, különbözõ hangszínek fortissimo játéknál stb. csak a zeneszerzõ képzeletében élnek vagy csak a karmester, a partitúrát olvasó zenés lelkében fogamzanak meg, mert csak az õ aktív izommunkájuk vagy innervációjuk teszi lehetõvé az ilyen komplikált hallásbeli benyomások átélését. Hogy csak a saját, vagy sajáttá vált élmény kifejezése hozhat mûvészi örömöt, azt más tapasztalatok is megerõsítik. Karinthy meséli, hogy gyermekkorában Petõfi verseit leírta és alájuk saját nevét jegyezte. A gyermek jellemzõ szimbolikus cselekedete volt ez, amellyel az idegen kifejezést saját örömére kisajátította. Helyi beszédformák, tájszólás, városi argót teljesen hatástalanok a be nem avatottra, sõt többnyire bosszantják. De aki az argó területén otthonos, minden ilyen kifejezést örömmel hall, mert saját kifejezését érzi benne. A pszichológia technikájában arra a meggyõzõdésre jutottak az orvosok, hogy a szuggesztió csak akkor hat, ha autoszuggesztióvá válik, vagyis az egyén saját öntudatlanának része, saját ösztönébõl erõt merítõ képzet lesz belõle. Ez a Lotze-féle átérzés (Einfühlung), melynek fejlõdéstörténetét és pszichológiai gyökerét Freud a Massenpsychologie und Ich-analyse címû mûvében fejtette ki. A más személyekkel való azonosítás a csecsemõben elõször az anyával vagy az apával jön létre, késõbb más személyekre, ezek nyilvánította jelenségekre, azután tõlük különvált jelenségekre terjed ki, és ezalatt bizonyos mértékig megtartja öröm-akcentusát. Az azonosítás azonban csak akkor jöhet létre, ha a saját és az idegen én vagy jelenség egésze vagy része közt valamilyen analógia, hasonlóság mutatkozik és ezt az én észreveszi. Ez a „felismerés öröme”, amely ilyenformán a legõsibb, legelsõ libidinális tárgykapcsolatunkra vezet vissza. A zene hallásakor érzett öröm is csak ezen érzelmi kapcsolat által keletkezhet és éppúgy szublimált libidó, mint a saját zenei kifejezés. Hogy mennyire analóg a gyermek azonosulása apjával és a hallgató azonosulása a hallott zenével, annak elõadójával és komponistájával, mutatja az a viharos, minden szerelmi áldozatra képes lelkesedés, amelyet zeneszerzõk, elõadó mûvészek fiatalabb hallgatóikban kiváltanak. Általánosságban igyekeztünk kimutatni, hogy a zene a lelki feszültség egyik kifejezése az örömelv uralma alatt. További feladatunk lesz – amennyire a zene egészen sajátos természetébe szavakkal be lehet hatolni –, hogy a zene egyes elemeit megvizsgáljuk arra nézve, hogyan szerepelnek azokban az ösztönök mint energiaforrás és örömet termelõ erõ. Leginkább fog sikerülni e törekvésünk a ritmus, kevésbé a dallamképzés és a zenemûvészet legfiatalabb terméke, az összhang birodalmában.

100

09-SummCont-(P).qxd

5/21/2013

4:53 PM

Page 101

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 101–103

English Summaries

The present issue is devoted to the problems of music in psychoanalysis, The issue compiled and edited by ANNA BORGOS. After a Foreword by FERENC ERÕS the Editor’s Introduction follows.

In the MAJOR ARTICLES section we publish the following contributions: STUART FEDER, “Promissory Notes.” Method in Music and Applied Psychoanalysis. There is something fundamental to music which seems promising and applicable to the study of all the arts. This is its essentially formal property. The consideration of form might provide a bridge between a work of art and the mental life of its creator. It might, for example, link elements of character and style seen in or out of a clinical setting with stylistic features of art. Further, it might illuminate elements of the underlying structures of mind. Feder’s study is an attempt to derive and develop governing principles which might be useful in the application of psychoanalysis to art – music serving as the extreme but not unique example. NATHAN ROTH, Sigmund Freud’s Dislike of Music: A Piece of Epileptology. Although few people in the history of mankind have been studied so thoroughly as Freud, no one has attempted to explain his aversion to music. The author makes an attempt to understand Freud’s dislike of music taking into consideration a rather rare form of reflex epilepsy known as musicogenic epilepsy. ALEKSANDAR DIMITRIJEVI Ć, The Birth of Self Psychology from the Spirit of Music. In this essay the author looks for answers to two questions. In the first part he is interested in why and how the psychoanalysis of music became the least developed part of the applied psychoanalysis. He offers illustrations and arguments for the claim that Freud’s lack of musicality not only delayed the development of the application of psychoanalysis to music, but that it was also deeply connected to his attitude toward transference and counter-transference as well as the technical recommendations he gave to his students. In the second part, he offers a close

101

09-SummCont-(P).qxd

5/21/2013

4:53 PM

Page 102

English Summaries reading of Kohut’s early papers on music and his papers on empathy. He argues that Kohut’s deep interest in music provided a model that applied to clinical phenomena, i.e. that his ideas about psycho-economy of musical experience were analogous to his conception of narcissistic transferences. In this way, Kohut’s nonreductionist approach can serve as a model to all psychoanalysts interested in cultural phenomena.

In the WORKSHOP section we publish a neurobiological and object relational analysis of music (based on Dezsõ Mosonyi’s book and Béla Bartók’s music), and a review of a jazz musician’s book. CSABA HORGÁSZ, The psychoanalysis of music. Reflections on Dezsõ Mosonyi’s forgotten book, illustrated by the analysis of Béla Bartók’s early works. The author discusses the connections between emotion and cognition at a neurobiological level, pointing out that the elements of music (rhythm, melody, harmony, and musical forms) are compromising formations between the conflicting forces of motivation and adaptation. He locates these main organizing principles into the context of psychoanalytical object relation theory, showing invariance between musical and object relational structures. In a case study, he explores how certain characteristics of Bartók’s early compositions represent his unrequited love to violinist Stefi Geyer, illustrating the musical representation of object relation dynamics. KORNÉL ZIPERNOVSZKY, Playing trumpet and analyzing. A review of Krin Gabbard’s Hotter Than That: The Trumpet, Jazz, and American Culture (Faber and Faber, New York, 2008). Krin Gabbard, following his earlier groundbreaking volumes of the interpretation of jazz, Hollywood and American culture (Jammin’ at the Margins; Black Magic), takes a psychoanalytic look at how the trumpet came to assert masculinity as well as Afro-American identity. Utilizing character, style, social history, generation gap and other viewpoints, he especially excels in putting the influence of Buddy Bolden, Louis Armstrong and Miles Davis into this context. The author’s devoted study of the instrument (and his introspection of learning to play it) gives an additional authenticity and depth to his treatment of the topic. Though the chapters on the universal cultural history of the instrument and its manufacturing prove to be somewhat lengthy, the volume is a great reading for anyone even slightly touched by the interest for the social and psychological aspects of American popular music and jazz.

102

09-SummCont-(P).qxd

5/21/2013

4:53 PM

Page 103

English Summaries In the ARCHIVES section we publish two essays. The Hungarian psychoanalyst SIGMUND (ZSIGMOND) PFEIFER (1889-1945) in his study Musikpsychologische Probleme, originally published in Imago in 1923 (based on his lecture at the 7th International Psychoanalytic Congress in Berlin, 1922), explains the bases of the developmental theory of music. According to him, music is distinguished from all other arts by its inability to represent objects of the libido outside the ego. It induces a regression to the mode of activity dominated by the pleasure principle, and on this basis countless preconscious fantasies arise in partial compensation for wish-fulfillments connected with objects. These fantasies, which are the substance of other arts, are only indirect derivatives of music, appearing first in the listener’s mind. The psychology of music is rooted in biology and sexuality. The objectless, functional type of music is a consequence of the circumstances of creation and the narcissistic and autoerotic fixation of the contributing libido. We publish the introductory chapter from a book by the Hungarian physician and musicologist DEZSÕ MOSONYI (1885-1945), New ways in the psychology of music (A zene lélektana új utakon). The author suggests that music can be considered a way of relief for psychological tensions; music is an expression of these tensions under the realm of the pleasure principle. Instincts search first for a motoric, then a vocal, and finally a musical expression. He explores the ensemble of musical and dance performances through several anthropological examples, demonstrating the relationship between the expression of sexual drive and music. He considers the pleasure of listening to music as the manifestation of sublimated libido similarly to one’s own musical expression.

103

09-SummCont-(P).qxd

5/21/2013

4:53 PM

Page 104

Imágó Budapest

(3 [24]) 2013, 1: 104

Contents Foreword (Ferenc Erõs) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3 Introduction (Anna Borgos) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 5

MAJOR ARTICLES Stuart Feder: “Promissory Notes.” Method in Music and Applied Psychoanalysis . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 7 Nathan Roth: Sigmund Freud’s dislike of music: a piece of epileptology . . . . 23 Aleksandar Dimitrijević: The Birth of Self Psychology from the Spirit of Music . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 31

WORKSHOP Csaba Horgász: The psychoanalysis of music. Reflections on Dezsõ Mosonyi's forgotten book, illustrated by the analysis of Béla Bartók's early works . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .43 Kornél Zipernovszky: Playing the trumpet and doing analysis. Krin Gabbard: Hotter Than That: The Trumpet, Jazz, and American Culture . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .67

ARCHIVES Sigmund (Zsigmond) Pfeifer: Musikpsychologische Probleme (1923) . . . . . . . 73 Dezsõ Mosonyi: New ways in the psychology of music (A zene lélektana új utakon [1934]) (excerpt) . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 81

ENGLISH SUMMARIES . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 101

IMAGO_sablon_2011-4.qxd

9/18/2014

11:04 AM

Page 1

Az Imágó Egyesület lapja

Recommend Documents